Al nacer el día (Kad Svane Dan) (Goran Paskaljevic, 2012) 🌟🌟🌟🌟

Goran Paskaljevic es uno de los directores de cine europeos más respetados. Nació en Belgrado (entonces Yugoeslavia) en abril de 1947 y falleció el año pasado en París.

Sin embargo sus películas no son muy conocidas por el público en general.

Sus filmes habitualmente encierran un enorme calor humano hacia sus personajes. "Al nacer el día" no es la excepción. Cuenta la historia de un profesor de música, Misha Brankov (Mustafa Nadarevic) que se retira de la profesión luego de haber creado un coro amateur al que dedicó parte de su vida por amor a la música.

Misha es citado para que le sea entregada una caja metálica encontrada durante una excavación hecha en las inmediaciones del recinto de la exposición de Belgrado de 1937. Ese sitio fue destinado a albergar un campo de concentración para judíos y gitanos serbios durante la ocupación nazi.

Esa caja metálica fue enterrada por Isaac Weiss, el verdadero padre de Misha, quien lo dejó al cuidado de sus amigos los Brankov cuando temía la persecución que se avecinaba.

Es una noticia que no esperaba y empieza a rastrear los datos que tiene. Educado como cristiano, desconoce absolutamente la historia de los judíos en Serbia.

En la caja encuentra una foto y una partitura de música inacabada. Comienza a tocarla en su piano y queda obsesionado con la melodía. A uno de sus alumnos de música, gitano, lo hace practicarla en el violín.

Cuando visita a un rabino en la sinagoga, este le dice que ya escucharon de su caso. La comunidad judía es muy pequeña en Belgrado y todos se conocen.  

Lo invita a participar de una ceremonia el 8 de diciembre, pero Misha tiene otra idea. Le pide que la ceremonia se celebre en el predio del campo de concentración y le dice que va a llevar una orquesta y un coro para celebrarla.

No sigo contando para que los espectadores interesados en el tema vean esta cálida y afectuosa película.

 

Trailer con subtítulos en castellano.

Mi calificación es de 9 puntos sobre 10.

Hay un párrafo que el rabino le comenta a Marko que me impresionó, dice así:

"La experiencia humana, no vale de nada. Se repiten los crímenes, los culpables siguen impunes y el mundo continúa indiferente. Sigue igual y persiste."

Laurence, de todos modos (Xavier Dolan, 2012) 🌟🌟🌟🌟

Laurence Alia (Melvil Popaud), es un profesor de literatura cuya vida transcurre serenamente con su pareja Fred(erique) (Suzanne Clement), hasta que un día decide tomar al toro por las astas y le confiesa a Fred que siempre ha querido ser mujer.
Esto desata una tormenta en Fred, pero como élla ama a Laurence, acepta sus deseos y hasta lo incita a vestirse de mujer. Laurence no es homosexual, sino que prefiere ser mujer. Toma hormonas para el desarrollo de los senos y Fred hasta le compra una peluca.
Durante las dos horas y 50 minutos que dura la película, vamos a contemplar las idas y venidas de esta pareja por la vida.
En su alienación Fred empieza a vestirse como hombre para acompañar a Laurence, pero termina estallando y separándose de él.
Laurence pierde el trabajo en el colegio, porque los padres de los alumnos envían una carta de queja al ministerio de educación y, aunque las autoridades del colegio no están de acuerdo, no tienen más remedio que despedir a Laurence.
En medio de la depresión, Laurence tiene un incidente en un bar, donde un parroquiano, al verlo travestido lo toma por lo que no es y terminan a los golpes.
Laurence camina por la calle con la cara ensangrentada sin que nadie le de una mano, hasta que alguien le ofrece un teléfono para hacer una llamada, se trata de Baby Rose (Emmanuel Schwartz) miembro de una excéntrica familia de cantantes y actores de varieté.
Laurence llama a su madre (Nathalie Baye) quien lo ha literalmente echado de su vida, para pedir ayuda, pero la madre se la niega porque debe atender a su marido.
Las idas y vueltas de la pareja transcurren a través de 10 años de vida en común y separados. Son vidas comunes, de dos personas que a su modo intentan vivir sus vidas contra viento y marea.
Laurence finalmente se convierte en un escritor de éxito y justamente la película comienza con las voces en off de Laurence y la periodista que lo está entrevistando (Susan Almgren).
Sin dar muchas explicaciones ni justificaciones psicológicas, Xavier Dolan escribe la vida de Laurence, dejando entender que, tanto hombre como mujer, sigue siendo Laurence de todos modos.
Excelente visión de la vida sin prejuicios ni razonamientos literarios.
Al espectador que se atreva a las casi 3 horas de duración le llegará la recompensa de por un instante en su vida lograr asomarse a algo que está más allá de los folletines cotidianos pre-escritos.
Trailer en francés subtitulado en inglés
Está de más tratar de elogiar la obra de Xavier Dolan en esta epopeya de la vida, excelente libro, excelente adaptación cinematográfica, escelente dirección, aunque también se hizo cargo del diseño de vestuario, montaje y algunas otras cosas. Nueve puntos sobre diez para "Laurence, de todos modos".

Zaytoun (Eran Riklis, 2012) 🌟🌟🌟

Me costó entender el significado del título de este film. La palabra "zaytoun" no tiene traducción ni en árabe ni en hebreo. Hasta que finalmente encontré una referencia a A-Zaytoun, como el fruto del olivo.
El olivo es unsímbolo universal de la paz. Estando Noé en el arca, la paloma vuelve trayendo en su pico una rama de olivo, como símbolo de la paz de Dios con el género humano.
Y justamente hay un olivo en esta historia.
En 1982, en plena guerra civil del Líbano, los refugiados palestinos viven en el campo Shatila, en Beirut, en míseras condiciones. Los chicos se las arreglan para vender cigarrillos y golosinas por las destruídas calles de Beirut.
Fahed (Abdallah El Akal) es fanático del fútbol y él mismo se hace llamar Zico. Una noche, su padre que vive cuidando un pequeño olivo para plantarlo el día que puedan regresar a Palestina en su casa natal, escucha los avisos de bombardeo, corre hacia el centro del campo y cae víctima de una bomba israelí.
Uno de los aviones israelíes es derribado y su piloto es capturado por la gente de la guerrilla palestina y llevado en prisión.
A Fahed, al que no le gusta demasiado la escuela, lo hacen cargo de custodiar al prisionero junto con su banda de chicos.
El piloto, Yoni (Stephen Dorff), le ofrece a Fahed llevarlo al pueblo natal de su familia si lo deja en libertad. Como respuesta al intento de tomar como rehén a uno de los chicos palestinos, Fahed le dispara en la pierna y Yoni debe ser trasladado al hospital del campo.
Fahed finalmente decide llevar el arbolito a su casa natal y ayuda a escapar a Yoni. En la primera oportunidad que tiene, Yoni lo traiciona y lo deja esposado. Busca un taxi que lo lleve hasta la frontera, pero estando en viaje presencia como los falangistas libaneses asesinan a una mujer palestina embarazada y decide volver por el chico.
De allí en más van a ser numerosos los inconvenientes por los que tienen que pasar para llegar a la frontera y para llegar a convivir en paz.
Como otras películas de Riklis, también esta deja caer la idea que solo a través de la solidaridad humana puede ser factible la paz entre israelíes y palestinos, idea que les viene como anillo al dedo a los halcones israelíes que saben que esto es posible solamente en el cine.
Sin embargo la historia de Fahed y Yoni, escrita por el escritor palestino Nader Rizq, hace que muchos sentimientos que creíamos olvidados revivan en el alma del espectador. No es una historia fácil, es más bien ingrata con los seres humanos, ya que retrata todo el odio y la insensatez que el género humano es capaz de poner en marcha.
La dirección de Eran Riklis hace que la historia llegue a puerto construyendo en el camino una sólida historia de tiempos de guerra y racismo.
Trailer (con subtítulos en inglés)
Ocho puntos sobre diez para el "Olivo" de Riklis.

