Anton Chéjov 1890 (René Feret, 2015) 🌟🌟🌟🌟

Poco tiempo antes de morir, René Feret dio a la humanidad esta obra de arte sobre la biografía del autor ruso Anton Chéjov (Nicolas Giraud).
En ella describe los años difíciles para la familia Chéjov, durante los que consigue mantener a su familia, padre, madre y 4 hermanos, ejerciendo su profesión de médico y publicando de tanto en tanto algún cuento en la prensa local.
Al comienzo de la película se ve como llegan a la casa de los Chéjov, Grigorovich, un escritor que admira lo que ha leído de Antosha Chekhonte, tal el seudónimo con el que publica sus cuentos, acompañado del editor Souvourin (Jacques Bonnaffée). Este compromete a Anton Chéjov a que le envíe todo lo que escriba, que él le pagará 15 kopecs por línea de texto.
Este contrato asegura la estabilidad económica a los Chejov.
Su hermano Isaac (Alexandre Zeff) está enfermo de tuberculosis, pero convence a Anton que cuando mejore lo acompañe a la isla de Sakhalin, en el Pacífico, donde funciona una cárcel de máxima seguridad, porque es imposible salir de la isla. Según Isaac, las condiciones de vida en la isla son miserables y deberían hacerse públicas para provocar un cambio.
También describe su relación con Lika (Jenna Thiam) quien está profundamente enamorada del escritor. Para este en cambio, las relaciones no establecen lazos afectivos y por lo tanto puede tenerlas o dejarlas a voluntad.
Después de la muerte de Isaac, Anton decide viajar a Sakhalin para cumplir con la promesa dada a su hermano.
Las condiciones de los presidiarios en Sakhalin son terribles. Están sucios, abandonados y mal alimentados. Anton se relaciona con la maestra, Anna (Marie Feret), hija de un presidiario que decidió quedarse para no abandonar a su padre quien cambió la condena de 10 años de trabajos forzados por el destierro.
El film está realizado con total seriedad y con una dirección de fotografía que embellece los decorados internos, iluminados con velas y los paisajes invernales de Sakhalin.
El espectador que no precise comer mientras mira un film, lo va a disfrutar del principio al fin.
Las actuaciones son todas impecables y la banda de sonido de Marie-Jeanne Serero embellece aún más la imagen.
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Ocho puntos sobre diez es mi calificación para esta excelente película francesa.

Genius: Picasso (Ken Biller, 2018) ⭐⭐⭐

Esto de las mini-series para televisión, se está convirtiendo en una nueva veta para los amantes del cine. Durante mucho tiempo hubo series especialmente concebidas para el cine que se ofrecían en episodios en los cines, para sus seguidores. Ahora la vertiente es hacia la televisión. Hay muy buenos ejemplos, pero en general lo que abunda son los ejemplos de segunda calidad, en cuanto al grado de excelencia cinematográfica.
Ese no es el caso de "Picasso". Presentada por National Geographic como la segunda temporada de su ciclo "Genius",  y realizada por Fox Films, es de un nivel significativo, no solo en cuanto a realización y actuación, sino también en lo impecablemente bien hecho que está el guión. En la obra de Noah Pink. la vida de Pablo Picasso se cuenta a lo largo de 10 capítulos de alrededor de una hora cada uno, con buen ritmo y tensión emotiva, para describir la complicada personalidad del genio español.
Encarnado por Antonio Banderas en la madurez y vejez y por Alex Rich en su juventud, vemos los altibajos de su vida emotiva como tan bien fueran interpretados por Anthony Hopkins en la película "Sobreviviendo a Picasso", basada en la novela autobiográfica de Françoise Gilot.
Interpretada por Clemence Poesy, Françoise fue una de las parejas más estables de Picasso, madre de sus hijos Claude y Paloma.
Pero a lo largo de los 10 capítulos, la historia va a alternar entre la juventud y la madurez del pintor, dejando que desfilen tanto las parejas que signaron su vida y sus retratos, como a sus amigos y compañeros de arte. Entre ellos Max Jacob (T.R. Knight), Dora Maar (Samantha Possey), Fernande Olivier (Aisling Franciosi), Marie-Therese Walter (Poppy Delevigne), Jacqueline Roqué, su última compañera (Valentina Belle) y muchos, muchos más.
La única crítica es al espantoso maquillaje puesto sobre Antonio Banderas. No tiene nombre.
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Ocho puntos sobre diez, que es mucho decir para una serie de televisión. Espero que muchos espectadores la disfruten tanto como yo.

El Dolor (Marguerite Duras, 1944) (Emmanuel Finkiel, 2017) ⭐⭐⭐⭐

"La douleur" está basada en una novela autobiográfica de Marguerite Duras adaptada al cine por el director Emmanuel Finkiel.
En su relato, Marguerite Duras (Melanie Thierry), describe los terribles últimos años de la ocupación alemana de París, después que a su marido Robert lo han detenido los policías de la Gestapo francesa.
Un policía, Pierre Rabier (Benoit Magimel) la contacta declarándose un ferviente admirador de su obra, para ofrecerle ayuda con su marido.
Su amigo Dionys (Benjamin Biolay) le advierte que es una situación muy riesgosa, porque probablemente lo que busque sea sacarle información.
Más allá de las idas y vueltas con el policía, Marguerite oscila entre pensar que a su marido lo han matado ya o cuál será su actitud cuando regrese.
Luego la liberación y la vuelta de los presos en campos de concentración. Caminando descalzos por caminos abandonados. Escuálidos y enfermos. Y todavía, como piensa Marguerite, todavía nadie piensa en los judíos.
De Gaulle y los gaullistas determinan que hay que dejar atrás todo. El sufrimiento, el hambre, el dolor de los seres queridos desaparecidos. Todo hay que dejarlo atrás.
En las memorias de Marguerite, el temible espectro de la guerra se va perfilando cada vez con mayor nitidez, a punto de no saber si está esperando a su marido o si hay otro pavor detrás.
Alemania está en llamas, describe. Como podrá regresar su marido desde un país en llamas.
En un film excelentemente bien realizado, la prosa de Marguerite Duras se hace llagas en la piel de los seres humanos. Como Madame Katz (Shulamit Adar) que espera el regreso de su hija minusválida que se llevaron los alemanes.
Como Francis Morland (alias para Miterrand) (Gregoire LePrince-Ringuet) que sacude a Marguerite con su discurso positivista.
Como su vecina, Mme. Bordes (Anne-Louise Heimburger) que desespera que su marido vuelva y ya no sale de la cama.
Impecablemente delineado, el Dolor del título, estalla en las mentes de los espectadores,
Excepcional el trabajo de Melanie Thierry. Su rostro describe todo el proceso emocional que las frases leídas en off, sacuden sobre Marguerite.
Muy bueno el trabajo de fotografía de Alexis Kavyrchine.
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Nueve puntos sobre diez para este extraordinario trabajo de recreación de las memorias de Marguerite Duras y por extensión del ser humano.

