Corazón iluminado (Héctor Babenco, 1996) 🌟🌟🌟

Héctor Babenco es un director que no ha sido valorado en su justa dimensión. Tuvo su momento de gloria al filmar "El beso de la mujer araña", que si bien excelente, no es ni de lejos su mejor película. "El amor es un eterno vagabundo" es la más dura, con las excepcionales actuaciones de Meryl Streep y Jack Nicholson. "El pasado", su última película con Gael García Bernal y Analía Couceyro, es un excelente ejercicio sobre el transcurso del tiempo y las personas. Algo de "El pasado" es lo que está de algún modo pintado en "Corazón iluminado".
Sobre un magnífico libro de Ricardo Piglia y el mismo Babenco, la película cuenta una historia inusual, con algo de "Los siete locos" en la esencia de los personajes. Juan, un adolescente judío (Walter Quiroz), que vive aterrorizado por las amenazas de sus compañeros del colegio, está metido en un grupo que comanda Jacob (Arturo Maly) quien ha inventado una máquina fotográfica que permite fotografiar las almas de las anteriores reencarnaciones de las personas.
En el grupo conoce a Ana (María Luisa Mendonça), quien lo seduce inmediatamente. El padre de Juan (Villanueva Cosse) lo induce a que trabaje con él, vendiendo ropa a domicilio y Juan se desempeña bastante bien, pero él quiere ser director de cine.
De las desventuras de la relación entre Ana, una muchacha enferma mentalmente quien supone ser la reencarnación de Anna Frank y Juan, se construye el andamiaje emotivo de esta película.
Héctor Babenco es un maestro en el arte de modelar personajes desesperados y al borde de la sociedad. María Luisa Mendonça compone a la perfección su personaje, con tal encanto que seduce no solo a Juan sino a los espectadores.
La historia de Juan y Ana termina trágicamente, con los dos envenenados con píldoras que Ana toma para mantenerse "no mala" como élla se califica.
La segunda parte de la película transcurre 18 años después. Juan, ahora encarnado por Miguel Angel Solá, vuelve a la Argentina para ver a su padre que está internado. La madre de Juan (Norma Aleandro), le asegura que su padre va a salir a flote. Juan se encuentra con un compañero del grupo Oscar Ferrigno Jr. (hijo de Norma Aleandro y Oscar Ferrigno) y éste le cuenta que Ana se hizo cargo de los últimos tiempos de vida de Jacob y que está casada felizmente. Juan, que siempre supuso que Ana había muerto intoxicada, decide buscarla, pero solo encuentra a su marido.
Casualmente se cruza con Lilith (Xuxa Lopes) quien como Ana lo hacía, habla con personajes imaginarios. Cuando le cuenta su historia Lilith no parece reaccionar, pero Juan está seguro que se trata de Ana.
La película va a tener un desenlace inesperado. Causado quizás por tantas emociones puestas en juego a lo largo del film, pero que toma al espectador desprevenido.
Escena del intento de suicidio
Más de dos horas de duración no son suficientes para aburrir al espectador sensitivo. Hay muchos matices y muchas emociones puestas en juego en esta historia. Ocho puntos sobre diez es mi calificación.

