Pienso en el final (Charlie Kaufman, 2020) 🌟🌟🌟🌟🌟

"I'm thinking of ending things" es la última película del gran Charlie Kaufman. Esta vez filmada para Netflix así todos pueden verla. Basándose en la novela de Iain Reid, Charlie Kaufman hace la adaptación para el cine y la película en sí.

No es una película fácil de asimilar. Es fácil de seguir y agradable de ver, salvo para aquellos espectadores que requieran súper héroes y ese tipo de cosas. De eso no hay aquí.

Sí hay, continuamente, una serie de cortocircuitos, que uno puede dejar pasar, pero que son importantes para la comprensión del film.

Jake (Jesse Piemons) lleva a su novia Lucy o Louise o Laurie (Jessie Buckley) a conocer a sus padres que habitan en una granja en el campo. No es el día más afortunado para hacer el viaje, ya que cuando Jake pasa a buscarla, ya está empezando a nevar. Ese empezando a nevar que luego se transformará en un verdadero temporal.

Durante el viaje leemos los pensamientos de Lucy y vemos algunas respuestas de Jake, aunque normalmente no tienen relación con los pensamientos.

En la granja, Jake la lleva a ver los animales, cosa que angustia a Louise, sobre todo la historia sobre los cerdos. Luego entran a la casa, que aparentemente está vacía. Los padres tardarán un tiempo en aparecer, David Thewlis como el padre y Toni Collette como la madre. La comida será un tanto colmada de exabruptos, pero la buena voluntad de Laurie los sabrá atemperar. Durante la comida Jake compartirá que ella es pintora, pero la conoció como mesera en un restaurante de hamburguesas, que estudia física y muchos otros datos contradictorios.

Luego de la comida, que Lucy se empeña en acelerar porque tiene que volver a su casa, comparten el postre y los padres empiezan a sufrir alteraciones de edad. Tanto se muestran jovenes como ancianos al borde de la muerte.

Ya en el camino de vuelta, en plena oscuridad, a Jake le asaltan deseos de comer algo dulce y a pesar de la negativa de Louise, se detienen en una heladería en pleno camino Tulsey Town que atiende las 24 horas. Allí piden 2 Brrr, muy originales para la noche helada que están viviendo.

No voy a seguir relatando, pero el final es totalmente desconcertante. Busqué explicaciones en Youtube, pero me dejaron aún más confundido, así que invito a los posibles espectadores que dejen sus comentarios con sus opiniones en esta página del blog.

Trailer con subtítulos en castellano 

¿Qué hemos visto?

¿Explicación de Coffe-TV? 

A pesar del desconcertante final, 10 puntos es poco para calificar a Charlie Kaufman.

Historia de un matrimonio (Noah Baumbach, 2019) 🌟🌟🌟🌟

Noah Baumbach se destacó por películas que realizó sobre guiones coescritos con Greta Gerwig, "Frances Ha" y "Mrs. America". Después hizo otras olvidables y ahora se destapa con esta magnífica historia sobre la evolución de un matrimonio.
Contando con un magnífico guión escrito por él mismo y con dos actores impecables como son Adam Driver (Charlie) y Scarlett Johanson (Nicole), realiza esta magnífica película en la que se desnudan los aspectos más turbios de los abogados de separaciones.
Habiendo un niño de por medio, Henry (Azhy Robertson), los abogados planifican las más crueles torturas para la pareja.
Laura Dern en su rol de abogada de Nicole, es magnífica, por su caracterización de la dulce y protectora abogada que le quita un 5% del tiempo que compartirán al niño al marido, para que así pierda en algo. Alan Alda personifica al abogado de Charlie, que atendiendo al conflicto esencial de la pareja, vivir en Nueva York, donde vive Charlie o en Los Angeles, donde está Nicole, aconseja a Charlie ceder en este tema, claro está que el hijo quedará viviendo en Los Angeles, pero puede que vaya a la universidad en el este.
Durante las más de dos horas que dura la película vamos a ir entendiendo los vericuetos de la relación entre ambos, de dónde han surgido tantos rencores y por qué no pueden superar las diferencias.
La visita de la evaluadora jurídica (Martha Kelly) del niño a la casa de Charlie es para tirar balcones.
También es interesante ver a Julie Hagerty en el papel de la madre de Nicole, que aunque confiesa 64 años en la película bien podría ser la hermana de Scarlett Johanson.
Una película muy bien filmada, con un ritmo adecuado que no se ralentiza en ningún momento, es siempre agradable para ver y en este caso lo es.
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Nueve puntos sobre diez es mi calificación

Mujercitas (Greta Gerwig, 2019) 🌟🌟🌟🌟🌟

En mi infancia leí las novelas de Louise May Alcott, en una colección que editaba desde las aventuras de Sandokán hasta "Heidi". Con ilustraciones apropiadas para niños y/o adolescentes.
Luego ví dos versiones de "Mujercitas" trasladada al cine. La más vieja con June Allyson en el papel de Jo y la más moderna, con Wynona Rider.
Estas dos versiones seguían siendo extensiones del lenguaje e ilustraciones utilizados en los libros para niños.
La versión de Greta Gerwig ya no es "Mujercitas", sino que es la biografía de Louise May Alcott utilizando el rol de Jo en la novela. Entonces todo cobra otra dimensión porque a Greta Gerwig le interesa esa mujer viviendo durante la Guerra de Secesión e intentando abrirse paso en un mundo hecho para y por los hombres.
Hay un párrafo donde Amy (Florence Pugh) confiesa que si bien tiene talento para pintar, no es un genio. Laurie (Timothée Chalamet) le pregunta entonces que mujeres reconoce como genio, a lo que Amy responde, ¿las hermanas Bronté?.
La película comienza con Jo (la extraordinaria Saoirse Ronan) juntando fuerzas para entrar a las oficinas de la redacción a la que va a ofrecer su cuento y termina con Jo diciéndole al mismo editor, mire quédese con sus 500 dólares de adelanto, yo prefiero ser dueña de mi propio libro.
Y las imágenes de Saoirse Ronan abrazando la primera edición de su libro, valen por toda la película.
Claro que también están Emma Watson en el rol de Meg, con sus sonrisas tan encantadoras, Laura Dern como la Sra. March o Marmee como prefieran llamarla, que es todo un puntal en la historia cinematográfica de Laura Dern, porque por primera vez personifica un caracter profundamente humano, con ambigüedades y superaciones. También está Eliza Scanlen en el rol de Beth, James Norton como John Brooke y una delicatessen, el francés Louis Garrel como el profesor Baher.
Y no nos olvidemos de Meryl Streep en el papel de la tía March.
Creo que no debe haber espectador al que esta película no lo emocione y no le genere amor por el género humano, salvo que esté demasiado contaminado ya con las gripes de las galaxias, los súperheroes y las remakes de películas de guerra.
Un aspecto a destacar especialmente es la hermosa banda de sonido que Alexandre Desplat compuso para la película. Es realmente excelente.
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Diez puntos sobre diez resulta poco al momento de calificar una magnífica película como esta, pero es lo máximo que tengo.