Adios Christopher Robin (Simon Curtis, 2017) 🌟🌟🌟🌟

Con un más que interesante guión escrito por Frank Cottrell Boyce y Simon Vaughan, este film dirigido con maestría por Simon Curtis nos cuenta la ingrata vida del escritor Alan Milne y la génesis de sus libros de cuentos que tuvieron repercusión mundial con las historias de los personajes Winnie the Pooh, Tigger, Pigglet y el chico Christopher Robin.
Alan Milne (Domhnall Gleeson) es un reconocido autor de obras teatrales cuando es llamado a alistarse en el ejército para la primera guerra mundial. A su regreso, ya nunca será el mismo. Cualquier explosión lo aterroriza y enloquece.
Incapaz de escribir, convence a su mujer Daphne (Margot Robbie) de mudarse al campo, donde el espera verse liberado de la atmósfera contaminante de Londres.
Pero su incapacidad para escribir hace que su enojada mujer lo abandone en la casa de campo en compañía de su hijo pequeño, Billie Moon (Will Tilston) quien está a cargo de su nana Nun, (Kelly McDonald, con su simpático acento escocés).
Pero hasta Nun los deja debido a la enfermedad terminal de su madre y padre e hijo deben acercarse e intimar. Es así como Alan toma contacto con los peluches de su hijo, en los que su Teddy Bear ocupa un lugar primordial.
Un día, mientras visitan el zoológico, Billie conoce a un oso pardo de Winnipeg, quien por ese motivo es llamado Winnie. Y este será el nombre con el que bautizará a su peluche.
Esta es la génesis de los cuentos de Alan Milne sobre los cálidos animalitos.
Lo que no imagina es que serán un éxito que traspasará todas las barreras de su intimidad, obligando a su hijo a jugar el papel de Christopher Robin.
Es una dramática historia donde se plantean los límites de la exposición a la notoriedad pública de los niños.
Muy bien filmada y actuada con absoluta convicción. Los personajes se mueven dentro de los hábitos flemáticos británicos que en los años 30-40 impedían la manifestación de emociones y sentimientos.
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Ocho puntos sobre diez es mi puntuación para esta dramática historia. 

Maudie (Aisling Walsh, 2016) 🌟🌟🌟🌟

Sobre la vida de la pintora canadiense Maud Lewis que sufriera de artritis reumática desde su adolescencia, Sherry White escribió un guión poderoso en imágenes y emociones al que la directora irlandesa Aisling Walsh le puso su forma final en una maravillosa película.

Maud Dowley (la increíble Sally Hawkins) vive con su tía Ida en un pueblito de Nueva Escocia. Su hermano Charles la visita para traerle sus pocas posesiones y avisarle que vendió la casa de su madre, esa casa a la que Maud considera su fortaleza.

Escandalizada por la conducta de sus familiares, Maud escucha en el almacén del pueblo a un hombre pidiéndole al almacenero que coloque un aviso pidiendo una sirvienta para su casa. Maud espera que se vaya y saca el aviso directamente.

Al día siguiente se presenta en la casa del pescador Everett Lewis (Ethan Hawks) por el aviso. A Everett, un huérfano que se autoabastece, no le gusta nadie por principio, menos esta mujercita enclenque que apenas si puede mantenerse sobre sus dos pies. Pero al final Maud se sale con la suya y al día siguiente vuelve a prueba.

Pero Maud tiene un amor secreto que es la pintura. Empieza pintando flores y pajaritos sobre las paredes y las ventanas. A Everett no le importa mientras no pinte su pared.

Un día llega a la casa una mujer, Sandra (Kari Matchett). Es una neoyorquina que veranea en Nueva Escocia y que viene a reclamar por dos pescados que Everett le cobró pero nunca le entregó.

Sandra alcanza a ver las pinturas en las paredes y le llama la atención una gallina. Le pregunta a Maud porqué la pintó y le dice que antes de comérsela quería conservar un recuerdo.

Acompañando a Everett a entregar los pescados a Sandra, Maud le deja una postal navideña pintada por ella, que deja a Sandra absolutamente fascinada por el arte de Maud.

Sandra le encarga pinturas a Maud para poder llevárselas a Nueva York.

Everett quiere hacer el amor con Maud, pero Maud le cuenta que tuvo un hijo y que nació deforme y muerto. Esto lo frena a Everett. Más adelante Maud le dirá que ya que viven juntos y duermen juntos, porqué no se casan. Y así termina convenciéndolo.

Las pinturas de Maud empiezan a cobrar fama, hasta que un día llegan a su casa las cámaras de la televisión con un reportero que entrevista a Maud y hasta a Everett cuando asoma la cabeza fuera de la casa.

Everett coloca un aviso sobre el camino, se venden pinturas. Cada cuadro pintado en madera cuesta 5 dólares.

En una charla con Sandra, ella le pide a Maud que le enseñe a pintar. Maud se sonríe y dice que eso no se puede enseñar, es algo que uno trae. Sandra le pregunta, qué es lo que le da motivos para pintar.

"No lo sé." contesta Maud. "Mientras tenga un pincel, nada me importa. Una ventana. Un pájaro que pasa volando. Un abejorro. Siempre es diferente. El total de la vida. El total de la vida ya enmarcado."

Esta película transforma a la vida de Maud en un canto de amor y esperanza hacia toda la vida. Es bueno para todo espectador ver algo así. Nos hace bien.

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Maud Lewis

Nueve puntos sobre diez para esta hermosa muestra de amor a la vida.

El faro de las orcas (Gerardo Olivares, 2016) 🌟🌟🌟

Sobre la novela autobiográfica de Roberto Bubas, adaptada al cine entre el director, Lucía Puenzo y Sallua Sehk, Gerardo Olivares construye este bellísimo film, cuya atracción principal son los paisajes deslumbrantes que tiene al haber sido filmado en los escenarios naturales de Península Valdés, en Argentina.
Beto Bubas (Joaquín Furriel) es un guardafaros cuya única satisfacción es comunicarse con las orcas que visitan anualmente las costas de Península Valdés.
Las orcas, mal llamadas ballenas asesinas, se alimentan de los lobos marinos que abundan en las playas de la zona. Toda Península Valdés es un maravilloso santuario para la vida salvaje, ya que debido a la inexistencia de fuentes de agua dulce se hace imposible habitar la zona.
Los faros de Península Valdés, Punta Norte, Punta Bajos y Punta Delgada son la única prueba de la existencia del ser humano en la península. Al ser un área protegida no se permite hacer camping ni mucho menos pescar o cazar dentro del perímetro de la península.
Lola (Maribel Verdú) tiene un hijo con autismo, Tristán (Quinchu Rapalini) quien después de ver un documental de National Geographic sobre la relación de Beto con las ballenas, demostró cierta inquietud emotiva. Buscando despertar a su hijo al mundo de los sentidos, Lola viaja hasta la Patagonia en búsqueda de Beto, de quien espera pueda inducir a su hijo a revivir.
Beto tiene absolutamente prohibido acercarse a las orcas, puesto que tras de la difusión de su imagen tratando con las orcas, ha generado un desmesurado interés turístico por la zona. Pero claro, la península es un área protegida y dentro de esa protección se encuentran las orcas quienes sino serían objeto de safaris turísticos sin ningún tipo de cuidado hacia los animales.
Beto le explica esto de muy malos modos a Lola y ella decide regresar con su hijo a España. Al día siguiente la levanta en la ruta Marcela (Ana Celentano) y la lleva a su casa.
Beto mientras tanto lee en una enciclopedia acerca del autismo y decide ayudar a Tristán, así que va a la casa de Marcela a decirle a Lola que vuelvan.
El resto de la película transcurre entre encuentros con las orcas, compartir el mate y conocerse mutuamente. No hay mucho para reseñar. Hay una fiesta de la esquila, que se celebra obviamente fuera de la península, donde se pueden ver tanto la esquila de las ovejas como algunos bailes tradicionales.
Quiero rescatar una sentencia de Beto, hablando de la prohibición de las autoridades a que se acerque tan siquiera a las oscas: "Hay personas que les molesta aquello que no entienden y otras que no quieren entender aquello que les molesta."
Hay que destacar la magnífica fotografía del mar más azul que se haya visto jamás, por parte de Oscar Durán y la delicada banda de sonido de Pascal Gaigné.
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Siete puntos sobre diez para un hermoso film hispano-argentino.