La desaparición de Eleanor Rigby (De Él) (Ned Benson, 2013) 🌟🌟🌟🌟

Bueno, he visto la segunda parte de la trilogía "Eleanor Rigby" y, no es como suponía, la historia contada desde el punto de vista de Conor (James McAvoy), sino una inteligente profundización de las causas y motivos de la desaparición de Eleanor Rigby (Jessica Chastain).
Las escenas en común están repetidas o, al menos así me parecieron, pero es necesario que se mantengan invariables para justificar la narración.
En el transcurso de la película hay muchos diálogos truncos, como cuando la gente da por sobre entendido el asunto o como cuando no quiere referirse al tema. Quizás en la primera parte también era así, pero a mí me llamaron la atención en esta película. Es una larga historia de los malentendidos que se establecen en las relaciones humanas por no decir claramente lo que a uno le sucede.
La relación entre Conor y su padre (Ciarán Hinds) está contada con frases truncas, hasta que en la escena cumbre el padre dice por fin lo que el espectador no sabía sobre el matrimonio de Eleanor y Conor, "he perdido un nieto este año del que tengo básicamente prohibido hablar".
Después de esta escena es como que el inconsciente de la historia se abre y muestra sus secretos.
Conor tiene que vaciar el departamento y se lo ve saliendo hacia la izquierda y vuelve con la cunita del bebé, sale nuevamente y vuelve con más cosas. Es una escena estremecedora.
La actuación de James McAvoy es estupenda. Su tortuosa relación con los compañeros de su restaurant, el chef Stuart (Bill Hader), la asistente de la barra Alexis (Nina Arlanda) y Sía (Nikki M. James). La tortuosa relación que Conor establece con el mundo. Su enojo con el mundo. Está todo muy bien plasmado.
A quien haya visto la primera parte de la trilogía le va a ser imprescindible ver esta segunda parte para comprender un poco más las reacciones de los personajes.
En una escena magnífica, Isabelle Huppert interpretando a Mary la madre de Eleanor, demuestra lo excelente actriz que es. Como que Conor desaparece de la escena y queda solamente Huppert.
Como le muestra el padre a Conor: "Una estrella fugaz solo dura segundos, pero, ¿no te alegras de haberla visto?"
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Nueve puntos sobre diez y todavía me falta ver la tercera parte de "La desaparición de Eleanor Rigby".

Birdman (o La inesperada virtud de la ignorancia) (Alejandro González Iñárritu, 2014) 🌟🌟

Alejandro González Iñárritu vuelve a reunirse con los escritores argentinos Nicolás Giacobone y Armando Bo para escribir el guión de su película. No es una historia inusual, no es tampoco original. Un actor de películas tipo comic, Riggan Thomson (Michael Keaton), decide demostrar que puede ser algo más que Birdman, ser un actor de verdad. Para eso escribe, dirige, produce y protagoniza la adaptación de una historia de Raymond Carver al teatro.
La película, tramposamente filmada como si lo hubiera sido en una sola toma, sigue la vida de Riggan durante los tres días anteriores al estreno por los pasillos y camerinos del teatro. Las vicisitudes de su vida, los problemas entre actores, los problemas de producción y su relación con su hija drogadicta Sam (Emma Stone) y su ex esposa (Amy Ryan) llenan el marco de la historia.
Entre los tres escritores habían escrito anteriormente "Biutiful", con mucha mayor profundidad y compromiso humano. "Birdman" es una historia chiquitita, casi de televisión, pero brillantemente filmada. Claro que en "Biutiful" estaba la tremenda presencia actoral de Javier Bardem. Michael Keaton es muy bueno, pero no tiene la garra temperamental de Javier Bardem.
El que está realmente bien en su papel, un actor frustrado que acepta tomar un rol en la obra a último momento recomendado por Lesley (Naomi Watts), es Mike. Edward Norton actúa convincentemente en la piel de Mike, aunque no sea un papel de los que Norton acostumbra a hacer. Hemos de reconocer que su participación en las películas de Wes Anderson lo ha hecho madurar.
No hay nada sobre la historia que pueda rescatar de "Birdman".
Sí me llama la atención la atracción que para Giacobone y Bo tienen los fetiches yanquis. En la película que escribieran juntos y dirigiera Armando Bo, "El último Elvis", el fetiche era Elvis Presley. En esta película es el actor de cartón tipo Michael Keaton quien brillara en las películas de Tim Burton haciendo de Batman y de Beetlejuice, pero que nunca antes había tenido una oportunidad de mostrar sus dotes de actor.
Sí en cambio rescato de la película la seducción que la imagen desparrama sobre el espectador inadvertido. Desde el comienzo, con Riggan levitando en el medio de su camerín, hasta su vuelo por las calles de New York. O su carrera por el medio de Broadway en calzoncillos.
Hay mucha imaginería latinoamericana mezclada con una película profundamente yanqui.
Emma Stone consigue mostrarse convincente en uno o dos parlamentos, pero nada más.
Naomi Watts tiene un solo parlamento en el que expresa su devoción por Riggan, y nada más.
Hay mucho actor desperdiciado en esta película donde la cámara es la súper estrella y Michael Keaton su imagen fetiche. Deambulan por la película Zach Galifianakis y Andrea Riseborough junto a Naomi Watts.
Ni siquiera podemos alabar la música, ya que consiste en solos de batería, buenos para infundir tensión en el espectador, pero nada de emoción.
A mi modesto entender, "Birdman" es un molesto error en la carrera de González Iñárritu, quien no ha conseguido remontar la emotividad que infundiera a "Babel".
De todos modos, si bien intrascendente, es una película agradable de ver y el espectador no se va a sentir decepcionado.
Trailer
Siete puntos sobre diez para Birdman y lamento no haber podido extraer algo más de élla.

