Dolor y gloria (Pedro Almodóvar, 2019) ⭐⭐⭐⭐⭐

Este es un nuevo impecable film de Almodóvar. Un film adulto donde olvida un poco esos momentos locos de sus otras películas, pero que está lleno de humanidad. Rebalsa humanidad por los cinco costados. Como en "Todo sobre mi madre", donde las mujeres protagonistas del film no importaba si eran madres, lesbianas, travestis o monjas, por sobre todas esas características fáciles, eran seres humanos. Creo que con Almodóvar el feminismo alcanzó su mayoría de edad en el cine.
En "Dolor y gloria" repasa la historia de un director de cine envejecido y encerrado en sus achaques, Salvador Mallo (magistral interpretación de Antonio Banderas que le valiera la gran palma de oro al mejor actor en el festival de Cannes) y con él, en primerísimo primer plano a su madre (interpretada por Penélope Cruz de joven y genialmente por Julieta Serrano en su vejez).
Con la maestría de siempre para la evolución de sus guiones, la historia se va armando entre recuerdos y memorias del director. Entre ellos el reestreno de la versión remasterizada de un viejo film suyo, "Sabor", que hace que se reencuentre con el intérprete de aquel film, Alberto Crespo (Axier Etcheandía) con quien no se hablaban desde la realización del film. Pero Alberto va a significar una erosión en el claustrofóbico mundo del director. El descubrimiento de un escrito suyo, "La adicción", hace que Alberto lo lleve al teatro, aunque él no quiera colocar su nombre como autor, adónde Federico (Leonardo Sbaraglia), un amor de su juventud, lo va a redescubrir en una visita fugaz a España.
Impecable la actuación del pequeño Asier Flores como Salvador niño y de muchos más actores como es el caso de la intervención de Cecilia Roth, o por ejemplo como Nora Navas en Mercedes, asistente técnica y espiritual del director, al punto de acompañarlo al médico, a quien Salvador rehuye.
Durante las dos horas de proyección, el espectador se verá envuelto por la magia de Almodóvar, con escenas que van desde el dolor hasta la gloria.
Inolvidable del descubrimiento de la casa-gruta en Paterna (Valencia). Muchos se sentirán tentados de vivir allí.
La música de Alberto Iglesias, compositor que siempre pinta las películas de Almodóvar con su música intensa pero no fuera de cauces. Los excelentes directores de fotografía, José Luis Alcaine y dirección de arte de María Clara Notari. El departamento de Salvador es un despliegue inolvidable de belleza y arte.
Trailer
Los actores hablan de Almodóvar
Mi calificación es de 10 puntos para una película que se volverá inolvidable como aquella otra  que viera 4 o 5 veces estando lejos de Buenos Aires "Volver".

Toc Toc (Vicente Villanueva, 2017) 🌟🌟🌟

Pocas veces tengo la oportunidad de incluir en este blog una comedia, por eso celebro que a Vicente Villanueva se le haya ocurrido trasladar al cine la excelente comedia teatral del humorista francés Laurent Baffie.
No es fácil trasladar este guión al ojo móvil de la cámara cinematográfica, ya que uno de los aciertos de la puesta teatral es justamente la escenografía plana del escenario, donde todos los personajes juegan sus roles simultáneamente para solaz del espectador.
Dejando este aspecto de lado, que es uno de los que inclinará a los espectadores a volver a ver el espectáculo teatral (en Buenos Aires está en su novena temporada y en Madrid en la octava), debo decir que aún "Toc Toc" sigue dando sus frutos.
Como probablemente no todos los lectores conozcan el argumento, para situar al posible espectador, debo decir que la película narra el encuentro forzado de 6 enfermos de Trastornos Obsesivos Compulsivos (de allí lo de TOC), en el consultorio de un psicólogo de fama cuyo avión se ha demorado y no llegará en horario para la consulta. Otro de los sinsabores para los pacientes, es que a todos se los ha citado en el mismo turno, según la secretaria (Inma Cuevas) debido a un error de un nuevo software para reserva de turnos.
Allí se encontrarán entonces Fernando (Oscar Martínez) aquejado del síndrome de Tourette, Emilio (Paco León), aquejado de un trastorno que lo lleva a coleccionar todo tipo de cosas y a hacer cuentas mentales sobre registros absurdos, Blanca (Alexandra Jiménez), obsesionada con las bacterias, hongos y todo tipo de virus, Ana María (Rossy de Palma) atrapada en controles eternos sobre las cerraduras  y refugiada en la religión de forma compulsiva, Rocío (Carolina Lapausa) repetidora incansable y Otto (Adrián Lastra) ordenador implacable a quien las rayas en el piso tienen atrapado en una prisión de saltos mortales.
Todos ellos, acompañados de un texto memorable, van a hacer la diversión de los espectadores durante la hora y media de duración.
Algunos errores: la obsesión por mostrar en detalle el efecto de los TOC's en los pacientes. El excesivo movimiento de cámaras como para demostrar que no se trata de teatro filmado.
Pero aún así el espectáculo resulta atrayente y divertido. El oficio de los actores sostiene la película en gran parte y es así como debe ser.
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Siete puntos sobre diez para esta divertida versión fílmica de "Toc Toc".