La perdida ciudad de Z (James Gray, 2017) 🌟🌟🌟

Es realmente lamentable que la producción haya querido hacer pasar una película biográfica sobre el explorador británico Percival Fawcett, por una nueva versión de Indiana Jones. El título de la película ya es muy triste. Peores aún son los afiches.
Basándose en la novela de David Grann, el director escribe el guión para su película.
Lo más interesante que podría aportar la biografía de Fawcett, es su voluntad inquebrantable de encontrar esta ciudad perdida, que él mismo llamaba "Z", en el centro del Amazonas y eso está bastante bien plasmado gracias a la interesante actuación de Charlie Hunnam.
También es inquietante el espejo de la sociedad victoriana llena de prejuicios y carente de instrucción.
La primera vez, el mayor Fawcett es enviado a la selva boliviana para trazar la frontera cartográfica entre Bolivia y Brasil, porque los intereses británicos en la explotación del caucho lo requieren.
Fawcett contrata a Henry Costin (Robert Pattinson) quien se convertirá en su fiel compañero de expedición.
Hay mucho metraje dedicado a la navegación por el río Verde, que es la frontera natural entre los dos países y a las desventuras en sus encuentros con aborigenes. Metraje que a mi criterio podría haberse reducido a la mitad. En el camino por la selva, Fawcett encuentra restos de cerámica esparcidos por el suelo y esto le hace pensar en la mítica cultura desconocida por los europeos que habita, o habitó,  el corazón del Amazonas.
Pero se acaban los víveres y solo gracias a la caza eventual de un jabalí se aseguran el regreso a la civilización.
En Londres es recibido como un héroe por los habituales creadores de ilusiones de nuestra sociedad. Pero cuando en un discurso en la Sociedad Geográfica, se atreve a mencionar los restos de cerámica hallados en medio de la selva, la turbamulta se burla de sus aseveraciones. Esos indígenas son incapaces de hacer ni siquiera una olla de cerámica.
Pero a través de sus aseveraciones, la Sociedad Geográfica le encomienda una segunda expedición a la selva amazónica. Su esposa Nina (Sienna Miller) que ha dado luz a su segundo hijo Bryan durante su ausencia, pretende acompañarlo, pero Fawcett no la acepta, ya que el lugar de las mujeres es en su casa, cuidando a los hijos. En realidad gracias a las investigaciones de su mujer, Fawcett se hace de un documento histórico brasileño, donde se describe la ciudad perdida de Z.
En cambio se une a la expedición James Murray (Angus Macfadyen), cuya fama proviene de haber sido compañero de Shackleton en su espedición al polo sur. Sin embargo Murray es una desgracia para la segunda expedición. Se come todos los víveres después de huir despavorido de una aldea aborigen cuyos habitantes son antropófagos.
Esta segunda expedición termina mal para Fawcett y Costin y, además debe hacerse cargo de las acusaciones de Miller de haberlo abandonado y de las quejas de su hijo mayor Jack (Tom Holland) quien le reclama por haber dejado a la familia. Esto todo cuando recibe la carta de reclutamiento para la guerra mundial de 1914.
En medio del horror de la guerra de trincheras, el espectador cinéfilo va a tener un hermoso regalo. Como madame Kumel, una adivina que predice el futuro a los soldados, actúa nada más y nada menos que Elena Solovey (actriz favorita de Nikita Mikhalkov en sus primeras películas).
Realmente la película está muy bien filmada y todas las escenas son absolutamente creíbles, pero la duración es, a mi criterio, excesiva y solo aporta tedio al total de la obra. De todos modos, es una película interesante de ver, sobre todo para aquellos que no conozcan en detalle la vida de Percy Fawcett.
Excelente la fotografía de Darius Khondji.
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Documental sobre Percival Fawcett
Siete puntos sobre diez es mi calificación para este interesante film.
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Loving Vincent (Dorota Kobiela y Hugh Welchman, 2017) 🌟🌟🌟🌟🌟

Los directores Dorota Kobiela y Hugh Welchman escribieron un guión sobre las circunstancias de los últimos días y la muerte de Vincent Van Gogh, basándose en las cartas que este escribiera a su hermano Theo.
Pero lo más importante es que concibieron la película como una increíble obra de arte. Durante seis años, sobre las actuaciones de los actores, 125 pintores trabajaron en la confección de 65.000 pinturas al óleo que son las que hacen la película. Asombroso.
Esto podría ser simplemente un dato anecdótico para los Guinness si no fuera porque el resultado final de la película lo superó y se transformó realmente en una obra de arte. Seductora, misteriosa. Hay mucha información que no es de conocimiento público sobre los últimos días de Vincent Van Gogh.
La historia comienza con el cartero Roulin (Chris O'Doud) encomendando a su hijo, Armand Roulin (Douglas Booth) entregar en mano la última carta que Vincent (Robert Gulaczyk) escribiera a su hermano Theo (Cezary Lukaszewicz), porque el correo la devuelve por no poder encontrar al destinatario. Le pide que viaje a Paris y le entregue la carta en mano a Theo. Armand no quiere encargarse, pero su padre lo convence.
Una vez en París, Armand encuentra a Pere Tanguy (John Sessions) proveedor de materiales para todos los pintores en Paris, actividad muy en boga en ese período. A través de Pere Tanguy se entera que poco tiempo después de conocerse el suicidio de Vincent, la salud de Theo decayó terriblemente hasta que finalmente murió. Le aconseja visitar al Dr. Gachet en Auvers, pueblo donde murió Vincent, que era casi un hermano para él.
Armand viaja a Auvers y es entonces cuando su vida empieza a entrelazarse con la de Vincent. En Arlés, lo detestaba y fue uno de los que firmaron para expulsarlo del pueblo luego de que el pintor se cortara la oreja, pero en Auvers empieza hasta a sentir simpatía por su genio.
El Dr. Gachet (Jerome Flynn) no está en el pueblo y va a regresar en dos o tres días, es lo que le cuenta su ama de llaves (Helen McCrory) quien evidentemente detestaba al pintor. También conoce a la hija del Dr. Gachet, Marguerite Gachet (Saoirse Ronan, quien hasta pintada consigue mover sentimientos en el espectador). Finalmente se aloja en la misma posada donde se alojaba y murió Vincent. Allí se va a enterar de muchas cosas, historias y murmuraciones pueblerinas, de la encantadora Adeline Ravoux (Eleanor Tomlinson) hija del dueño del lugar.
Muchos personajes más van a desfilar por la historia y la verdad del suicidio de Van Gogh tiende a diluirse. Como todos los hechos, este también pierde autenticidad cuando es transmitido y tiene muchas interpretaciones según las simpatías o antipatías de quien lo cuenta.
El espectador se va a ver enredado en la historia, casi un thriller, donde va a tratar infructuosamente de rescatar la verdad.
Algo curioso, las escenas de flashbacks están pintadas en blanco y negro. Hay muchos paisajes que el espectador conocedor de la obra de Van Gogh va a reconocer. La iglesia de Auvers sin ir más lejos o los campos de donde vuelan cientos de cuervos.
La música de Clint Mansell merece un párrafo aparte. Para imágenes de tal belleza solamente su música puede equilibrar los sentidos.
Creo que la mayoría de los espectadores van a sentirse subyugados con la película. Primero, porque la figura de Vincent Van Gogh es querida por todos y segundo, porque es tal el cúmulo de belleza que se respira del film que es imposible pasar por alto semejante obra de arte.
Especial de la Deutsche Welle sobre el estreno mundial
Diez puntos sobre diez es mi calificación para esta increíble realización.

