Por tu culpa (Anahí Berneri, 2010) 🌟🌟🌟🌟

Anahí Berneri es responsable junto con Sergio Wolf del guión de esta pequeña pieza de humanidad.
Julieta (la magnífica Erica Rivas) está en su casa tratando de terminar su trabajo mientras sus hijos Valentín (Zenón Galán) de 8 años y Teo (Nicasio Galán) de 2 años, hacen lo imposible por trastocar los límites del hogar. Esa noche el padre, Guillermo (Rubén Viani) no ha cumplido con la responsabilidad de ocuparse de los hijos debido a un retraso en el vuelo que lo trae de regreso a Buenos Aires.
El colmo de la situación para Julieta es cuando ella, que está intentando terminar su trabajo, recibe el llamado de su marido preguntando como es que los chicos aún no están en la cama y que le sugiere que los lleve a la casa de su madre. Mientras los chicos juegan a la lucha libre sobre la cama de Julieta montados en un autito electrónico del que los dos intentan tener el control. Lo inevitable sucede y Teo cae al piso para desesperación de Julieta, quien decide llevarlo a una clínica para que lo controlen. Pero todo se transformará en una pesadilla.
A través de las diferentes situaciones por las que transita Julieta, su marido, los médicos de la clínica y hasta el principal de una comisaría, los guionistas despliegan su objetivo que es la demostración sine qua non, de como la mujer es objeto de la manipulación masculina.
Todo esto sin una sola palabra de acentuación feminista, son los simples hechos los que trasladan al espectador a esta inevitable conclusión. El eterno sometimiento femenino es demostrado paso a paso en cada momento de la película. Contribuye la fabulosa actuación de Erica Rivas quien deja percibir todo el dolor y la frustración de una mujer rodeada por un mundo de hombres.
Extraordinaria la realización de Anahí Berneri. Ninguno de los casi 90 minutos sobra y el espectador va a tener que presenciar esta especie de drama cotidiano con la pequeñez de los detalles que vistos de otra manera cobran una enorme representatividad.
Todo lo que Julieta obtiene es compasión. No hay amor conyugal ni filial, ni sentimientos de comprensión por parte de los otros personajes. Las conclusiones del marido son terminantes para la victimización de Julieta.
Obligatoria para ser vista por todos aquellos que aún pretenden que no existe la diferencia de trato con respecto a las mujeres.
Trailer
Ocho puntos sobre diez para esta excelente producción del cine argentino.

Caminando (Aruitemo, aruitemo) (Hirokazu Koreeda, 2008) 🌟🌟🌟🌟🌟

La historia, escrita como así también el guión, por el director Hirokazu Koreeda, cuenta la reunión en la casa paterna de una familia en conmemoración del hermano mayor.
El padre Kyohei Yokoyama (Yoshio Harada) ya retirado, mantiene en su presencia el caracter de su profesión de médico, aunque la clínica donde ejerció se haya cerrado y el ya no profese. Aún lamenta que ninguno de sus dos hijos haya estudiado su profesión. Su mujer, Toshiko Yokoyama (Kirin Kiki) ha sido y es el alma mater de la casa y cuida muy bien de su marido, aunque las peleas seam frecuentes entre ellos.
La hija menor, Chinami Kataoka (You), hace ejercicio de un humor muy saludable y de una ironía mordaz, mientras intenta sonsacarle a su madre las recetas de comidas que guarda para sí misma. Su marido, Nobuo Kataoka (Kazuya Takahashi), también siempre de buen humor, es un inútil bueno para nada pero que afronta a la familia de su mujer con una sonrisa. Sus hijos, Mutsu y Sazuki Kataoka, son traviesos y libres como todo niño debiera ser.
El segundo hermano mayor, Ryota Yokoyama (Hiroshi Abe) es un poco el eje de la historia. El conflicto con su padre se arrastra de larga data. Ryota, contra la voluntad del padre, ha hecho de la restauración de obras de arte su profesión. Pero son frecuentes las comparaciones con lo que su hermano muerto hubiera hecho. Ryota se casó con una viuda, Yukari Yokoyama (Yui Natsukawa) que tiene un hijo de su primer marido, Atsushi Yokoyama (Shohei Tanaka), quien es y no es aceptado por sus abuelos adoptivos.
Durante casi dos horas, el director hace que la cámara gire alrededor de sus personajes, mostrándonos sus conflictos y desdichas, sus frustraciones y melancolías.
Sin lugar a dudas, es una película melancólica. El altar casero donde mora el alma de Junpei, el hijo mayor muerto, es visitado por una variedad de vecinos y amigos que concurren a la casa en conmemoración del fallecido.
En una escena memorable, Ryota con su mujer e hijo y su madre, van a visitar la tumba de su hermano. La madre vierte agua sobre la losa conmemorativa diciendo que hace falta agua para calmar la gran sed. En el camino de retorno, se cruzan con una mariposa amarilla y la madre cuenta que las mariposas amarillas son las blancas del año anterior que han podido regresar.
Con estas y muchas otras escenas intimistas, Koreeda construye una sólida historia donde las emociones brillan como estrellas en el cielo. Los espectadores no podrán sustraerse a estas ondas de dulzura agridulce con la que los personajes nos dejarán algo perplejos y pensativos.
Trailer con subtítulos en inglés
"Caminando" es sin lugar a dudas una película trascendental y una historia absorvente para todos más allá de que muestre el corazón de una familia japonesa. Diez puntos sobre diez es mi calificación.

Patagonia (Marc Evans, 2010) 🌟🌟🌟

"Patagonia" es un film insólito. Hablado casi completamente en galés, narra dos historias que se desarrollan en paralelo en el film sin jamás mezclarse.
Pero todo tiene una gran base en común. La inmigración galesa que llegó a la Argentina y más concretamente a la Patagonia en lo que hoy es la provincia de Chubut, alrededor de 1865. En lo que encontraron como una meseta árida cavaron canales para llevar el agua desde el río Chubut a sus tierras y así volverlas fértiles.
Gwen (Nia Roberts) y su pareja Rhys (Matthew Gravelle) viajan a la Patagonia para concretar el trabajo que Rhys está llevando adelante, sobre documentar las capillas galesas que aún subsisten en el sur argentino. Su guía, Mateo (Matthew Rhys) comienza a tener afinidad con Gwen en los largos tiempos vacíos en los que Rhys fotografía con exposición las capillas aisladas en el territorio.
La segunda historia es acerca de Cerys (Marta Lubos) una hija de galesa y argentino, quien nunca aprendió a hablar galés por el respeto que su madre sentía hacia su padre. Cerys tiene un proyecto y es, bajo el pretexto de ir a Buenos Aires para una operación de la vista, viajar a Gales para regresar a la granja donde viviera su madre de niña. Se va a hacer acompañar por su nieto adolescente, Alejandro (Nahuel Perez Biscayart), quien ignora el real destino del viaje hasta que se ve embarcado en el avión.
Son dos epopeyas en paralelo. La de Rhys y Gwen, recorriendo el suelo patagónico en busca de las capillas galesas y la de Cerys y Alejandro, regresando a Gales para encontrar la granja donde viviera la madre de Cerys.
Es una película intensa y llena de pequeños detalles e ingredientes, como la adolescente galesa (Duffy) de la que se va a enamorar Alejandro. No creo que haya espectador que no la disfrute.
Muy bien realizada y fotografiada por Robbie Ryan, cuenta con la música de Joseph Loduca.
El excelente guión fue escrito entre Laurence Coriat y el director Marc Evans.
Trailer sin subtítulos
Ocho puntos sobre diez para esta tierna y emotiva película profundamente galesa.