El olivo (Icíar Bollain, 2016) 🌟🌟🌟

Habiendo leído un artículo sobre los olivos centenarios, Paul Laverty convenció a la directora Icíar Bollain para contar una historia, sencilla, pero que a la vez encendiera en la gente el amor hacia esos seres descomunales que a través de los siglos han visto pasar tempestades y buenos tiempos.
Juntos recorrieron viveros donde se dedican a rescatar a estos ancianos seres, muchas veces abandonados de todo cuidado. Hay un buen mercado para estos árboles milenarios como elementos decorativos.
El guión que escribió Paul Laverty está centrado en Alma (Anna Castillo) que a sus 20 años trabaja en una granja de pollos y cuida de su abuelo Luis (Miguel Angel Aladren). Su abuelo ha dejado de hablar y ya no se comunica ni con sus hijos ni con su nieta. Alma cree que está haciendo el duelo por la pérdida de su árbol, un olivo milenario que según él contaba había sido plantado por los romanos, que su hijo Ramón (Manuel Cucala), ha vendido por 30.000 euros para intentar salvar los negocios familiares que la crisis económica se está comiendo.
Cuando el abuelo deja de comer, Alma siente que tiene que hacer algo y trata de averiguar dónde fue a parar el olivo de su abuelo. Con la ayuda de sus amigas Wiki (María Romero) y Adelle (Paula Usero), a través de internet, detectan al anciano olivo en el hall de la casa matriz de una corporación alemana en Dusseldorf, quien lo utiliza como símbolo de la empresa. Empresa que por cierto se dedica a la destrucción sistemática del medio ambiente.
Inventando a un sacerdote alemán que dice tenerlo en el jardín de su iglesia, convence a su tío "Alcachofa" (Javier Gutiérrez) y Rafa (Pep Ambrós) compañero de trabajo de Alca, para que con un camión de la empresa para la que trabajan, la lleven hasta Dusseldorf para rescatar el olivo.
La historia es muy simple y totalmente lineal, con excepción de algunos flashbacks de Alma niña con su abuelo.
El centro de la trama es este olivo milenario que ha terminado su vida al aire libre encerrado en el hall de esta corporación alemana.
Es sintomático que esta directora que ya se comprometió con la población de Bolivia a la que las multinacionales hasta le habían rapiñado el agua (También la lluvia) y con la vocación de una maestra en medio de la pobreza en "Katmandú", sea quien junto a Paul Laverty, el brillante escocés autor del guión, se embarque en la defensa de los árboles milenarios y del patrimonio vivo de su país.
El espectador va a disfrutar de una hermosa historia, que aunque sembrada de detalles dramáticos (la crisis económica enloda todo), no hace lugar para lágrimas, sino que cuenta con toda emoción una historia que tiene muchos visos de ser real.
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Siete puntos sobre diez para esta hermosa película del mejor cine español.