Dónde estás Bernadette (Richard Linklater, 2019) 🌟🌟🌟🌟

Richard Linklater es uno de los más creativos directores de cine de Estados Unidos. Entre otros títulos ha dirigido la serie de "Antes del ..." con Ethan Hawke y Julie Delpy y hace poco vimos "Infancia" la película que le tomó 10 años filmar. Esta, su última película, se cataloga como comedia, pero es mucho más que una simple comedia.
Bernadette (Cate Blanchard) es una arquitecta de renombre que por motivos oscuros ha dejado de trabajar para dedicarse a su hija y a su casa.
No es una persona sociable y viviendo en Seattle, si no eres sociable eres algo así como el enemigo.
Su marido, Elgie (Billy Crudup) trabaja para Microsoft y su trabajo le absorve todo su tiempo libre.
Bee (Emma Nelson) su única hija, está a punto de terminar el colegio y piensa inscribirse en una escuela preuniversitaria, lo que haría que dejara la casa y con ella a su madre que invierte todo su tiempo en élla.
A Bee se le ocurre que la familia haga un viaje a la Antártida como cambio total de rutina y esto desata una crisis en Bernadette. Si bien la idea de estar en un barco con 200 personas no le es muy agradable, lo que más la asusta es el cruce hacia la Antártida, en el que el barco debe cruzar el Pasaje Drake que es uno de los más tormentosos del mundo.
Como vemos la historia de Bernadette y su familia es bastante inusitada, pero la historia que se cuenta lo es aún más.
Solo el arte de Richard Linklater puede enlazar todos los hechos sin que el espectador se sacuda en su butaca.
Cate Blanchard nos ofrece una de sus mejores facetas, entre la comedia y la desesperación, para lo que está muy bien dotada.
No voy a contar más detalles de la película porque se volvería tediosa para ver, lo que sí digo es que se ve de un tirón, sin respiros porque siempre se quiere saber que sucederá a continuación.
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Ocho puntos sobre diez es mi calificación. Disfruté mucho viendo esta película.

Un día lluvioso en Nueva York (Woody Allen, 2019) 🌟🌟🌟🌟

Esta es la película del año de Woody Allen. ¡Cómo lo vamos a extrañar cuando no filme más!.
Esta vez es la clásica comedia de enredos y personajes varios que se desenvuelve en un día lluvioso en Manhattan. Porque el título alude a Nueva York, pero los exteriores transcurren todo el tiempo en Manhattan. El sitio de sus amores para Woody Allen.
Gatsby (Timothee Chalamet), vaya nombrecito que eligió Allen para su alter ego, está estudiando en la universidad de Yardley, lo que no le interesa demasiado, pero su novia, Ashleigh (Elle Fanning) también estudia en Yardley lo que hace que el sitio lo retenga un poco más. Ashleigh tiene proyectos de ser periodista y de ser posible, periodista cinematográfica y recibe el encargo por parte del periódico local de hacerle un reportaje al director Roland Pollard (Liev Schreiber). Para eso debe viajar a Nueva York y a Gatsby le encanta la idea de mostrarle "su" Nueva York a su novia, así que planea un fin de semana en la ciudad.
Por supuesto que las cosas salen de modo totalmente diferente al planeado y por el medio desfilan Chan Tyrell (Selena Gomez), Ted Davidoff (Jude Law), el asistente de Roland Pollard, Connie (Rebecca Hall), la mujer adúltera de Ted Davidoff, Francisco Vega (Diego Luna) un actor latin lover por el que suspiran las adolescentes y Ashleigh también, la madre de Gatsby (Cherry Jones) quien actúa junto con Chalamet, la escena más surrealista que jamás haya filmado previamente Allen. Y muchos más.
El espectador pasará una hora y media de entretenimiento sin grandes problemáticas ni filosofía alleniana, que lo harán salir divertido al menos, del cine.
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Vale la pena rescatar la magnífica actuación de Elle Fanning quien en dos o tres monólogos se roba totalmente la película. Ocho puntos sobre diez.

Genius: Picasso (Ken Biller, 2018) ⭐⭐⭐

Esto de las mini-series para televisión, se está convirtiendo en una nueva veta para los amantes del cine. Durante mucho tiempo hubo series especialmente concebidas para el cine que se ofrecían en episodios en los cines, para sus seguidores. Ahora la vertiente es hacia la televisión. Hay muy buenos ejemplos, pero en general lo que abunda son los ejemplos de segunda calidad, en cuanto al grado de excelencia cinematográfica.
Ese no es el caso de "Picasso". Presentada por National Geographic como la segunda temporada de su ciclo "Genius",  y realizada por Fox Films, es de un nivel significativo, no solo en cuanto a realización y actuación, sino también en lo impecablemente bien hecho que está el guión. En la obra de Noah Pink. la vida de Pablo Picasso se cuenta a lo largo de 10 capítulos de alrededor de una hora cada uno, con buen ritmo y tensión emotiva, para describir la complicada personalidad del genio español.
Encarnado por Antonio Banderas en la madurez y vejez y por Alex Rich en su juventud, vemos los altibajos de su vida emotiva como tan bien fueran interpretados por Anthony Hopkins en la película "Sobreviviendo a Picasso", basada en la novela autobiográfica de Françoise Gilot.
Interpretada por Clemence Poesy, Françoise fue una de las parejas más estables de Picasso, madre de sus hijos Claude y Paloma.
Pero a lo largo de los 10 capítulos, la historia va a alternar entre la juventud y la madurez del pintor, dejando que desfilen tanto las parejas que signaron su vida y sus retratos, como a sus amigos y compañeros de arte. Entre ellos Max Jacob (T.R. Knight), Dora Maar (Samantha Possey), Fernande Olivier (Aisling Franciosi), Marie-Therese Walter (Poppy Delevigne), Jacqueline Roqué, su última compañera (Valentina Belle) y muchos, muchos más.
La única crítica es al espantoso maquillaje puesto sobre Antonio Banderas. No tiene nombre.
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Ocho puntos sobre diez, que es mucho decir para una serie de televisión. Espero que muchos espectadores la disfruten tanto como yo.

La gaviota (Michael Mayer, 2018) 🌟🌟🌟🌟🌟

"La gaviota" es en mi apreciación, una de las obras de teatro más sensitivas y emotivas de Anton Chejov. Escrita a fines del siglo XIX, aún conserva todos los atributos de humanidad que hicieron de este autor teatral el favorito de todos los públicos.
No es tarea fácil encarar la adaptación al plano cinematográfico de una obra de teatro de tal porte.
Una solución sería hacer teatro filmado, o bien una película teatral, sin embargo el director Michael Mayer consigue lo que parecería casi una utopía. Trasladar la obra más conocida de Chejov, sin hacerla perder ni un minuto de contenido, a un desarrollo fílmico, donde no sólo se obtienen los recursos del movimiento de cámaras y diferentes planos, sino que hasta las situaciones adquieren nuevas dimensiones para el espectador. Este es un éxito merecido del autor del guión cinematográfico, Stephen Karam.
Uno de los grandes atributos de esta película reside en el maravilloso casting realizado por Jim Carnahan. Contar con la pareja de "En una playa de Chesil", Saoirse Ronan como Nina y Billy Howle como Konstantin, aporta casi un 40% al suceso de esta película.
Siendo el personaje de Nina el más tierno y melancólico personaje que se haya jamás escrito, corporizarlo en la maravillosa Saoirse Ronan es todo un lujo que no volveremos a ver y lo está diciendo un ferviente enamorado de Vanessa Redgrave quien personificó a Nina en la escelente versión de Sidney Lumet.
Por otra parte no se puede hablar del elenco sin mencionar a la exquisita Annette Bening, quien podría dar lecciones de actuación a las actrices de su generación, como Irina, la egoísta y sensitiva madre de Konstantin.
Pero también inolvidable es la actuación de la genial Elizabeth Moss como Masha. Masha es un personaje turbio, oscuro y hasta casi desagradable. Elizabeth Moss sabe trasladarle todos los claroscuros y matices de un personaje totalmente humano.
Corey Stoll, a quien recordamos de "House of cards" como Boris, el responsable de la tragedia y Brian Dennehy el arquitecto de la inolvidable película de Peter Greenaway como Sorin, el hermano de Irina.
Así que al director no solo se le debe reconocer por haber traído una vez más a Chejov al mundo del cine, sino por hacerlo en compañía de tales exquisitos intérpretes.
Excelente la fotografía de Matthew J. Lloyd en todo momento, tanto en interiores, como en exteriores diurnos y nocturnos.
Una especial mención requiere la puesta en escena de la trágica obra de Konstantin. Es a la vez trágica y mágica. Creo que nunca, en las veces que he contemplado esta obra, me ha llegado con tal intensidad y complejidad un texto que parece escrito para los siglos que todavía han de venir.
Trailer comentado en castellano
Es accesorio decir que mi valuación es de 10 puntos sobre diez. Espero que los espectadores disfruten de esta película tanto como yo lo he hecho.