Que tengas dulces sueños (Fai Bei Sogni) (Marco Bellocchio, 2016) 🌟🌟🌟🌟

Marco Bellocchio se ha convertido desde la desaparición de Federico Fellini, Michelangelo Antonioni y Luchino Visconti, en el realizador de cine más importante del cine italiano del siglo XXI.
Se ha especializado en sus filmes en indagar en la psicología familiar. Padres, hermanos e hijos pasan por su lupa y adquieren una nueva dimensión humana sin necesidad de apelar a dramatismos ni a situaciones bizarras.
En este, su último film, su personaje es Massimo (Valerio Mastandrea, Nicoló Cabras (niño) y Dario dal Pero (adolescente). Massimo ama con locura a su madre (Barbara Ronchi) y su madre a su vez juega con él todo el tiempo. Una noche, Massimo se despierta para ver salir a su padre (Guido Caprino) acompañado de otra gente y a sus padrinos (Arianna Scomegna y  Bruno Torrisi) que se hacen cargo de él diciéndole que su madre está en el hospital.
Finalmente al regresar su padre a la casa, lo lleva a hablar con el cura (Roberto de Francesco) quien le cuenta que finalmente Dios ha escuchado las plegarias de su madre y se la ha llevado al cielo.
Massimo reniega del cura y le dice que cómo sabe lo que Dios y su madre hablaban.
A pesar de su rechazo, tiene que despedir al ataúd donde se supone que está su madre, en realidad él no la ha vuelto a ver.
Esta es la tragedia de la infancia de Massimo. Vemos que en la actualidad está levantando el departamento de sus padres y nos enteramos que debe vaciarlo durante el fin de semana. Le llega un envío por correo conteniendo una caja de fósforos que perteneció a su madre. Esto le ocasiona un ataque con palpitaciones, ahogos y sudores que terminan por llevarlo al hospital en el que lo atendió telefónicamente una doctora. Finalmente encuentra a la doctora Elisa (Berenice Bejo), quien con toda calma le dice que lo que sufrió fue un ataque de pánico. Luego se lo cruza por la calle y le dice que si le vuelve a suceder que llame a un amigo o a un familiar al que lo unan lazos de afecto y él le pregunta si puede llamarla a élla.
La historia de Massimo adulto tiene varios flashbacks, de cuando fue corresponsal en Sarajevo y fotografió el cadaver de una mujer muerta mientras en otra pieza su hijo está abstraído con los jueguitos electrónicos. O de cuando presenció el suicidio de un alto industrial (Fabrizio Gifuni) que le estaba pidiendo que escribiera sus memorias.
Toda la historia está hilvanada en función de los recuerdos y emociones de su vida y, como dice en determinado momento, ahora que es más viejo que su madre cuando murió debe verlo todo de otra manera.
El espectador va a seguir los vericuetos de la odisea emotiva de Massimo y se va a involucrar irresistiblemente con el personaje.
Impecable la realización fílmica, así como la dirección de fotografía de Danielle Cipri y la banda de sonido de Carlo Grivelli.
Trailer subtitulado en castellano
Esta hermosa película merece una calificación de 8 puntos sobre 10 y no habrá espectador que quede decepcionado después de verla.

Lejos de élla (Shan he gu ren) (Zhang Ke Jia, 2015) 🌟🌟🌟🌟

Un poco alejado de las tragedias morales con que Zhang Yimou construye sus películas, Zhang Ke Jia escribe un guión bastante sencillo sobre la vida y sus consecuencias. Casi podría tratarse de un novelón para televisión, pero es la visión fría y decidida del director lo que impulsa al film en toda su trayectoria.
La historia comienza con los estertores del siglo XX y las celebraciones del nuevo año. Shen Tao (Tao Zhao), es una joven alegre que tiene dos pretendientes, amigos desde la infancia: Zhang Jinsheng (Yi Zhang) dueño de una estación de servicio y que piensa ser un triunfador en la vida como negocio y Liangzi (Jing Dong Liang), que trabaja en la mina de carbón del lugar.
Ambos fuerzan a Tao a tomar una decisión, lo que le resulta bastante difícil, porque en realidad no está enamorada de ninguno y los quiere a ambos.
Finalmente elige casarse con Jinsheng y eso causa que Liangzi deje su casa y el pueblo. Está en esa decisión la clave del drama de la vida de los protagonistas.
La segunda parte transcurre en el año 2014, cuando Liangzi regresa al pueblo, con su mujer y su pequeño hijo. Liangzi tiene una enfermedad terminal causada por los años de trabajo en las minas de carbón. Se entera que Jinsheng está radicado en Shangai y con prósperos negocios, mientras que Tao sigue viviendo en el pueblo después de divorciarse.
A causa del fallecimiento de su padre, Tao pide a Jinsheng que envíe a su hijo para los funerales. Zhang Daole (Zishan Rong) tiene 7 años y un estilo de vida totalmente occidentalizado. Tao lo escucha hablar con su "mami" quien le dice que su padre ya compró la casa en Australia a donde se van a mudar. Tao que realmente no tiene una relación con ese hijo, trata de estar cerca suyo en los días que comparta con élla, porque sabe que difícilmente volverán a encontrarse.
La última parte del film transcurre en 2025, donde "Dollar", tal el nombre con el que Jinsheng (ahora Peter) ha rebautizado a su hijo Zhang Daole (Zijian Dong), está harto de la vida que lleva al lado de un padre autoritario y decide dejar la universidad y bastarse por sí mismo. En las clases de chino y por extraños vericuetos, su vida se cruza con la de Mia (Silvia Chang) la profesora. Ella intenta convencer a Dollar que viaje a China a encontrarse con su madre y a cambio ella viajará a Toronto a visitar a la suya.
Hay mucha vida apareciendo en cada escena y sin necesidad de explicaciones ni de lágrimas fáciles. Todo transcurre por sobre las apetencias personales. El espectador se va a encontrar sacudido con los títulos finales. Un film para meditar y asimilar lentamente.
Trailer en castellano
Es difícil encontrar un puntaje adecuado para esta película. Si hablamos desde un punto de vista artístico, la cinematografía, la edición, la dirección de actores, etc, merecería el máximo puntaje, pero analizando el film como un todo, ocho puntos sobre diez es lo más adecuado.