Una Pasión Silenciosa (Terence Davies, 2017) 🌟🌟🌟🌟

La vida personal de Emily Dickinson, considerada una de las grandes poetisas estadounidenses, continúa siendo un misterio para sus biógrafos. Nacida el 10 de Diciembre de 1830, desde muy pequeña sintió inclinación hacia la poesía, con la que conviviría por el resto de sus días.
Terence Davies escribe su historia con toda la pasión de la que es capaz y se la contagia a Cynthia Nixon quien interpreta a Emily Dickinson en su adultez.
Hay pocos poemas en el guión, este es uno de los que más me impresionaron:
...Dejamos atrás el sol poniente, mejor dicho él nos dejó atrás.
...El alba se hizo temblorosa y fría.
...Mi vestido era sólo de gasa... mi estola... sólo de tul.
...Nos detuvimos ante una casa que parecía un bulto en la tierra.
...El tejado apenas se veía... la cornisa, hundida en el suelo.
...Desde entonces han pasado siglos, y sin embargo, parece más corto que el momento
...en que presentí que las cabezas de los caballos,
...se dirigían hacia la Eternidad.
Emily describe su propio entierro. Y Terence Davies lleva las imágenes al paroxismo de la melancolía y la belleza.
El film transcurre serenamente a lo largo de la vida de Emily. Los sucesos son los hechos familiares, no hay mucho más que agregar. Sus hermanos, Vinnie (Jennifer Ehle) y Austin (Duncan Duff). Su dulce madre (Joanna Bacon) y su austero padre (Keith Carradine).
Una sensacional escena es el pasaje de los actores juveniles a los intérpretes maduros de los personajes. Tomando como pretexto el posar para una pintura, la imagen se va distorsionando (digitalmente) hasta transformarse en el intérprete adulto. Genial hallazgo del director.
La fotografía es magnífica, de Florian Hoffmeister. Cada escena está iluminada para caber en el marco de un cuadro. El tipo de encuadre e iluminación que son la marca personal de Terence Davies.
La imagen y los diálogos son todo lo que importan. Los cáusticos comentarios de Emily y de su amiga Vryling Buffam (Catherine Bailey) sobre la sociedad en la que les ha tocado vivir. El poema sobre la guerra civil es todavía hoy en día un feroz alegato en favor de la paz y contra la estupidez de la guerra.
No hay momentos vacíos en el film, quizás sí, silencios profundos, porque las escenas se desarrollan a tiempo real y no están contaminadas por la histeria televisiva. Es una película lenta, absolutamente saboreable por los amantes del cine. Pochocleros abstenerse, no la van a poder disfrutar y aún menos podrán disfrutar de los poemas.
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 Sensacional la interpretación de Cynthia Nixon. Mueve al personaje desde la dulzura hasta la crueldad más absoluta. Nunca imaginé que pudiera llegar a estos picos de actuación.
Ocho puntos sobre diez para esta genial obra del director británico Terence Davies.

Neruda (Pablo Larraín, 2016) 🌟🌟🌟🌟🌟

Ya desde el comienzo el film es desconcertante. Una discusión entre senadores de derecha e izquierda y el comunista Pablo Neruda (Luis Gnecco) en el baño del reciento del congreso.
Luego aparece la voz del relator que también desconcierta, porque habla en tono despectivo de los intelectuales izquierdozos. Hasta que nos enteramos que la voz del narrador es la del oficial de policía Oscar Peluchonneau (Gael García Bernal).
El gobierno de turno, pseudo democrático como la mayoría de los gobiernos latinoamericanos en 1940, ha comenzado a perseguir a obreros e intelectuales de izquierda. Pablo Neruda denuncia públicamente al presidente Gabriel González Videla por su actitud represiva. Esto le vale que el presidente le haga perder los fueros parlamentarios y ordene su captura.
Para la captura lo llama a Peluchonneau, de quien nos enteramos fue un bastadrdo no reconocido por su padre, un famoso policía, aunque él consiguió que le dieran su apellido.
En contra del consejo de sus amigos y camaradas del partido y de su propia mujer, Delia (Mercedes Morán), Neruda insiste en mostrarse públicamente. Dice que quiere oler los pasos de sus perseguidores.
Intenta escapar a Argentina por el paso de Las Cuevas, pero los gendarmes chilenos no aceptan su pasaporte en el que figura su nombre real Ricardo Reyes y no su nombre de poeta.
Luego intentará fugarse en un barco de bandera china anclado en Valparaíso, pero uno de sus camaradas le da la pista al policía y llegan antes que pueda embarcarse. Deben huir de Valparaíso y, de regreso en Santiago, los camaradas le ofrecen el escape final, por el sur chileno, en medio de la nieve.
A esta altura de la película, Peluchonneau llega a la casa de Neruda para detenerlo. Allí encuentra a Delia y el diálogo que se entabla entre éllos es sublime. Delia le dice que él no es un personaje principal de Neruda, que no tiene importancia, es sólo un caracter secundario. Esto ofende a Peluchonneau quien jura capturar a Neruda y se va a dar a su persecución, por los campos y montañas del sur chileno, en medio de las más bellas imágenes de las que tenga memoria.
La historia desemboca entonces en un relato literario, donde todos los movimientos son pasajes de una novela ya escrita con anticipación por Pablo Neruda, o por Borges.
La actuación de los tres intérpretes principales es sublime. Gael García Bernal hace carne en el policía inseguro y violento. Mercedes Morán interpreta con su natural soltura a la aristocrática Delia del Castillo y sus sarcasmos son absolutamente maravillosos. Por último, pero no porque sea en orden decreciente, sino porque es uno de los personajes más ricos jamás vistos en cine, Luis Gnecco debe haber sido en algún momento parte del alma del poeta, sino es inconcebible que lo interprete con tanta naturalidad y habilidad actoral.
La dirección de Pablo Larraín justifica todos los lauros conseguidos por la película en su corta historia. Sin lugar a dudas es uno de los mejores filmes del año 2016.
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Diez puntos sobre diez para "Neruda" maravillosa historia de persecuciones y magia poética.