Jane (Brett Morgen,2017) 🌟🌟🌟

Gracias a la aparición de más de 100 horas de valioso material fílmico que se consideraba perdido, Brett Morgen ha podido realizar este documental sobre la vida y el trabajo de la Dra. Jane Goodall teniendo como base de referencia los escritos de ella misma.
Las filmaciones fueron realizadas durante los años 60 por el fotógrafo, colaborador y luego marido de la Dra. Goodall, Hugo van Lawick,
La película sigue los pasos de Jane Goodall desde que fuera elegida para hacer la investigación sobre las conductas de los chimpancés por el Dr. Louis Leakey. El doctor Leakey la seleccionó, sin tener en cuenta que no tuviera formación académica, por su gran afición a los animales y dedicación absoluta a su trabajo, porque quería tener un estudio que le permitiera evaluar las conductas de los primeros humanoides.
La falta de "influencia científica" hizo que los estudios y observaciones de Jane Goodall fueran mucho más abiertos y directos y con una falta total de preconceptos.
El lugar elegido fue el Parque Nacional de Gombe, en Tanzania.
La película narra su frustración inicial, ya que como ella misma dice, los chimpancés la veían y huían, así que la única observación registrada era la fuga de los chimpancés.
Luego de 5 meses de observación paciente, logró que un macho al que élla llamaba David Greybeard, porque tenía la barba blanca, no huyera de élla y paulatinamente el resto de la comunidad pareció aceptarla.
Es en ese momento cuando Jane descubre que David Greybeard utiliza herramientas, ramitas a las que quita las hojas y usa para extraer termitas de agujeros del nido. Este descubrimiento, fundamental para comprender la mente de estos animales, hizo que el Dr. Leakey consiguiera el financiamiento de la National Geographic, quien también envió al fotógrafo Hugo van Lawick para registrar las observaciones de la Dra. Goodall.
Este documento es esencial para que el ser humano aprenda a acercarse al reino de la vida de nuestro planeta del que los avances tecnológicos lo separan constantemente.
Como un bonus track, está la maravillosa música de Philip Glass acompañando las secuencias de la película.

Trailer en inglés
Un cronista le preguntó "cuánto tiempo más estará asociada con los chimpancés". Jane Goodall contestó, "hasta que muera". De hecho es mensajera de la paz de las Naciones Unidas por Inglaterra.
Entrevista a Jane Goodall
Ocho puntos sobre diez es mi calificación para este excelente documental.

Wonderstruck: El Museo de las Maravillas (Todd Haynes, 2017) 🌟🌟🌟🌟

Esta última obra de Todd Haynes, se diferencia de las anteriores en que el argumento no es ni bizarro ni espeluznante, pero su estilo cinematográfico está presente en cada escena filmada desde el principio de la película.
La imagen es más bien oscura, confusa y difuminada, creo que a veces hasta abusa del difuminado, pero consigue su objetivo que es atrapar al espectador que realmente tiene interés en conocer su obra.
La historia está adaptada por Brian Szelnick desde su propia novela y tiene todo lo necesario para convertirse en un laberinto de ideas donde la revelación de último minuto nos ilumina de repente la imagen cinematográfica.
Básicamente la historia sigue las fugas similares de Ben (en 1977) (Oakes Fegley) y de Rose (en 1927) (Milicent Simmons) que culminan en el Museo de Ciencias Naturales de la ciudad de Nueva York.
Ben encuentra un amigo en Jamie (Jaden Michael) que lo introduce en los recovecos del museo que él bien conoce porque es el lugar elegido por su padre para dejarlo cuando tiene trámites que hacer.
Rose por su parte, luego de huir de su madre (Julianne Moore) a quien ha venido a ver porque la extraña, entra en el Museo buscando a su hermano Walter (Cory Michael Smith).
Ben está buscando a su padre, del que su madre (Michelle Williams) nunca encontró tiempo para contarle quién era. Para eso tiene como pistas un señalador de la librería Kincaid y un folleto sobre el Museo de las Maravillas, origen del actual museo de Ciencias Naturales.
La diversión para el espectador va a comenzar cuando las cámaras de Todd Haynes se sumerjan en los dioramas y vitrinas del museo a los que utiliza como escenografías para hacer todo tipo de trucos visuales.
La búsqueda de Ben va a culminar en la librería Kincaid con su encuentro con la maravillosa Julianne Moore, que como es costumbre, nos vuelve a fascinar con su interpretación.
Creo que es muy importante citar a la maravillosa banda de sonido de Carter Burwell que mucho hace para complementar los momentos visuales del director y también al director de cinematografía Edward Lachman, sin cuyas imagenes la película carecería de sentido.
No creo que ningún espectador quede decepcionado con esta nueva obra de arte que nos brinda Todd Haynes con su actriz habitual, Julianne Moore.
Trailer subtitulado en castellano
En fin, a mi criterio Wonderstruck es una de las películas más lindas que he visto en mucho tiempo, por eso mi calificación es de nueve (9) puntos sobre diez.