El olivo (Icíar Bollain, 2016) 🌟🌟🌟

Habiendo leído un artículo sobre los olivos centenarios, Paul Laverty convenció a la directora Icíar Bollain para contar una historia, sencilla, pero que a la vez encendiera en la gente el amor hacia esos seres descomunales que a través de los siglos han visto pasar tempestades y buenos tiempos.
Juntos recorrieron viveros donde se dedican a rescatar a estos ancianos seres, muchas veces abandonados de todo cuidado. Hay un buen mercado para estos árboles milenarios como elementos decorativos.
El guión que escribió Paul Laverty está centrado en Alma (Anna Castillo) que a sus 20 años trabaja en una granja de pollos y cuida de su abuelo Luis (Miguel Angel Aladren). Su abuelo ha dejado de hablar y ya no se comunica ni con sus hijos ni con su nieta. Alma cree que está haciendo el duelo por la pérdida de su árbol, un olivo milenario que según él contaba había sido plantado por los romanos, que su hijo Ramón (Manuel Cucala), ha vendido por 30.000 euros para intentar salvar los negocios familiares que la crisis económica se está comiendo.
Cuando el abuelo deja de comer, Alma siente que tiene que hacer algo y trata de averiguar dónde fue a parar el olivo de su abuelo. Con la ayuda de sus amigas Wiki (María Romero) y Adelle (Paula Usero), a través de internet, detectan al anciano olivo en el hall de la casa matriz de una corporación alemana en Dusseldorf, quien lo utiliza como símbolo de la empresa. Empresa que por cierto se dedica a la destrucción sistemática del medio ambiente.
Inventando a un sacerdote alemán que dice tenerlo en el jardín de su iglesia, convence a su tío "Alcachofa" (Javier Gutiérrez) y Rafa (Pep Ambrós) compañero de trabajo de Alca, para que con un camión de la empresa para la que trabajan, la lleven hasta Dusseldorf para rescatar el olivo.
La historia es muy simple y totalmente lineal, con excepción de algunos flashbacks de Alma niña con su abuelo.
El centro de la trama es este olivo milenario que ha terminado su vida al aire libre encerrado en el hall de esta corporación alemana.
Es sintomático que esta directora que ya se comprometió con la población de Bolivia a la que las multinacionales hasta le habían rapiñado el agua (También la lluvia) y con la vocación de una maestra en medio de la pobreza en "Katmandú", sea quien junto a Paul Laverty, el brillante escocés autor del guión, se embarque en la defensa de los árboles milenarios y del patrimonio vivo de su país.
El espectador va a disfrutar de una hermosa historia, que aunque sembrada de detalles dramáticos (la crisis económica enloda todo), no hace lugar para lágrimas, sino que cuenta con toda emoción una historia que tiene muchos visos de ser real.
Trailer
Siete puntos sobre diez para esta hermosa película del mejor cine español.

Entre los muros (Laurent Cantet, 2008) 🌟🌟🌟🌟🌟

"Entre los muros" hace referencia a las paredes de un salón de clases, de un aula.
"Entre los muros" encierra una profunda reflexión sobre las posibilidades de comunicación que tiene el ser humano. Sobre todo cuando la relación entre el comunicador y el comunicado es tan desigual como la de un profesor y sus alumnos.
Mr. Marin (François Begaudeau) es un profesor de lengua (en este caso de francés, porque la historia transcurre en Francia), que intenta ser tan liberal como sus posibilidades y la férrea estructura del colegio, se lo permiten. Es muy significativo que sea él mismo autor del guión quien encarna al profesor. François Begaudeau no solo es un actor excepcional sino que le entrega al director un libro con tantas lecturas posibles como situaciones se despliegan en el film.
Claro que enfrentada al discurso del profesor, tiene un puñado de gente joven con diferentes ideas y posiciones respecto al estudio que las que tiene el profesor.
Por ejemplo Esmeralda (Esmeralda Ouertani) es una firme rebelde que se opone con ideas concretas al accionar de su profesor. Ella está en su contra, eso lo tiene muy claro.
No es rebelde violenta, como lo son los muchachos, Soulemayne (Franck Keita) un joven de Malí, que lleva un polvorín en sus venas listo para estallar a la más mínima insinuación de oposición por parte del profesor.
Khoumba (Rachel Regullier), quien como el mismo profesor lo cuenta tenía una actitud diferente antes de las vacaciones y se niega, por ejemplo, a leer un texto que el profesor le pide.
No voy a contar todas las historias que se suceden una tras otra, pero sí que el detonante del explosivo que termina con la expulsión de Soulemayne del colegio, es una reunión de profesores donde se hace una evaluación de los alumnos. A esta reunión asisten dos alumnas en nombre de la clase y luego se encargan de esparcir entre sus compañeros las más encendidas referencias a lo hablado entre los profesores. Como si se tratara de una reunión gerencial a la que asisten dos delegados por los obreros. La similitud es bastante clara.
Esta rebelión da pie a un ejercicio de confrontación en clase que termina con la salida violenta de Soulemayne del salón durante la que con la mochila lastima en la cara a Khoumba.
Es fascinante de ver como el director encara esta mini explosión racial en una clase de chicos de 14 a 15 años, contra un sistema educativo que es absolutamente extorsivo y en el cual es poco o nada lo que se aprende. Este es el discurso de Henriette (Henriette Kasaruhanda) cuando le confiesa al profesor que durante el año no ha aprendido nada, porque sencillamente no entiende de lo qué se habla, ni en su clase ni en las otras.
La cámara se mueve con absoluta libertad por el salón, pescando instantes de la vida de los adolescentes que parecen fuera del guión y sus gestos y reacciones ante los temas que se hablan en clase.
Pero el mensaje más claro del director está en apuntar a la imposibilidad de comunicación entre profesor y alumnos. Hay una escena donde otro profesor se descarga en la sala de profesores diciendo que los alumnos son unos energúmenos y que no vale la pena intentar llegar a entenderlos.
Magnífico el desempeño de François Begaudeau y de todo el grupo de adolescentes que se hacen cargo de los personajes más libres de la historia y por eso mismo, muy difíciles de controlar hasta para el director.
Trailer
Sin lugar a dudas esta película laureada con la palma al mejor film en el festival de Cannes se merece 10 puntos, la calificación máxima de este blog.

