Por tu culpa (Anahí Berneri, 2010) 🌟🌟🌟🌟

Anahí Berneri es responsable junto con Sergio Wolf del guión de esta pequeña pieza de humanidad.
Julieta (la magnífica Erica Rivas) está en su casa tratando de terminar su trabajo mientras sus hijos Valentín (Zenón Galán) de 8 años y Teo (Nicasio Galán) de 2 años, hacen lo imposible por trastocar los límites del hogar. Esa noche el padre, Guillermo (Rubén Viani) no ha cumplido con la responsabilidad de ocuparse de los hijos debido a un retraso en el vuelo que lo trae de regreso a Buenos Aires.
El colmo de la situación para Julieta es cuando ella, que está intentando terminar su trabajo, recibe el llamado de su marido preguntando como es que los chicos aún no están en la cama y que le sugiere que los lleve a la casa de su madre. Mientras los chicos juegan a la lucha libre sobre la cama de Julieta montados en un autito electrónico del que los dos intentan tener el control. Lo inevitable sucede y Teo cae al piso para desesperación de Julieta, quien decide llevarlo a una clínica para que lo controlen. Pero todo se transformará en una pesadilla.
A través de las diferentes situaciones por las que transita Julieta, su marido, los médicos de la clínica y hasta el principal de una comisaría, los guionistas despliegan su objetivo que es la demostración sine qua non, de como la mujer es objeto de la manipulación masculina.
Todo esto sin una sola palabra de acentuación feminista, son los simples hechos los que trasladan al espectador a esta inevitable conclusión. El eterno sometimiento femenino es demostrado paso a paso en cada momento de la película. Contribuye la fabulosa actuación de Erica Rivas quien deja percibir todo el dolor y la frustración de una mujer rodeada por un mundo de hombres.
Extraordinaria la realización de Anahí Berneri. Ninguno de los casi 90 minutos sobra y el espectador va a tener que presenciar esta especie de drama cotidiano con la pequeñez de los detalles que vistos de otra manera cobran una enorme representatividad.
Todo lo que Julieta obtiene es compasión. No hay amor conyugal ni filial, ni sentimientos de comprensión por parte de los otros personajes. Las conclusiones del marido son terminantes para la victimización de Julieta.
Obligatoria para ser vista por todos aquellos que aún pretenden que no existe la diferencia de trato con respecto a las mujeres.
Trailer
Ocho puntos sobre diez para esta excelente producción del cine argentino.

Patagonia (Marc Evans, 2010) 🌟🌟🌟

"Patagonia" es un film insólito. Hablado casi completamente en galés, narra dos historias que se desarrollan en paralelo en el film sin jamás mezclarse.
Pero todo tiene una gran base en común. La inmigración galesa que llegó a la Argentina y más concretamente a la Patagonia en lo que hoy es la provincia de Chubut, alrededor de 1865. En lo que encontraron como una meseta árida cavaron canales para llevar el agua desde el río Chubut a sus tierras y así volverlas fértiles.
Gwen (Nia Roberts) y su pareja Rhys (Matthew Gravelle) viajan a la Patagonia para concretar el trabajo que Rhys está llevando adelante, sobre documentar las capillas galesas que aún subsisten en el sur argentino. Su guía, Mateo (Matthew Rhys) comienza a tener afinidad con Gwen en los largos tiempos vacíos en los que Rhys fotografía con exposición las capillas aisladas en el territorio.
La segunda historia es acerca de Cerys (Marta Lubos) una hija de galesa y argentino, quien nunca aprendió a hablar galés por el respeto que su madre sentía hacia su padre. Cerys tiene un proyecto y es, bajo el pretexto de ir a Buenos Aires para una operación de la vista, viajar a Gales para regresar a la granja donde viviera su madre de niña. Se va a hacer acompañar por su nieto adolescente, Alejandro (Nahuel Perez Biscayart), quien ignora el real destino del viaje hasta que se ve embarcado en el avión.
Son dos epopeyas en paralelo. La de Rhys y Gwen, recorriendo el suelo patagónico en busca de las capillas galesas y la de Cerys y Alejandro, regresando a Gales para encontrar la granja donde viviera la madre de Cerys.
Es una película intensa y llena de pequeños detalles e ingredientes, como la adolescente galesa (Duffy) de la que se va a enamorar Alejandro. No creo que haya espectador que no la disfrute.
Muy bien realizada y fotografiada por Robbie Ryan, cuenta con la música de Joseph Loduca.
El excelente guión fue escrito entre Laurence Coriat y el director Marc Evans.
Trailer sin subtítulos
Ocho puntos sobre diez para esta tierna y emotiva película profundamente galesa.

Madera noruega (Noruwei no mori) (Tran Anh Hung, 2010) 🌟🌟🌟🌟🌟

Sobre la premiada novela de Haruki Murakami, el exquisito director vietnamita Tran Anh Hung escribe el guión y dirige esta película.
Siguiendo la adolescencia de Watanabe (Ken'ichi Matsuyama) Tran Anh Hung despliega una vez más la magia de sus imágenes para obtener una joya de belleza sin igual.
En los 60, Watanabe comparte su vida con la pareja que hacen Naoko (Rinko Kikuchi) y su amigo Kizuki (Kengo Kora). El es unos años menor que éllos pero los sigue en sus juegos y diversiones. Pero imprevistamente Kizuki se suicida. Se encierra en un auto al que ha coinectado con una manguera al caño de escape.
Watanabe huye de la situación y se traslada a estudiar a Tokio. Allí lo saca de su vida replegada en los libros su compañero de estudios, Nagasawa (Tetsuji Tamayama) quien lo inicia en la vida nocturna, las bebidas y las putas. Sin embargo Nagasawa tiene su novia, Hatsumi (Eriko Hatsune), quien lo ama de veras y le perdona sus traiciones.
Un día, Watanabe se encuentra con Naoko por la calle. Allí se inicia una sucesión de caminatas y charlas entre Naoko y Watanabe. Finalmente, el día del cumpleaños 21 de Naoko, Watanabe lo celebra yendo a su departamento y terminan teniendo relaciones sexuales. Allí Watanabe descubre que Naoko aún era virgen y le pregunta como es que no tuvo relaciones con Kizuki. Esta pregunta desata una reacción tempestuosa por parte de Naoko y dejan de verse.
Un día en una cafetería, una muchacha se sienta a su mesa y Watanabe le pregunta si se conocen de algún lugar. Midori (Kiko Mizuhara), tal el nombre de la muchacha, le contesta que cursaron juntos unas materias en la facultad. Sin embargo la relación con Midori es difícil. Ella tiene novio en su ciudad natal y Watanabe no puede olvidar a Naoko.
Finalmente recibe una carta de Naoko invitándolo a visitarla en el lugar donde está internada. Es una residencia en las montañas. Allí lo recibe Reiko Ishida (Reika Kirishima) que es quien cuida de Naoko. Le advierte que su visita debe desarrollarse bajo normas muy estrictas. No pueden estar solos en la habitación, siempre élla los acompañará. También debe respetar las actividades de Naoko en la huerta y en sus estudios musicales.
Finalmente Naoko le dice a Watanabe el porqué ella y Kizuki nunca tuvieron sexo. Siempre algo sucedía que lo evitaba, por alguna razón nunca lograron concretarlo.
Tal el panorama de Watanabe cuando está por cumplir sus 21 años y estas son las personas que lo rodean y entre quienes la historia se escribirá.
Todo embellecido por la fotografía maravillosa de paisajes de ensueño, por la belleza continua de las imagenes y por la música de Jonny Greenwood que sumerge al espectador en la magia interna con la que Tran Anh Hung diseña sus películas.
La dirección de cinematografía es de Lee Ping Bin y buena parte de la magia se debe a su pericia. Pero las imagenes son del mundo al que Tran Anh Hung nos tiene acostumbrados.
Trailer en castellano
Diez puntos sin dudar para esta bellísima delicia visual de Tran Anh Hung. 