Los Cuentos no Contados de Armistead Maupin (Jennifer M. Kroot, 2017) 🌟🌟🌟

Este es un film documental sobre el escritor norte-americano Armistead Maupin.
En cierto modo es casi una autobiografía, ya que es el mismo escritor quien narra aspectos de su infancia, adolescencia y su complicada madurez en San Francisco.
Nacido en el seno de una tradicional familia sureña vivió la mayor parte de sus primeros años en Charleston.
Como cabe a un sureño se enroló en las filas del partido republicano y participó de la guerra de Vietnam.
Al volver de la guerra, participó en un grupo que promovía la ayuda a Vietnam para la reconstrucción de viviendas y por esa tarea fue recibido por el presidente Richard Nixon.
Pero había un detalle que nadie conocía. Armistead era homosexual.
Hasta que se mudó a San Francisco y comenzó a escribir sus historias para el diario San Francisco Chronicle, donde su sección "Tales of the city", se constituyó en un gran éxito.
Pero el editor veía como la sección se iba poblando de personajes homosexuales, transexuales y otros tipos de "desviaciones" que un diario tradicional no debería incluir.
En este film, muy bien guionado, es el propio Armistead quien nos cuenta acerca de su viraje de tradicional republicano a liberal homosexual.
Con la participación de las actrices que luego tomaron parte en la versión televisiva de sus "Tales of the city", Laura Linney y Olimpia Dukakis y de su amigo, el actor Ian MacKellen, se narran aspectos inesperados de la personalidad del escritor.
Es un documento ameno y divertido, donde los aspectos trágicas, el SIDA por ejemplo, no se evitan pero se tratan sin melodramas innecesarios.
Prácticamente desconocido en nuestras latitudes, tanto por su obra literaria como por la versión televisiva de su página diaria, es muy interesante enterarse de lo que sucedía en los años 80 y 90 en Estados Unidos.
Trailer en inglés
Dramatización del vehículo elegido para confesar a sus padres su homosexualidad
Siete puntos es mi calificación para este interesante documental que me abrió las puertas del conocimiento a este escritor desconocido para mí hasta este momento.

La forma del agua (Guillermo del Toro, 2017) 🌟🌟🌟🌟

Con "La forma del agua", el director mexicano Guillermo del Toro, crea una obra maestra del romanticismo más exquisito. Por romanticismo no me refiero a una historia de amor, que esa no es la verdadera esencia del romanticismo, sino a vivencias más profundas del alma humana de donde han surgido obras maestras como "Frankestein" o "Drácula".
Para escenario, del Toro elige los Estados Unidos de los años 50-60. Los colores de la fotografía apuntan a las películas saturadas de color de la época. También el trasfondo social es el de la época, las grandes persecuciones racistas de la época y, del Toro, acumula en la misma película a extranjeros, negros, mujeres y homosexuales.
Esta historia de amor entre una trabajadora del personal de limpieza (Sally Hawkins) en unas instalaciones del ejército donde se realizan experimentos secretos y el sujeto de esos experimentos, una criatura anfibia encontrada en Sudamérica con forma humana (Doug Jones).
El malvado a cargo de los experimentos es un militar con todas las características inhumanas de los militares estadounidenses, Richard Strickland (Michael Shannon) quien para demostrar su ferocidad se mueve con una porra de descargas eléctricas con la que intimida al personal y ataca a la criatura.
Elisa Esposito (Sally Hawkins) está fascinada con la criatura y lo menciona a su compañera Zelda (Octavia Spencer) por medio del lenguaje de señas, ya que Elisa es muda.
También lo comenta con Giles (Richard Jenkins) un hombre gay con quien comparte el edificio en el que vive. En la planta baja del edificio hay un cine. Otro guiño de del Toro.
El Dr. Robert Hoffstetler (Michael Stuhlbarg) es el médico a cargo de la criatura, pero en sereto es un agente ruso, a quien su jefe Bernard (Stewart Arnott) encarga secuestrar al anfibio. Hoffstetler le dice que aún hay mucho que aprender, a lo que el ruso le contesta que no le importa aprender sino que los estadounidenses no puedan aprender. Si no puede secuestrarlo deberá matarlo.
Elisa, se entera de los objetivos del General Hoyt (Nick Searcy) "¿Hoyt?", superior de Strickland de eliminar a la criatura y visiseccionarlo y decide secuestrarlo con la ayuda de su amigo Giles. Hoffstetler, los ayuda porque también el siente que debe proteger al animal.
El anfibio, una vez en casa de Elisa, se come al gato, otro guiño de del Toro para con el alienígena Alf.
Es un gran espectáculo que seguramente fascinará a muchos espectadores mientras que a otros esta nueva versión de la Bella y la Bestia los dejará disconformes.
Es una película fantástica y romántica. A pesar que se mencionen muchos datos de la realidad, no deja de ser una completa ficción y como tal debería ser disfrutada.
Trailer subtitulado en castellano.
Curiosidades de la película
Ocho puntos sobre diez para "La forma del agua". Supongo que al recibir el premio Oscar a la mejor película será vista por muchos espectadores, pero este premio no ha tenido ninguna influencia en mi crónica.

Coco (Lee Unkrich y Adrian Molina, 2017) 🌟🌟🌟🌟

Los que amamos las películas de animación, sabemos que de la factoría Disney se destacan aquellos films realizados por la compañía Pixar.
Si es de Pixar es casi una garantía de calidad. Pero en sus últimas realizaciones han ahondado en un camino sin retorno. La vía de las emociones. Ya no son aquellas explotadas comercialmente como la de la madre de Bambi muerta por un cazador, sino que son algo más profundo y real, algo que es muy difícil de explicar con palabras, porque no hay signos en el alfabeto humano que expresen las vivencias y sentidos que se mueven en la zona más profunda de nuestra humanidad.
Bueno, "Coco" es un buen ejemplo de lo que estoy tratando de describir.
Con un guión de Adrián Molina y Matthew Aldrich, los realizadores crean, no solo un espectáculo potente, sino también una alegoría del respeto que debemos a nuestros antepasados en este continente, que tanto son hoy vilipendiados por la cultura del dólar y sus seguidores.
No es en vano que los personajes crucen las fronteras temporales del ayer y el mañana. Conviven en la historia el tatarabuelo Héctor (Gael García Bernal) con su tataranieto Miguel (Anthony González).
Si bien las líneas de consanguinidad vienen dadas por las mujeres, la primera de las cuales es la Mamá Imelda (Alanna Ubach), es su hija Coco (Ana Ofelia Murguía), la bisabuela de Miguel quien es el eje emotivo alrededor del cual gira la historia.
Ante todo quiero dejar aclarado que si bien "Coco" es una película que puede ser vista por niños de cualquier edad, son los adultos quienes lograrán el misterio del despertar de sus emociones, al recuerdo de algún familiar perdido o de un bebé recién nacido.
El argumento no tiene desperdicio, transcurre durante la celebración del Día de los Muertos, una celebración que une las tradiciones de los pueblos originarios del continente, con las cristianas de este, nuestro lado del río Grande.
Hay algo perverso en la historia de como el mayor intérprete de todos los tiempos, Ernesto de la Cruz (Benjamín Bratt), plagió y robó la música de Héctor Rivera hasta hacerlo desaparecer de la memoria de los vivos, porque algo semejante es lo que se propone la cultura anglo-sajona con la latinoamericana. Sin embargo, cada tanto aparece una señal en el arte de que ese objetivo, si bien logrado con las hamburguesas, los edulcorantes y las bebidas cola, está muy lejos de hacer mella en los tradicionales afectos y emociones de nuestra historia.
Pienso que muchos espectadores sentirán que algún calorcito humano se enciende en su interior, mientras que otros continuarán consumiendo pochoclo.
Todo esto y mucho más, la realidad de conservar los árboles genealógicos de nuestras familias para conseguir que nuestra historia continúe estando viva, se muestra en la película. Diez puntos solo por esa realidad mostrada con tanto desparpajo.
La música hace mucho por todas las películas y la melodía principal, "Recuérdame" va a seguir sonando en los corazones mucho tiempo después que hayan olvidado sus escenas. Esta canción pertenece a Kristen Anderson López y Roberto López. Un dato curioso es que la versión intimista de arrullo es cantada por Gael García Bernal, Gabriella Flores y, Libertad García Fonzi, o sea la hija de Gael García Bernal y Dolores Fonzi.
Trailer en castellano
Para los que hayan disfrutado ya de esta película, les dejo el spot de la canción principal.
Recuérdame
Nueve puntos sobre diez para esta importante producción cinematográfica que calará muy hondo en las gentes sensibles..