Viva la libertá (Roberto Andó, 2012) 🌟🌟🌟

El cine italiano está en franca recuperación. Directores como Paolo Sorrentino, Marco Bellocchio y Giuseppe Tornatore así lo demuestran.
Y aquí es donde aparece Roberto Andó y esta historia, un tanto sarcástica, acerca de los políticos italianos.
Enrico Oliveri (interpretado por el gran Toni Servillo) es el candidato del partido de la oposición. Es aburrido y predecible, su propia gente no lo quiere, pero, según dice Andrea Bottini (Valerio Mastandrea) al comienzo del film, es lo mejor que tenemos.
Luego de un mitin de su partido, donde es insultado y vilipendiado, Enrico decide desaparecer. Y abandona Roma sin precisar su paradero, ni a Andrea, que es su secretario y ni siquiera a su mujer Anna (Michella Cescon).
Andrea desesperado, empieza a buscarlo por toda la ciudad, hasta que Anna le dice que vaya a ver al hermano de Enrico, que hace poco tiempo ha sido liberado del manicomio donde estaba recluído por ser inofensivo.
Cuando Andrea ve a Giovanni (también Toni Servillo) se queda sorprendido. Son iguales como dos gotas de agua. Claro está que Giovanni desvaría, pero eso hasta puede ser útil en política.
Giovanni acepta encarnar a su hermano por unos días y se hace cargo del personaje.
Pero claro, en cuanto se cruza con un periodista, empieza a hablar con verdades, las verdades que solo un loco es capaz de pronunciar.
Mientras tanto Enrico se ha refugiado en Francia, en casa de su ex amiga y enamorada Danielle (Valeria Bruni Tedeschi). Danielle trabaja en cine, como su actual pareja, Mung (Eric Nguyen), quien resulta ser uno de los directores favoritos de Enrico.
Las historias de ambos hermanos se van desarrollando en paralelo. Enrico ingresando al mundo del cine, del que Mung opina que es parecido al de la política, porque la imaginación y el palabrerío hacen parte de la profesión.
Giovanni haciéndose cargo de su personaje político con tanta convicción y honestidad que logra subyugar a la gente y a los propios políticos de su partido. Hasta al presidente de la república y hasta a su propio secretario Andrea.
Muy inteligente historia la que cuenta Roberto Andó. Partiendo de su propia novela y con la colaboración de Angelo Pasquini en la preparación del guión, construye un film más que interesante.
Es claro que el film sería otra cosa si no contara con la actuación imprescindible de Toni Servillo.
Toni, quien se ha vuelto el actor preferido de los directores italianos, juega con su capacidad histriónica hasta el punto de que aún el cuerdo, haciendo morisquetas, resulta más sensato que el loco diciendo pavadas sin sentido, pero que como son tomadas de extractos literarios subyugan a la audiencia.
La música corre a cargo de Giuseppe Verdi y su maravillosa obertura de "La forza del destino", que con su propia fuerza desarrolla gran parte de la historia.
No creo encontrar espectador al que pueda no gustarle "Viva la libertá". Todos la van a disfrutar por la inteligencia de sus parlamentos y lo sagaz de sus ironías.
Trailer
Ocho puntos sobre diez para "Viva la libertá".

Líneas de Wellington (Valeria Sarmiento, 2012) 🌟🌟🌟🌟🌟

Valeria Sarmiento es una realizadora nacida en Chile, donde hizo estudios universitarios en Cine y Filosofía. Radicada en París desde 1974, gran parte de su carrera la hizo en Francia como editora y colaboradora de su esposo el director también chileno, Raúl Ruiz.
Un proyecto que Raúl Ruiz dejó trunco fue la realización de este extraordinario guión escrito por Carlos Saboga. Valeria Sarmiento se abocó al monumental proyecto de llevar adelante esta película.
"Líneas de Wellington" transcurre durante el año 1810 cuando las tropas francesas de Napoleón, invaden la península ibérica. Las tropas inglesas y portuguesas después de la derrota de los franceses en la batalla de Baçaco, deben batirse en retirada hacia el sur. Pero Wellington tuvo una mejor idea. Obligando a las tropas francesas a bajar por Portugal en persecución de los soldados ingleses y portugueses hasta las cercanías de Lisboa, donde había hecho construir tres líneas defensivas que rodeaban completamente la ciudad.
La película cuenta el éxodo del pueblo portugués desde el norte hasta las líneas de Wellington. Este éxodo tuvo características de tierra arrasada, mataban los animales y hasta quemaban viñas y sembrados para que los franceses no tuvieran qué comer.
Con este motivo en la película se narran un sinnúmero de historias cruzadas, entre la gente y los soldados. El francés, el inglés y el portugués se entremezclan en las historias con múltiple variedad. Hasta hay diálogos en español, entre doña Filipa y Martirio.
Son historias tremendas, de hambre, muerte y guerra. De traiciones y abandonos. De violaciones y rateros. De pillaje de las casas abandonadas y de toda la variedad de desgracias que el género humano puede ofrecer.
Ese es justamente el punto más alto de esta gigantesca epopeya cinematográfica.
El espectador debe tener el corazón abierto para dejar que el dolor y las miserias de los seres humanos lo invadan.
Como en toda guerra las historias no son fáciles. Hay muertos inocentes y verdugos por obligación.
En este entrecruzar de historias cientos de personajes desfilan por la película para contarnos por ahí, solo un momento en sus vidas, como el caso de la baronesa francesa encarnada por Chiara Mastroianni.
Destacan Nuno Lopes, como el sargento Francisco Xavier, Chico, como lo llaman, Soraia Chaves como la prostituta Martirio y la increíble Marisa Paredes como doña Filipa. Una gallega de Vigo que fue traída por su padre a casarse a Portugal. En la casa donde recibe al herido teniente Pedro de Alencar (Carloto Cotta) se ha casado, ha dado luz a sus hijos y ha enviudado. Por esa razón no la va a abandonar. Cuando su familia la quiso llevar a la rastra se escondió en la buhardilla.
John Malkovich recrea al todopoderoso Duque de Wellington, preocupado más por el retrato que le está haciendo Leveque (Vincent Perez) que por la guerra.
En pequeños papeles, pero no por eso menos importantes aparecen Isabelle Huppert, Catherine Deneuve y Michel Piccoli, como una familia portuguesa afrancesada, que mata a su única gallina para brindar una cena de homenaje al mariscal Massena (Melvil Popaud).
Hay cientos y cientos más de personajes que esperan para contarnos sus desgracias.
El espectador no se va a arrepentir de ver este prodigioso espectáculo, donde el cine deslumbra por doquier con una excelente cinematografía de André Szankowski y una banda de sonido brillante compuesta por el habitual compositor de Raúl Ruiz, Jorge Arriagada.
Trailer (en portugués)
Es imposible calificar semejante realización con el puntaje que uso habitualmente, porque nunca he visto tan tremendo esfuerzo de producción para lograr contar historias profundamente humanas.
Vayan mis mejores deseos para todos los espectadores que quieran verla que no se van a arrepentir.