Pájaros de papel (Enrique Aragón, 2010) 🌟🌟🌟

Jorge del Pino (Imanol Arias) se marcha de su casa para su trabajo en Madrid dejando a su mujer y a su hijo. El trabaja en las variedades, haciendo un dúo cómico-musical con Enrique Corgo (Lluis Homar).
Cuando regresa a su pueblo, un bombardeo hace que los pobladores deban ir al refugio. Cuando pasa el alerta y sale del refugio, ve a su ciudad arrasada, corre hacia su casa solo para ver morir entre las llamas a su mujer y a su hijito.
España en 1940. Hace apenas un año que ha finalizado la guerra civil con la derrota de la república. Jorge vuelve a buscar a su compañero al teatro. Durante un año ha estado desaparecido y nunca va a contar qué hizo durante ese tiempo.
Llegan para ver el numerito de un niño que quiere actuar en las variedades, es Miguel (Roger Princep) y confiesa que no tiene a dónde ir, como no sea al orfanato porque sus padres han muerto, que por favor lo lleven con éllos. Enrique se enternece y se hace cargo del niño, al que pronto incorporarán a sus números.
Cada tanto los ensayos son interrumpidos por el capitán Montero (Fernando Cayo), quien busca a posibles revolucionarios. Uno de los tramoyistas, Pastor (Oriol Vila) es en realidad un teniente falangista infiltrado para informar al capitán Montero todo lo que ocurra en la compañía.
Si hay algo que esta película tiene de importante, es como dibuja el terror de la España franquista sobre la gente. Las delaciones están a la orden del día y encima no hay siquiera para comer.
Enrique quiere convencer a Jorge que se vayan de España, dice que el tiene amigos en Argentina y que en Buenos Aires se está bien y, sobre todo, lejos de la guerra.
El clima de miedo que inocula una dictadura fascista es lo que impregna también toda la película. En un papel más bien de relleno, Rocío Moliner (Carmen Machi) canta "Enséñame el babalú", numerito pseudo erótico.
La película, si bien está bien realizada, es una película menor, pero la manera en la que induce la violencia de los franquistas, como pinta ese odio que tienen hacia todos aquellos de los que sospechan, es de las mejores realizaciones que haya visto sobre el tema. El espectador va a llevar bien la trama, porque no hay ningún misterio que descubrir, simplemente el agujero del horror de la dictadura.
No se puede vivir con un Franco, canta Imanol Arias
Siete puntos sobre diez para este debut cinematográfico de Enrique Aragón, hijo del célebre payaso Miliki. Miliki hace una corta aparición al final de la película. Las actuaciones de Imanol Arias y Lluis Homar, son sobresalientes. 

Ma ma (Julio Medem, 2015) 🌟🌟🌟

Desde el título, esta película apunta a los dos significantes que van a jugar los roles principales en la trama. "Mamá", como madre y "mama" como teta.
Empieza mal el film para Magda (Penélope Cruz). Se entera que su marido se ha ido de vacaciones con una alumna de la facultad donde es profesor y su ginecólogo (Asier Etxeandía), le descubre dos bultos en la mama, uno casi superficial y el otro más profundo. Esto tiene como resultado que le efectúen una serie de estudios y biopsias para determinar si son o no cancerígenos.
A los dos días tienen los resultados, son malignos y se debe extirpar todo el seno. Inicialmente se le hará una quimioterapia para frenar el avance de los tumores.
La angustia de Magda es quién se hará cargo de su hijo Dani (Teo Planell). Por de pronto decide que lo dejará ir con unos amigos a pasar el verano para no tener complicaciones ni tener que darle explicaciones.
En un partido de fútbol conoce a un técnico del Real Madrid, Arturo (Luis Tosar) quien le dice que le ve mucho futuro a Dani y que le gustaría probarlo para que juegue en las divisiones infantiles.
Mientras están viendo el partido, Arturo recibe un llamado telefónico que le hará perder el conocimiento. Su mujer y su hija han tenido un accidente automovilístico. Su mujer está en coma y su hija, muerta.
Magda acompaña a Arturo al hospital donde está internada su mujer y ya no volverá a dejarlo.
Pero mientras tanto la quimioterapia va haciendo sus efectos destructivos en el cuerpo de Magda y cada día está un poco más desmejorada, hasta que finalmente Arturo se da cuenta y le pregunta la razón y Magda le cuenta que tiene cáncer de mama.
La historia que se desarrolla es un melodrama con extremos bien definidos. El amor de madre de Magda, en la mejor actuación que he visto de Penélope Cruz y el extremo de sus temores fundados a la muerte. Es extraordinario como transmite sus miedos interiores.
El éxito total del director Julio Medem (Los amantes del círculo polar), es haberse atrevido a este guión tan bizarro y no dejar que la historia zozobre en los pantanos de la tristeza, sino que el instinto vital es guía permanente para los personajes.
Con algunas tomas un poco atrevidas, hay una pequeña perdida en Siberia, que juega su papel simbólico durante toda la película y los latidos del corazón de Magda, rojos hasta enceguecer al espectador.
Maravillosa la banda de sonido de Alberto Iglesias, tiñe las escenas de emotividad y sin que el espectador entienda muy bien cómo y cuando, se encuentra sumergido en un ambiente cálido y vital, a pesar del lúgubre tema que se está desarrollando.
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Siete puntos sobre diez para este excelente film de Julio Medem.