La rueda de la maravilla (Woody Allen, 2017) 🌟🌟🌟🌟

Se debe apreciar mucho el cine para poder resistir el frío de hielo seco que lastima la piel en estos cines de grandes malls. Y como si eso fuera poco el nauseabundo olor del popcorn que quedará impregnado en nuestra ropa y en nuestras fosas nasales. Pero todo sea por Woody Allen.
Esta, "La rueda de la maravilla" o bien "La vuelta al mundo" como debería denominarse en una traducción del título que no fuera literal, es realmente un paseo por el mundo del cine del prolífico autor y director estadounidense. El, si bien ha filmado bastante en Europa, no ha cambiado su nacionalidad, quizás porque ama demasiado a Nueva York, su ciudad natal y sobre todo el mágico mundo de Coney Island, con su parque de diversiones y sus laberintos bajo los tablados de madera.
Es en ese mundo donde Woody Allen dibuja este drama feroz, digno de la mejor factura de Tennessee Williams. Allí, en el recinto de una atracción abandonada, viven Ginny (Kate Winslet) con su segundo marido Humpty (Jim Belushi) y Richie (Jack Gore), hijo del primer matrimonio de Ginny.
Humpty maneja la Wonder Wheel durante la noche y Ginny es camarera es un restaurant especializado en almejas. Ambos se rescataron mutuamente del alcoholismo y luchan para protegerse de la que saben sería definitiva recaída.
Buscando a su padre, Humpty, llega Carolina (Juno Temple). Humpty no quiere saber nada con élla, porque después de la muerte de su mujer, Carolina se escapó para casarse con un gangster de la peor calaña. Ahora vuelve a buscar a su padre porque no tiene donde ir. Los secuaces de su marido la están buscando para matarla ya que cantó a la policía los secretos de la banda de su marido. Por eso piensa que Humpty la puede ocultar.
A todo esto, Ginny tiene un asunto con un guardavidas, Mickey (Justin Timberlake). Ginny está desesperada frente a la chatura de su vida y de su matrimonio. De joven fue actriz y no puede resignarse a terminar su vida como camarera. Como si fuera poco, su hijo Richie es incendiario y del colegio lo quieren denunciar a la policía.
Mickey es el único personaje que pertenece a la clase media. Estudiante universitario de arte dramático durante el invierno, trabaja como guardavidas durante el verano para conocer gente y así enriquecer sus vivencias, las que piensa volcar en una novela. Para él Ginny, además de ser una linda mujer, es una buena pieza. Es casada y está desesperada, hay mucho drama latente en su vida.
Es inevitable que Mickey conozca a Caroline y entonces ya están tendidos todos los hilos de la trama que Woody Allen quiere poner en escena.
Hay que decir, que Kate Winslet es la piedra fundamental del edificio. Es su magnífica actuación la que nos convence de la verosimilitud del drama que con tanto detalle Woody Allen describe.
Kate Winslet es actualmente una de las mejores actrices en el panorama mundial y eso Allen lo sabía cuando la reclutó para su revival de Coney Island.
Hay que destacar los inmensos avances de la dirección de fotografía de Vittorio Storaro, quien ya había trabajado con Allen en "Cafe Society" en el cine de Allen. Los primeros planos, iluminados por las luces de unos coloridos atardeceres, viran al azul grisáceo como se tuerce la historia hacia el drama.
Estos cambios de iluminación y los incendios de Richie son la clave de la película.
Muy buenas, como es habitual, las actuaciones del resto del reparto, aunque, claro, quedan algo opacados por la magistral prensencia de Kate Winslet.
Trailer subtitulado en castellano
Ocho puntos sobre diez es mi calificación para este perfecto melodrama de Woody Allen.

Billy Lynn (Ang Lee, 2016) 🌟🌟🌟🌟

El cartel de la película dice "Poderosa, Cautivante, Hipnotizante". Y no es simplemente un anuncio de marketing, es verdad.
El director Ang Lee nos tiene acostumbrados a sorprendernos con sus películas. Desde "El banquete de boda" donde un chino de Taiwan residiendo en Nueva York para poder vivir sin persecuciones su homosexualidad, recibe la visita de sus padres que ignoran sus inclinaciones y debe presentarles a una "novia" armada de urgencia. Pasando por su versión de Jane Austen "Sentimiento y sensibilidad" con las estupendas actuaciones de Emma Thompson y Kate Winslet. La asombrosa "El tigre y el dragón" donde reveló a occidente la estética que el cine de Hong-Kong había desarrollado y llevó a las artes marciales chinas a un nivel de un alto desarrollo artístico. "Secreto en la montaña (Brokeback Mountain)" donde por primera vez desarrolló con humanidad una relación amorosa homosexual. En fin, toda su cinematografía es asombrosa. "Billy Lynn" no es la excepción a esta regla.
Basada en una novela de Ben Fountain y con un increíble guión de Jean-Christophe Castelli, Lee describe una escena y sólo con esta muestra es suficiente para percibir lo que se maneja alrededor de la guerra de Irak y su relación con el pueblo estadounidense.
Billy Lynn (Joe Alwyn) es un cabo de un escuadrón denominado "Bravo" que participó en una escaramuza con iraquíes. Como resultado de que alguien estuviera filmando el arrojo de Billy cuando saltó fuera del lugar donde estaban atrincherados para auxiliar a su sargento Shroom (Vin Diesel) y que el video se difundiera en los Estados Unidos, todo el escuadrón es llevado para hacer presentaciones especiales ante el público estadounidense. Sí, así como lo oyen, así es descripto con la mayor naturalidad en la película y así debe haber sido en la realidad. El sargento Dime (Garrett Hedlund) cree que Billy tiene capacidad para ser militar y lo retiene a toda costa con las amenazas de costumbre dentro de las fuerzas armadas, esas donde la valentía y el arrojo priman sobre cualquier otra aptitud. Pero Billy a sus 18 años, está absolutamente conmocionado por lo que le ha tocado vivir en Irak y, aunque no lo puede discernir, siente que algo no está bien.
Su hermana Kathryn (Kristen Stewart) aún convalesciente por haber sido atropellada por un camión, quiere convencer a Billy que no vuelva al frente, que ya ha hecho bastante y que vale mucho más hacer frente a la lucha cotidiana por sobrevivir en los Estados Unidos, que matar a gente de Irak para beneficio de las petroleras.
Pero el centro de la película está en la participación del escuadrón en un show deportivo-televisivo, donde se mezcla el futbol americano con el show de las porristas, la actuación de Destiny's Child cuando una de sus integrantes era Beyoncé y la participación del escuadrón a quien hacen vestir con ropas de fajina para parecer más reales. El dueño de toda esa superproducción es un magnate financiero interpretado por Steve Martin quien quiere contratar al escuadrón para filmar una película sobre la batalla por la que pretende pagarles una cifra irrisoria.
Como el espectador adivinará, como toda la historia está enhebrada de ironías dolorosas y sarcásticas hacia el público estadounidense, no es de asombrar que la película haya pasado sin pena ni gloria por las pantallas del mundo.
Excelente la música de Jeff y Michael Danna y la versión de "Heroes" por Scala y Kolacny Brothers, como es de destacar el montaje entre las escenas del show y la memoria de Billy de los hechos como realmente sucedieron.
Trailer en inglés
Scala ·Heroes"
Nueve puntos sobre diez por la asombrosa honestidad de Ang Lee al trasladar esta novela al cine con tanta autenticidad.