Pájaros de papel (Enrique Aragón, 2010) 🌟🌟🌟

Jorge del Pino (Imanol Arias) se marcha de su casa para su trabajo en Madrid dejando a su mujer y a su hijo. El trabaja en las variedades, haciendo un dúo cómico-musical con Enrique Corgo (Lluis Homar).
Cuando regresa a su pueblo, un bombardeo hace que los pobladores deban ir al refugio. Cuando pasa el alerta y sale del refugio, ve a su ciudad arrasada, corre hacia su casa solo para ver morir entre las llamas a su mujer y a su hijito.
España en 1940. Hace apenas un año que ha finalizado la guerra civil con la derrota de la república. Jorge vuelve a buscar a su compañero al teatro. Durante un año ha estado desaparecido y nunca va a contar qué hizo durante ese tiempo.
Llegan para ver el numerito de un niño que quiere actuar en las variedades, es Miguel (Roger Princep) y confiesa que no tiene a dónde ir, como no sea al orfanato porque sus padres han muerto, que por favor lo lleven con éllos. Enrique se enternece y se hace cargo del niño, al que pronto incorporarán a sus números.
Cada tanto los ensayos son interrumpidos por el capitán Montero (Fernando Cayo), quien busca a posibles revolucionarios. Uno de los tramoyistas, Pastor (Oriol Vila) es en realidad un teniente falangista infiltrado para informar al capitán Montero todo lo que ocurra en la compañía.
Si hay algo que esta película tiene de importante, es como dibuja el terror de la España franquista sobre la gente. Las delaciones están a la orden del día y encima no hay siquiera para comer.
Enrique quiere convencer a Jorge que se vayan de España, dice que el tiene amigos en Argentina y que en Buenos Aires se está bien y, sobre todo, lejos de la guerra.
El clima de miedo que inocula una dictadura fascista es lo que impregna también toda la película. En un papel más bien de relleno, Rocío Moliner (Carmen Machi) canta "Enséñame el babalú", numerito pseudo erótico.
La película, si bien está bien realizada, es una película menor, pero la manera en la que induce la violencia de los franquistas, como pinta ese odio que tienen hacia todos aquellos de los que sospechan, es de las mejores realizaciones que haya visto sobre el tema. El espectador va a llevar bien la trama, porque no hay ningún misterio que descubrir, simplemente el agujero del horror de la dictadura.
No se puede vivir con un Franco, canta Imanol Arias
Siete puntos sobre diez para este debut cinematográfico de Enrique Aragón, hijo del célebre payaso Miliki. Miliki hace una corta aparición al final de la película. Las actuaciones de Imanol Arias y Lluis Homar, son sobresalientes. 

Sin retorno (Miguel Cohan, 2010) 🌟🌟🌟🌟

"La Justicia que es ciega y es muda, recién sentirás". Así dice la letra de un tango y así se mueve la Justicia, sin retorno, en la historia que nos cuenta esta película.
Pablo Marchetti (Agustín Vázquez) está volviendo de noche a su casa en bicicleta, un mal movimiento hace que se desparramen los documentos que lleva en una carpeta. Se para para juntarlos, pasa Federico Samaniego (Leonardo Sbaraglia) en su auto y por evitar un corte por obras en medio de la calle, se lleva puesta la bicicleta. Federico baja del auto a ver si el muchacho está bien, pero Pablo lo insulta porque le arruinó la bicicleta, así que Federico sube al auto y se va.
En otro auto vienen Matías Fustiniano (Martín Slipak) y Chaucha (Felipe Villanueva), van a buscar una licuadora a casa de Chaucha porque quemó la que tenían en la reunión por ponerle demasiado hielo, también esquivan la obra, pero esta vez se llevan puesto al muchacho. Pablo queda sin conocimiento.
Chaucha decide llamar a una ambulancia en el teléfono público más cercano y luego se dan a la fuga.
Esconden el auto (de la madre de Matías) y deciden darlo por robado.
Así se lo cuenta Matías al padre (Luis Machín) cuando lo ve salir medio desnudo del baño. El padre lo lleva a la comisaría a hacer la denuncia y ahí empieza a rodar la bola de nieve de la mentira.
Cuando Matías se quiebra frente al padre y le confiesa la verdad, ya no hay marcha atrás posible. Tanto el padre como la madre (la magnífica Ana Celentano) van a sostener que Martincito no puede ir a la cárcel y se van a plegar a la mentira.
Mientras tanto, en padre de Pablo, don Víctor Marchetti (Federico Luppi) inicia una cruzada por Pablito para que encuentren al criminal.
Una mujer atestigua que vio el auto de Samaniego en el lugar del crimen, la policía le sigue el rastro y descubre que lo ha dejado en un taller de chapa y pintura para arreglat el bollo de la bicicleta. Esto para la policía es suficiente, no hay que investigar más.
También para la opinión pública que enardecida por Marchetti pide castigo para el culpable.
Dicen que la mentira tiene patas cortas, pero la historia contada en esta película descubre que también la verdad es absolutamente relativa.
Un guión excelente el elaborado por Miguel Cohan en conjunto con Ana Cohan. De una precisión sin igual, casi un mecanismo de relojería. No hay detalle que sobre ni falta una explicación para cada uno de los hechos que se narran en la película.
Todos los actores son excepcionales y también los elementos técnicos.
Si bien a la mitad de la película el espectador se va a sentir agobiado por tanta injusticia enfermiza, vale la pena terminar de verla, porque el final es aún más contundente.
Trailer
Nueve puntos sobre diez para este thriller de excelente factura.