La chica danesa (Tom Hooper, 2015) 🌟🌟🌟

El director de la insulsa película "El discurso del rey" que fuera tan aclamada en Hollywood, regresa con una película mucho pero mucho más comprometida.
Sobre un guión de Lucinda Coxon adaptando la novela de David Ebershoff, que a su vez está basada en los diarios del personaje de la historia, Lilli Elbe, Tom Hooper va hilando la trama de "La chica danesa" donde el tema es la transexualidad.
Dicho así suena bastante escandaloso, pero la maestría del director consigue que el film se deslice suavemente por la mente de los espectadores y consiga su objetivo, que es emocionar a través de una historia para nada melodramática sino terriblemente real.
Einer Wegener (Eddie Redmayne) y su esposa Gerda (Alicia Vikander), son pintores que están batallando en la Dinamarca de comienzos del siglo XX, por hacerse un nombre. Einer casi lo ha logrado, a través de plasmar en sus pinturas los paisajes de su pueblo natal, Vejle, en Dinamarca.
Gerda en cambio, solo pinta retratos y los retratos no son lo que los marchands esperan de un pintor.
Le pide a Ulla (Amber Heard), una amiga, que pose para ella. Pero como Ulla se demora, entonces Gerda hace que Einer se vista con las medias y los zapatos de Ulla y le pone encima el vestido de la modelo.
Por este artificio, la mente de Einer desentierra a la mujer que estaba adormecida desde sus días de la infancia. Cuando llega Ulla, se ríe de él y le dice en broma, tú debes ser Lilli. La mujer interna de Einer pasa a llamarse Lilli.
La película trata entonces de los avances de la personalidad femenina en Einer. De sus desventuras con los médicos, que hasta pretenden encerrarlo por esquizofrénico. De su relación con Henrik, (Ben Whishaw), que está secretamente enamorado de Einer.
De su huída a París, cuando Gerda recibe un telegrama que le anuncia que van a procesar a Einer por perversión.
En París, Gerda va en búsqueda de Hans (Matthias Shoenaerts), un amigo de la infancia de Einer, para pedirle ayuda con Einer quien se ha convertido totalmente en Lilli.
La desesperación de Gerda quien ve como su amado marido desaparece ante sus ojos está magistralmente actuada por Alicia Vikander. Su mirada profunda y trágica ayuda mucho en la composición del personaje.
También la actuación de Eddie Redmayne es digna de mención. Sus sonrisas ambiguas y sus movimientos totalmente femeninos no nos hacen pensar en un travesti, sino en una real mujer.
El final de la historia es trágico. Un médico de Dresde le ofrece a Lilli hacerle dos operaciones. La primera para remover sus partes masculinas y la segunda para construir una real vagina.
Estamos hablando de 1926, cuando esas operaciones no existían, ni se había descubierto el poder de los antibióticos en casos infecciosos.
Si bien Lilli sale indemne de la primera operación, no resiste a la segunda.
Lo bizarro de la historia no permite a la mayor parte de los espectadores algún tipo de identificación, pero de todas maneras, la historia se cuela por los huesos y no se puede asistir fríamente a la muerte de Lilli.
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Ocho puntos es mi calificación para esta película.

La muerte de León Tolstoi (Sergei Gerasimov, 1984) 🌟🌟🌟🌟🌟

Los últimos meses de la vida de León Tolstoi son de una profundidad extraordinaria, como toda su vida y obra.
De vivir en la hacienda familiar de Yasnaya Polyana, rodeado de todo el confort digno de un noble de su posición económica, repartiendo monedas entre los pobres que acudían a él en peregrinación, huye en medio de la noche en carro y luego en tren por diversos poblados, hasta que enferma gravemente y lo bajan del tren en el poblado de Astapovo.
La noticia de su gravedad se difunde por toda Rusia y por todo el mundo. Al pueblito de Astapovo llegan periodistas para cubrir la gran noticia, hasta un gran patriarca de la iglesia ortodoxa rusa viaja al poblado para pedir a Tolstoi que se reconcilie con la iglesia antes de morir.
En las casi 3 horas de duración, dividida en dos partes, 1 Insomnio y 2 Partida, el extraordinario guión del director Sergei Gerasimov (plagiado por Jai Parini y Michael Hoffman para la realización del film "La última estación" del año 2009), abunda en flashbacks donde podemos entender un poco más de la compleja personalidad de este visionario gran literato y filósofo.
En la presentación del film hay un pensamiento del escritor que dice:
"Es extraño que tenga que permanecer en silencio con la gente que vive en torno mío
y hablar con los que están lejos, en el espacio y el tiempo, pues estos son los me escucharán."
De su diario, Octubre 26, 1907
Durante la primer parte el director nos muestra las hondas contradicciones en que se mueve el espíritu de León Tolstoi (Sergei Gerasimov) y sus malentendidos con su esposa Sofia Andreyevna (Tamara Makarova). Sus historias que comparte con su familia dos de sus nueve hijos, yernos y nieta que conviven con él en Yasnaya Polyana e invitados.
Sus vivencias respecto a Dios y a la muerte. La clarividencia con la que observa el mundo a su alrededor, los terratenientes que viven a expensas del trabajo de los campesinos, el socialismo que se está convirtiendo en algo absolutamente diferente.
En la segunda parte vemos a Sofia Andreyevna revisando sus papeles en una incursión nocturna a su escritorio. Esto da motivo a la huída de Tolstoi.
Hay una escena en el tren, donde se plantea una discusión entre Tolstoi y otro pasajero acerca del bien y del mal que es de una profundidad exquisita.
En otra escena del tren una estudiante universitaria le plantea para qué estudiar y convertirnos en seres más inteligentes si vamos a terminar bajo la policía del zar que no quiere personas inteligentes en Rusia.
Toda la película tiene una maravillosa fotografía de Sergei Filippov y cuenta con una banda de sonido extraordinaria de Pavel Chekalov.
Los últimos momentos de Tolstoi sumen al espectador en una angustia de muerte, quizás porque lo que sea el núcleo alrededor del cual gira toda la película es su muerte. Y sobre todo la conmovedora imagen de su secretario y amigo Dushan Petrovich (Borivoj Navratil) ocultándose para llorar.
Escena de la muerte (sin subtítulos)
Diez puntos sobre diez para esta maravillosa película.