Interestelar (Christopher Nolan, 2014) 🌟🌟🌟🌟

Existen, en la historia del cine, dos películas del género ciencia ficción, que a mi criterio, son insuperables, cada una en su estilo. "2001, odisea del espacio" de Stanley Kubrick y "Solaris" de Andrei Tarcovski. La primera incorporó al cine toda la tecnología disponible en el momento, pero se especializó en la cosmogonía del autor Arthur Clarke. La segunda, con la mirada del conocimiento ruso, se especializó en la espiritualidad que el encuentro con un alien podía crear en el ser humano. Creo que "Interestelar" se suma a este podio de la ciencia ficción en el cine aportando la cuota de romanticismo y emoción que tanto escasean en el género.
Christopher Nolan y su hermano, Jonathan, han escrito la saga más increíble de la historia de la ciencia ficción. Dejando de lado el hecho de que la gran mayoría de los espectadores no son especialistas en temas espaciales tales como agujeros negros, gravedad y relatividad, la historia es creíble y se asienta sobre sólidos cimientos de cordura y dramatismo.
La última película de Christopher Nolan, "El origen" o "Inception", ya se movía en las fronteras de lo justificable para la razón, pero en "Interestelar", Nolan va mucho más allá.
Nuestro planeta ha dicho basta al género humano y para evitar la extinción de la raza la única solución es emigrar a todos los habitantes del planeta hacia alguno de los planetas visualizados en una lejana galaxia a través de un agujero negro localizado en las proximidades de Saturno.
La NASA trabajando a escondidas, pues ha sido totalmente desacreditada ante la población, está preparando el viaje de algunos astronautas para explorar esas posibilidades. Hay dos alternativas, A: que la gigantesca sala donde hoy sobreviven los científicos, traslade como arca de Noé al género humano, pero hay algunas incógnitas aún no resueltas sobre el pasaje a través del agujero negro, B: contenedores llevando miles de embriones fertilizados hivernados para que sean la simiente de la raza se siembren en alguno de esos planetas de una galaxia lejana.
Hasta aquí la historia seudo científica, pero lo más interesante de esta película no es esta anécdota, sino cómo los efectos inciden en los seres humanos. La granja donde habita Cooper (Matthew McConaughey, demasiado cowboy para mi gusto) con su suegro y sus hijos Tom y Murphy está siendo arrasada por tormentas de polvo. Cooper fue anteriormente ingeniero y piloto espacial en la NASA. Otros granjeros están quemando sus plantaciones para que no se siga expandiendo la plaga que asola a los vegetales. Un extraño fantasma que aparece en el cuarto de Murphy. Son todas pistas que llevan a Cooper a tomar contacto con la gente de la NASA en su reducto escondido en los confines del desierto. Allí se encuentra con su profesor Brand (Michael Caine) y su hija (Anne Hathaway). El profesor Brand le dice que esas pistas que lo han atraído han sido puestas por "éllos", los mismos que ubicaron el agujero negro en las cercanías de Saturno para dar una alternativa de salida al género humano y que lo han elegido a Cooper para que pilotee la expedición que irá a sondear los resultados de otras 10 naves enviadas anteriormente. Tres de éllas aún siguen transmitiendo por lo tanto es de suponer que esos planetas son viables.
Pero Cooper tiene que decidir dejar a sus hijos, sabiendo que quizás nunca vuelva del viaje interestelar.
Tom lo acepta, pero Murphy se rebela contra la decisión de su padre y le pide que se quede.
Lo extraordinario de esta película es lo profundo que cala en el espectador con las emociones a flor de piel de una tierra en vías de extinción y de la familia de Cooper desgarrada.
Tom, adulto (Casey Affleck) continúa comunicándose a través de mensajes grabados con su padre, pero Murphy no quiere hacerlo, hasta que llega el momento en que Murphy (Jessica Chastain) tiene la edad de su padre cuando los dejó y está trabajando en el centro de la NASA junto al profesor Brand.
Por primera vez en una película de ciencia ficción los dramas de la separación frente a viajes interestelares que consumen la vida de los que quedan esperando, frente a la vacuidad del vacío en que se mueven los tripulantes, están perfectamente presentadas. La emoción en oleadas embarga al espectador y lo hace partícipe del drama representado.
La reconstrucción y los efectos especiales son perfectos, pero esto no es ninguna novedad para el cine norteamericano, la novedad radica en la exposición de los sentimientos de los protagonistas. Es quizás esa la razón por la que Matthew McConaughey, estereotipado en su imagen de cowboy de la frontera, quizás sea acertado. No expone al espectador a sus sentimientos, sino que es la película toda, en su trama, la que lo hace.
Cabe destacar la música de Hans Zimmer, perfecta para esta epopeya. Las actuaciones son todas acertadas, quizás lo mejor sea Ellen Burstyn interpretando a una anciana Murphy, brindando toda la emotividad que su personaje tiene con su maestría excepcional. También el loco astronauta Dr. Mann (Matt Damon) arroja sobre el espectador la exasperación a la que la soledad puede conducir a un ser humano.
El amor es la única fuerza que trasciende al tiempo y al espacio. Es toda una definición emotiva en una película de ciencia ficción.
En fin, hasta los robots, TARS y CASE, son perfectos, para una historia que tiende a ubicarse en un futuro lejano. Esperemos que sí, que sea muy lejano.
Trailer 1
Trailer 2
Un último secreto para el espectador posible, que deje de lado la razón del ego y contemple esta película con los ojos de sus emociones. No todo es explicable a través de la razón, pero todo es entendible a través de los sentimientos.
Nueve puntos sobre diez para "Interestelar" de Christopher Nolan.