Aullido (Howl) (Rob Epstein y Jeffrey Friedman, 2010) 🌟🌟🌟🌟🌟

Hacer un film con un poema es una tarea sobrehumana para cualquier creador. Entonces Rob Epstein y Jeffrey Friedman escriben el guión de su película cruzando varios diferentes acercamientos a la vida y obra del poeta Allen Ginsberg.
En uno, magníficamente filmado en blanco y negro, el poeta recita su poema en una especie de "cavern club" para una cincuentena de sus admiradores. Es la parte más brillantemente lograda del film. Los versos de Ginsberg, que a veces la película vuelve a repetir provocativamente, son más humanos en la voz de James Franco, que dicho sea de paso, es el actor que interpreta al poeta.
En otro de los acercamientos, el poeta, ya unos años mayor, participa de una entrevista en su casa con un periodista inominado. En esta parte es donde el poeta muestra su interior de una manera cálida y agridulce. Nos cuenta de su infancia, de sus amigos y amados Jack Kerouac y Neal Cassady y de sus dudas y peregrinaciones en busca de sí mismo.
El tercero de los acercamientos es a través de la animación de diversas partes del poema. En brillantes colores oscuros, las imágenes impactan aún más que las palabras de los versos a través del movimiento continuo, cercano a las imágenes de "The Wall".
Y el cuarto, pero no menos impactante de los acercamientos, es al juicio por obscenidad al que el editor de "Howl" Lawrence Ferlinghetti (Andrew Rogers) fue sometido en el año 1957.
Se pone en movimiento, como lo condensa el juez Clayton Horn (Bob Balaban), la libertad de expresión que tan cara es al espíritu constitucionalista de los estadounidences. Digo al espíritu, porque en la práctica dejan mucho que desear.
Hay testigos por la defensa de Jack Ehrlich (John Hamm) y del fiscal Ralph McIntosh (David Strathairn) que expresan lo que es el sumun del arte y del lenguaje artístico, versus lo mal intencionado de las mentes acusadoras.
Una frase del fiscal deja atónito al juzgado y al espectador. Cuando le es denegada una impugnación exclama, "Lo siento, abro mi boca y de élla salen puños", digna del poema que está tratando de condenar por obsceno.
Imprescindible es para el espectador inteligente, que como era mi caso, no conociera a Allen Ginsberg, ver esta película. También lo es para el espectador de mente abierta defensor de la libre expresión de las ideas y de los sentimientos.
Como la hermosa banda de sonido de Carter Burwell que acompaña magníficamente las cálidas y sorprendentes imágenes de la película.
Holy!
Si ya viste en el enlace este hermoso poema de Ginsberg y tu mente se abrió a tu corazón, no dejes de ver esta película. Diez puntos sobre diez para "Aullido".

La llave de Sarah (Gilles Paquet Brenner, 2010) 🌟🌟🌟🌟🌟

El viernes 16 de julio de 1942, Sarah y su familia son arrestados en su casa de París por la policía francesa y trasladados al Velódromo de Invierno. 
Michel, el hermano pequeño de Sarah, de cuatro años, queda escondido en un placard camuflado de su piso en París, donde la niña cree dejarlo a salvo. Sarah cierra el placard por fuera y se queda con la llave que abre la puerta. 
Ella y sus padres, después de permanecer varios días en condiciones infrahumanas junto a miles de otros judíos, son deportados a un campo de concentración donde, separados hombres de mujeres y niños, pasan días infernales. Posteriormente, son enviados en los trenes de la muerte, primero los hombres, un día después las mujeres, quedando los niños con la única vigilancia de los policías franceses.
Sarah (Melusine Mayance) consigue escapar del campo junto a su amiga Rachel (Sarah Ber) y se refugia en una casa del campo, donde el granjero Jules Dufaure (Niels Arestrup), asustado por la muerte de Rachel enferma de difteria, le dará asilo.
En mayo de 2002, a Julia Jarmond (Kristin Scott-Thomas), periodista estadounidense radicada en París desde hace veinte años, le encargan un artículo relacionado con el sexagésimo aniversario de la redada contra los judíos por parte de la Gendarmería Francesa. 
Julia, casada con Bertrand Tézac (Frederic Pierrot), con quien tiene una hija llamada Zoë (Karina Hin), irá descubriendo poco a poco los acontecimientos del fatídico año de 1942 y la historia de Sarah, directamente relacionada con la familia de su marido, los Tézac. Tras este descubrimiento, no podrá evitar insistir hasta conocer el destino de la joven Sarah y su relación con la familia de su marido.
De una magistral novela escrita por Tatiana de Rosnay, Serge Joncour escribió un magnífico guión donde se van intercalando las historias de Julia y de Sarah. Esto hace que el espectador no pierda un detalle de ambas historias y mantenga la atención constantemente.
Siendo un drama del holocausto judío, tiene detalles que vuelven particular a la historia, ya que en este caso es la gendarmería francesa la encargada de arrestar a los judíos y son los mismos parisinos los que los denuncian. Como es mi entender, el horror del holocausto no fue cosa solamente de alemanes, sino que todos los pueblos europeos estallaron con la misma mezcla de odio, miedo y violencia sangrienta. La humanidad está aún muy lejos de ser lo que supone ser, una humanidad.
Es magnífica la interpretación de Kristin Scott-Thomas y en general del resto de los actores. Muy buena la fotografía y la música. En fin, una película que no se olvida fácilmente.
Trailer
Diez puntos sobre diez para esta emotiva película de Gilles Paquet Brenner.

Movimiento Browniano (Nanouk Leopold, 2010) 🌟🌟🌟

Ante todo considero necesario brindar una pequeña introducción acerca del título de esta película.
"El movimiento browniano es el movimiento aleatorio que se observa en algunas partículas microscópicas que se hallan en un medio fluido (por ejemplo, polen en una gota de agua). Recibe su nombre en honor al escocés Robert Brown, biólogo y botánico que descubrió este fenómeno en 1827 y observó que pequeñas partículas de polen se desplazaban en movimientos aleatorios sin razón aparente. El movimiento no determinado de estas partículas se debe a que su superficie es bombardeada incesantemente por las moléculas (átomos) del fluido sometidas a una agitación térmica."

Charlotte (Sandra Huller) es una doctora casada con el arquitecto Max (Dragan Bakema). Tienen un hijo pequeño y aparentemente todo en su matrimonio es agradable y civilizado.

Pero Charlotte alquila un departamento y allí lleva a toda clase de hombres que conoce en el servicio del hospital donde trabaja.

Como esta película está hecha con un mínimo de lenguaje, no hay explicaciones para sus actitudes. No se sabe si realmente Charlotte se acuesta con estos hombres o si es parte de sus ensoñaciones eróticas. Hasta que, visitando las obras en construcción del hospital, se cruza con uno de los hombres con los que ha tenido relaciones. Cuando él se quiere acercar a saludarla, lo golpea salvajemente y cae inconsciente.

En la tercera parte de la película asistimos a las visitas infructuosas que tanto Charlotte sóla como con Max hacen a una psiquiatra. Las preguntas que le hace a Charlotte acerca de su comportamiento son respondidas desde la realidad de los hechos y no aclaran mucho la situación. Charlotte dice a la psiquiatra que Max no va a volver a confiar en élla.

Como resultado del juicio que se le sigue por la agresión, Charlotte pierde su licencia de trabajo.