Aullido (Howl) (Rob Epstein y Jeffrey Friedman, 2010) 🌟🌟🌟🌟🌟

Hacer un film con un poema es una tarea sobrehumana para cualquier creador. Entonces Rob Epstein y Jeffrey Friedman escriben el guión de su película cruzando varios diferentes acercamientos a la vida y obra del poeta Allen Ginsberg.
En uno, magníficamente filmado en blanco y negro, el poeta recita su poema en una especie de "cavern club" para una cincuentena de sus admiradores. Es la parte más brillantemente lograda del film. Los versos de Ginsberg, que a veces la película vuelve a repetir provocativamente, son más humanos en la voz de James Franco, que dicho sea de paso, es el actor que interpreta al poeta.
En otro de los acercamientos, el poeta, ya unos años mayor, participa de una entrevista en su casa con un periodista inominado. En esta parte es donde el poeta muestra su interior de una manera cálida y agridulce. Nos cuenta de su infancia, de sus amigos y amados Jack Kerouac y Neal Cassady y de sus dudas y peregrinaciones en busca de sí mismo.
El tercero de los acercamientos es a través de la animación de diversas partes del poema. En brillantes colores oscuros, las imágenes impactan aún más que las palabras de los versos a través del movimiento continuo, cercano a las imágenes de "The Wall".
Y el cuarto, pero no menos impactante de los acercamientos, es al juicio por obscenidad al que el editor de "Howl" Lawrence Ferlinghetti (Andrew Rogers) fue sometido en el año 1957.
Se pone en movimiento, como lo condensa el juez Clayton Horn (Bob Balaban), la libertad de expresión que tan cara es al espíritu constitucionalista de los estadounidences. Digo al espíritu, porque en la práctica dejan mucho que desear.
Hay testigos por la defensa de Jack Ehrlich (John Hamm) y del fiscal Ralph McIntosh (David Strathairn) que expresan lo que es el sumun del arte y del lenguaje artístico, versus lo mal intencionado de las mentes acusadoras.
Una frase del fiscal deja atónito al juzgado y al espectador. Cuando le es denegada una impugnación exclama, "Lo siento, abro mi boca y de élla salen puños", digna del poema que está tratando de condenar por obsceno.
Imprescindible es para el espectador inteligente, que como era mi caso, no conociera a Allen Ginsberg, ver esta película. También lo es para el espectador de mente abierta defensor de la libre expresión de las ideas y de los sentimientos.
Como la hermosa banda de sonido de Carter Burwell que acompaña magníficamente las cálidas y sorprendentes imágenes de la película.
Holy!
Si ya viste en el enlace este hermoso poema de Ginsberg y tu mente se abrió a tu corazón, no dejes de ver esta película. Diez puntos sobre diez para "Aullido".

Einstein (Liliana Cavani, 2008) 🌟🌟🌟

No debe ser fácil abordar un proyecto biográfico de una de las figuras más prominentes de la humanidad. Albert Einstein, genio o egoísta, luchador de la paz y sin embargo acusado de ser el padre del desarrollo de las armas militares más atroces de la historia.
Sobre un guión escrito por Massimo de Rita, Mario Falcone y la misma directora, Liliana Cavani, con una duración de 3 horas, la película se mueve desde los años de estudiante universitario hasta los últimos días de su vida.
El énfasis está puesto más que en sus descubrimientos científicos, en la vida personal de Albert Einstein (Vincenzo Amato). En su matrimonio con Mileva Maric (la muy sensitiva Maya Sensa) su segundo matrimonio con Elsa Lowenthal (Sonia Bergamasco) y en la relación que mantuvo con sus hijos Hans (Emiliano Coltorti) y el psíquicamente alterado Eduard (Flavio Parenti). Su problemática dependencia de su madre Pauline (Andrea Ferreol) que llevará a cuestas durante toda su vida.
Además de los aspectos personales, una directora como Liliana Cavani no podía menos que radiografiar la historia europea y estadounidense que le tocó vivir a Einstein. Las dos guerras mundiales, el asilo en Suiza, la persecución de los nazis y luego del FBI y los militares estadounidenses.
El horror de la bomba atómica arrojada sobre la población civil de las ciudades de Hiroshima y Nagasaki, hace que dedique su tiempo a luchar por la paz. Lo que no es visto con buenos ojos por la administración norteamericana que ve a un potencial enemigo comunista en toda persona que critique los hechos de violencia cometidos por sus militares.
Lo que este film expone es que no es suficiente el genio de un iluminado como Albert Einstein para detener a las fuerzas militares que manejan la opinión pública y sus sentimientos.
Es de destacar el esfuerzo de producción que significó recrear ambientes de Berlín, Zurich y Princeton en las ciudades de Belgrado (Serbia) y Barcelona (Cataluña).
Todo está impecablemente puesto en escena y la música de Paolo Vivaldi acompaña maravillosamente las escenas. Lástima que una película de semejantes dimensiones esté hablada en inglés, creo que hubiera sido mejor si se hubiesen utilizado los lenguajes propios de cada lugar geográfico donde se desarrolla la trama.
Quizás lo más criticable sea la escena final donde más allá de la muerte se vuelven a encontrar Mileva y Albert, con la frase "La vida era el sueño, ahora estamos despiertos", por su excesivo misticismo sentimentaloide.
Así como también es mística la carta que le dicta a la enfermera antes de morir: "en el universo, las diferentes dimensiones están conectadas por una armonía dinámica. La humanidad perteneces a la inteligencia cósmica. Nada es casualidad, Dios no tira los dados. Entramos en un espacio eterno interminable de infinitas dimensiones".
En mi opinión es una obra de una envergadura operística, con un despliegue realmente notable de actores, escenarios y situaciones.
"Sobre la estupidez humana"
Es de remarcar que en la película el discurso antisemita de este trailer está dicho por el Dr. Kluge, que luego más tarde será recibido en Estados Unidos con los brazos abiertos.
Ocho puntos sobre diez para esta excelente realización de la notable directora italiana Liliana Cavani.

Sagan (Diane Kurys, 2008) 🌟🌟🌟🌟

Hacer una película sobre la vida de Françoise Sagan es más que tentador para un realizador.
En base al guión escrito por Claire Lemarechal, Martine Moricone y la misma directora Diane Kurys, vamos a espiar en los entretelones de la escandalosa vida de esta gran escritora francesa.
Sylvie Testud tiene a su cargo personificar a la caprichosa, brillante y auto-destructiva Françoise Sagan y lo hace maravillosamente.
Vamos a asistir al alumbramiento de su primer novela, cuando aún se llamaba Françoise Quoirez, pero que en virtud de un comentario de reproche por parte de su madre, cambió a Sagan. Es que "Bonjour tristesse", fue un escándalo, no solamente en Francia sino en el mundo entero.
De buenas a primeras, Françoise se vio metida en una vida pública y en notas bizarras en las tapas de las revistas. De allí en más, liberada a sus propios deseos y emociones, dejó que la vida la llevara donde quisiera. Rodeada de amigos, aduladores según su hermano Jacques (Guillaume Galienne), dilapidó cuanto dinero obtuvo.
Por una única vez, en que había ganado en el casino ocho millones de francos, los invirtió en comprar una casa en Normandía que se convertiría en su refugio y castillo de protección.
Después de un accidente automovilístico, que si bien no le costó la vida, le acarreó meses de rehabilitación y, lo más grave según la opinión de la propia Françoise, la adicción a las drogas, porque la medicaron con morfina. Esa adicción de la que no se iba a despegar nunca más.
Dos matrimonios fallidos, del último le quedó un hijo, por el que nunca sintió nada y al que mantuvo alejado de su vida en todo lo posible.
Dos parejas lesbianas, Paola, la que dio el nombre a su hijo (Dennis Paolo) y de la que se separó al casarse con el norte-americano Bob Westhoff (William Miller) y la que fuera probablemente su gran compañía, Peggy Roche (Jeanne Balibar) y a la que perdió víctima del cáncer.
Es una vida llena de vaivenes y dolor, dolor al que sobrevivió a fuerza de drogas.
La película no emociona, pero es tierna y dulce, como las reflexiones de la escritora que llena los momentos de soledad del personaje.
Hasta su propio epitafio, que dejó como legado a la humanidad:
"Françoise Sagan hizo su aparición en 1954, con una novela corta, "Bonjour tristesse", que fue un escándalo mundial. Su desaparición después de una vida y obra tan agradables como imperfectas, sólo fue un escándalo para ella misma. Françoise Sagan".
Hay que mencionar la magnífica banda sonora de Armand Amar. Es la síntesis perfecta del espíritu melancólico y dulce que impregna la película.
El espectador va a resultar sorprendido por los detalles particulares de esta vida tan apasionante como romántica y va a disfrutar tanto de la película como de la lectura de sus novelas.
Trailer (en francés)
Nueve puntos sobre diez para esta fantástica versión de Diane Kurys.