Mr. Turner (Mike Leigh, 2014) 🌟🌟🌟🌟🌟

El Maestro de la Luz, William Turner, es el protagonista absoluto en esta maravillosa biografía del excelente director inglés Mike Leigh.
Con maravillosa intuición, hace de su película un muestrario de la vida en Inglaterra a mediados del siglo XIX, pintando más que mostrando una galería de personajes entrañables, comportándose de acuerdo a los cánones de conducta que regían la vida de los ingleses en esa época.
Para el personaje de William Turner elige a Timothy Spall, imposible una mejor elección. No conozco el aspecto físico de Turner, pero a partir de esta película va a quedar impregnado de los gestos y actitudes que Timothy Spall confiere a su personaje.
Riquísimo en emociones y reacciones temperamentales, tal como las obras que Turner nos legó, es el relato que nos muestra a William Turner en sus últimos veinte años de vida.
Apoyado por su padre (Paul Jesson) en todo lo atinente a su trabajo y por el ama de llaves Hannah (Dorothy Atkinson) en lo referente a sus necesidades, Turner pasaba su vida viajando y tomando apuntes en un cuaderno borrador de todo lo que lo impresionaba, apuntes desde los cuáles creaba sus obras en el atelier de su casa.
En uno de esos viajes se hospeda en la casa de Mrs. Booth (Marion Bailey). Al volver tiempo después, encuentra que Mrs. Booth ha enviudado y una relación íntima se establece entre el pintor y la dueña de casa.
Pero en realidad, las anécdotas con que Mike Leigh rellena las 2 horas y media que dura la película, son simplemente anécdotas, no hay notas dramáticas ni escenas trágicas. La muerte del padre se desarrolla lejos de la mirada del espectador, evitando hacer relaciones carnales con sus sentimientos.
La emotividad es subyacente al film y se explica a través de la hermosa fotografía con que está realizada la película y la música que acompaña las escenas. Las increíbles actuaciones de los personajes y, sobre todo, la importante obra pictórica de William Turner, un adelantado a su época, al cual sus contemporáneos admirarán e incluso del que los impresionistas aprenderán.
El espectador es invitado por Mike Leigh a visitar la vida de Turner desde un punto de vista algo alejado para contemplar los hechos de su vida como una visita a una galería.
La mayoría de los hechos no están explicados. La visita de Sarah Danby (Ruth Sheen) con sus dos hijas no se comprende hasta que una de las hijas llama a Turner papá. Tampoco una visita real a la galería de exposiciones donde una quinceañera se atreve a desdeñar las obras de Turner. La ignorante real era nada más y nada menos que la reina Victoria. Es una penetrante crítica del director al espíritu de la época.
Mike Leigh nunca se especializó por lo emotivo de sus películas. En todo caso la emoción aparecía como subproducto de una intensa crítica social, como en "Secretos y mentiras" o "El secreto de Vera Drake". En "Mr. Turner" todo el clima es atmosférico, influenciado por el estilo pictórico del maestro. Del sencillo maestro William Turner, quien se formó a sí mismo gracias al constante soporte de su padre, barbero de profesión.
Un aplauso muy especial para la fotografía de Dick Pope y para la banda de sonido de Gary Yershon.
El espectador se encontrará con una película hipnotizante. Del principio al fin quedará subyugado por la belleza de las imágenes y la simplicidad de las escenas.
Trailer
Cannes Clip 1
Cannes Clip 2
Frente a una obra de estas dimensiones y de tan gran calidad es inútil expresar mi calificación porque sería como el mosquito laureándose del trabajo hecho por el buey.
Solo dejo mi recomendación para que el espectador inteligente y sensitivo no deje de ver esta película.