Julieta (Pedro Almodóvar, 2016) 🌟🌟🌟🌟

Julieta (Emma Sanz) está viviendo un período relativamente calmo de su vida. Junto con Lorenzo (Darío Grandinetti), están haciendo los últimos preparativos para un viaje a Portugal. Si fuera por Julieta no volvería más a Madrid. Cuando, sin querer ni buscarlo, se cruza en la calle con el pasado.
Bea (Michelle Jenner) la reconoce y le cuenta de inmediato que se ha cruzado con Antía (Blanca Feijóo) junto al lago de Como, en Italia, que tiene tres hijos y vive en Suiza.
Este relato desinteresado por parte de Bea remueve las capas de protección del espíritu de Julieta. Suspende el viaje a Portugal e incluso le dice a Lorenzo que no quiere verlo más, que necesita estar sola.
Se muda al edificio donde vivía antes en Madrid e inicia el largo peregrinaje de escribir sus memorias en forma de relato para Antía y revivir sus emociones sepultadas.
De este modo Almodóvar se vale de un hermoso guión escrito por él mismo, donde une tres relatos de la escritora canadiense Alice Munro (Destino, Pronto y Silencio), ganadora del premio Nóbel de literatura.
En principio Almodóvar pensó en filmar su nueva película en Canadá, donde están ambientados los cuentos, pero decidió que no se sentiría seguro filmando en tierra extraña y en un idioma que no es el propio, así que trasladó los ambientes en el guión a España.
En su relato, Julieta cuenta como a los 25 años (Adriana Ugarte), conoce al que sería el padre de Antía, Xoan (Daniel Grao) en un dramático viaje en tren. Drama que se inicia con un ramalazo contra la ventanilla del vagón donde viaja Julieta. Xoan está casado pero su mujer permanece en coma del que no parece vaya a salir. Cuando termina su suplencia en el colegio donde trabaja, Julieta recibe una carta de Xoan y eso la anima a ir a visitarlo. Llega, según le dice Marian (Rossy de Palma), un día tarde, ya han enterrado a la mujer de Xoan. Julieta tiene algo para contarle a Xoan. De su aventura en el tren ha quedado embarazada.
Conoce en Redes (el pueblo de A Coruña donde vive Xoan) a la amiga escultora de Xoan, Ava (Inma Cuesta). Le cuenta a Ava de su embarazo y esta la convence de que debe decírselo a Xoan.
Se suceden los hechos, en general dramáticos de la vida de Julieta, y con éllos Almodóvar desarrolla su más lograda película hasta el momento. Sin hacer uso de sus típicas muletillas ni de sus personajes extravagantes, sólo Rossy de Palma es de la partida en este film y su personaje, lejos de ser rídículo, es bien cotidiano y dramático, Almodóvar logra una aproximación más que discreta a los hechos narrados.
Pero el melodrama no está escrito con gruesas tintas ni con desbordes emotivos. Es un largo Vía Crucis hipnótico del que el espectador recién despertará con la voz familiar de Chavela Vargas, al finalizar la película.
Excelente, como de costumbre, la fotografía. En este caso el responsable ha sido Jean-Claude Larrieu y la incomparable banda sonora escrita por Alberto Iglesias tiñe las escenas con sus sonidos dramáticos, pero contenidos.
Creo que en eso radica el gran éxito de Almodóvar, en haber contenido su mundo pasional en búsqueda de la vida real de sus personajes.
Trailer
De más está decir que mi calificación es de 9 puntos sobre 10. ¿Porqué 9 y no 10?, porque de alguna manera extraño los toques humorísticos de sus películas.