Ma ma (Julio Medem, 2015) 🌟🌟🌟

Desde el título, esta película apunta a los dos significantes que van a jugar los roles principales en la trama. "Mamá", como madre y "mama" como teta.
Empieza mal el film para Magda (Penélope Cruz). Se entera que su marido se ha ido de vacaciones con una alumna de la facultad donde es profesor y su ginecólogo (Asier Etxeandía), le descubre dos bultos en la mama, uno casi superficial y el otro más profundo. Esto tiene como resultado que le efectúen una serie de estudios y biopsias para determinar si son o no cancerígenos.
A los dos días tienen los resultados, son malignos y se debe extirpar todo el seno. Inicialmente se le hará una quimioterapia para frenar el avance de los tumores.
La angustia de Magda es quién se hará cargo de su hijo Dani (Teo Planell). Por de pronto decide que lo dejará ir con unos amigos a pasar el verano para no tener complicaciones ni tener que darle explicaciones.
En un partido de fútbol conoce a un técnico del Real Madrid, Arturo (Luis Tosar) quien le dice que le ve mucho futuro a Dani y que le gustaría probarlo para que juegue en las divisiones infantiles.
Mientras están viendo el partido, Arturo recibe un llamado telefónico que le hará perder el conocimiento. Su mujer y su hija han tenido un accidente automovilístico. Su mujer está en coma y su hija, muerta.
Magda acompaña a Arturo al hospital donde está internada su mujer y ya no volverá a dejarlo.
Pero mientras tanto la quimioterapia va haciendo sus efectos destructivos en el cuerpo de Magda y cada día está un poco más desmejorada, hasta que finalmente Arturo se da cuenta y le pregunta la razón y Magda le cuenta que tiene cáncer de mama.
La historia que se desarrolla es un melodrama con extremos bien definidos. El amor de madre de Magda, en la mejor actuación que he visto de Penélope Cruz y el extremo de sus temores fundados a la muerte. Es extraordinario como transmite sus miedos interiores.
El éxito total del director Julio Medem (Los amantes del círculo polar), es haberse atrevido a este guión tan bizarro y no dejar que la historia zozobre en los pantanos de la tristeza, sino que el instinto vital es guía permanente para los personajes.
Con algunas tomas un poco atrevidas, hay una pequeña perdida en Siberia, que juega su papel simbólico durante toda la película y los latidos del corazón de Magda, rojos hasta enceguecer al espectador.
Maravillosa la banda de sonido de Alberto Iglesias, tiñe las escenas de emotividad y sin que el espectador entienda muy bien cómo y cuando, se encuentra sumergido en un ambiente cálido y vital, a pesar del lúgubre tema que se está desarrollando.
Trailer
Siete puntos sobre diez para este excelente film de Julio Medem.

Brooklyn (John Crowley, 2015) 🌟🌟🌟

"Brooklyn" es, por sobre todas las cosas, una historia de inmigrantes. El hogar que se deja atrás queda abrochado a los sentimientos y no es muy fácil desprendérselo.
Eilin (Saoirse Ronan, la adorable Agatha del "Grand Hotel Budapest") tiene el ofrecimiento del sacerdote de la parroquia de su Enniscorthy natal, para irse a vivir a New York, para ser más precisos a Brooklyn. Allí tendrá alojamiento en una casa de huéspedes regenteada por Mrs. Kehoe (Julie Walters) y trabajo en una de las grandes tiendas de la zona, Bartocci's. Además el padre Flood (Jim Broadbent) le va a pagar el primer año en la escuela nocturna donde podrá aprender Contabilidad.
Nada podría ser más auspicioso para esta sencilla chica irlandesa, pero la nostalgia tira fuerte y la ahoga en sentimientos. En Enniscorthy quedaron su hermana Rose (Fiona Glascott) y su madre viuda (Jane Brennan).
Hasta que conoce al chico indicado en un baile de la comunidad irlandesa. Tony Fiorello (Emory Cohen) no tiene un pelo de irlandés y todos de italiano. Pero es amable y respetuoso con Eilin y sabe como enamorarse de élla y hacer que élla se enamore de él.
En toda la película no hay grandes dramas ni escenas trágicas. Es una película amable con los personajes. Basada en una novela de Colm Toibin, Nick Hornby escribe un hermoso guión que el director John Crowley va a plasmar en imágenes y actuaciones tan dulces y emotivas como la vida misma.
Esa amabilidad se traslada al espectador. No va a presenciar una historia de buenos y malos, ni de héroes y villanos. Simplemente es la historia de Eilin y de cómo hizo de Brooklyn su hogar.
Excelente la fotografía de Yves Belanger y la música de Michael Brook.
Hay un par de escenas maravillosas donde sin palabras, simplemente con la mirada de Saoirse Ronan, la película cuenta más cosas que las que podría apelando a las palabras.
Eilin debe regresar a Irlanda al recibir la noticia de la muerte de su hermana Rose. Tony tiene miedo de ese regreso, "al fin de cuentas el hogar es el hogar".
De regreso a Enniscorthy se entera de que en la empresa donde trabajaba Rose la quieren para cubrir su puesto y también entabla relación con Jim Farrell (Domhnall Gleeson) quien le ofrece compartir su vida. El futuro de Eilin pende de un hilo, sino fuera por la intervención de Mrs. Brady (Emma Lowe). su ex-jefa de la panadería, la bruja del pueblo, que hace que Eilin retome el hilo de su vida.
Una hermosa película para ver y disfrutar con el corazón.
Trailer
Ocho puntos sobre diez para "Brooklyn", una dulce historia de inmigrantes.

Un mundo menos peor (Alejandro Agresti, 2004) 🌟🌟🌟

En "Un mundo menos peor", el director Alejandro Agresti logra alcanzar el punto más alto de expresividad de su producción cinematográfica.
Basándose en su propio guión, Agresti va desarrollando con cuidado y protección hacia el espectador, las historias de sus muñecos.
Todo comienza con la llegada a un pueblo de playa de Isabel (Mónica Galán) y sus hijas Sonia (Julieta Cardinali) y Beba (Agustina Noya).
Pronto sabremos, entre medias tintas y silencios, que vienen a buscar al Cholo (Carlos Roffe), quien fuera el marido de Isabel y quien es padre de Sonia, aunque él no la conozca y quien ha desaparecido hace casi 20 años.
El Cholo es el panadero del pueblo y es querido por todos los habitantes, alrededor de 1000, como le cuenta Miguel (Mex Urtizberea), el maestro de música de la escuelita local, a Isabel.
La historia que ha hecho conocer en el pueblo el Cholo, es que su mujer y su hija murieron en un accidente automovilístico provocado por él.
Al menos esto es lo que conoce Mario (Ulises Dumont) único amigo en verdad del Cholo.
Mario está aprendiendo a pilotear aviones y su profesor es un militar retirado, Lalo (Eduardo Argañaraz), que vive con su hijo Marcelito (Rodrigo Noya a quien el espectador recordará por "Valentín").
Como dice el refrán, pueblo chico, infierno grande, las vecinas del pueblo ya se han puesto a rumorear sobre Isabel y su posible relación con el Cholo.
La historia se va desarrollando bajo estos patrones en un espacio de tiempo muy corto, dos o tres días como mucho. Cada detalle que conocemos sobre la historia nos abre una nueva ventana sobre las vidas infortunadas de los personajes.
El Cholo quiso hacer "un mundo mejor" y cayó en el intento. Después de escuchar su historia, Miguel le pregunta, "y porqué no hacer el intento con, un mundo menos peor".
Juego de palabras a los que Agresti es tan adicto, pero su apuesta es en grande y apuesta sobre sus sentimientos. Es allí donde la historia logra sus objetivos. Sin exponer al espectador a emociones demasiado fuertes, Agresti despliega un mundo de sentimientos alrededor de sus personajes y logra transmitir su mensaje, "Porqué no un mundo menos peor".
Se lleva 8 puntos sobre diez por la excelente dirección y montaje de escenas y por el muy importante desarrollo de historias humanas sin rozar siquiera la banalidad.