El director de este film, Nanouk Leopold es también el autor del guión de la película y el 90 por ciento del argumento descansa en lo visual. Al espectador un poco ansioso le van a resultar insoportables los largos y lentos planos sobre una escenografía (todas las escenografías son fascinantes) o los enfoques desde la nuca de la protagonista mirando a través de la ventana.

Sin embargo, está en esas escenas sin explicación posible, el mismo movimiento browniano al que hace alusión el título de la película. Es más lo que se siente sobre la protagonista que lo que se sabe de élla. Sus sensaciones corporales son tan importantes que impregnan la mayor parte de la película.

No me refiero solamente a las escenas eróticas sexuales, sino a escenas sensuales por ejemplo una donde se recuesta desnuda sobre un cubrecama aterciopelado y deja que todo su cuerpo se impregne de su textura.

En la cuarta y última parte del film, la pareja se ha mudado a la India, aparentemente por el trabajo de Max. Tienen dos nuevos niños de muy corta edad. Max descubre que Charlotte sigue yendo todas las mañanas a la ciudad y su desconfianza hacia élla renace.

En la cama, Max le pregunta a quién está viendo ahora. Charlotte contesta que élla sigue siendo la misma persona y le requiere si no le es suficiente con que esté en ese momento con él.

Por la lentitud de las escenas no podemos decir que el argumento sea atrayente para todos los espectadores. Si la película tiene una cualidad es su interioridad. Las emociones no explicadas y sobre todo un mundo completo de sensaciones.

Trailer

Siete puntos sobre diez es mi calificación para esta fascinante película holandesa.

Naranjas y rayos de sol (Jim Loach, 2010) 🌟🌟🌟

Entre 1940 y 1970, más de 130.000 chicos de entre 5 y 13 años de edad fueron deportados de Inglaterra a Australia. Todos carecían de familias y fueron enviados a Australia con la promesa de que allí iban a ser adoptados.
En realidad fueron mantenidos en instituciones de caridad y usados como mano de obra barata por la sociedad australiana.
¿Cómo pudo esto suceder sin que ningún organismo internacional se hiciera cargo de su defensa?.
Porque a nadie les interesaba de éllos.
Margareth Humphreys (Emily Watson) era una trabajadora social en Nottingham y como tal un día de 1986 recibió una carta desde Australia de una mujer, Charlotte (Federay Holmes) que decía haber nacido y vivido en Nottingham y que sólo quería saber quién era realmente.
Por casualidad en un grupo para adultos adoptados en el que Margareth participa en calidad de trabajadora social, una mujer, Nicky (Lorraine Ashbourn) confiesa que hace muy poco recibió una carta desde Australia diciendo, "soy tu hermano Jack". Ella sabía que había tenido un hermano, pero no que estuviera en Australia.
Con la campanilla de Australia sonando en su cabeza y con el soporte de su marido Merv (Richard Dillane), Margareth comienza la búsqueda de la fallecida madre de Charlotte y, cual será su sorpresa al enterarse que 6 años después que Charlotte fuera enviada a Australia, su madre Vera (Kate Rutter), se había casado.
Encuentra a Vera y cuando le confiesa que su hija vive en Australia, Vera pregunta pero porqué tan lejos. La misma pregunta se hace Margareth. En la casa de Australia, si bien reconocen que hubo niños deportados, le dicen que la razón debe preguntársela a su gobierno.
Margareth viaja a Australia acompañando a Nicky y en el aeropuerto las recibe Jack (Hugo Weaving). Jack le cuenta que el funcionario que lo enviara a Australia le prometió que iría a un país donde nunca faltan los rayos de sol y donde podría tomar naranjas directamente de los árboles.
Jack las lleva a un día de campo organizado por la comunidad a la que pertenece y allí Margareth anuncia que ha venido acompañando a un integrante que fuera enviado a Australia de niño y que se ha ofrecido a buscar a su madre, que si alguien más considera que pueda ser ayudado, que la contacte.
El aluvión de gente que acude a élla es realmente impresionante.
Jack le confiesa que lo peor para él es el día de la madre, que aunque él tiene su familia y tres hijos, ese día se encierra y no quiere ver a nadie.
Inspirada en hechos sucedidos realmente en una sociedad culturalmente civilizada como la inglesa, Margareth Humphreys escribió un libro sobre su apasionante búsqueda de padres e hijos. Una especie de catarsis, de descarga de emociones contenidas y dolores acumulados que durante años no la han dejado vivir. Rona Munro adapta la novela a un guión cinematográfico y Jim Loach (hijo del gran Ken Loach), es el encargado de hacerse cargo de la dirección del film.
Debido a la naturaleza sensible de las historias que se narran ha sido necesario guardar un delicado equilibrio entre historias tremendas, como la de los hermanos católicos del asilo de Bindoon, que propinaban tremendos castigos físicos y hasta abusaron de los niños deportados y la sensibilidad del espectador.
Aún cuando Margareth Humphreys publica su libro en 1994, no es sino hasta febrero del año 2010 cuando el primer ministro inglés Gordon Brown hiciera públicas sus completas disculpas a los deportados y a sus familias. El primer ministro de Australia Kevin Rudd, presentó también sus disculpas a fines del año 2009, pero sin ningún tipo de reparación para los niños abusados.
En resumen, una excelente película que pone al descubierto otra de las tremendas hipocresías de la sociedad europea. Desde el 1600 que niños ingleses han sido deportados al Canadá, solo alrededor de 100.000 entre 1900 y 1920, y en fechas más recientes, a Zimbabwe, a dónde fueron inculcados de un principio de superioridad ante los pueblos originarios.
Una historia tremenda en un film realmente admirable por su seriedad y compromiso con la honestidad del ser humano.
Trailer en inglés
Ocho puntos sobre diez para "Naranjas y rayos de sol".