Lorca, muerte de un poeta (Juan Antonio Bardem, 1987)

Juan Antonio Bardem dirigió una miniserie en 6 capítulos, para la televisión española, sobre la muerte de Federico García Lorca. Luego, utilizando los dos últimos episodios de la miniserie, "Una Guerra Civil" y "La Muerte", logra este prodigio de emoción y sentimientos que es la película.
Juan Antonio Bardem ha sido uno de los grandes directores españoles y lograr llevar a cabo obras líricas y apasionadas fue su especialidad.
En casi 2 horas, la película nos muestra con tanta intensidad y pasión lo que fue el llamado a la sedición de los militares españoles con cabeza en Sevilla, contra el gobierno republicano, y la repercusión de estos hechos en la ciudad de Granada.
La violencia con que desataron la represión y persecución de aquellos a quienes consideraban peligrosos. Los fusilamientos a granel, el ataque y destrucción del Albaicín en Granada con baterías de cañones ubicados en la fortaleza de la Alhambra, la muerte por las calles y los tejes y manejes internos de quienes detentaban el poder de la fuerza.
Basándose en el libro de Ian Gibson, es el mismo Juan Antonio Bardem con la colaboración invaluable de Mario Camus, quien escribió el guión de esta obra de arte.
Federico García Lorca, vive su vía crucis de miedos internos y de presentimientos de muerte, entre todos estos hechos de extrema violencia, Venido a Granada para pasar el verano en la casona familiar, ve, escucha y vive personalmente la sangrienta matanza desencadenada por el odio de los fascistas contra el pueblo español.
Comienza la película con la escena del asesinato, por fusilamiento a sus espaldas, en una ruta de tierra, perdida en la sierra, de un maestro cojo, dos banderilleros y el poeta.
Es en esa escena, cuando Federico que va caminando hacia la nada, se da vuelta para mirar a los ojos de la muerte, cuando el director con una sensibilidad extrema nos hace sentir el tremendo terror de ese ser desvalido, entregado a las fieras de la muerte.
Nickolas Grace, un sensible actor inglés, es a quien le cupo el traje de Federico García Lorca y lo lleva puesto a la perfección. Es claro que ha debido ser doblado, pero el doblaje es sumamente delicado y no llama la atención.
Es de destacar también la impresionante fotografía, de Hans Burmann y la edición, de Guillermo Maldonado, quienes logran junto al director, que esta película se yerga vertical y contra viento y marea desafíe a las censuras y a las malas políticas de muerte del ser humano estancado en su evolución.
Presentación
Diez puntos es mi calificación para esta hermosa obra de arte que ha de apretar el corazón de los espectadores sensitivos.

Ayer no termina nunca (Isabel Coixet, 2013)

Isabel Coixet es un claro exponente del cine inteligente que ahonda en los sentimientos humanos pero sin rastros de telenovelas. Realizadora de obras tan importantes como "Cosas que nunca te dije", "Mi vida sin mí", "La vida secreta de las palabras" y "Elegía", sin olvidar el maravilloso episodio "Bastille" de "Paris je t'aime" (el de la mujer del tapado rojo), elige en este caso un argumento casi teatral.
Todo se desarrolla en unas pocas horas y dentro de una monumental construcción catalana en Igualada que semeja (y hasta es a veces reemplazada por) una caverna, en donde los susurros y las emociones se expanden y dilatan a voluntad de la directora.
El argumento es, a primera vista, muy sencillo. Una pareja separada hace cinco años, los cinco años de la crisis económica que ha dejado a España tan desnuda como la construcción de Igualada (se supone que es una especie de ministerio que está siendo abandonado porque en su lugar se va a construir un ultra moderno y lasveguístico casino) se reencuentra a causa de una carta (nunca sabremos lo que dice). La voz del locutor en la radio no deja de difundir noticias apocalípticas sobre la situación económica española.
De a poco nos iremos enterando que él se fue, una noche víspera de año nuevo, a las 7:10 de la tarde. Que emigró a Alemania donde es ahora profesor en una universidad. En un momento dado él (Javier Cámara, brillante como nunca) le pregunta si élla no ha pensado en emigrar también y élla (Candela Peña en una magistral actuación) contesta que alguien tiene que quedarse a recoger la basura.
Lo que parece ser simplemente las discusiones sin fin de una pareja separada que se reencuentra, se agrava cuando nos enteramos de que ha habido un niño muerto, Dani. Que él ya estaba en Alemania y llegó tarde al hospital. Que élla llevó a su hijo en brazos hasta el hospital y tardaron cinco horas en atenderlo. Otro indicio de la decadencia de una sociedad en crisis económica. La pareja es un receptáculo de esa crisis económica y todo remite al momento de sol donde se conocieron. Ahora llueve y la lluvia penetra por las claraboyas de la construcción.
No hay mucho más que contar. El prodigio está en la escenografía, la fotografía y la actuación de estos dos gigantes del cine español. Y la magia con la que Isabel Coixet hace que las emociones y los sentimientos destilen a través de las escenas.
No es una película lacrimógena. Tampoco hay grandes verdades que se develan. Es el drama de una pareja deshecha a causa de muchas otras tragedias.
En la hora y 50 minutos de duración no hay casi pausas para cambiar de posición en el asiento y como que hasta el espectador se olvida de cambiar de posición. El ambiente es denso pero despojado. Solo esos dos seres humanos exponiendo sus almas, sus fracasos y su inmenso amor.
Trailer
Nueve puntos sobre diez para este hermoso film de Isabel Coixet.