Ciencias naturales (Matías Lucchesi, 2014) 🌟🌟🌟

En un medio ambiente hostil como es el de Los Cóndores, a más de 1000 metros de altura, en el medio de la Pampa de Achala, la planicie montañosa que se extiende entre las sierras chicas y las sierras grandes de la provincia de Córdoba, Argentina, una escuela rural alberga durante la semana a los chicos que viven en las inmediaciones.
Uno de esos chicos es Lila (Paula Hertzog) y su relación con la vida está en plena crisis a tal punto de llamar la atención de su maestra Jimena (Paola Barrientos).
Lila no conoce a su padre. Los pocos datos que tiene sobre él es que fue uno de los responsables de la colocación de las antenas repetidoras en Los Cóndores.
Decidida a todo para encontrarlo trata de escapar una y otra vez de la escuela, hasta que finalmente la directora decide que vuelva suspendida a su casa por dos semanas.
Con una pericia indefinible, el director nos va a contar el peregrinaje de alumna y maestra en la odisea de encontrarse con el padre de Lila. Su pericia está basada en renegar de los sentimentalismos habituales y quedarse con los sentimientos expresados a flor de piel, naturales, como alude el título de la película, ciencias naturales.
El espectador asiste con total entrega, porque no cabe otra manera de verla, a la evolución transparente de la película desde el aula hasta la imagen final, la de Lila mirando el horizonte de la Pampa de Achala.
Excelentes son las actuaciones tanto de la jovencísima Paula Hertzog, cuyas dos presentaciones en el cine han sido acompañadas de premios internacionales ("El premio" en 2011 y "Ciencias naturales" en 2014), como de la inefable Paola Barrientos, que tiene la oportunidad de su carrera al personificar a ese tremendo ser humano que surge al verse arrastrado por Lila a ir más allá de sus limitaciones.
La tremenda expresividad de los dos caracteres es la guía que inspira a toda la película y la tiñe de las zozobras propias de la vida,
Trailer
Ocho puntos sobre diez para esta excelente película argentina.

De tal padre, tal hijo (Hirokazu Kore-Eda, 2013) 🌟🌟🌟🌟

De una profunda indagación en el alma de los seres humanos está compuesta "De tal padre, tal hijo", o mejor dicho en el lenguaje de origen, "Soshite chichi ni naru".
Ryota Nonomiya (Masaharu Fukuyama) es un ejecutivo de éxito y su trabajo es su primera dedicación en la vida. Su matrimonio con Midori (Machiko Ono) y su hijo Keita (Keita Ninomiya) ocupan un lugar secundario en los tiempos en que no está trabajando. De Keita espera que aprenda a tocar el piano como él lo hace, espera y exige. Midori se limita a ser la mujer de su casa y a cumplir con sus deberes.

Comienza la película con la entrevista para que Keita ingrese en un colegio exclusivo y Keita cuenta a los entrevistadores que suele ir de campamento con su padre. A la salida Ryota le pregunta de dónde sacó esa idea y Keita le dice que la profesora del jardín le sugirió contarla.

De los análisis de sangre surge que Keita no es hijo de éllos.

Midori cuenta que tienen una cita en el hospital donde nació Keita y que tienen algo importante que decirles. La noticia importante es que Keita fue cambiado. Hechos los análisis de ADN estos confirman que Keita no es hijo de los Nonomiya. 

El bebé fue cambiado por el hijo de Yudai (Riri Furanki) y Yukari (Yoko Maki) Saiki, Ryusei (Shogen Hwang). 

Yudai tiene una ferretería y todo tiempo libre que tiene lo dedica a su familia. Ryusei fue lamado así porque el día que nació brillaba el sol, Rayo de sol. Yudai es un chico más en su casa y en el pelotero es el primero en meterse al lado de sus hijos. Yukari dice que es su cuarto hijo. Todo lo opuesto de Ryota.

Los directores del hospital sugieren que el intercambio se realice lo antes posible para evitar el daño que puedan ocasionar a los chicos.

Pero no es tan sencillo. Y esta "no sencillez" es la que el director desnuda prolijamente al exponer el dilema cuadro por cuadro, de qué es lo que hace la esencia del amor familiar, la sangre o el compartir experiencias de vida.

Esto es lo deslumbrante de "De tal padre, tal hijo". Al exponer a la comparación dos estilos de vida totalmente opuestos, uno en el que el éxito y lo que se debe hacer predomina y otro en que la felicidad de los pequeños actos es más importante que el suceso social, hace que su exposición deje bastante en claro que lo que contribuye a las relaciones humanas es justamente la vida que se comparte.

En casa de los Saiki por ejemplo, se bañan los chicos juntos con el padre. En otra escena oímos que Yudai anuncia esta noche dormimos todos juntos. El consejo que Yudai le da a Ryota es que vuele barriletes junto a su hijo.

Excelente es el guión hecho por el mismo director. Los hechos están expuestos como movimientos de un juego de ajedrez preciso y concreto. Ninguna escena podría ser eliminada del film sin ocasionar un desajuste en la lógica expuesta. El modo en que se va develando la historia de Ryota es importante para que el espectador entienda de dónde provienen sus falencias como ser humano y como esas falencias contribuyen a la mala relación que entabla con ambos chicos, tanto Keita que lo idolatra como Ryusei que le cuestiona todas sus definiciones.

Se podrían escribir muchas páginas sobre los personajes y el problema expuesto, que no es de ninguna manera de fácil resolución. El espectador podrá luego meditar sobre lo visto largo tiempo y sacar sus propias conclusiones.

Trailer subtitulado

Nueve puntos sobre diez es mi calificación para este excelente film japonés.