Ojos grandes (Big eyes) (Tim Burton, 2014) 🌟🌟

Personalmente creo que esta película es el mea culpa de Tim Burton para conseguir salvar su profesión. Luego de haber malogrado su brillante carrera cinematográfica con la espantosa versión que hiciera de "Alicia en el país de las maravillas", Burton intentó plagiarse una vez más recurriendo a los vampiros y a Johnny Depp en "Sombras tenebrosas", pero ya estaba quebrado. La maldición que Lewis Carroll le lanzó desde la tumba va a perdurar durante toda su vida.
Y, ¿cuál es la historia en "Ojos grandes"?, de como un brillante comerciante se apropia de la obra pictórica de su esposa para hacer negocios. Al principio es sólo para enganchar la oportunidad que declara ser el autor de las pinturas con "ojos grandes", pero una vez alcanzado el suceso no quiere volver atrás.
Creo que no hace falta agregar más explicaciones a qué es lo que sedujo a Tim Burton en esta historia.
Si algo está muy acertado en esta película es la elección de los intérpretes. Difícilmente alguien que no fuera Christoph Waltz podría interpretar con tanta libertad y convicción al maestro de las mentiras Walter Keane. Y sincero es el sometimiento de Margaret Keane (Amy Adams) a hacer de su marido el creador de sus criaturas.
En medio de esta bizarra historia, que por cierto es verdadera, hay una infinidad de dramas y melodramas no expresados. Margaret debe encerrarse para pintar, ya que nadie, ni aún su hija, puede saber que es élla la que realmente pinta esos cuadros de niños tristes con sus grandes ojos acusadores.
Debe separarse de sus amigas, las pocas que tiene, para que no puedan descubrir quién es la real autora de los cuadros.
Mientras tanto Walter ve la veta de la copia en los cuadros. En lugar de vender un solo cuadro, va a vender miles de reproducciones del mismo cuadro. Su negocio pasa a ser la venta de copias y copias sin fin.
Su ambición desmedida lo lleva a votarse a sí mismo como único expositor en la muestra que la UNESCO abre en Nueva York. Para esto hace que su mujer pinte un cuadro de dimensiones desmesuradas con las caras de miles de niños representando a los chicos de todo el mundo.
El cuadro tiene una malísima recepción por parte de los críticos, que si bien aceptan los niños individuales, aborrecen que estos se multipliquen.
Pero William no posee mente de artista ni mucho menos de crítico. Enojado con su mujer por el fracaso, intenta quemarla junto con su hija y así consigue que Margaret lo deje y se vaya a vivir a Hawai.
Sin embargo, una vez que la localiza en Hawai, la obliga a que siga pintando para él y le envíe los cuadros a San Francisco.
Como el espectador inteligente se dará cuenta, la historia no está muy lejos de los especiales para televisión de las cadenas especialistas en melodramas y, sobre todo, inspirados en hechos reales.
Sin embargo Tim Burton sale airoso de la prueba y entrega un producto aceptable.
Por primera vez en muchos años renuncia a Johnny Depp y a su mujer Helena Bonham-Carter, para ofrecernos intépretes menos quemados por historias de vampiros.
La música incorpora canciones de Lana del Rey y no está solamente compuesta por Danny Elfman. Finalmente Tim Burton hace revisionismo sobre sus múltiples plagios.
Lana del Rey - Big Eyes
Siete puntos sobre diez para este buen producto de Tim Burton.