La forja de un rebelde (Mario Camus, 1990)

Esta super producción de la televisión española está basada en la novela de Arturo Barea del mismo nombre, que es un relato autobiográfico de la tragedia española del siglo XX.
Cuenta desde su infancia como estudiante en un colegio religioso, pasando por su adolescencia trabajando como esclavo en una tienda y finalmente retomando sus estudios. Luego cuenta de su matrimonio, que mantendrá a pesar de los sinsabores de la vida en pareja hasta bien entrada la guerra civil. Después es enviado a la guerra de Marruecos, una guerra sangrienta y cruel, que como bien dice el personaje, han fabricado los generales españoles para esconder la derrota en la guerra contra Estados Unidos en que perdieron sus colonias de ultramar, Cuba y Filipinas. Contrae el tifus y eso lo marcará de por vida haciendo de él un hombre inútil para los trabajos de esfuerzos. Al regreso a Madrid entra a trabajar en la oficina de Patentes y allí se encuentra con los chanchullos de los empresarios, los que esconden un invento para extraer azúcar de la remolacha porque les hace perder sus ganancias con los descartes de la caña de azúcar. Esto lo lleva a participar en política, defendiendo la posibilidad de la república, la que llega finalmente y es combatida y resistida por los factores de poder, ejército, burguesía y clero.
Como todo en la historia del mundo, cada ser humano elije su lugar en el "martín pescador" de la vida. O eres pudiente, conservador, religioso y te importa un pito de los demás e intentas destruirlos o eres socialista, comunista o el ista que más te guste y tratas de modificar el mundo para que sea un poco mejor.
Esta es la forja de la que habla Arturo Barea en su novela y a la que un señor director como lo es Mario Camus supo trasladar a la perfección a la imagen y a los sentimientos. Es una especialidad de Mario Camus el mostrar las miserias de los seres humanos con poder y como lo ejercen sobre los desposeídos. Ya en "Los santos inocentes", nos había dado una clase magistral.
Por eso no son de extrañar las escenas de Marruecos, donde por la intervención de Barea se salva una higuera de ser dinamitada y de las miserias de la guerra, donde llega gente pobre y humilde campesina a ser entrenada para combatir con rifle y bayoneta. El personaje que encarna Jorge Sanz, un campesinito gallego que pierde una pierna y dice que volverá a su pueblo a compartir con el desgraciado del pueblo su destino, es de una ternura que conmueve hasta las piedras.
Luego vendrán las secuencias de la guerra civil, los bombardeos de aviones alemanes sobre las ciudades y sobre los civiles. La destrucción de la ciudad de Madrid en su resistencia a ser tomada por las tropas de Franco. Un ejército que ha hecho la guerra contra sus connacionales no puede vanagloriarse de nada.
El personaje de Barea es encarnado por Jorge Juan García Contreras en los capítulos de su niñez y por Antonio Valero en el resto de los episodios. Es extraordinario como el actor nos hace sentir ese dolor y opresión de quien ve y siente las injusticias y la maldad de los poderosos y nada puede hacer contra éllos.
En definitiva, una miniserie en seis capítulos que se deja ver con la suficiente paciencia y que nos oprime el corazón pero no por sensiblerías o por historietas de muerte, sino por el fondo de la olla del ser humano.
La noticia del comienzo de la guerra civil española en el siguiente enlace:
El golpe de estado de 1936
Diez puntos sobre diez para "La forja de un rebelde".