La desaparición de Eleanor Rigby (De élla) (Ned Benson, 2013) 🌟🌟🌟🌟

Ante todo un gran aplauso para el director Ned Benson por su original idea de plantear una historia en tres películas distintas. Así, "La desaparición de Eleanor Rigby" está contada en tres películas: "De ella", "De él" y "De ellos". Como solo he visto "De élla" no puedo sino imaginar en qué consisten las diferencias entre los tres filmes. Según la descripción del director en una entrevista, al escribir la historia el guión tenía partes desde el punto de vista de la protagonista y desde el punto de vista de Conor, el marido de Eleanor Rigby. Hubiera dado como resultado una película de tres horas y pico de duración. Finalmente decidió mostrarlas en tres películas, donde la tercera (De éllos) muestra la visión tradicional en el cine.
Pero, además de esta brillante idea que puede ser sólo un recurso literario así como 3D es un recurso de historieta, hay otro acierto más, al menos en esta la primera parte de la trilogía. Un perfecto lenguaje cinematográfico. Un más que acertado ritmo de acción y un dejar de lado recursos innecesarios que no hacen al fondo de la cuestión.
La historia es muy sencilla y la película comienza mostrándonos el intento frustrado de suicidio de Eleanor Rigby (Jessica Chastain), así que en las sucesivas escenas vamos a ver su regreso al hogar de los padres (William Hurt y una inexcrutable madre francesa, Isabelle Huppert).
Como le recomiendan iniciar alguna actividad y, un poco por inercia, termina tomando clases en la universidad local con Lillian Friedman (magnífica como de costumbre Viola Davis). De una de las clases, luego de recibir una nota, sale huyendo y, quien le envía la nota, corriendo detrás de élla, hasta que finalmente lo atropella un auto. Cuando el policía le pregunta a Eleanor si lo conoce, nos enteramos junto con el policía, de que es su marido Conor (James McAvoy).
Los diálogos van descubriendo uno que otro aspecto de la vida de Eleanor Rigby, sobre todo en sus charlas con las profesora o con la hermana.
En realidad no hay mucha historia que contar porque hay muy poca explicación, todo se reduce a la reaparición con vida de Eleanor Rigby, quien como el personaje de las tragedias griegas, no sabe quién es ni hacia donde va. Así el espectador está reducido a espiar por las rendijas de la vida de la protagonista y de los caracteres que la acompañan.
Por la índole protagónica de su personaje, es Jessica Chastain quien se lleva los laureles de actuación. Ella es una magnífica actriz a quien se le pueden encomendar personajes con fuertes contenidos emocionales no exteriorizados. La recuerdo en "El árbol de la vida". William Hurt, como siempre medido, da el físico perfecto para el padre, profesor universitario y lo juega a las mil maravillas.
James McAvoy tiene pocos parlamentos en esta primera versión de la historia, dedicada a élla, pero los actúa correctamente.
Todas las actuaciones son medidas y correctas. La hermana Katy Rigby (Jess Weixler) es todo un acierto en las escenas que juega, como contrapartida de la heroína.
Mención aparte merece Viola Davis. Además de haberle tocado párrafos brillantes (todos los diálogos en la película son brillantes), sabe infundir a su personaje ese encanto infantil y maduro que con tanta sabiduría encarna en los personajes que le han tocado representar.
Elogio especial al montaje y a la fotografía. Tan buenos son que la película posee la calidad de una película europea (no en vano está Isabelle Huppert). En la habitación de Eleanor Rigby lo primero que vemos es un póster de "A man and a woman", "Un hombre y una mujer", el gran éxito de Claude Lelouch. Así nos enteramos de las preferencias del director.
La música de Son Lux también es encantadora y lo digo no como alegoría sino porque realmente encanta los sentidos en buena interacción con la fotografía.
No es una película de acción. Es más una película de introversión. Si el espectador quiere saber de qué se trata "Eleanor Rigby", debe entender sus sentimientos con los pocos datos explícitos que el film brinda.
Música de Son Lux
Nueve puntos sobre diez para la primer película de la trilogía "La desaparición de Eleanor Rigby". Cuando vea las restantes, si es que me resultan interesantes, ingresaré el/los comentario(s) respectivo(s).

Boyhood (Richard Linklater, 2014) 🌟🌟🌟🌟🌟

Durante algo más de 12 años Richard Linklater llevó adelante la filmación de "Boyhood".
La película comienza cuando Mason (Ellar Coltrane) está en el pre-escolar y, a través de algo más de tres horas de duración, vamos a compartir los hechos de su vida, hasta su llegada a la universidad. Su entrada a la madurez.
El mismo Richard Linklater escribió el guión de esta "demostración" de la vida. No vamos a encontrar hechos terribles salidos de un telenovelón. Tampoco hay grandes reflexiones ni enseñanzas de vida. Solo se trata de retratar (por alguna razón a Mason se le da por la fotografía) la vida tal cual es para la clase media en Estados Unidos.
Así va siguiendo los vaivenes matrimoniales de la madre de Mason (excelente actuación a través de los años de Patricia Arquette), desde el padre de Mason (Ethan Hawk interpretando a Ethan Hawk como ya es habitual en él), pasando por un profesor universitario y terminando con un veterano de la guerra de Iraq.
Sus hijos son los que deben sobrellevar las destrucciones de sus matrimonios, tanto Mason como su contestaria hermanita Samantha (Lorelei Linklater).
Lo excepcional es que Richard Linklater se haya tomado el tiempo de la vida de sus actores para retratar la vida tal como es y que dos productoras de Hollywood hayan aceptado estos planes de filmación (IFC Productions y Detour Film Productions).
De más está decir que el espectador siente en carne propia el correr de los años, desde la presidencia de Bush hasta la de Obama y aunque no hay un acento puesto en lo político, Richard Linklater no nos muestra el reino de la abundancia, sino un país con desempleados y universitarios descontentos.
Mason razona tomando como ejemplo a su madre. -Se graduó, consiguió su título universitario y un buen trabajo. Paga las cuentas. "Pero en el fondo está tan confundida como yo"-.
Pero para llegar a este vacío del tiempo considerado como una secuencia con el que Linklater nos hace chocar, han de pasar 12 años en algo más de tres horas.
"¿Viste como la gente siempre dice "aprovecha el momento"?, pienso que es al revés, EL MOMENTO NOS ATRAPA A NOSOTROS. Es constante. Es como si siempre fuera ahora mismo."
Entrevista a Richard Linklater y Ellar Coltrane
Qué bueno poder contar con un equipo técnico y artístico que acompañe un proyecto durante algo más de 12 años. En nuestra época consagratoria de lo inmediato poder apreciar las ventajas de una obra que madure con el tiempo es todo un acontecimiento.
Tan solo por esa razón van los 10 puntos, más 10 puntos por la calidad de la película, del director, de los actores, de la fotografía (Lee Daniel), de la música y, por sobre todas las cosas, del montaje (Sandra Adair) que ayuda a que no haya saltos ni huecos que llenar y 10 puntos adicionales para el excelente trabajo de producción de Cathleen Sutherland.

Intermedio (Intermission) (John Crowley, 2003)

En un guión muy bien elaborado, "Intermedio" cuenta historias de amor, de violencia y de ambición en las calles de Dublín. Los personajes van a la deriva por la vida tratando de conseguir algo de amor y de dinero para sobrevivir. Probablemente el personaje de Colin Farrell (Lehiff) es el más violento y seductor de todos.
Las historias se cruzan y durante 1 hora y 45 minutos nos van a tener pendientes del desarrollo de los caracteres.
Algo que me gustó sobremanera es el acento irlandés con que hablan todos los personajes.
Pero a pesar de las violentas situaciones, (por ejemplo, hay un chico en bicicleta que a lo largo de la película lanza varias piedras a los parabrisas de coches y autobuses), los caracteres salen adelante y la película llega a buen término.
Hay un policía duro, Jerry Lynch, interpretado por Colm Meaney, que está obstinado en detener a delincuentes, narco-traficantes y todo tipo de submundo que ronde las calles.
Al comienzo del film sabemos que John (Cillean Murphy) ha roto su relación con Deirdre (Kelly McDonald) aunque ni él mismo sabe por qué. Deirdre ni lenta ni perezosa lleva a un hombre casado a vivir con élla, (John Logan).
En tanto que Mick (Brian F. O'Murphy) es despedido de su puesto como conductor de autobuses por haber volcado el autobus a consecuencia de una pedrada al parabrisas.
En fin, Sally(Shirley Henderson) que viajaba con su madre en el autobus, es reporteada por la televisión y al verse en el televisor descubre que tiene bigote.
Estas son algunas de las historias que la película nos cuenta en un guión excelente de Mark O'Rowe.
Los tiempos que se manejan en el film son excelentes y la película no pierde tiempo en diálogos extensos ni en enfoques artísticos, todo está muy bien armado para hacer de "Intermedio" un espectáculo original y ameno.
Colin Farrell canta
Siete puntos para un excelente espectáculo.