La noche de San Lorenzo (Paolo y Vittorio Taviani, 1982) 🌟🌟🌟🌟🌟

La noche de San Lorenzo es la noche de las estrellas fugaces. Para los italianos, la noche en que por cada estrella caída un deseo se hará realidad.
La historia se la cuenta una madre a su hijo, le dice que todo sucedió allá lejos, en 1944, cuando solo tenía 6 o 7 años.
La historia que cuenta comienza en un sótano donde están refugiados los habitantes de San Martino para escapar a los bombardeos. Se dice que los americanos han desembarcado muy cerca y que pronto entrarán en el pueblo. Mientras tanto llega el obispo con la noticia de que los alemanes han ordenado que todos se congreguen en un sitio y él propuso en la iglesia. A los que no estén en la iglesia los van a matar.
Pero Galvano (Omero Antonutti), que no confía en los alemanes y tampoco en el obispo dice que va a ir a buscar a los americanos y que quien quiera puede ir con él. La gente se divide en dos grupos, los que se quedan a salvo en la iglesia y los que parten a buscar a los americanos.
Comienza así la peregrinación de este grupo de seres que ante todo quiere sobrevivir. Van vestidos con ropas oscuras para que no los puedan ver en la oscuridad. Los perros quedan abandonados en el sótano, abandonados a su propia suerte, ya que los alemanes prometieron volar todas las casas.
En la caminata Belindia, que está embarazada, se descompone y la colocan en una carreta para llevarla de regreso a San Martino. Su marido la llevará a la iglesia y luego volverá.
Lo que no sabe es que va a ser testigo de como los fascistas italianos, no los alemanes, sino los mismos italianos, van a hacer volar a la gente que está refugiada en la iglesia. Uno de los fascistas, un pibe de quince años, celebra la explosión contándosela a su "papo".
La historia se va desenvolviendo a medida que avanzan por los caminos y los bosques. Los sucesos más atroces se van desarrollando ante nuestra vista, pero contados como si de un cuento de hadas se tratara, los directores han sido muy hábiles en escamotear la tragedia a la vista del espectador, solo aquellos con los ojos bien abiertos podrán entender las atrocidades de la guerra.
Las atrocidades que los fascistas, los de camisas negras, cometen contra la gente del pueblo. Concetta (Margarita Lozano) una mujer mayor que pensaba quedarse en la finca donde nació, ve que ha sido incendiada por los fascistas.
El guión está elaborado de manera coral y las historias de los protagonistas se cruzan unas con otras. Los mismos directores, con la colaboración de Giuliani G. de Negri y Tonino Guerra son los autores del estremecedor guión.
Tampoco hay primeros planos, con lo que se pierde el protagonismo individual. No se sabe si realmente han herido a alguno salvo por verlo caer. Y las historias se disfrazan de surrealismo, como la de la siciliana que como le han dicho que hay un regimiento de sicilianos americanos, corre por el bosque en su busca hasta que la matan de un disparo en la cabeza tres soldados alemanes camuflados en la espesura, la siciliana ve a sus sicilianos americanos y les dice que le han tirado una pedrada. Los americanos le prometen que la van a llevar a Brooklyn y luego la cámara nos muestra a los verdaderos alemanes.
Así como la tragedia está escamoteada, también lo están los sentimientos y el espectador siente, en su propio cuerpo cada balazo, cada herida que se le propina a los protagonistas.
Cuando la película termina, solo siente ganas de llorar, por esa pobre gente, que como tanta otra gente sufrió los horrores de la guerra.
Cuando uno de los protagonistas decide balear al fascista de quince años escondido en un árbol, el espectador lo celebra contra todos sus principios humanitarios, aunque el padre grita "solo tiene quince años",
Impresionantemente bien realizada, la historia nos seduce y nos hace cómplices de esa gente huyendo de los alemanes en busca de sus salvadores americanos.
Y el desenlace es después de la noche de San Lorenzo, cuando cosechando el trigo en un campo, son descubiertos por un grupo fascista.
La batalla en el campo de trigo
Pocas películas cuentan con mi eterno homenaje a los grandes del cine, esta es una de éllas. No basta con decir que la califico con diez puntos sobre diez. La parte emotiva pesa mucho a la hora de evaluar los logros cinematográficos. Pero sí se que no va a haber espectador que pueda poner distancia entre la historia contada y sus propios sentimientos.