Azul y no tan rosa (Miguel Ferrari, 2012) 🌟🌟🌟

Desde la primer escena de la película nos damos cuenta que tenemos ante nosotros una obra donde la imagen, la danza, la música y la fotografía son de primerísima calidad.
Esas primeras escenas muestran un ballet donde bailarinas y bailarines se mezclan entre sí, ellas con un short blanco y ellos con un short negro, sirven que el director introduzca al personaje principal de la película, el fotógrafo Diego (Guillermo García).
Del ballet la imagen salta a una sala de partos donde vemos a un médico asistiendo a una parturienta sumergida en una bañera y la música del final del ballet, celebra tanto la danza como al nacimiento del bebé.
Después el obstetra está en un restaurant esperando la llegada de Diego. La charla entre éllos es críptica, pero en un determinado momento, cuando el médico le hace un comentario sobre una mujer que no ha dejado de mirarlo desde que llegó al restaurant, Diego se levanta de su asiento y le da un beso en la boca como para dejar sin aliento al resto de comensales del restaurant y a los espectadores también.
Y ya está presentado el tema de esta película, la homosexualidad. En Venezuela no está aún tolerada como en otros países del mundo. La historia va a girar sobre la intolerancia, en burlas, insultos y hasta en escenas de violencia más absoluta.
La mujer de Diego, que vive en Madrid, lo llama para decirle que tiene una beca para ir a Londres y para esto necesita que él se haga cargo de su hijo durante el tiempo de la beca. Un poco a regañadientes, Diego acepta y así es como Armando (Ignacio Montes), su hijo, al que no ve desde que tenía ocho años, llega a Caracas para vivir con él.
Hay un programa televisivo conducido por una tal Estrellita (Beatriz Valdés), que tiene una absoluta omnipresencia en las comidas familiares. Un poco al estilo Almodóvar, Ferrari no pierde oportunidad para señalar el estilo vulgar y reaccionario de la televisión. En lo primero que vemos, bien grotesco, Estrellita anuncia que el tema del programa será el casamiento entre gays y lesbianas y deja caer la condena sobre el espectador. La cámara va a oscilar entre mostrar el televisor y el set, para dejar ver a los que manejan los carteles indicando al público presente cuando deben reir y aplaudir.
Entre las amigas de Diego están Delirio del Río (Hilda Abrahamz), que cuenta su historia diciendo que era Alejo pero como le gustaban los chicos se vestía de chica y de tanto ir y venir terminó operándose. Todo un hallazgo de la película que con sus presentaciones en el show de una disco pone la nota kitsch y bizarra necesarias para elevar la temperatura de la película.
También está Perla Marina (Carolina Torres), ayudante de Diego en su estudio de fotografía, que llega cada día con un ojo en compota por las palizas que su pareja le da y de las que élla, aunque se queje, no se puede evadir.
El planteo de Armando al descubrir la homosexualidad de su padre es de abandono total. No sólo dejó de verlo durante todos estos años, sino que la razón eran sus parejas escondidas.
Va a ser un largo camino para Diego conocer a su hijo adolescente y para Armando aceptar la elección sexual de su padre.
La historia se complica y el guión es lo suficientemente afinado como para que el espectador vaya descubriendo de a poco el mensaje del director sobre la tolerancia de la diversidad.
Salvo que el espectador tenga ideas muy rígidas e intolerantes, la trama de la película lo va a atrapar hasta el final y le va a hacer pasar un muy buen momento, con una mirada sobre la homosexualidad que está muy lejos de la de aquellos maricones grotescos que hacían reir al público.
Trailer
Si han visto el trailer, han descubierto el clima que impera en la película. Espero que la disfruten.
Mi calificación es de 8 sobre 10.

Dos vidas (Zwei leben) (Georg Maas y Judith Kaufmann, 2012) 🌟🌟🌟🌟

Muchas veces la guerra es fuente para los más dolorosos dramas humanos. En el caso de "Dos vidas", la novela de Hannelore Hippe, en las consecuencias de la guerra está la fuente.
Los hijos de las mujeres que tuvieron relaciones con soldados alemanes durante la ocupación de Noruega, fueron arrebatados a sus madres y llevados a Alemania para ser criados como ciudadanos arios.
Katrine Evensen (Juliane Kohler), es la única de esos pocos niños que tuvo la extraordinaria suerte de volver a ver a su madre y llevar una vida normal en Noruega.
Cuando el abogado Solbach (Ken Duken) se presenta en su casa buscando que tanto élla como su madre den testimonio de lo ocurrido para poder iniciar juicio en Estrasburgo a las autoridades alemanas, Katrine se niega ante la sorpresa de su madre Ase (Liv Ullman) y de su marido Bjarte Myrdal (Sven Nordin).
En lugar de eso hace un viaje furtivo a Alemania para visitar al orfanato donde estuvo internada y buscar a las enfermeras que cuidaban de los huérfanos.
Hay algo extraño en su proceder y amenazas veladas de individuos con los que tiene fugaces encuentros.
El espectador se ve inmerso en un pantano de personajes misteriosos y flashbacks de la vida de Katrine. Pero todavía no conoce la verdad que se oculta detrás de esta misteriosa mujer.
En una intrincada búsqueda de la declaración de Katrine, el abogado Solbach se va a encontrar con otras sorpresas. Katrine huyó del orfanato en un bote y fue rescatada en Dinamarca.
Excelentemente ensamblada con un guión que sabe llevar sabiamente al espectador a través de la intriga, el drama humano de Katrine queda finalmente expuesto en toda su cruda realidad, pero para esto hace falta ver toda la película.
Como corolario, aún en 1960 había cientos de agentes de la policía secreta alemana STASI actuando en Noruega. Muchos de éllos aún no han sido descubiertos.
Trailer
Nueve puntos sobre diez es mi calificación para "Zwei leben", una excelente película alemana.