Todo estará bien (Alting bliver godt igen) (Christoffer Boe, 2010) 🌟🌟🌟

Un escritor/director como lo es Christoffer Boe, escribe un drama psicológico sobre un escritor/director llamado Jacob Falk (Jens Albinus) que está escribiendo el guión de una película.
En su estilo tan particular de contar una historia haciendo una espiral en el tiempo y en los sucesos, comienza el film mostrando a Jacob Falk atropellando a un hombre en una ruta y huyendo para luego avisar telefónicamente a la policía.
Llega a su casa donde lo recibe su esposa Helena (Marijana Jankovic), muy excitada por las noticias que han recibido sobre la adopción de un niño, Sergei, muy esperado por los dos.
Luego lo vemos en el trabajo siendo atosigado por el productor para que finalice el guión de la película.
Acto seguido la película cambia de protagonistas y pasa a contarnos sobre Alí (Igor Radosadljevic) y su pareja Mira (Ozlem Sanglamak). Reciben la visita de un jefe del comando del ejército que pregunta a Alí si habla el persa y el contesta que sí y también el árabe. Le pide que se incorpore al ejército como traductor y que parta inmediatamente para el frente.
Luego vemos a Alí regresando de la guerra y siendo interpelado por personal de inteligencia que le hacen firmar un compromiso de no hablar sobre lo que ha visto en la guerra. Antes de entrar a la reunión, Alí ha pegado en su espalda fotos comprometedoras del accionar del ejército danés.
El hombre que Jacob atropelló con su auto en la ruta es Alí y este le pide que se lleve un bolso conteniendo las famosas fotos y también un diario que Alí escribió durante su participación en la guerra.
El espectador, conociendo otras películas de Boe (La reconstrucción y Allegro), empieza a sospechar que la historia de Alí es el guión de la película que Jacob está escribiendo.
La historia aún va a dar muchas vueltas más alrededor de la historia de Alí y la de Jacob. Cuando le muestra las fotos a su hermana Siri (Paprika Steen) y ésta le aconseja que se deshaga de esa historia porque están en plena contienda electoral. Pero al final termina dándole los datos de Michael (Olaf Heine Johannessen), un periodista al que le interesa la historia pero que necesita contactar a quien tomó las fotos. Por esta razón Jacob empieza a buscar a Alí y descubre que la policía no encontró ningún cadáver cuando acudió a la ruta por su denuncia.
Con miles de sospechosos y la intuición del espectador que cree que Jacob es un paranoico, continúa la historia sin dar un minuto de respiro a los ansiosos que quieren conocer la verdad de la intriga.
Magnífica la fotografía de Manuel Alberto Claro, así como la música de Sylvain Chaveau.
El cine de Christoffer Boe constituye la mayor intriga de la cinematografía actual. Alejado de los cánones argumentales del cine danés de DOGMA, sus historias son profundos dramas psicológicos donde el espectador tiene que estar muy atento para captar las pistas que el director va dejando en el curso de una película.
Este es un thriller psicológico, con persecutores y desaparecidos, con muertos y torturados, aunque al final decida cambiar la historia.
Trailer en español
Imprescindible para espectadores que gusten de historias de intriga y misterio con miles de pistas a seguir y mentiras a descartar, van 8 puntos para "Todo estará bien".

Revolución (Varios Directores, 2010) 🌟🌟🌟

Con motivo del centenario de la Revolución Mexicana, los productores de IMCINE y Canana films reunieron a una decena de jóvenes directores para que se encargaran de hacer filmes cortos en los que, de alguna manera, se hablara de los cien años transcurridos desde la revolución.
El resultado es excelente. En los diez cortos, los creadores nos hablan de la frustración de un pueblo para el que la revolución aún no ha dado sus frutos o se ha transformado en otro producto para el marketing.
Ellos son, de acuerdo al orden de los cortos en la película, Fernando Eimbcke, Patricia Riggen, Gael García Bernal, Amat Escalante, Carlos Reygadás, Mariana Chenillo, Gerardo Naranjo, Rodrigo Plá, Diego Luna y Rodrigo García.
Hay algunos cortos que apasionan más que otros y la diferencia de formas y estilos se hace patente en creadores como Carlos Reygadás, cuyo "Este es mi reino" es realmente deslumbrante.
Pero cada corto tiene lo suyo. En "La bienvenida", de Fernando Eimbcke, se pinta la frustración del campesino mexicano a través del trombonista de una banda de música. Luego, Patricia Riggen, en "Lindo y querido" nos muestra la sinrazón y desapego de los inmigrantes que viven en Estados Unidos.
Gael García Bernal, a través de 4 chicos, nos habla sobre la revolución en el orden en las familias y el lugar que la religión ocupa. Amat Escalante trae el más surrealista de los cortos. En "El cura Nicolás colgado", no todo lo que se muestra es lo que parece, ni tampoco lo que se dice.
Ya mencioné a Carlos Reygadás y su "Este es mi reino", donde consigue introducir con su cámara al espectador en una orgía de destrucción, danza, música y orgía desenfrenada. Fiel retrato de una sociedad alienada.
"La tienda de Raya", de Mariana Chenillo nos devuelve a la realidad de la pobreza y la explotación del trabajador, cien años después de la revolución aún se paga a los trabajadores con vales.
Gerardo Naranjo, con "R-100" nos da una cierta explicación para la violencia. Es el corto más duro y agreste de la película.
Rodrigo Plá, en "30-30", que hace alusión a la canción revolucionaria "Carabina 30-30", donde un nieto de Pancho Villa es llevado en exhibición por un político local. Este corto es el que más cerca está del mensaje político.
Diego Luna hace en "Pacífico" una especie de melange de historia de divorcio con estafa comercial.
Finalmente, el colombiano Rodrigo García, cruza las culturas mexicana y estadounidense en "La 7th street y Alvarado" sin palabras, sin apologías, simplemente con imágenes, e imágenes muy fuertes para la sensibilidad latino americana.
Es una película francamente imperdible para quienes posean cierta afinidad con el pueblo mexicano y con los problemas de toda Latino América.
Trailer (con subtítulos)
Es toda una parábola que los trailer de esta película estén en Youtube con subtítulos en inglés. Es la justificación de toda esta película.
Ocho puntos sobre diez para "Revolución" y una mención muy especial para Carlos Reygadás.

La verdad oculta (The whistleblower) (Larysa Kondracki, 2010) 🌟🌟🌟🌟🌟

Es importante por lo concisa, la definición de Larysa Kondracki sobre su película.
"La verdad oculta, es la historia de Kathryn Bolkovac, una policía estadounidense miembro del cuerpo de paz, que denunció la implicación de la ONU en el tráfico de mujeres tras la guerra de Bosnia".
Y "la verdad oculta", sigue estando oculta. Uno de los acusados por Kathryn Bolkovac al frente de la organización privada DynCorp que se contrata para garantizar la paz en la región, siguió trabajando para el gobierno estadounidense en las guerras de Afghanistán e Irak.
La gente común puede ser que algo haya oído sobre la trata de blancas organizada por los cuerpos de paz de las Naciones Unidas, pero no lo ha hecho consciente. Como sólo se trata de prostitutas. Pero ignoran todo lo referente al estado de esclavitud en que caen estas muchachas, la violencia que el sistema ejerce sobre éllas y cómo los organismos de protección de los estados las ignora y aún más, las presiona a que no abran la boca.
La actuación de Rachel Weisz como Kathryn Bolkovac, tiene mucho que ver con el impacto que causa esta película sobre el espectador. Es su composición del personaje sobre una persona real lo que la vuelve tan cruda y sobrecogedora.
El guión del film sigue, con las lógicas reducciones de tiempos y personas, la experiencia real que le tocó vivir a Kathryn Bolkovac como miembro de los cuerpos de paz.
Madeleine Rees (la mágica Vanessa Redgrave) le presta atención a Kathryn cuando consigue que por primera vez en la historia de Bosnia, una mujer musulmana sea escuchada por la justicia al denunciar los malos tratos a los que su marido la somete y condene al marido. Le pide que se haga cargo de la oficina de Control de los Derechos Humanos de los cuerpos de paz.
Y Kathryn lo hace. Lo que nunca podría haber adivinado es que los responsables de mantener la paz en la convulsionada Bosnia serían quienes promovieran los mayores abusos a los derechos humanos, sus propios jefes y compañeros.
Hasta la persona que tiene a su cargo la repatriación de los extranjeros, Laura Lavinia (magnífica Monica Bellucci), cierra los ojos como la mítica justicia ante los hechos consumados de la trata de blancas y se ampara en las reglas.
Es una película difícil de ver, no es grata, no tiene escenas románticas ni dulces. La mayoría de las situaciones son duras y llenas de crueldad. Pero por eso mismo la película sacude al espectador. ¿Es posible que esto haya sucedido en nuestro mundo?, ¿es posible que aún siga sucediendo? son las preguntas que asaltan a las conciencias alarmadas.
En la que es, por ahora, su única película, Larysa Kondracki demuestra tener la sensibilidad necesaria para hacer que lo que la cámara registra se convierta en realidad ante los ojos del espectador inteligente.
Hay que destacar la actuación de Roxana Condurache, una modelo rumana, en el papel de la adolescente Raya, en manos de los traficantes y también de David Strathairn, como Peter Ward, a cargo de los Asuntos Internos del cuerpo de paz.
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“La verdad oculta” es una demoledora denuncia narrada con total realismo, que acusa directamente a la ONU de comportarse como ejércitos de ocupación y admitir los peores actos de barbarie con cobertura diplomática. Imprescindible. Diez puntos es mi calificación para esta reconfortante lección de humanidad.