Van Gogh (Maurice Pialat, 1991) 🌟🌟🌟🌟🌟

En una gran cantidad de películas la vida del pintor Vincent Van Gogh ha sido retratada y ya es casi un best seller contar su historia. En esta película, Maurice Pialat describe en su guión, los últimos dos meses de la vida de Van Gogh.
Su mayor acierto es enfocar el film casi como un documental, en el cual los personajes se mueven como en la vida real, no son parte de una fábula destinada a evocar al genio de la pintura, sino que muestra hasta las últimas consecuencias el drama que debió vivir el ser humano del que se generó el monstruo Vincent Van Gogh.
Encarnado por Jacques Dutronc, con absoluta naturalidad, en la película se describen sus aciertos y también sus desaciertos. Su aparente insensibilidad, que el mismo personaje se encargará de señalar que es su única salida frente al desdén del mundo por su creación.
Como contrapartida se muestra al doctor Gachet (Gerard Sety), cuya hija Marguerite (Alexandra London) se enamora de Van Gogh, como un ferviente admirador de su obra pictórica.
En cambio muestra a su hermano Theo (Bernard Le Coq) como el mayor descreído de las virtudes de pintor de su hermano. Le confiesa a su mujer, si al menos pintara como Renoir.
El movimiento de los personajes en la película es absolutamente natural, como si Maurice Pialat hubiera podido retratar esa época en los escenarios. Las escenas en el burdel son de antología, con una Cathy, encarnada por Elsa Zylberstein, bailando el can can y la aparición de Toulouse Lautrec borracho y de Susanne (La bebedora de ajenjo) como una pintora en ciernes.
El film es a su vez respetuoso con el artista pero irrespetuoso con el ser humano. Nos cuenta de los amores de Van Gogh, de sus relaciones carentes de sentimientos y sus recuerdos quebrados de su infancia.
La familia que habita la pensión donde se radica en Auvers, es de antología. El tonto del pueblo que le exige que lo pinte. La hija adolescente que reniega de los cuidados que Van Gogh exige.
Resumen de la película en escenas
El espectador sensible va a amar este "Van Gogh", lo va a disfrutar por todos sus poros y va a pedir que las 2 horas y media de duración se extiendan aún más.
Diez puntos sobre diez para este excelente film de Maurice Pialat.

Rosa Luxemburgo (Margarethe Von Trotta, 1986) 🌟🌟🌟🌟

Cómo es posible que pueda la cultura universal tergiversar los hechos hasta haber convertido a la figura política de Rosa Luxemburgo en Rosa la Sangrienta. Tal es la imagen que nos ha llegado a través de la historia.
Era hora que Margarethe Von Trotta, en su irreductible misión de rescatar para la historia las figuras femeninas que han sido cumbre en el proceso alemán, llevara al cine la vida y obra de esta honorable mujer alemana de principios del siglo XX.
Para personificarla elige a Barbara Sukowa y nadie mejor que esta actriz para materializar la pasión, sensatez e inefable ternura de su personaje.
Como su compañero de juventud Leo, vemos brillar al gran Daniel Olbrytchski, con la meditada actuación de un gran actor encarnando a un gran personaje.
En el rol de Karl Liebknecht, otro gran luchador del grupo Espartaco origen del Partido Comunista Alemán, tenemos a Otto Sander.
El film sigue la historia de Rosa desde sus días de prisión en Polonia hasta la prisión durante la Primer Guerra, para que no hablara, en Alemania. En total estuvo nueve veces en prisión durante su vida.
Lo que Von Trotta rescata en todo momento, es el compromiso político de Rosa Luxemburgo con una democracia socialista y no sólo parlamentaria. Donde el pueblo pudiera trabajar y vivir en paz, sin responder a las cruzadas nacionalistas encendidas por conveniencias económicas de los grupos militares.
Pero su derrota fue total. Aún con el socialismo en el gobierno, el parlamento votó el incremento del presupuesto militar.
Muy atinado mensaje para nuestros días, en que las masas son llevadas de las narices de un enfrentamiento bélico a otro para conveniencia de los mercaderes de las armas.
La película sigue las relaciones que Rosa establecía con sus amigos y con sus camaradas políticos, aunque no siempre hayan sido satisfactorias. Hasta su relación con su gata Mimi, que muere estando élla en prisión.
Cuenta que estando en la prisión, vio entrar en un crudo día de invierno, a un carromato tirado por dos bueyes a los que el soldado golpeaba continuamente. Tanto que los hizo sangrar.
Rosa establece una comunicación instantánea con el animal y ve sus lágrimas en los ojos del buey, derramadas ante tanta maldad y violencia.
Una personalidad que la historia debiera reivindicar y considerar con más profundidad y sobre todo, escuchar sus mensajes políticos, que no fueron apreciados ni por Lenin ni por Trotski, ya que dentro de su visión política no consideraba a la dictadura del proletariado como un objetivo deseable.
En resumen, es una película de una tal seriedad política que conviene sea vista para luego analizarla con prudencia y mente abierta.
Discurso de Rosa Luxemburgo
Marcha por Rosa Luxemburgo y Karl Liebknecht
Nueve puntos sobre diez para esta magnífica realización del cine alemán.

Made in Dagenham (Nigel Cole, 2010)