Goltzius y la Pelican Company (Peter Greenaway, 2012) 🌟🌟🌟🌟🌟

Una vez, en un curso sobre "Como ver una película", un conocido crítico argentino aseguró que "una película debe poder llegar a todos y ser entendida por todos, no como las películas de Peter Greenaway para cuya apreciación hace falta ser un conocedor en pintura flamenca del siglo XVI".
Esta afirmación creó una enemistad permanente entre él y yo. No soy un conocedor en pintura flamenca del siglo XVI, ni siquiera me considero un conocedor en pintura. Pero sí soy un conocedor en films de Peter Greenaway y los disfruto como otros podrán disfrutar las películas de Martin Scorsese o de Sylvester Stallone.
Hay una riqueza audiovisual en las películas de Peter Greenaway como no se ha visto en toda la historia del cine. Desde la enajenación de "El vientre de un arquitecto", donde el Panteón romano adquiere proporciones oníricas, pasando por la visceral "El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante" donde a los cambios de ambientes entre el restaurante, el pasillo y la cocina correspondía un cambio en la paleta de colores, hasta llegar a "La tempestad", donde el texto de Shakespeare adquiere dimensiones epopéyicas y por primera vez en el cine, los escenarios se desprenden de las maquetas y cobran movimiento por sí mismos. Luego, en "Escrito en el cuerpo", fue la letra, la escritura, la que adquirió dimensiones propias en la pantalla. Ewan Mc Gregor vio como su cuerpo se transformaba en pizarra para los dibujos artísticos de las letras de Vivian Wu.
Con la trilogía de las maletas de Tulse Luper, Peter Greenaway crea un personaje vivo que cruza la historia europea para terminar siendo una simple marioneta de otro personaje.
Pero Greenaway realmente ama la pintura y, sobre todo, la pintura flamenca del siglo XVI. Por eso la recrea en más de una de sus últimas películas. Y "Goltzius" no es la excepción.
El mismo Hendrick Goltzius (Ramsey Nasr es de paso un actor holandés), es un pintor frustrado que regentea la Pelican Company. En esta empresa ambulante, según declara, viajan dos actores, un escritor y un impresor con sus mujeres y sus amantes. La empresa tiene como fin abrir una imprenta en La Haya y para reunir fondos viaja por Europa haciendo representaciones en vivo de los cuadros que constituirán su obra mayor: "El Antiguo Testamento".
La película se centra en la estadía de la Pelican Company en Colmar, en la región de Alsacia, donde su gobernador, el Malgrave (F. Murray Abraham), declara ser el gobernante más libertario de Europa.
Goltzius le propone al Malgrave invertir en la imprenta, prometiéndole 60 ejemplares del Antiguo Testamento ilustrado a cambio y la puesta en escena, a lo largo de seis noches, de los cuadros que serán incluídos en la obra.
Se vale de la recreación de "El pecado original" (el pecado del voyerismo), "Las hijas de Lot" (el incesto), "David y Betsabé" (el adulterio y el asesinato), "Sansón y Dalila" (la prostitución), "José y la mujer de Putifar" (la seducción de los inocentes a través del poder) y, finalmente en una historia agregada que no pertenece al Antiguo Testamento, "Salomé y Juan el Bautista", para exponer en toda crudeza, el grado de lujuria que impera en las historias bíblicas y el grado de injusticia que justifican.
La historia se vuelve un aquelarre de crueldad y lujuria rozando la pornografía, suave por supuesto, pero si el espectador es sensible a los cuerpos desnudos, le aconsejo que no vea esta película.
Es indecible la velocidad con que la historia se mueve, a pesar de la pesadez histórica, a través de estas historias y sus sucedáneos en la corte del Malgrave.
Las caras de Anne Louise Halsing interpretando a Susannah que interpreta a la mujer de Putifar y a Dalila, son impagables.
La escenografía que, como en "La tempestad", camina por la película es algo así como un gigantesco hangar donde están montados los diferentes escenarios y hasta el río que va a dar al Rin.
Pero atención, no es una visión surrealista, para nada. Es una visión realista de la crueldad del género humano y de la violencia que es capaz de suscitar para saciar su lujuria.
La escenografía, el vestuario, la música y la fotografía merecen por sí mismas consideraciones especiales.
La escenografía de Ana Buljan, promueve el espacio dentro del espacio y los escasos muebles que utiliza son estrictamente los necesarios. El vestuario de Blanka Budak y Marrit Van der Bugt tiene su inspiración más genuina en la obra de Rembrandt y Rubens, La música es algo sensacional. Compuesta por Marco Robino está interpretada con el sonido incisivo del grupo Architorti. La fotografía, de Reinier van Brummelen explota todas las condiciones de la luz en interiores y recrea las atmósferas puramente pictóricas y fílmicas de las obras de Peter Greenaway.
Trailer subtitulado en italiano
Luego de "La ronda de noche", donde toda la película se basa en la famosa obra de Rembrandt para recrear aspectos de su vida, Peter Greenaway nos trae a su propio pintor, Goltzius, en una película donde su genio escapa de lo terrenal para incursionar en el ámbito de lo eterno.
Diez puntos sin lugar a dudas para este film inconmensurable.

7 cajas (Juan Carlos Maneglia y Tana Schembori, 2012) 🌟🌟🌟

En la ciudad de Asunción, Víctor (Celso Franco) trabaja como carretillero en el mercado número 4 de la ciudad. Su trabajo consiste en transportar con una carretilla la mercadería que el cliente compró hasta su destino.
En la primer escena vamos a ver como Nelson (Víctor Sosa) le quita la carretilla a Víctor, quien está embobado mirando un televisor y el altercado que se produce entre los dos.
Mientras Víctor recorre las calles del mercado, Alejandra (Liliana Alvarez), lo filma con un teléfono celular y Víctor se enamora instantáneamente del aparato, pero no tiene fondos para comprarlo.
El teléfono lo vende la compañera de trabajo de Alejandra, Leti (Katia García) que está embarazada y piensa pagar el parto con lo que consiga por el celular.
A Víctor le ofrecen un trabajo. Gus (Roberto Cardozo) le encarga el transporte de 7 cajas con mercadería que deberá entregar en algún lugar que le será comunicado más tarde. Le van a pagar 100 dólares. Con ese dinero Víctor piensa comprar el celular. Gus parte un billete en dos y le da la mitad a Víctor. Cuando entregue las cajas le va a dar la otra mitad.
De ahí en más las peripecias de Víctor para mantener las 7 cajas van a constituir el argumento de la película. Eso y los rastros de una mujer descuartizada.
Un guión impecable el que Juan Carlos Maneglia escribió para la película y la realización es también perfecta. El interés del espectador va a seguir con avidez las historias cruzadas sobre las 7 cajas y su destino.
El ritmo con que las escenas se desenvuelven es endemoniadamente inteligente.
Nelson quiere apropiarse de las cajas, porque piensa que contienen 250.000 dólares. Esto por haber escuchado una conversación entre Gus y Don Darío (Paletita), el dueño de la carnicería de donde han salido las 7 cajas.
Para conseguir las cajas, Nelson reúne a un grupo de maleantes a los que les promete 100.000 guaraníes a cada uno por conseguir las cajas.
El dinero, como de costumbre, mueve los hilos de las marionetas del film y en este caso se vuelve la característica más importante de los personajes.
Liz (Lali González) es la única que ayuda a Víctor a conservar las cajas y su personaje es el más querible de toda la película.
El desenlace viene como llevado por las olas, va en ascenso y rompe frente a la pantalla.
Trailer
Excelente factura del cine paraguayo digno de los premios recibidos en festivales internacionales y de los meses que lleva en cartel en los cines de Buenos Aires.
Ocho (8) puntos es mi calificación para ese divertido film de Juan Carlos Maneglia y Tana Schembori.