Made in Dagenham (Nigel Cole, 2010)

En Dagenham, Inglaterra, un suburbio de Londres, está ubicada una de las plantas de fabricación de automotores Ford. En 1968, de los 15000 empleados que tenía la planta, 187 eran mujeres.
Estas mujeres trabajaban en muy malas condiciones físicas, cosiendo las fundas para los asientos. Como la fábrica no les da respuesta a sus requerimientos de reconocer que sus puestos son especializados y como tal deben ser pagados, deciden encarar un día de paro para protestar por la falta de atención.
En respuesta, reciben una carta de muy mal tono por parte de la fábrica, donde se las conmina a buscar siempre por todos los medios, una solución pacífica a los conflictos. Esta respuesta, que llevan a los delegados gremiales, es menospreciada por los sindicalistas diciendo que es la respuesta usual de la fábrica. A la falta de protección por parte del gremio y la desidia por parte de la fábrica, en lo que llaman con todo derecho, una falta de respeto, las 187 mujeres inician un paro general por tiempo indeterminado.
Por supuesto que ni los ejecutivos de la empresa ni los dirigentes gremiales las toman en serio, pero cuando la fábrica debe paralizar su producción por falta de fundas para los asientos, las aguas se vuelven más oscuras.
Sally Hawkins encarna eficazmente a Rita O'Grady, la maquinista que toma las riendas en el movimiento y es la voz sensata pero firme, frente a las amenazas del resto de los involucrados.
Bob Hoskins es el gremialista que abre los ojos de Rita frente a lo que es la verdadera injusticia. Las mujeres, a igualdad de responsabilidades, tienen menor salario que los hombres.
La huelga toma entonces como bandera, "Igualdad de salarios". Poco a poco son escuchadas por la prensa y los medios les hacen entrevistas. Pero la central de Ford en Estados Unidos está muy poco propensa a dar equidad de salarios para las mujeres en Inglaterra, porque sino deberían hacerlo en el resto del mundo y envía a un especialista rompe-huelgas.
Este especialista lleva sus amenazas hasta el mismo gobierno inglés, conminando a la ministra Barbara Castle (una fogosa pelirroja encarnada por Miranda Richardson) a terminar con la huelga bajo apercibimiento de cerrar las plantas en Inglaterra.
La inteligencia del guión y del director, es no llevar a las huelguistas hacia las falsas banderas de la política sino haciéndolas actuar siempre contra la injusticia de la falta de equidad en los salarios.
Sally Hawkins no es físicamente lo que el espectador puede imaginar de una líder y se vale de eso mismo para encarnar con gran sabiduría y humanidad a la conductora del movimiento.
Es una película que se ve con avidez y que en todos los frentes defiende sobre todas las cosas la condición de la mujer. Los ejecutivos, los secretarios de estado, los gremialistas, son todos hombres y como tales no tienen criterio para juzgar equitativamente las razones del movimiento femenino. Rita les dice a los gremialistas, ustedes deberían defendernos como obreras que somos, así como lo hacen con los hombres.
También se juegan los dramas personales de las huelguistas y de sus familias, así como del resto de los obreros que quedan sin paga al cerrar la fábrica.
Lástima que después de tanta lucha y reivindicación, los ingleses hayan terminado eligiendo a Margaret Thatcher para que destruyera el aparato productivo inglés.
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Para una excelente dramatización de esta huelga que consiguió movilizar a la Ford en Inglaterra, a los sindicatos y políticos, ocho puntos sobre diez.

Chantrapas (Otar Iosseliani, 2010)

Otar Iosseliani es un director de cine nacido en 1934 en Tiflis, hoy república de Georgia. En los tiempos de su formación, Georgia era una de las repúblicas socialistas soviéticas.
En 1982 se radica en Francia y adquiere la nacionalidad francesa, siendo su obra ampliamente reconocida en el mundo cinematográfico habiendo ganado los festivales de Berlín, Venecia y Mar del Plata en dos oportunidades, una de éllas justamente por "Chantrapas".
Su estilo es muy peculiar. Los personajes aparecen y desaparecen en el cuadro de la pantalla según les conviene y no según el ritmo de la película. No existen los primeros planos en estos mundos surrealistas que se mueven al margen de los enfoques de la cámara. Con ese estilo tan suyo, las películas de Iosseliani son algo caóticas para el espectador ordinario.
En "Chantrapas", por primera vez en su larga filmografía, hay un guión y hay personajes, no como en sus otras películas donde la cámara se distrae y cambia de personaje a cada rato y, al cambiar de personaje además, cambia de historia.
"Chantrapas", título sin traducción, cuenta la historia de un joven realizador de cine, Nikolas (Dato Tarielachvili), que en los años 50 choca con la burocracia de los dirigentes políticos y su rígida censura. Es muy graciosa la escena en que lo remueven como editor y colocan en su lugar al portero del lugar. Finalmente consigue que lo dejen salir del país y viaja a Francia.
En París hace cualquier trabajo que le aparezca, desde cuidador de un zoológico hasta albañil, y al mismo tiempo consigue apoyo para realizar una película. Pero hete aquí que el mismo panorama desolador se le presenta. Los productores quieren intervenir en el curso del film y decidir desde su duración hasta los personajes. También lo reemplazan como editor de su propia película.
En todos lados se cuecen habas y hasta hay una sirena que intenta cazarlo.
Hay que estar dispuesto a aceptar sus normas para poder disfrutar un film de Iosseliani y no siempre el espectador está tan dispuesto a entrar en su mundo surrealista.
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Y a pesar de todo se disfrutan plenamente las dos horas de duración del film. Ocho puntos es mi calificación para "Chantrapas".
"Este joven, muy joven, realizador, que viene de tan lejos"