La perdida ciudad de Z (James Gray, 2017) 🌟🌟🌟

Es realmente lamentable que la producción haya querido hacer pasar una película biográfica sobre el explorador británico Percival Fawcett, por una nueva versión de Indiana Jones. El título de la película ya es muy triste. Peores aún son los afiches.
Basándose en la novela de David Grann, el director escribe el guión para su película.
Lo más interesante que podría aportar la biografía de Fawcett, es su voluntad inquebrantable de encontrar esta ciudad perdida, que él mismo llamaba "Z", en el centro del Amazonas y eso está bastante bien plasmado gracias a la interesante actuación de Charlie Hunnam.
También es inquietante el espejo de la sociedad victoriana llena de prejuicios y carente de instrucción.
La primera vez, el mayor Fawcett es enviado a la selva boliviana para trazar la frontera cartográfica entre Bolivia y Brasil, porque los intereses británicos en la explotación del caucho lo requieren.
Fawcett contrata a Henry Costin (Robert Pattinson) quien se convertirá en su fiel compañero de expedición.
Hay mucho metraje dedicado a la navegación por el río Verde, que es la frontera natural entre los dos países y a las desventuras en sus encuentros con aborigenes. Metraje que a mi criterio podría haberse reducido a la mitad. En el camino por la selva, Fawcett encuentra restos de cerámica esparcidos por el suelo y esto le hace pensar en la mítica cultura desconocida por los europeos que habita, o habitó,  el corazón del Amazonas.
Pero se acaban los víveres y solo gracias a la caza eventual de un jabalí se aseguran el regreso a la civilización.
En Londres es recibido como un héroe por los habituales creadores de ilusiones de nuestra sociedad. Pero cuando en un discurso en la Sociedad Geográfica, se atreve a mencionar los restos de cerámica hallados en medio de la selva, la turbamulta se burla de sus aseveraciones. Esos indígenas son incapaces de hacer ni siquiera una olla de cerámica.
Pero a través de sus aseveraciones, la Sociedad Geográfica le encomienda una segunda expedición a la selva amazónica. Su esposa Nina (Sienna Miller) que ha dado luz a su segundo hijo Bryan durante su ausencia, pretende acompañarlo, pero Fawcett no la acepta, ya que el lugar de las mujeres es en su casa, cuidando a los hijos. En realidad gracias a las investigaciones de su mujer, Fawcett se hace de un documento histórico brasileño, donde se describe la ciudad perdida de Z.
En cambio se une a la expedición James Murray (Angus Macfadyen), cuya fama proviene de haber sido compañero de Shackleton en su espedición al polo sur. Sin embargo Murray es una desgracia para la segunda expedición. Se come todos los víveres después de huir despavorido de una aldea aborigen cuyos habitantes son antropófagos.
Esta segunda expedición termina mal para Fawcett y Costin y, además debe hacerse cargo de las acusaciones de Miller de haberlo abandonado y de las quejas de su hijo mayor Jack (Tom Holland) quien le reclama por haber dejado a la familia. Esto todo cuando recibe la carta de reclutamiento para la guerra mundial de 1914.
En medio del horror de la guerra de trincheras, el espectador cinéfilo va a tener un hermoso regalo. Como madame Kumel, una adivina que predice el futuro a los soldados, actúa nada más y nada menos que Elena Solovey (actriz favorita de Nikita Mikhalkov en sus primeras películas).
Realmente la película está muy bien filmada y todas las escenas son absolutamente creíbles, pero la duración es, a mi criterio, excesiva y solo aporta tedio al total de la obra. De todos modos, es una película interesante de ver, sobre todo para aquellos que no conozcan en detalle la vida de Percy Fawcett.
Excelente la fotografía de Darius Khondji.
Trailer subtitulado en castellano
Documental sobre Percival Fawcett
Siete puntos sobre diez es mi calificación para este interesante film.
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La cena (Oren Moverman, 2017) 🌟🌟🌟🌟

Una historia moral. Para los tiempos que corren a algunos les podrá parecer demasiado moral. Habrá quien comente que ya es anticuado presentar un dilema de este tipo para espectadores que están acostumbrados a ver en la vida real peores cosas pasar por habituales.
Sin embargo, la verdadera riqueza de este film está en cómo el director eligió contar la historia. Sobre la novela de Herman Koch, el director escribe un magnífico guión que se adapta perfectamente al estilo que eligió para su película.
No es una historia simple. Hay muchos flashbacks y escenas que se repiten ampliándose para la comprensión fílmica del espectador.
Dos adolescentes en tono de burla, prenden fuego a un cajero automático donde se ha instalado una vagabunda. La vagabunda muere quemada entre las llamas.
Son los padres de estos dos adolescentes, los que se reúnen para cenar en un restaurant 5 estrellas.
Ellos, Paul (Steve Coogan) y Stan (Richard Gere) son hermanos y hay múltiples competencias entre ambos. La esposa de Paul, Claire (Laura Linney), tiene muchas historias escondidas detrás de su afabilidad y, no sabemos porqué, en su mayoría escondidas para su marido. La esposa de Stan, Kate (Rebecca Hall) es su segunda esposa. La primera, Barbara (Chloe Sevigny) lo abandonó hace algunos años cansada de sus aventuras y de su estilo de vida.
Los diálogos no tienen desperdicio, entrevemos alguna enfermedad mental en alguno de los caracteres, pero no entendemos claramente en cuál de éllos. La mentira normalmente esconde un profundo desorden mental.
Y este es el dilema que la película plantea a los espectadores con total desvergüenza. ¿Puede un desorden mental justificar un asesinato?, ¿es que todo está permitido para los miembros de la clase dirigente?.
Las desavenencias entre los hermanos quedan en evidencia desde el primer momento. Las respuestas de Paul, que confunden toda la realidad y echan a perder la mejor de las intenciones, en realidad están ocultando una profunda paranoia que lo acompaña desde su más tierna infancia.
Por otra parte Stan, quien plantea develar todas las mentiras y hacerse cargo de las situaciones, no encuentra quién lo acompañe en su cruzada.
El espectador se va a ver envuelto en una andanada de historias sin resolver que tienen su punto cumbre en la visita de los hermanos al campo de batalla de Gettysburg, una batalla de la guerra civil que pudo cambiar el curso de la historia de los Estados Unidos.
Excepcionales son el montaje, la fotografía y los movimientos de cámara que el director pone en marcha para exacerbar las emociones.
Trailer en inglés
Ocho puntos sobre diez para está magnífica historia donde la ética brilla por su presencia o más bien por su pretendida ausencia.