Hijos de la medianoche (Deepa Mehta, 2012)

Basada en la novela del gran escritor Salman Rushdie del mismo nombre, "Hijos de la medianoche" cuenta la saga del nacimiento y posterior evolución de la India.
La noche de la independencia de India y Pakistán, nacen dos bebés, que por una anarquista decisión de la enfermera Mary (Seema Biswas) son intercambiados. Uno, el hijo de un músico ambulante, pasa a ser el hijo de una familia acomodada de Agra, Saleem (Darsheel Safari -joven- y Satya Bhabha -adulto). El otro, el verdadero hijo de Mumtaz (Shahana Gowami) y Ahmed Sinaí, Shiva (Phurav Bandare -joven- y Siddarth -adulto) queda con el músico ambulante.
En base a ésta y muchos otros acontecimientos que se desarrollan con los personajes, la película cuenta la desgarradora historia de la India desde su independencia del imperio británico hasta los días del derrocamiento de la feroz dictadura de Indira Ghandi.
Cautivadora y con una evolución sin tregua, los personajes y las situaciones desfilan por la película.
Los "Hijos de la medianoche", son los niños que han nacido con la independencia del país y todos poseen algún don en particular. De esta manera, a través del realismo mágico, la realizadora nos muestra los diferentes sucesos que marcaron la historia de India y Pakistán independientes.
Producida por Canadá y UK, ya que creo que no hubiera sido posible el relato de guerras y persecuciones si hubiera sido producida en India. El reparto está formado por actores y actrices hindúes. La música, de Nitin Sawhney, es sin lugar a dudas también de inspiración hindú.
Los exteriores fueron filmados en Sri Lanka y a eso se debe la coloración puramente hindú de los escenarios.
Una gran película, con atractivos propios, aunque el espectador no esté interesado en el devenir de la historia hindú, el realismo mágico la emparenta con las grandes novelas latino-americanas y también con su triste realidad.
Las actuaciones son todas impecables y no hay tiempo para el melodrama, ya que las situaciones dramáticas se suceden a tiempo real, no dejando lugar para la escapatoria sentimental.
Trailer en español.
No hay momentos para el decaimiento de la acción en las dos horas y media de duración y hasta el final no sabemos cómo se desencadenarán los hechos.
Ocho puntos es mi calificación para "Hijos de la medianoche".

Inch'Allah (Anais Barbeau-Lavalette, 2012)

La historia que narra esta película no transcurre durante la guerra de Israel contra Palestina, sino que sucede en el estado natural en que se vive en Jerusalén, estado de guerra de israelíes contra palestinos, a los que han reducido a vivir en campos de concentración con controles de entrada-salida controlados por el ejército israelí.
Una vez que esto es de difusión pública, podemos hablar sobre la película.
Basada en un guión de la misma directora, Anäis Barbeau-Lavalette, a medida que se va desarrollando llegamos a tener una explicación del cómo es que se producen los atentados terroristas, provocados por la misma represión en que viven los palestinos.
Para ir a visitar las ruinas del pueblo en el que nació una mujer palestina, deben conseguir un pase dado por el ejército israelí. No son dueños ni de sus propios orígenes.
Chloé (Evelyne Brochu) es una médica canadiense que se desempeña en un centro de atención de mujeres en la zona palestina. Para llegar a su trabajo todos los días debe pasar por los controles del ejército israelí. Entre las mujeres que atiende está Rand (Sabrina Ouazani), que está embarazada y cuyo marido ha sido detenido por el ejército israelí sospechoso de actividades terroristas.
Para sobrevivir económicamente Rand busca en el basural que se ha formado al lado del muro de separación de la zona palestina, lo que pueda recuperar para vender. Sus hermanos también juegan y buscan en la basura.
A medida que la película avanza, el espectador se va complicando en la mirada de Chloé, quien no puede entender el porqué de tanta violencia desatada contra los palestinos.
El argumento no es para nada ecuánime, porque muestra la realidad de los palestinos condenados a vivir en ínfimas condiciones de vida por los israelíes quienes además se erigen en ejecutores de la justicia y el apartheid.
Impecablemente filmada en escenarios naturales de Palestina y Jordania, no hay un momento de descanso para los personajes. Solo cuando Chloé va invitada por su amiga Ava (Sivan Levy) a una disco de Tel-Aviv es que se permite unos momentos de distracción.
La película deja un sabor amargo, pero más por la realidad que intenta describir que por el argumento en sí. No hay muchos momentos de violencia, pero los que hay están especialmente bien puestos.
Trailer
Por la seriedad con que ha sido filmada y la dedicación de la directora a una causa contra la injusticia en este mundo vayan ocho (8) puntos sobre diez para "Inch'Allah" (que Dios quiera).

Tras la puerta (Az ajtó) (Istvan Szabó, 2012)