Poesía (Lee Changdong, 2010)

Es muy interesante como un título puede seducir y hasta imponer cierto aura a una película. Nunca mejor aplicado este dicho que para "Poesía".
En su guión, muy inteligente y hábilmente desarrollado, vamos a enterarnos de la vida de una mujer coreana de 66 años, muy elegante y que acude al hospital por los cosquilleos en su brazo derecho. En la entrevista también desliza que está olvidando las palabras. Luego en su departamento nos enteramos que vive con su nieto, un adolescente grosero y desamorado que todo lo que pretende es un nuevo teléfono móvil.
La vemos ir a trabajar cuidando a un anciano y haciendo la limpieza de su casa y sabemos que lo hace día por medio.
Pero Mija, tal el nombre de la anciana, quiere escribir poesía y se las arregla para participar en un curso sobre el tema. También participa de salones de lectura de poesía, pero siempre pregunta, cómo puede llegar a escribir poesía.
Los hechos se acumulan con paso lento, pero seguro. Los estudios médicos anuncian que tiene un Alzheimer en ciernes. Una compañera de colegio de su nieto se suicida tirándose al río y según algunos padres, esta actitud es debida a que 6 de sus compañeros la violaban sistemáticamente.
Uno de esos 6 compañeros es Wook, el nieto de Mija.
Frente a todos estos hechos de la realidad, Mija persiste en escribir poesía y toma nota de cuanto le llama la atención en su cuaderno.
Es una película fría. Con la habilidad de un cirujano el director Lee Changdong, maneja el escalpelo de los hilos de la historia a través de los personajes. No hay emociones, no hay grandes penas, ni siquiera vemos cuando la chica se suicida.
Pero la herida llega hasta el final, cuando los hechos se desencadenan fríamente. Por supuesto que no voy a contar el final, pero aunque lo hiciera, seguiría valiendo la pena ver esta película.
Por su forma ordenada y simple de contar las poesías que se deshilachan dentro de la cotidiana ordinariez de la vida.
Un elogio aparte para la actriz que interpreta a Mija, Yun Hunghee. Su trabajo está realmente fuera de serie y vale la pena ver la película para saborear sus actitudes, gestos y pequeños matices.
El espectador sensible e inteligente va a valorar mucho esta película, por su sencillez y profundidad humana.
Recuerdos de Mija
Nueve puntos sobre diez para "Poesía".

Si la semilla no muere (Daca bobul no moare) (Sinisa Dragin, 2010)

El director nacido en Serbia, Sinisa Dragin, escribe y realiza este film que se mueve entre las márgenes del río Danubio, de Serbia a Rumania, de Rumania a Kosovo.
Narra las historias de dos padres en busca de sus hijos. Uno de origen serbio que va a Rumania a buscar el cadáver de su hijo fallecido en un accidente automovilístico y el otro, rumano, que busca a su hija desaparecida, estudiante en Bucarest.
El botero que los cruza les cuenta la historia de una iglesia, sumergida en el río, de la que se oyen las campanas cada tanto. Era una antigua iglesia ortodoxa de madera que como el emperador austro-húngaro tenía prohibido a los rumanos construir iglesias ortodoxas, compraron una y en la primavera de 1778, comenzaron a moverla.
La poética de esta película es de tanto nivel que el alma se queda azorada con las imágenes y situaciones que atraviesan la pantalla. Recupera lo mejor del cine de Kusturica, que es mezclar con humor hechos inverosímiles con la realidad descarnada de lo que está sucediendo.
La fotografía es de primer nivel y las escenas filmadas en el río despliegan una hermosura tal que el espectador queda embobado.
Pero las historias son crueles y muestran el tráfico humano a través de las fronteras trazadas arbitrariamente por los poderes políticos de turno.
En Kosovo, se muestra a los estadounidenses de las fuerzas armadas de la ONU en un burdel regenteado por un matón sin corazón. Para llegar a Kosovo, dos de los personajes cruzan la frontera vestidos de cura, pero claro, son descubiertos y llevados presos.
Los desenlaces son tristes, con muertes, pero como se lee en la pantalla, "En verdad os digo que si la semilla del grano no cae en la tierra y muere, no es más que una semilla; pero si muere, producirá una abundante cosecha." Juan, 12:24.
El espectador va a agradecer esta recomendación. "Si la semilla no muere" es una brillante realización que hechiza el alma y los sentidos.
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Diez puntos para este film serbio- rumano de Sinisa Dragin.

Aquel martes, después de Navidad (Radu Muntean, 2010)

Hay algo que conmueve en esta película y es la simplicidad con que las escenas se suceden y la vida transcurre.
El film comienza con escenas de Paul (Mimi Branescu) y Raluca (Maria Popistasu) luego de hacer el amor. Lo que todavía no sabemos es que Raluca es la amante de Paul.
Nos vamos a enterar de a poco, por intermedio de los diálogos entre Paul y Raluca.
Luego vamos a acompañar a Paul y a su esposa Adriana (Mirela Oprisor) a hacer las compras de los regalos para Navidad en un centro comercial.
Hasta ese momento Paul no se siente externamente exigido por la necesidad de tomar una decisión. Y la película avanza.
Mientras Paul lleva a su hija Mara al consultorio odontológico, Adriana lo llama para avisarle que sale antes del trabajo y que los va a encontrar en el consultorio. Pero sucede que Raluca es la odontóloga que atiende a Mara.
Las escenas que podrían ser tensas, son manejadas con absoluto desapego por la cámara. Solo el tono de la voz de Raluca nos da indicios de la situación por la que está pasando.
Y es entonces que Paul empieza a tener problemas de conciencia.
De como se suceden las situaciones en "aquel martes", es que trata esta película, apelando en todo momento a la veracidad y al ojo del espectador que asiste a estas situaciones sin movilizarlo ni apelar a sus emociones.
Sensacional manejo de una historia que podría ser dramática sino fuera porque está contada desde el escaparate.
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Las consecuencias del adulterio de Paul se descargan sobre el espectador y el film termina, dejándo a todos los personajes en una situación desamparada.
Ocho puntos para esta excelente película rumana.