El maestro del dinero (Jodie Foster, 2016) 🌟🌟🌟🌟

Contadas veces el cine estadounidense se ha cruzado en el camino de las empresas financieras para desacreditarlas. Esta es una de las mejores logradas historias sobre una estafa financiera a los inversionistas.
Jodie Foster no es una maravillosa directora ni tampoco aporta demasiadas novedades a la cinematografía, pero sí es de destacar que en los años que lleva trabajando como directora, casi siempre se ha visto envuelta en proyectos donde la hipocresía y las falacias del sistema capitalista quedan expuestas de un modo descarnado.
La historia es simple y sencilla. Lee Gates (George Clooney) conduce un programa por televisión que es una especie de show sobre las finanzas. Allí canta, baila y asesora sobre las acciones que están en alza o las que están en baja. Habla sobre los índices y toda esa parafernalia con que el mundo del dinero engatusa a la gente común.
El show está dirigido, entre bambalinas, por Patty Fenn (la inigualable Julia Roberts) que es quien modera y aconseja a Lee sobre por dónde debe seguir y con quien debe o no meterse.
Pero el día en cuestión, un hombre se filtra en el set llevando dos cajas. Patty lo ve de refilón, pero cuando quiere acordar ya es tarde. Kyle Budwell (Jack O'Connell) ha reducido a Lee con un revolver y lo ha obligado a colocarse un chaleco que tiene una bomba en su interior. Kyle conserva el detonador en su mano izquierda y el revólver en la derecha.
Su petición es para que Lee aclare porqué estafa así a la población. Hace unos meses aconsejó comprar acciones de la empresa Ibis y hoy esa misma empresa deja en bancarrota a sus inversionistas y, todo, por un error del programa informático, según declara la corporación.

"Uno se siente contento cuando un film se atreve a decir verdades que el propio sistema oculta. No sucede muy seguido, pero hay películas hechas con valentía.

Incluso, uno se queda sin entender cómo han logrado camuflarse dentro de las redes del paradigma que las produce.

Lo cierto es que Jodie Foster, como directora de El maestro del dinero , parece hacer suyo aquel texto del gran realizador Andrei Tarkovski: “El realismo es inclinarse hacia la verdad y la verdad siempre es bella”.

Así, Jodie Foster lleva su película hacia la denuncia social como acto de sinceridad y, por eso, el film es poco creativo en términos formales: no hay ningún gesto formal o visual que nos distraiga de lo que está en juego. Aquí se busca preparar la guillotina para ajusticiar actos de corrupción del sistema.

La trama sucede en Estados Unidos, pero es trasladable a otros países. Se trata del capitalismo parasitario propio de una economía neoliberal."

Maravilla la actuación de Julia Roberts. Sin sus gestos y miradas la película no diría las mismas cosas.

George Clooney está medido y coherente con su papel, en tanto que Jack O'Connell desborda sinceridad y ejemplifica lo que un buen actor puede extraer de papeles que le brindan oportunidades.

También hay que destacar la actuación de Caitriona Balfe, como la directora de comunicaciones de la empresa Ibis.

En fin, una película excitante de principio a fin, que no tiene ningún desperdicio y que encima se permite la osadía de hacer una denuncia social del sistema neoliberal que está corrompiendo a nuestra civilización.

Trailer en castellano 

Por la inteligencia y honestidad, 8 puntos para "El maestro del dinero".

 

La Cabaña (Stuart Hazeldine, 2017) 🌟🌟🌟🌟

El resumen descriptivo de esta película provocó cierto rechazo de mi parte: "Un hombre pasa un fin de semana en una cabaña con Dios".
Sin embargo, después de mucho tiempo me decidí a verla.
Basada en el libro de Paul Young, Wayne Jacobsen y Brad Cummings, entre John Fusco, Andrew Lanham y Destin Daniel Cretton, escriben uno de los guiones más fascinantes de los últimos tiempos.
La historia es complicada y tiene muchos recovecos. Comienza cuando el protagonista, Mackenzie Phillips (Sam Worthington) de chico ve a su padre borracho pegando a su madre. Esto lo decide a hablar con el pastor en la iglesia y confesar que ya no tolera más la situación, lo que le vale una paliza descomunal por parte de su padre. Cuando huye de su casa, caminando se cruza con una mujer que lo invita a comer un pedazo de pastel y que le dice, un padre no debe hacer eso a sus hijos.
Luego vamos a ver a Mack mezclando estricnina en las botellas de whisky de su padre.
La historia pasa luego a la adultez de Mack. Casado con Nan (Radha Mitchell), son padres de tres hijos: Josh (Gage Munroe), Kate (Megan Charpentier) y la pequeña Molly (Amelie Eve). Nan debe cuidar a su hermana que tiene una severa depresión, así que Mack va con sus hijos a un camping junto a un lago. En el lago, Kate y Josh navegan en un bote, Kate se para para hacerse la graciosa y el bote da una vuelta de campana. Josh queda atrapado abajo del bote y Mack se echa a nadar para rescatarlo. Con respiración artificial consigue reanimarlo. Cuando ya pasó el susto, Mack busca a Molly y no está por ningún lado. Llaman a la policía, pero la búsqueda es infructuosa. En una cabaña en el bosque encuentran el vestido rojo que llevaba puesto la niña.
Mack cae en una terrible depresión. Nan que debe viajar una vez más se lleva a los hijos con élla y le advierte a Mack, perdimos una hija, no quiero perder un marido.
.Mack está limpiando la nieve de la puerta de su casa cuando advierte que en la casilla del buzón hay una nota. La nota dice, "Te esperamos a pasar el fin de semana en la cabaña. Papa.".
Papa es como Nan llama íntimamente a Dios. Mack que solo se lo ha contado a su amigo Willie (Tim McGraw), lo increpa y le dice que como puede jugar con una cosa así. Willie niega tener algo que ver con la nota. Mack finalmente decide ir a la cabaña para averiguar de qué se trata. Willie le aconseja que no vaya solo ya que puede ser una trampa del criminal. Sin embargo cuando están por salir, en la camioneta de Willie, Mack lo deja y se va. En un cruce de rutas, cuando dobla, casi lo atropella un camión. Pero Mack sigue y llega a la cabaña. Espera allí infructuosamente, finalmente decide salir a caminar por el bosque cubierto por la nieve. Un hombre joven lo invita a seguirlo hasta que en un claro se ve un resplandor, lo sigue y penetra en una zona del bosque donde mágicamente reina la primavera. Hay una casa al fondo, llega a la casa y cuando entra lo recibe una mujer negra, gorda (la maravillosa Octavia Spencer), que lo saluda como Papa y le agradece que haya aceptado la invitación. Mack niega que élla pueda ser Dios, pero ella le presenta a su hijo Jesús (Avraham Aviv Alush), quien lo guiara hasta la casa y a Sarayu (Sumire) que forman parte de su ser.
De aquí en más comienza el maravilloso y doloroso camino espiritual para Mackenzie. Durante todo el fin de semana va a aprender que ha vivido juzgando y condenando a Dios y a la humanidad, como si se tratara del juez supremo. Va a aprender que la salida está en perdonar, pero no en "yo te perdono" como una fórmula, sino como una vía para la liberación de los sentimientos de culpa y castigo de lo que se construye la condena de la vida humana.
En resumen, ¿es una película religiosa?, creo que no lo es en un sentido ritual, pero que sí lo es en un matiz más profundo de nuestro ser. Creo que aporta, a través de la ficción, mucha sabiduría al espectador y con un lenguaje claro y preciso, aunque la película esté llena de símbolos que llegan en profundidad.
Es una película necesaria para todos aquellos que buscan el sentido más básico de la vida. Pueden encontrar respuestas en esta película.
Trailer (en castellano)
Por una excelente contribución a la parte "buena" de la humanidad que está tan olvidada, 8 puntos sobre 10 es mi calificación.