Magda (Martina Gedeck) se muda con su marido a una casa más grande que élla sóla no puede mantener porque además tiene intenciones de dedicarse a escribir una novela.
Decide contratar a una mujer que vive enfrente de su casa, Emerenc (Helen Mirren) y que es muy particular.
Vive sola y no deja que nadie traspase el umbral de su puerta.
Emerenc le pide referencias y finalmente es contratada por Magda y por su marido Tibor (Karoly Eperjes) a quien Emerenc sumisamente llama "amo".
La película construída con un oficio de larga data por Istvan Szabó, está basada en la novela de algún modo autobiográfica de Magda Szabó, quien ignoro si tiene relación alguna con el director. Lo que sí he podido averiguar es que falleció en el año 2007, unos años antes que Istvan Szabó hiciera su película y que es considerada la más importante novelista en lengua húngara.
La trama gira alrededor de lo que Magda va consiguiendo saber acerca de la vida de Emerenc. Emerenc le teme a las tormentas y huye despavorida a refugiarse en su casa cuando una se desata. Tiempo después le relata a Magda que siendo muy chica huyó de su hogar en compañía de sus hermanitas mellizas. Como se desató una tormenta dejó a las niñitas bajo un árbol y corrió a buscar ayuda, cuando vio que un rayo se descargaba sobre el árbol y al pié quedaban dos bultos carbonizados. La madre que venía buscnándolas, al encontrar a Emerenc la zamarreó, pero cuando élla le señaló los bultos carbonizados, la madre corrió desesperada y se arrojó a un pozo. Así fue que Emerenc quedó sola en la vida y un tío la colocó en una casa de la ciudad para hacer la limpieza.
Historia tras historia, anécdota tras anécdota, Magda va conociendo la triste vida de Emerenc.
La película se desarrolla tranquila, con ritmo calmo, pero con emociones que sacuden el alma y la dejan despavorida.
La actuación de ambas actrices es memorable, especialmente la de Helen Mirren quien con toda naturalidad se mete en la piel de una campesina húngara, supersticiosa y cabeza dura.
No voy a contar el final, pero solo voy a decir que tras una tormenta eléctrica con viento huracanado, el sol aparece nuevamente.
Que el espectador no espere grandes sucesos ni movimientos de masas, solo son estos tres personajes y el mundo que rodea sus casas. Ah, y hay un perro, de nombre Viola y siete gatos, que son huéspedes de Emerenc.
Si la historia le llega al espectador, el contrapunto entre el concepto de vida de la escritora de clase media alta y la campesina que sirve en las casas, es porque su espíritu está pronto para comenzar a entender algo de la vida.
"Hay gente que barre y hay gente que paga para que barran" sentencia Emerenc en su juicio sobre la sociedad.
Trailer
Nueve puntos sobre diez para una sensitiva película húngara.

Tabú (Miguel Gomes, 2012)

"Tabú" es una película totalmente fuera de serie. No se parece a ninguna otra y dudo que haya otra que se le parezca. Pero la originalidad no es su única virtud.
El argumento, que se inicia con la historia de Pilar en la actualidad (Teresa Madruga), da vueltas y vueltas y casi la mitad de la película es un racconto de algo sucedido 30 o 40 años antes a la vecina de Pilar, Aurora (en su juventud Ana Moreira y en su vejez, Laura Soveral).
Ambas historias son hipnóticas, pero la de Aurora en su juventud transcurre en Africa y hay un cocodrilito (el de la foto) que hace de las suyas en sus huídas.
La película está narrada por el mismo director, Miguel Gomes y su tono de voz ayuda a introducirnos en un mundo hipnótico donde hay personajes que aparecen con una historia en ciernes y desaparecen al próximo minuto dejando inconclusa su historia.
Hay muchos cabos sueltos hasta que finalmente nos encontramos con la historia de amor de Aurora y Gian Luca.
La música al piano de Joanna Sa, acompaña todo el tiempo para mantenernos en clima, pero lo que es realmente sobresaliente es la fotografía de Rui Poças. Filmada totalmente en blanco y negro, los matices de los paisajes y de los rostros son maravillosos.
Creo que hay que mencionar que se trata de una película absolutamente literaria, ya que está narrada todo el tiempo. La banda sonora, que suprime los diálogos de los personajes para hacer primar el relato del narrador, sin embargo mantiene los pequeños sonidos ambiente.
Todo esto crea un clima surrealista, herencia tal vez del gran cineasta portugués Manoel de Oliveira.
El espectador habituado al buen cine la disfrutará por la increíble abstracción que el film realiza sobre nuestras mentes. Todo lo que estamos acostumbrados a ver en una película aquí está levemente modificado o alterado.
Video clip de la fiesta en la casa de la piscina
Nueve puntos sobre diez para "Tabú".

El artista y la modelo (Fernando Trueba, 2012)

Fernando Trueba abandona los guiones costumbristas sobre la España franquista y, con la colaboración de nada menos que Jean-Claude Carriere, escribe un guión sobre la dificultad de un artista para acercarse a su ideal de belleza.
Con una excelente fotografía en blanco y negro de Daniel Vilar, compone una película que será difícil de olvidar para el espectador.
El artista es Jean Rochefort, la modelo es Aída Folch y Claudia Cardinale la mujer del artista.
Los tres están excelentes en sus personificaciones, sobre todo Jean Rochefort quien carga con la dura tarea de personificar a un artista en el final de su carrera a sus 82 años.
Pero la esencia del film podría pasar de largo opacada por la historia de una joven española que huye de la guerra civil y se refugia en una aldea al sur de Francia, donde vive el artista del título.
La mujer del artista que la ve lavarse en una fuente la lleva a comer a su casa y ambos le ofrecen el rol de modelo. Luego vienen las vicisitudes del artista en la creación de su obra.
Y justamente en esas vicisitudes es donde reside el hechizo del film. Los gestos del director para guiar al espectador hacia donde quiere están en el encanto de la fotografía. De árboles, de pájaros, de la naturaleza exuberante de esta región de Francia, de la belleza del cuerpo desnudo de Aída Folch y de los interiores de la cabaña donde el artista tiene su atelier iluminados extraordinariamente.
Mientras tanto la historia se desenvuelve con unas pocas variantes. Los niños que espían a la modelo desnuda. La llegada de un oficial nazi, profesor de arte alemán que está escribiendo la biografía del artista.
La aparición de un camarada de la modelo que está herido y necesita un lugar donde quedarse hasta recuperarse. No hay mucho más, salvo las intervenciones de Chus Lampreave como María, la criada del artista.
Pero el espectador se ve recompensado por una película agri-dulce acerca de la aproximación del artista a su ideal y de como un momento triste de la historia, el fin de la segunda guerra mundial, puede contener también una historia de belleza y afectos. No tiene desperdicio.
Una aproximación a la película.
Mi calificación es de nueve puntos para una magnífica realización de Fernando Trueba.

Una Canción para Marion (Paul Andrew Williams, 2012)

El argumento de "Una canción para Marion" es algo remanido y sabemos a ciencia cierta lo que va a suceder en la película antes de comenzar. Eliminado el factor sorpresa nos queda una película muy agradable para disfrutar y pasar un rato ameno.
Marion tiene cáncer terminal (una irresistible Vanessa Redgrave con sus mejores sonrisas para dilapidar). Su marido Arthur, (Terence Stamp), es un viejo huraño endurecido frente a las emociones.
El que paga los platos rotos del enojo de Arthur es su hijo James, una soberbia actuación de Christopher Eccleston.
Pero Marion participa de una actividad para personas de la tercera edad, un coro. Y es de las actividades del coro y de la amistad de sus compañeros de lo que más disfruta.
La directora del coro, Elizabeth, (Gemma Atterton), los impulsa a participar de un concurso de coros y les propone cantar canciones de rock, heavy metal y algunas baladas también.
Todos los espectadores sabemos, y el personaje de Marion también lo dice, que ella no va a llegar a participar del concurso de coros.
Pero la muerte de Marion, si bien encierra a Arthur aún más en su soledad, le da la oportunidad de salir al mundo y cantar en el coro al que tanto ha aborrecido.
Todo esto el director Paul Andrew Williams lo viste de la mayor sencillez y verosimilitud, de tal manera que el drama humano apenas si roza nuestros corazones y en cambio lo que obtenemos es una lección de vida: vivir el presente como filosofía de vida.
Trailer doblado en hispano, lo siento.
Siete puntos para una película muy agradable de ver.