Las hermanas Makioka (Sasame-yuki) (Kon Ishikawa, 1983)

El cine japonés siempre me asombra con su modernidad. Esta película de 1983, está basada en una novela de Junichiro Tanizaki que se desarrolla en los años previos a la entrada en guerra del Japón durante la segunda guerra mundial.
Los principales caracteres son las cuatro hermanas Makioka, pertenecientes a la alta burguesía y que aún oscilan entre hacer valer su posición social, habiendo perdido la económica y los tiempos que corren.
Las dos hermanas mayores, Tsuruko y Sachiko están casadas y las dos menores, Yukiko y Taeko, viven con Sachiko desde hace poco tiempo, ya que cuando vivían con Tsuruko, la mayor de la familia, el intento de fuga de Taeko, hizo que tuvieran que dejar su casa.
Todos los intentos de las hermanas mayores están en casar a Yukiko y para ello las intermediarias le presentan posibles candidatos que Teinosuke, el marido de Sachiko, debe investigar para conocer los antecedentes.
Taeko es la oveja negra de la familia y pretende trabajar construyendo muñecas de porcelana. Sus relaciones amorosas son siempre tempestuosas y generan conflictos tras conflictos.
En fin, como una novela de Jane Austen, nada más que ambientada en el Japón tradicional, (la acción transcurre en Osaka), los espectadores pendulamos con el futuro de las hermanas Makioka.
Los conflictos son humanos y no hay ningún hecho violento fuera de lo que la vida cotidiana de los personajes puede ofrecer que se muestre en la película. Es una película muy cortés.
Un aspecto interesante es el de los modales, saludos y reverencias que se hacen entre sí, estos personajes de los años 30. También es interesante el mundo paralelo y reducido a la cocina de las criadas. Sin embargo, en una escena, se muestra a Sachiko con su criada, interpretando cada una en un koto, especie de arpa de mesa.
Son más de dos horas de película que se hacen tremendamente cortas. La ambientación, en casas semi tradicionales y semi modernas, el vestuario, donde los hombres visten trajes occidentales pero las mujeres llevan sus kimonos ancestrales y la música, melodías de Bach arregladas para órganos electrónicos, hacen de esta película algo muy grato de ver. La fotografía de los parques en flor o de los días de nieve son inolvidables.
Trailer de "Sasame-yuki"
Ocho puntos para "Las hermanas Makioka".

El olor de la papaya verde (Tran Anh Hung,1993)

Mui es una niña que viene de su pueblo a Saigón para trabajar como sirvienta en una casa de clase media en el año 1951. O sea que esta historia transcurre antes que la guerra de guerrillas iniciara las acciones para independizar a Vietnam del colonialismo francés.
Pero no hay ningún mensaje político en la película, la primer vietnamita de la que tenga memoria, antes yo diría que el mensaje es filosófico o místico.
Mui hace sus tareas con alegría y placer. Ama el olor del fruto de la papaya verde y después de rayar la pulpa, abre el fruto en dos para admirar sus semillas. Es ajena a las maldades que le hace el niño menor de la casa, pero no puede evitar estar en contacto con los dramas familiares que acontecen en la familia donde está sirviendo.
Cada tanto, el marido, que pasa sus días tocando el laúd, toma todo el dinero y desaparece por un tiempo. La mujer debe sobrevivir como puede con su tienda de venta de telas. La suegra le dice que es por culpa suya, que no ha sabido mantener a su marido.
A Mui le gusta observar la naturaleza. Las ranas en las hojas, los grillos y hasta las hormigas en su trabajo sin fin.
Al realizador la historia le presta la oportunidad deseada para filmar esa casa increíble, llena de escaleras, rejas y ventanas. Así filma desde el primer piso lo que se ve a través de una ventana que está sucediendo en la calle. En un estilo muy "Fassbinder", el ojo de la cámara gira a través de los ambientes y alrededor de las personas y construye con los colores y las sensaciones, una sinfonía de amor a la vida.
Los dramas, las muertes y los dolores, pasan, como pasa la vida misma y Mui recibe de su ama la promesa que visitará a su madre en tres años.
Cuando se le cae un jarrón de porcelana costosísimo y se rompe en mil pedazos, el ama le acaricia la cabeza y le dice que no se preocupe, pero Mui llora por el dolor de la pérdida.
La vida transcurre y en la última parte de la película, vemos como Mui, ya una joven formada, pasa a trabajar en la casa de un pianista, amigo del hijo mayor de la casa anterior. Mui está secretamente enamorada del pianista. Este empieza a prestarle atención, la dibuja y Mui descubre el dibujo que ha hecho de élla.
La música, hermosamente entrelazada con las imágenes, trae al espectador una suavidad más donde reclinar el alma. Deliciosamente dulce y llena de paz, "El olor de la papaya verde" merece ser vista sin lugar a dudas.
Escena
Véase en esta escena el magnífico uso del punto de vista de la cámara, enfocando a través de una puerta al pianista y al fondo, a través de un pasillo, a Mui haciendo sus tareas.
Diez puntos sin dudarlo para "El olor de la papaya verde"

Aquel martes, después de Navidad (Radu Muntean, 2010)

Hay algo que conmueve en esta película y es la simplicidad con que las escenas se suceden y la vida transcurre.
El film comienza con escenas de Paul (Mimi Branescu) y Raluca (Maria Popistasu) luego de hacer el amor. Lo que todavía no sabemos es que Raluca es la amante de Paul.
Nos vamos a enterar de a poco, por intermedio de los diálogos entre Paul y Raluca.
Luego vamos a acompañar a Paul y a su esposa Adriana (Mirela Oprisor) a hacer las compras de los regalos para Navidad en un centro comercial.
Hasta ese momento Paul no se siente externamente exigido por la necesidad de tomar una decisión. Y la película avanza.
Mientras Paul lleva a su hija Mara al consultorio odontológico, Adriana lo llama para avisarle que sale antes del trabajo y que los va a encontrar en el consultorio. Pero sucede que Raluca es la odontóloga que atiende a Mara.
Las escenas que podrían ser tensas, son manejadas con absoluto desapego por la cámara. Solo el tono de la voz de Raluca nos da indicios de la situación por la que está pasando.
Y es entonces que Paul empieza a tener problemas de conciencia.
De como se suceden las situaciones en "aquel martes", es que trata esta película, apelando en todo momento a la veracidad y al ojo del espectador que asiste a estas situaciones sin movilizarlo ni apelar a sus emociones.
Sensacional manejo de una historia que podría ser dramática sino fuera porque está contada desde el escaparate.
Trailer
Las consecuencias del adulterio de Paul se descargan sobre el espectador y el film termina, dejándo a todos los personajes en una situación desamparada.
Ocho puntos para esta excelente película rumana.