En Dagenham, Inglaterra, un suburbio de Londres, está ubicada una de las plantas de fabricación de automotores Ford. En 1968, de los 15000 empleados que tenía la planta, 187 eran mujeres.
Estas mujeres trabajaban en muy malas condiciones físicas, cosiendo las fundas para los asientos. Como la fábrica no les da respuesta a sus requerimientos de reconocer que sus puestos son especializados y como tal deben ser pagados, deciden encarar un día de paro para protestar por la falta de atención.
En respuesta, reciben una carta de muy mal tono por parte de la fábrica, donde se las conmina a buscar siempre por todos los medios, una solución pacífica a los conflictos. Esta respuesta, que llevan a los delegados gremiales, es menospreciada por los sindicalistas diciendo que es la respuesta usual de la fábrica. A la falta de protección por parte del gremio y la desidia por parte de la fábrica, en lo que llaman con todo derecho, una falta de respeto, las 187 mujeres inician un paro general por tiempo indeterminado.
Por supuesto que ni los ejecutivos de la empresa ni los dirigentes gremiales las toman en serio, pero cuando la fábrica debe paralizar su producción por falta de fundas para los asientos, las aguas se vuelven más oscuras.
Sally Hawkins encarna eficazmente a Rita O'Grady, la maquinista que toma las riendas en el movimiento y es la voz sensata pero firme, frente a las amenazas del resto de los involucrados.
Bob Hoskins es el gremialista que abre los ojos de Rita frente a lo que es la verdadera injusticia. Las mujeres, a igualdad de responsabilidades, tienen menor salario que los hombres.
La huelga toma entonces como bandera, "Igualdad de salarios". Poco a poco son escuchadas por la prensa y los medios les hacen entrevistas. Pero la central de Ford en Estados Unidos está muy poco propensa a dar equidad de salarios para las mujeres en Inglaterra, porque sino deberían hacerlo en el resto del mundo y envía a un especialista rompe-huelgas.
Este especialista lleva sus amenazas hasta el mismo gobierno inglés, conminando a la ministra Barbara Castle (una fogosa pelirroja encarnada por Miranda Richardson) a terminar con la huelga bajo apercibimiento de cerrar las plantas en Inglaterra.
La inteligencia del guión y del director, es no llevar a las huelguistas hacia las falsas banderas de la política sino haciéndolas actuar siempre contra la injusticia de la falta de equidad en los salarios.
Sally Hawkins no es físicamente lo que el espectador puede imaginar de una líder y se vale de eso mismo para encarnar con gran sabiduría y humanidad a la conductora del movimiento.
Es una película que se ve con avidez y que en todos los frentes defiende sobre todas las cosas la condición de la mujer. Los ejecutivos, los secretarios de estado, los gremialistas, son todos hombres y como tales no tienen criterio para juzgar equitativamente las razones del movimiento femenino. Rita les dice a los gremialistas, ustedes deberían defendernos como obreras que somos, así como lo hacen con los hombres.
También se juegan los dramas personales de las huelguistas y de sus familias, así como del resto de los obreros que quedan sin paga al cerrar la fábrica.
Lástima que después de tanta lucha y reivindicación, los ingleses hayan terminado eligiendo a Margaret Thatcher para que destruyera el aparato productivo inglés.
Trailer
Para una excelente dramatización de esta huelga que consiguió movilizar a la Ford en Inglaterra, a los sindicatos y políticos, ocho puntos sobre diez.

Lorca, muerte de un poeta (Juan Antonio Bardem, 1987)

Juan Antonio Bardem dirigió una miniserie en 6 capítulos, para la televisión española, sobre la muerte de Federico García Lorca. Luego, utilizando los dos últimos episodios de la miniserie, "Una Guerra Civil" y "La Muerte", logra este prodigio de emoción y sentimientos que es la película.
Juan Antonio Bardem ha sido uno de los grandes directores españoles y lograr llevar a cabo obras líricas y apasionadas fue su especialidad.
En casi 2 horas, la película nos muestra con tanta intensidad y pasión lo que fue el llamado a la sedición de los militares españoles con cabeza en Sevilla, contra el gobierno republicano, y la repercusión de estos hechos en la ciudad de Granada.
La violencia con que desataron la represión y persecución de aquellos a quienes consideraban peligrosos. Los fusilamientos a granel, el ataque y destrucción del Albaicín en Granada con baterías de cañones ubicados en la fortaleza de la Alhambra, la muerte por las calles y los tejes y manejes internos de quienes detentaban el poder de la fuerza.
Basándose en el libro de Ian Gibson, es el mismo Juan Antonio Bardem con la colaboración invaluable de Mario Camus, quien escribió el guión de esta obra de arte.
Federico García Lorca, vive su vía crucis de miedos internos y de presentimientos de muerte, entre todos estos hechos de extrema violencia, Venido a Granada para pasar el verano en la casona familiar, ve, escucha y vive personalmente la sangrienta matanza desencadenada por el odio de los fascistas contra el pueblo español.
Comienza la película con la escena del asesinato, por fusilamiento a sus espaldas, en una ruta de tierra, perdida en la sierra, de un maestro cojo, dos banderilleros y el poeta.
Es en esa escena, cuando Federico que va caminando hacia la nada, se da vuelta para mirar a los ojos de la muerte, cuando el director con una sensibilidad extrema nos hace sentir el tremendo terror de ese ser desvalido, entregado a las fieras de la muerte.
Nickolas Grace, un sensible actor inglés, es a quien le cupo el traje de Federico García Lorca y lo lleva puesto a la perfección. Es claro que ha debido ser doblado, pero el doblaje es sumamente delicado y no llama la atención.
Es de destacar también la impresionante fotografía, de Hans Burmann y la edición, de Guillermo Maldonado, quienes logran junto al director, que esta película se yerga vertical y contra viento y marea desafíe a las censuras y a las malas políticas de muerte del ser humano estancado en su evolución.
Presentación
Diez puntos es mi calificación para esta hermosa obra de arte que ha de apretar el corazón de los espectadores sensitivos.

Violette (Martin Provost, 2013)

Martin Provost tuvo el reconocimiento de los críticos y el público con su extraordinario film sobre una pintora casi desconocida, Seraphine de Senlis, "Seraphine". Tardó tres años en liberar su próxima película, "Dónde va la noche", también con Yolande Moreau y luego de dos años más, retoma su línea de biografías noveladas con "Violette", sobre la escritora Violette Leduc.
A través de capítulos que llevan el nombre de la persona que más influenció su vida en ese período, nos va haciendo comprender el alma solitaria y necesitada de afecto de Violette Leduc.
De cómo su espíritu caía una y otra vez en la desesperación, aferrándose a relaciones como la de Simone de Beauvoir, que fue muy importante en su vida y la impulsó a sublimar sus tragedias a través de la escritura, siendo una auténtica mecenas para Violette, para sus amores imaginarios.
Una y otra vez cuenta Violette sus desdichas a través de sus novelas, "La asfixia", "La hambrienta", "Estragos", pero lo hace desde su vientre, con toda la fuerza de su verdad sin hipocresía.
Es claro que los años 50 y 60 fueron los años del despertar a la vida de la femineidad.
Históricamente reprimidas y encasilladas a funcionar como madres y/o esposas, las mujeres no tenían derecho a su tristeza, su sensualidad y sobre todo, a su necesidad de ser consideradas como seres humanos.
Violette Leduc escribe sobre su vida y es poco lo que no ha experimentado desde su infancia y adolescencia. Tras un matrimonio que termina con un aborto, termina viviendo del producto económico del mercado negro, arriesgando su libertad para poder sobrevivir.
Simone de Beauvoir, quien lucha por la emancipación de la mente femenina, ve en Violette su contrapartida para la libertad de las necesidades sensitivas de la mujer.
Pero lo esencial es que a través de la escritura, Violette pudo superar su baja auto-estima y su necesidad de ser considerada y valorada como ser humano.
Es excepcional el trabajo de Emmanuelle Devos en el rol de Violette, tanto como la seriedad y pragmatismo con que Sandrine Kiberlain interpreta a Simone de Beauvoir.
" Un día, ella descubrió la Provenza. Sensual, curiosa, emotiva, encontró en este paisaje la serenidad que le permitió comprenderse con exactitud" dice sobre Violette, Simone de Beauvoir en una entrevista radial.
La dirección de Martin Provost muestra ser justa y amable a pesar de la sordidez del medio en que Violette vivió gran parte de su vida.
Trailer
Una hermosa película para sentir a fondo. Nueve puntos para "Violette".