Sobre la pista del Marsupilami (Alain Chabat, 2012)

Con esta comedia de aventuras, Alain Chabat logra lo que Hollywood busca incesantemente desde hace 10 años. Entretenimiento para toda la familia, diversión y aventuras.
Jamel Debbouze, es Pablito Camarón, un palombiano, veterinario por elección, que vive en Chiquito, la capital de Palombia y que está perseguido por una banda del lugar a los que les debe 160.000 palombos. La banda tiene en su poder a Kiki, el papagayo de Pablito y promete matarlo si Pablito no les paga lo que les debe..
Hacia Chiquito se dirige, forzadamente, Dan Geraldo (Alain Chabat), un cronista de la televisión francesa que debe obtener sí o sí una entrevista con los Payas. Los Payas son una tribu misteriosa que habita en las selvas de Palombia y cuya fama se debe a la longevidad de sus integrantes. Pablito ha prometido a los directivos de la televisión ser el intermediario con un jefe Paya.
La entrevista se deberá televisar en directo desde Chiquito bajo el auspicio de "Loreins", la marca líder en la fabricación de cremas reconstituyentes.
Al llegar al aeropuerto, Dan Geraldo es detenido y conducido por los soldados palombianos a la presencia del General Pochero (Lambert Wilson). El General es un devoto fanático de Celine Dion y posee en su palacio algunos de los vestidos que la diva utilizó. Quiere que Dan Geraldo le consiga una entrevista con Celine Dion.
Esta es una presentación somera de los tantos vericuetos que posee esta película. Digamos algo del Marsupilami. Es una especie de ornitorrinco amarillo, de larga muy larga cola, que habita en las selvas palombianas y que se alimenta de una especie desconocida de orquídea. Esta orquídea tiene propiedades rejuvenescentes en los humanos, como lo descubre por casualidad Hermoso (Fred Testot), el botánico del palacio palombiano.
Durante 1 hora y 45 minutos vamos a disfrutar de las desventuras de estos personajes "sobre la pista del Marsupilami".
Realizada a la perfección, no tiene momentos muertos y toda la historia brilla por su ingenio. Es una excelente producción que hará divertir al espectador.
El General Pochero personifica a Celine Dion.
Nueve puntos sobre diez para esta excelente comedia de aventuras.

Como alguien enamorado (Like someone in love) (Abbas Kiarostami, 2012)

El último film de Abbas Kiarostami está filmado en Japón, con actores japoneses y obviamente, hablado en japonés pero sin lugar a dudas, es un film de Kiarostami.
Ya la primer escena nos desubica. Es en un bar y el personaje que está hablando (luego sabremos que se trata de Akiko), está fuera de escena. Es más, está situado en el lugar del espectador. Toda la escena se mantiene la cámara fija, enfocando a las mesas que Akiko (Rin Takanashi) tiene enfrente. Está intentando convencer a alguien, suponemos que se trata del novio, que está en el café Teo con su amiga Nagisa. Nagisa está efectivamente allí, sentada en otra mesa, podemos imaginar que atendiendo a otro cliente. Hiroshi, el gerente del bar, tiene una conversación con Akiko, de la que se desprende que élla trabaja como prostituta para él. También nos enteramos que al día siguiente tiene un examen en la facultad y que su abuela ha venido a verla por el día. Hiroshi le aconseja que no la vea y que le diga a su novio la verdad de su profesión.
Así que ya estamos en el nudo del argumento. Akiko y Nagisa son prostitutas sin conocimiento de sus familias. Son muy jovencitas las dos. Pero el título de la película es "como alguien enamorado". Akiko debe actuar como alguien enamorada de su novio.
El cliente que Hiroshi le destinó para esa noche resulta ser un antiguo profesor de la facultad donde Akiko estudia, Watanabe Takashi (Tadashi Okuno). Al día siguiente lleva a Akiko a la facultad en su auto y mientras la espera observa la pelea que Akiko tiene con su novio Noriaki (Ryo Kase), a la entrada del edificio. Noriaki le pide fuego a Watanabe y luego le pide hablar con él para saber cuál es su relación con Akiko.
Toda la situación es manejada con absoluta cordura por la cámara inflexible de Kiarostami. La falsedad en el argumento deviene de la profesión de Akiko y de ésta la confusión que envuelve a los protagonistas.
Excelente desarrollo y excelente el ritmo con que las situaciones se van generando.
Cuando termina la película, el espectador queda sacudido y confundido sin saber muy bien porqué. El secreto Kiarostami lo guarda para sí mismo.
Es increíble el oficio y la voluntad que Kiarostami tiene, para convertir una película japonesa, en un producto Kiarostami. Como en "Copia certificada", la cámara utiliza todos los recursos de fuera de foco y reflejos en vidrios y espejos para multiplicar la escena.
Imposible para un cinéfilo no disfrutar de esta nueva película de Kiarostami. Hasta se hace corta porque uno espera el desenlace. Y el desenlace llega, pero claro, no como el espectador podría imaginarlo.
Trailer
No me alcanzan los dedos de manos y pies para contar el puntaje que le adjudico a "Como alguien enamorado". Véanla y me lo agradecerán.

Un asunto real (En Kongelig Affære) (Nicolaj Arcel, 2012)

El cine dinamarqués, casi siempre intimista, se atreve a una gran superproducción.
Una historia de época, narra hechos reales que sucedieron en el siglo XVIII, en la corte dinamarquesa.
Carolina Mathilde (Alicia Vikander), una princesa inglesa, se convierte en reina consorte del rey Christian VII (Mikkel Boe Folsgard) sin siquiera conocer a su marido. Su madre le dice que no tenga miedo, que si consigue que el rey vaya a su cama en la primera noche, va a ser un gran éxito.
Pero el éxito se convierte en amarga desilusión por parte de la reina por los modales de su marido.
En esos años Europa toda está viviendo la aparición de las ideas políticas de la ilustración. Los escritos de Juan Jacobo Rousseau y de Voltaire encienden la imaginación de la gente que quisiera vivir en una sociedad un poco más justa.
Como el rey está buscando un médico, le recomiendan al Dr. Struensee, un doctor alemán que trabaja en el hospital de Copenhage. El Dr. Struensee (Mads Mikkelsen) es un hombre de la ilustración, habiendo publicado incluso manuscritos con sus ideas. Se gana enseguida la buena voluntad del rey y se convierte en su consejero político. También se gana la buena voluntad de la reina, al aconsejar la vacunación de su hijito contra la viruela que está haciendo estragos entre los niños de Copenhage.
Pero su proyecto de vacunar masivamente a la población es rechazado por el consejo de administración. Este consejo está formado por Bernstoff y Hoegh-Guldberg, el primero político y el segundo religioso, los dos al servicio de la reina viuda que conspira para derrocar a Christian y poner en su lugar a su hijo.
Inevitablemente el Dr. Struensee y la reina Carolina van a iniciar una relación amorosa clandestina y ya están todos los condimentos necesarios para hacer de esta película una trama interesante y que cautiva del principio al fin.
La fotografía, los escenarios y el vestuario son de primera calidad y así también lo es la dirección de los actores.
La música es de Gabriel Yared, quien compuso innumerables bandas de sonido para películas, entre ellas, "El paciente inglés".
Trailer subtitulado
Ocho puntos para "Un asunto real". Una película amena, romántica y política que hace disfrutar el tiempo que dura.