To the wonder ¿La esencia del amor? (Terrence Malick, 2012)

¿Qué es lo que más me gustó de esta película?, la escena con los bisontes. No sé cuál es la razón por la que, para mí, los bisontes representan algo sagrado, la representación más cabal del espíritu de la naturaleza. Y los bisontes son hermosos. Creo que es un concepto algo más que subjetivo porque por alguna razón Terrence Malick los incluye en su película. De algún modo medio intuitivo, me hacen acordar a los dinosaurios de "El árbol de la vida".
El mismo título, "To the wonder", ya sugiere qué es lo que el director pretende transmitir con esta película. La palabra "wonder" puede traducirse como "maravilla", "asombro", "admiración", "milagro", "prodigio" o "portento" en español. Obviamente incluye demasiados significantes ir hacia... la maravilla o el prodigio.
Pero como verbo, "wonder" también significa "preguntarse", "cuestionarse", en definitiva "meditar sobre".
Creo que no hay otra forma de expresar en palabras lo que la película contiene en imágenes. El argumento (asumiendo que hay un argumento, guión no hubo), trata del amor, las relaciones entre amantes, esposos, pero también de la fé, a través de un sacerdote que vive una crisis de fe.
Voy a intentar ser lo más ordenado que pueda, pero no es fácil porque tengo muchas imágenes pugnando en mi alma por ser llevadas a palabras.
Esta película, sobre todas las cosas, es imágenes. Imágenes maravillosas, hermosas, plenas de belleza, de ternura y de amor. Entonces, los personajes no son plenamente personajes como se usa habitualmente, sino que son hombres y mujeres, que aparecen en esas imágenes.
Sé que debe ser muy duro para los actores enterarse que Terrence Malick los utiliza como podría usar un árbol o un caballo, pero es así. Son rostros que representan lo que el alma del director intenta expresar y por eso no tienen, de alguna manera, vida propia, sino que viven el curso de un río que se va deslizando por la película.
Olga Kurylenko, que es quien carga con las escenas más expresivas, fue elegida para esta película por no ser un rostro "americano", esto significa, porque su rostro podía convertirse en la imagen de alguien foráneo en un pueblo de Oklahoma. Y estoy seguro, aunque no lo he leído, que Ben Affleck fue elegido por el motivo opuesto. Por ser exactamente un rostro que podía fundirse con las escenas filmadas en Oklahoma y resultar totalmente fuera de lugar en el Mont Saint-Michel.
Y Rachel McAdams, una muy sensible actriz cuyo rostro expresa continuamente emociones y sentimientos, porque estaba justamente en el medio. No es americana, es canadiense, pero podría camuflarse en Oklahoma.
Al que es imposible camuflar es a Javier Bardem. Por eso su sacerdote es tan rico, porque sobresale de la pantalla como si se deslizara por otra dimensión. Además, sus monólogos, son en castellano, su lengua madre. con lo cual se vuelven aún más ricos y expresivos.
Es algo que no dije todavía, prácticamente no hay diálogos en esta película, la excepción podría ser entre Marina, el personaje de Olga Kurylenko y su hija adolescente. En general son monólogos. Es el alma humana meditando sobre su discurrir.
Como regla general, muy general, aconsejo que al que no le haya gustado "El árbol de la vida", no vea "To the wonder". Aunque el tema sea otro distinto, el lenguaje cinematográfico es el mismo y no tiene sentido que el que no le haya encontrado sabor lo vuelva a probar. "To the wonder" utiliza el mismo lenguaje cinematográfico que ya el director había experimentado en "El árbol de la vida".
También son muy importantes las escenas filmadas en geriátricos y entre las barriadas pobres de la población de Bartlesville.
No hay actores en esas escenas, son todas historias reales.
Entonces, tratando de resumir, ¿de qué se trata "To the wonder"?, en mi opinión, de nuestra capacidad de asombrarnos frente a la maravilla o prodigio del amor, de otras personas, de la fe, de la naturaleza, de los animales, de una puesta de sol, de un árbol o del Mont Saint-Michel. De sufrir por los trastornos ecológicos y por la pobreza y por el abandono.
De todo eso y mucho más, yo no tengo capacidad mental para retenerlo todo, habla Terrence Malick con imágenes. Vuelvo a repetir que las palabras son meditaciones de las almas más que diálogos reales.
Toda la información necesaria para disfrutar esta película está en las imágenes y en la música, que no es tan importante como lo fuera en "El árbol de la vida".
A quien ser atreva a ir más allá de sus propias limitaciones artísticas le recomiendo que vea "To the wonder", puede despertar en otra galaxia.
El amor no es solamente un sentimiento, es belleza.
Al que le interese un poco más el proceso de creación de Terrence Malick, le aconsejo ver el "making of".
Making of
Mucho más de 10 puntos para esta excepcional película.

Diez (Abbas Kiarostami, 2002)

Cada vez más Abbas Kiarostami ha ido ocupando un lugar dentro de la cinematografía mundial.
En general todo el cine iraní, al menos el que nos llega, es muy importante para los tiempos que vivimos porque nos muestra una sociedad, que podría ser de otra galaxia y que sin embargo nos resulta tan familiar. Pero Kiarostami, de entre los directores iraníes, tiene una magia muy especial.
Pone a rodar un auto por las calles de Teherán con dos personajes que dialogan y a través de ese diálogo nos deja entrever sus vidas, sus personalidades y sus conflictos.
Es llamativo que la sociedad iraní, haciendo caso omiso del aspecto religioso, sea tan parecida a la argentina. Los caracteres podrían vivir tanto en Buenos Aires como en Teherán.
El título se refiere a la cantidad de mini-historias que se presentan en la película. Todas están hilvanadas por el personaje de la mujer que conduce. Una mujer divorciada que se ha vuelto a casar. En la primera historia nos enteramos de esto a través del hijo de su primer matrimonio que no acepta esa realidad.
Así van a desfilar otros caracteres, entre éllos, llamativamente, el de una prostituta, que se sube de noche al auto pensando que conduce un hombre. Este diálogo, entre la mujer casada y la prostituta, es de antología. Además nunca hubiera imaginado como podría pensar una prostituta en Teherán.
Cada historia comienza por el número que identifica a la historia.
Es una película minimalista que me hace recordar a las de Rodrigo García, sobre todo, porque en esta película Kiarostami se centra en personajes femeninos.
Todo lo que se dice y lo que no se dice, camina directamente al corazón, porque no está guiado por una explicaciòn o un razonamiento coherente. Es vital y humano, desde el enojo del hijo hasta las burlas de la prostituta.
Si nunca vieron antes un film de Kiarostami aconsejo comenzar la aproximación a su cine a través de esta película. No hay parábolas ni consejos subliminales. No hay juegos con la realidad. Solo que los personajes al moverse continuamente con el tránsito, parecieran provenir de un lugar donde divagan las almas, sin contacto temporal ni espacial.
Para mí, esta película se merece como mínimo los diez puntos sobre diez con los que hago mis calificaciones. Espero que la puedan ver para disfrutar tanto como yo lo hice.