El bosque de los sueños (The sea of trees) (Gus Van Sant, 2015) 🌟🌟🌟🌟

Vemos a un hombre que deja su auto a la entrada de un aeropuerto con las llaves puestas y una tarjeta, ¿olvidada o dejada a propósito?.
El hombre embarca con destino a Japón. Llega a Tokyo y sube a un taxi, el taxi lo deja a la entrada de un bosque a los pies del Monte Fuji. Mientras va entrando vemos carteles de advertencia, ¿puede ser que el hombre haya venido hasta Japón solo para suicidarse?.
En paralelo vamos viendo detalles de la vida de Arthur Brennan (Matthew McConaughey), el hombre en cuestión. Enseñando a alumnos del colegio y luego en su casa, discutiendo con su esposa, Joan Brennan (Naomi Watts), que pareciera ser alcohólica.
Se interna en el bosque y traspasa los límites establecidos para los turistas. Más allá está el bosque donde se pierden los suicidas en la base del Monte Fuji.
Se hunde en la espesura y elige un lugar para comenzar a tomar las pastillas que lo envenenarán, pero una sombra llama su atención. Es un hombre japonés, del que más adelante conocerá el nombre, Takumi Nakawara (Ken Watanabe), que después de intentar suicidarse cortándose las venas, vaga perdido por el bosque. Arthur le indica el camino de regreso, pero al poco tiempo lo divisa cerca suyo nuevamente. Entonces se da cuenta de las muñecas heridas. Le improvisa torniquetes con la corbata del hombre y con una manga de su camisa. Y decide ayudarlo a encontrar la salida.
En varios flashbacks vamos entendiendo la relación tormentosa que tenía con su esposa y como era imposible lograr algo de comunicación entre ambos.
En el camino hacia la entrada del bosque, Arthur resbala y cae en una hondonada donde una rama le atraviesa el costado. Ahora es el turno de Takumi de ayudarlo. Le cuenta que perdió su trabajo y que ya no podía mantener a su mujer y a su hija, por eso intentó suicidarse.
Le dice los nombres de ambas y también le canta una canción de "Un americano en París", "Escalera al paraíso" y le dice el nombre en japonés de la canción.
Todos estos datos serán claves al final de la película.
No debo contar más sin entrar de lleno en el núcleo de la película.
Sobre un estupendo guión de Chris Sparling, Gus Van Sant elabora una impecable película donde la trama y la razón de ser de la película se van descubriendo de a poco, como las capas de una cebolla.
A pesar que gran parte de la película consiste en diálogos o monólogos, no se pierde la tensión en ningún momento y si bien, el argumento no apunta a espantar al espectador, todo podría ser un sueño, solo un mal sueño.
Excelentes las actuaciones de los tres protagonistas con un plus para la excelente Naomi Watts. No es un personaje fácil para interpretar y tiene muchos recovecos del espíritu que quedan excelentemente bien plasmados para la película.
El final es totalmente inesperado, aunque haya varias pistas durante el transcurso de la acción y más de un espectador dejará caer algunas lágrimas por la emoción de las revelaciones.
Trailer subtitulado en castellano
Nueve puntos sobre diez, por haber despertado inesperadamente mis emociones. Una excelente película romántica por antonomasia de Gus Van Sant.

Sophie y el sol naciente (Maggie Greenwald, 2016) 🌟🌟🌟

Es conocido que Estados Unidos es un país corroído por los odios raciales. No es necesario politizar demasiado, sino que es cuestión de analizar la historia de sus más de 200 años para encontrar suficientes testimonios.
Por eso es muy interesante cuando el cine se ocupa de retratar la médula de estos problemas con un pequeño ejemplo.
En la película de Maggie Greenwald basada en la novela de Augusta Trobaugh, los hechos se desarrollan en Salty Creek, un pequeño poblado de Carolina del Sur en el año 1941, poco después de haberse desencadenado la guerra mundial en Europa.
A este pueblecito, ya lo dice el refrán, pueblo chico, infierno grande, llega un autobus dejando una carga semiviva sobre un banco en la calle principal.
Las mujeres, siempre las mujeres son las encargadas de meterse en todo lo que sucede, interrogan al muchacho (Takashi Yamaguchi) que está muy malherido y todo lo que le consiguen sonsacar es "Ohta", que pareciera ser su nombre. Lo clasifican como chino y las autoridades piden a Anne Morrison (la gran Margo Martindale), que lo aloje en su casa hasta que se restablezca y pueda continuar su camino a donde quiera que fuese.
Anne se ocupa con gran solicitud de curar las heridas y alimentar al muchacho que parece estar totalmente perdido.
Una vecina de Anne, a la que Anne tiene en gran estima, pasa un día por su casa para interesarse por el estado del chino. Es Sophie Willis (Julianne Nicholson), una mujer que vive sola y que para sobrevivir pesca cangrejos. Obviamente no le teme a la vida y tiene en muy poca estima a los pobladores de Salty Creek.
Se iniciará una relación entre Ohta y Sophie, cuando él vaya a pintar al mismo lugar que elige Sophie para hacer sus cuadros. Es una relación amistosa aunque de desconfianza mutua.
A la casa de Anne se presenta Salomé (Lorraine Toussaint) a pedir empleo como ama de llaves y aunque no tiene referencias, Anne la contrata a prueba.
Este personaje pasará a ser el enlace de las diferentes situaciones que se desarrollen en más en la película.
A medida que Ohta mejora se empieza a ocupar del jardín de Anne y lo convierte en un paraíso.
Pero sucede el bombardeo a Pearl Harbor por parte de los japoneses y la entrada en guerra de los Estados Unidos.
El chino de Anne Morrison es el enemigo para el pueblo y Anne le recomienda que no salga de la casa. Su enemiga número uno es Ruth Jeffers (Diane Ladd) quien cuida a su esposo inválido y en los ratos libres se dedica a meterse en la vida de la gente, especialmente criticando la de Sophie.
La relación entre Ohta y Sophie va convirtiéndose en romance. Hay unos flashbacks que nos muestran como Sophie fue castigada de niña por tener una amiga de color.
Como podemos ver, ya están todos los ingredientes mezclados y el detonador pasa a ser cuando alguien ve a Ohta y Sophie besándose en el lugar donde pintan y Ruth Jeffers se encarga de divulgarlo a todo el pueblo.
Ohta, cuyo nombre es Grover, le confiesa a Sophie que no es chino, sino de familia japonesa, pero nacido en California. Sophie le sugiere que no se lo diga a nadie más.
La película, aunque de tintes muy románticos, no hace demasiado hincapié en la relación amorosa entre Grover y Sophie, sino que pinta con vivos colores el odio racial que llena las vidas de los habitantes de este pequeño pueblo.
Con buenas actuaciones, sobre todo la de Margo Martindale a quien el espectador avezado recordará como la cartera en una de las historias, la más emotiva quizás, de "París, je t'aime", la película se define como un excelente intento de retratar el problema subyacente en gran parte de la población de Estados Unidos. No tiene violencia, aunque hay algunas escenas que son muestras de la violencia cotidiana, por ejemplo la irrupción del comisario del pueblo en la casa de Sophie.
Trailer
Siete puntos sobre diez es mi calificación para este interesante film que fuera seleccionado para el Festival de Cine de Sundance, el más interesante de todos los que se celebran en Estados Unidos.