También la lluvia (Icíar Bollain, 2010)

Sebastián (Gael García Bernal) ha escrito un guión sobre el trato al que Colón redujo a los aborígenes americanos al someterlos a la esclavitud más absoluta y de como el padre Fray Bartolomé de las Casas intercediera luego por éllos. Lleva cuatro años peregrinando en búsqueda de capitales para filmarlo y finalmente consigue los inversores, pero como deben restringir al máximo los costos se decide filmar la película en Bolivia, más exactamente en Cochabamba.
Costa, el director de producción (Luis Tosar) es el encargado de desbaratar los ensueños románticos de Sebastián e insiste en desprenderse de algunos extras locales que para su entender pueden ser fuente de problemas gremiales.
La directora, Icíar Bollain, muy inteligentemente nos envuelve en la telaraña de los obstáculos de locaciones, casting y otros fantasmas de la producción del film mientras sutilmente se va colando el que probablemente sea el verdadero eje dramático de la película.
"En septiembre de 1993, impulsada por el Banco Mundial, con el pretexto de que la privatización soluciona la mala administración, la multinacional Bechtel firmó un contrato en Bolivia con Hugo Banzer, presidente electo y antiguo dictador de Bolivia, para privatizar el servicio de suministro de agua a Cochabamba. El contrato fue oficialmente adjudicado a una empresa denominada Aguas del Tunari, un consorcio empresarial formado por Bechtel (que participaba con el 27,5 por ciento), la empresa norteamericana Edison, las empresas bolivianas A. Petricevich y S. Doria Medina, así como el consorcio español Abengoa S.A. (que participaba con el 25 por ciento). Poco después, surgieron quejas sobre el aumento de las tarifas del agua (servicio del que se carecía hacía varios años en la ciudad); las mismas se habían elevado en más de un 50 por ciento. Todas estas acciones culminaron en las protestas de la guerra del agua del año 2000. "
La gente que se presenta al casting de la película, es en su gran mayoría aborigen y también gente humilde que está sufriendo el problema del agua. La policía le clausura los pozos comunitarios de agua, los que han cavado con sus propias manos y hasta queda prohibido por ley recolectar agua de lluvia, de allí el título de la película, "También la lluvia". 
Sin que la cámara ponga el acento en el conflicto social y continúe enfocada solamente en la película que se está filmando (el productor le prohibe a la documentarista del film rodar escenas de la represión), la película real se ve invadida por lo concreto de las manifestaciones y de la violencia de la policía y del ejército bolivianos. Esto se vuelve tan asfixiante que hasta tienen que pagar coimas a la policía para rescatar a sus actores indígenas.
La resistencia de los aborigenes a las prácticas esclavistas de Colón se confunde con la resistencia a la policía boliviana. El punto cúlmine es cuando voltean una camioneta policial.
Pocas veces he visto un uso más acertado del esquema "película dentro de la película", para mover la atención del espectador. Sin necesidad de esgrimir palabras panfletarias hace que el espectador se ponga del lado de los humildes, ya que son las mismas personas a las que ha visto azotadas y acorraladas por los soldados de Colón.
El personaje que hace Raúl Arévalo, el sacerdote Montesinos que es quien despierta a Las Casas para la defensa de los aborigenes, repite dos o tres veces su parlamento a los españoles, "como representante de Dios, debo deciros que todos ustedes estáis en pecado mortal".
Todos los actores están perfectos en la personificación de sus caracteres, pero es el personaje de Luis Tosar el más complejo ya que carga con la ambigüedad de defender sus costos y tener también que defender a sus actores de la policía con absoluta convicción.
También es necesario mencionar a Juan Carlos Aduviri en su primera presentación en la pantalla. Al ser descendiente de pueblos autóctonos, su físico lo dota de lo necesario para dar credibilidad a su personaje, no obstante lo cual además consigue hacerlo con una verosimilitud impresionante. Habilidad de él mismo o en colaboración con la directora.
La música es del conocido Alberto Iglesias y está perfectamente integrada con la imagen. Sin que uno la escuche es necesario que esté presente para completar lo que se está viendo en pantalla.
No es fácil montar una película donde toda una ciudad queda a expensas de una revolución y la directora lo hace a la perfección. 
También hay que pensar sobre quién escribió el guión de "También la lluvia". Es muy interesante descubrir que se trata de nada más y nada menos que Paul Laverty, el escocés-irlandés nacido en la India autor de la mayoría de los guiones para las películas de Ken Loach.
Me parece estupendo que en esta coproducción entre España, México y Francia se haya elegido una directora española para llevarla a cabo. La simetría entre la opresión de los colonizadores españoles y la de los bolivianos descendientes de españoles para con los aborigenes no es pura casualidad, es una realidad que se sigue manteniendo en todo el continente americano.
Vayan 9 puntos muy merecidos para "También la lluvia".

Submarine (Richard Ayoade, 2010)

Oliver es el típico adolescente de 15 años que emipieza a ir sumergiéndose en las aguas pantanosas del mundo de los adultos. Tiene una novia (por fin tiene una novia) que también es una adolescente y juega con la relación queriendo presentarse como experta.
En el medio de la historia están los padres de Oliver y un vecino que resultará ser antiguo pretendiente de la madre de Oliver.
Historia muy bien llevada a través de las vicisitudes de los adolescentes, el colegio y los compañeros. Hasta donde pueden moverse y qué resulta de todo eso.
Desde quererse matar hasta intentar salvar el matrimonio de sus padres vandalizando la casa del vecino, Oliver va a intentar varios caminos.
Richard Ayoade sale indemne de la aventura de llevar esta historia a una película. El problema es que la historia no da más que para eso.
Las actuaciones son muy buenas. El resto de los componentes están todos bien, la música, la fotografía, pero hasta ahí nomás. No es una película que uno no vaya a olvidar. Pero si estoy seguro que quien la vea va a pasar un grato momento, sin complicaciones.
Creo que le caben 7 puntos de calificación y conste que la califiqué. Hay otras películas de las que ni me molesto en escribir una opinión.

El camino (Emilio Estevez, 2010)

El camino es el camino de Santiago. Así es como se llama a la peregrinación desde Francia hasta la catedral de la ciudad de Santiago de Compostela en Galicia que es donde se venera al apóstol Santiago, para los franceses Saint Jacques y para los ingleses Saint James. Pero porqué razón este peregrinaje que se remonta a la Edad Media sigue aún tan vivo entre creyentes e incluso no creyentes.
En honor al año jacobeo en el que se celebra al santuario, Emilio Estevez hace su película en torno a una emotiva historia basada en un libro de Jack Hill. Para protagonizarla convoca a su padre en la vida real, Martín Sheen y película, novela y realidad se adecuan mutuamente.
Es excelente el planteo sobre el que se estructura la película, porque toda la historia termina por ser real. El espectador siente que realmente personajes y actores han caminado desde la frontera francesa y esto se debe al hallazgo de Emilio Estevez al describir al peregrinaje como una epopeya humana y despojarlo de su contenido místico. El que haya estado en la catedral de Santiago de Compostela sabe que esto es verdad. Se percibe, entra en uno a través de un clima espiritual que envuelve al sitio más allá de las plegarias, más allá de la voluntad atea o religiosa.
Es esta percepción de Emilio Estevez lo que llena de valor al film, que además está excelentemente bien realizado y con los lugares por donde se lleva a cabo el peregrinaje hermosamente fotografiados. Un párrafo aparte se merece el elenco en el que no hay ni un solo error.
Por todas estas razones es que "El camino" se merece los nueve puntos de valoración. No dejen de verla, la van a apreciar.