Hannah Arendt (Margarethe Von Trotta, 2012)

Margarethe Von Trotta es una realizadora alemana cuyo lenguaje cinematográfico está dedicado a la reconstrucción de personajes femeninos de la vida real que se hayan distinguido por su labor intelectual y política.
En "Hanna Arendt" elige a esta significativa filósofa y pensadora alemana cuyo pensamiento libre la lleva a enfrentarse con la comunidad judía mundial.
El film comienza con una escena que pretende ser el rapto de Adolf Eichman en Argentina hecho por efectivos del Mosad, quienes lo trasladan a Israel donde va a ser juzgado.
Hanna Arendt solicita ser corresponsal de un diario americano en lo que denominan "el juicio del siglo".
Y el juicio a Adolf Eichman queda muy lejos de ser el juicio a los actos delictivos cometidos por el jerarca nazi para poner sobre el tapete nuevamente el holocausto. Pero lo sorpresivo es que Hannah se encuentra en Eichman con un burócrata cuya facultad de pensar fue eliminada por la ideología nazi y aduce haber actuado cumpliendo ordenes, por "obediencia debida", latiguillo al que luego los tristes militares argentinos se acoplaron para evitar ser juzgados.
Es más, Hannah Arendt elabora que muchas de las muertes de judíos se debieron a lo que los mismos líderes judíos llamaron colaboracionismo. Hannah elabora que entre la rebelión y el colaboracionismo debe haber varias etapas intermedias y no fueron la especialidad de los líderes judíos.
Todo esto escrito en forma de ensayo, es publicado por el The New Yorker, e inmediatamente desata las iras de la comunidad judía en contra de Hannah Arendt a quien automáticamente retiran los honores de su actividad docente y literaria para transformar en una "putita nazi".
La directora muestra sin piedad las reacciones del rebaño humano cuando encuentra alguien a quien poner en la mira del odio. La persecución que se desata sobre Hannah por parte de los pequeños seres que claman por los grandes editoriales con lemas ya aprobados y uniformizados y no por un artículo elaborado filosófica e individualmente.
A todo esto, Hannah lo utiliza para construir su teoría de la "banalidad del mal". El mal no es obra de Satanás y sus seguidores (Hitler y las SS), sino de la gente común, que accede porque no tiene tiempo para pensar, o a quienes el sistema ha extirpado la facultad de pensar.
Hay muchas grandes ideas que se aplican a nuestra realidad actual dichas en esta película.
La "banalidad del mal" diseñada por las mentes nazis para ser exportada a todos los países europeos se cierne hoy como una realidad impuesta por las grandes corporaciones.
En la película Hannah dice que el mal no fue enviar a los judíos a un campo de concentración (o de internación como se denominaron en Francia), sino hacerles sentir que su vida no valía nada, que eran total y absolutamente prescindibles para el género humano. Eso que hoy se vive en las grandes empresas como herramienta para torcer voluntades y destruir a los espíritus libres. La desvalorización del ser humano, que lo lleva inexorablemente a la abolición de su pensamiento individual.
La realización del guión de este film es en sí una obra de arte. Llevar las ideas, los pensamientos políticos y humanos de Hannah Arendt a un guión fílmico resulta ser la mayor proeza de la realizadora.
La magnífica personificación que hace Barbara Sukowa de la pensadora judía la hace merecedora de muchos más premios que los ya recibidos.
A su lado Axel Milberg, compone a Heinrich Blucher, el compañero de vida de Hannah Arendt con magnífico acierto y simpatía personal. Y Janet McTeer, la excelente actriz inglesa, aporta su naturalidad para el personaje de Mary McCarthy, compañera en la universidad donde enseña Hannah Arendt.
Es imposible despegarse de la pantalla durante toda la duración del film. Los diálogos y las escenas son tan imponentes y atractivos que se disfrutan con total interés. Sí, no es una película pochoclera, no, de ninguna manera. Pero como en mis crónicas no incluyo a este tipo de películas, quien me lea estará habituado a este tipo de cine y en este caso, puedo recomendar esta película con total seguridad.
Entrevista a Hannah Arendt
Más de diez puntos a esta realización excepcional.

En el camino (Walter Salles, 2012)

"En el camino" podría ser entendida como una road movie. Pero no lo es. Es la versión fílmica de la novela de Jack Kerouac sobre su peregrinación juvenil y su relación con Neal Cassady, en la novela llamado Dean Moriarty.
La elección del apellido Moriarty nos da una pista. En las novelas de Arthur Conan Doyle, Moriarty es quien quiere destruir al héroe de sus novelas, Sherlock Holmes. Y eso es lo que escribe Sal Paradise (Jack Kerouac).
Pero como es la novela de Sal Paradise, él puede mencionar sólo aquellos aspectos de la personalidad de Dean Moriarty, que él estima fueron perjudiciales y hasta nocivos para su búsqueda del destino.
Entonces, la película está basada en una novela, en la que el personaje de Sal Paradise es el foco de la realidad y todos los demás son personajes girando a su alrededor.
Pero hete aquí, que entre esos personajes están también Allen Ginsberg (Carlo Marx en la novela), excelente personificación de Tom Sturridge y William S Burroughs (Old Bull Lee en la novela) genial actuación de Viggo Mortensen.
Entonces no todos en la novela o digamos película, son invenciones de Sal Paradise, pero sí son sus miradas, lo que él escribe de sus personajes.
Sam Riley (Sal) y Garrett Hedlund (Dean) son los actores que llevan el peso de la película y lo hacen excelentemente. Los desbordes de Dean están magníficamente actuados por Hedlund o bien magníficamente filmados por Salles.
Estupenda realización de Walter Salles, el principio es un tanto confuso, hasta tanto se delinean los personajes y salen al camino, explícitamente.
Luego, el ritmo es rápido y a veces hasta delirante. Hay drogas y mucho sexo, muchísimo sexo, pero contado nomás, ya que todo es la mirada de Jack Kerouac.
La música, imprescindible, es de Gustavo Santaolalla.
Trailer
Ocho puntos para este último film del brasileño Walter Salles.