El sol del membrillo (Víctor Erice, 1992)

"El sol del membrillo" es un documental sobre la realización de un cuadro.
"El sol del membrillo" es un pseudo-documental filmado durante la realización de un cuadro, con anécdotas y situaciones marginales.
"El sol del membrillo" es una película de ficción donde se filma lo que realmente el pintor Antonio López quiere llegar a plasmar del sol brillando entre los frutos del membrillo durante el otoño de ese año.
En "El sol del membrillo", se muestran todos los pasos que sigue el pintor Antonio López para trasladar a su pintura la magia de este árbol en su madurez otoñal.
Como lo protege de las lluvias y los temporales para que no caigan los frutos, cómo toma medidas de control para asegurarse tener la misma exacta perspectiva.
En una visita al árbol Antonio López declara que no es lo mismo trabajar con una fotografía que usar al modelo en vivo, al arbolito que está allí en su patio, mostrando su belleza y los fantásticos colores de sus hojas y sus frutos.
Pero, ¿es o no es un documental?.
Sabemos que Víctor Erice trabajó en complicidad con Antonio López para filmar esta, su obra mayor. Que adoptó los mismos criterios de control para asegurarse que tendría siempre la misma perspectiva de sus personajes, el pintor y el árbol.
En una de las últimas escenas, el trípode de la cámara reemplaza las piernas del artista.
En una exuberante obra de arte, que despliega belleza, calma y reflexión, Víctor Erice muestra mucho sin decirlo, sin siquiera sugerirlo, simplemente con estar ahí filmando.
No es una película de acción. No, si es eso lo que buscan ni se les ocurra ver esta película. Es un film para disfrutar con el corazón y los ojos.
Aunque el mismo director sugiere que también su obra quedará inacabada, los frutos del membrillo se reparten entre los que visitan la casa. Hay unos albañiles polacos o rusos o algo así, que están trabajando en la planta alta de la casa, que se reparten uno de los membrillos en su comida. Hay algo ahí.
También en los otros personajes que comparten el caserón. Hasta en el perro que nunca entra en la casa.
Para los que amamos el cine es un film para quedarse absorto, dejando que las imagenes paseen por nuestras mentes como por cuartos vacíos, buscando un lugar donde quedarse quietitas, un rincón donde guarecerse de los delitos diarios.
Diez puntos sobre diez para esta magnífica realización de Víctor Erice.

Los pájaros de Baden-Baden (Mario Camus, 1975)

Respeto a Mario Camus como realizador por los trabajos que ha aportado al cine universal.
Desde la magistral "Los Santos Inocentes" con la cual obtuviera el primer premio en el festival de Cannes (un recuerdo para Francisco Rabal), hasta "La colmena", la genial trasposición al cine de la novela de Camilo José Cela sobre los duros años del franquismo en Madrid en la que José Sacristán, Ana Belén, Charo López, Victoria Abril, José Luis López Vázquez y tantos más quedan grabados para siempre en la historia del cine español.
Llevó a la televisión la inmortal novela de Benito Pérez Galdós, "Fortunata y Jacinta". Quienes la hayan visto no podrán borrar de su memoria algunas de las imágenes. Y hasta se atrevió con Arturo Barea y su "Forja de un rebelde".
"Los pájaros de Baden-Baden" es anterior a todas estas obras fundamentales. Cuando recién comienza uno piensa que la adaptación de la novela corta de Ignacio Aldecoa apunta a una comedia de enredos de verano. Inclusive la música intenta convencer al espectador que sólo de eso se trata.
Sin embargo a medida que la película va avanzando uno empieza a creer que estamos viendo un melodrama agradable sobre un romance de verano.
Pero hete aquí, que lo que la trama va desovillando nos va tirando hacia otro tipo de situaciones.
Para hacer esta película, Mario Camus se apoya en la presencia carismática de Catherine Spaak y Frederic de Pasquale. La modelo belga y el actor francés se apoderan de tal modo de la imagen que es imposible ver algo más.
Además, como de costumbre, la banda de sonido de Antón García Abril, fiel compañero en todas sus obras posteriores, nos va comprometiendo los sentidos.
Es muy importante también la actuación del chico, José Luis Alonso, que con su rostro aporta mucha más información sobre el drama que lo que los diálogos dejan percibir.
No voy a contar el final porque sería un traidor a la causa cinematográfica, pero creo que sólo al final, el espectador va a alcanzar a comprender la grandeza espiritual de "Los pájaros de Baden-Baden".
Sin ser una de sus películas mayores, es un film muy agradable de ver y de fácil lectura.
Siete puntos sobre diez para "Los pájaros de Baden-Baden".

Los amantes pasajeros (Pedro Almodovar, 2013)

Una nueva película de Almodovar es siempre un acontecimiento. En este caso retoma un camino dejado atrás por el hace ya unos  cuantos años: la comedia. Y lo hace con gran estilo. Si bien no es uno de sus más inteligentes guiones, "Los amantes pasajeros" tiene todo lo necesario para pasar un momento divertido.
De entrada no más aparecen Penelope Cruz y Antonio Banderas que se supone no actúan en la película. El argumento, sin tener muchas luces, exhibe a la tripulación de un vuelo, al mejor estilo de "Y dónde está el piloto", pero en clave gay. De los tres magníficos asistentes de vuelo sale gran parte del humor de la película. Uno de ellos es Javier Cámara, antiguo colaborador de Almodovar en "Hable con ella" y "La mala educación" y los otros dos son Carlos Areces y Raúl Arevalo.
Entre los que viajan en este avión están Cecilia Roth, con su profesionalidad de costumbre, la muy graciosa Lola Dueñas, Guillermo Toledo, Jose Maria Yazpik, Jose Luis Torrijo y varios más. En tierra Paz Vega, Blanca Suarez y otros, por ejemplo Carmen Machi hace el habitual personaje de Chus Lampreave. Un elenco de primera.
Pero en esta oportunidad, Almodovar no logra convencernos con la historia. Solo se trata de unos cuantos sketchs, muy divertidos eso sí, unidos por el destino común de los personajes y como trasfondo, la decadencia de España donde quedan en evidencia todos los desvíos de su sociedad tan perdida.
En resumen, solo los caracteres hacen al desarrollo de la película. Todo lo demás es una película menor, con muy poca profundidad, preparada para que la gente se divierta.
Los azafatos
Mi calificación es de seis puntos. Hala, id al cine y divertíos.

Tardes de Gaudí (Susan Seidelman, 2001)

Lolafilms, una productora evidentemente española, produce esta película basada en una novela de Barbara Wilson que es dirigida por Susan Seidelman. Como se verá entre mujeres anda la cosa.
El argumento, digno de una película de Almodóvar pero sin el contenido negro y sin el humor que caracteriza los guiones de Almodóvar, es bien extraño.
Una escritora personificada por Judy Davis con miradas y movimientos típicos de Woody Allen, es contratada por el personaje de Frankie, Marcia Gay Harden para encontrar a su marido Ben que se ha escapado de California trayéndose a la hija.
Hasta ahí lo que puedo contar sin develar la trama.
Lo que no hace falta mantener en secreto es que el argumento se desarrolla enteramente en Barcelona. Por algo el título de "Tardes de Gaudí". Entonces las escenas van de la Pedrera al parque Güell y del parque Güell al barrio Gótico. Del barrio Gótico a Barceloneta y de Barceloneta a la Plaza Real.
Toda Barcelona está magníficamente mostrada en esta película. Hasta el interior de la Sagrada Familia.
Bien vale la pena ver la película solo para ver Barcelona. Pero además hay que verla a Judy Davis, élla sola lleva el peso de la trama, ya que los otros personajes se mueven un poco a consecuencia de sus idas y venidas.
También hay que verlas a Marcia Gay Harden y a Lili Taylor. Las dos son increíbles en sus personajes.
También aparece en un personaje secundario María Barranco con su simpatía de siempre.
Entonces sumemos, película española, extrañamente española pero española al fin con Judy Davis en el papel principal. Con un guión más que interesante que a cada vuelta del argumento cambia totalmente lo que habíamos creído hasta el momento. Para mí se merece un 8 sobre 10 ampliamente.
No creo que se haya estrenado en la Argentina pero fue presentada en el festival de Mar del Plata 2002.
Si la consiguen no dejen de verla. Se van a divertir un rato.