Gloria Bell, Gloria (Sebastián Lelio, 2019-2013) 🌟🌟🌟

Sebastián Lelio ganó el premio Oscar a la mejor película extranjera con "Una mujer fantástica", que si bien es una muy buena película creo que recibió el premio por ser la intérprete principal una mujer trans.

Debido a este premio tuvo ofertas para hacer cine en Hollywood. Y ¿qué elige hacer?, mejor dicho, rehacer, "Gloria". Una excelente película del año 2013 protagonizada por Paulina García. 

Para protagonizar la remake se da el lujo de elegir a Julianne Moore. Ambas son Gloria en las dos películas.

Para mí gusto me quedo con Paulina García, porque Julianne Moore le añade al encanto del personaje un toque de melancolía que lo ensombrece un tanto.

De todos modos, ambas son buenas películas. Casi no ha modificado el guión. Creo que solo quitó el perro porque complicaba la filmación en USA.

El personaje masculino es interpretado por John Turturro y en la versión original por Sergio Hernández. También elijo a Sergio Hernández. Creo que en realidad la versión original goza de la pureza de las obras nuevas y por lo tanto también las interpretaciones lo reflejan.

Recomiendo a los espectadores ver la versión del año 2013, la que se llama "Gloria" a secas, sin el Bell agregado. Van a disfrutar de una película entretenida, graciosa de a ratos y muy bien dirigida.

Gloria (2013) trailer

Gloria Bell 2019 Trailer 

Si notan que hasta los trailer tienen algo de parecido, sí, es así. Siete puntos para las dos películas.

Wonderstruck: El Museo de las Maravillas (Todd Haynes, 2017) 🌟🌟🌟🌟

Esta última obra de Todd Haynes, se diferencia de las anteriores en que el argumento no es ni bizarro ni espeluznante, pero su estilo cinematográfico está presente en cada escena filmada desde el principio de la película.
La imagen es más bien oscura, confusa y difuminada, creo que a veces hasta abusa del difuminado, pero consigue su objetivo que es atrapar al espectador que realmente tiene interés en conocer su obra.
La historia está adaptada por Brian Szelnick desde su propia novela y tiene todo lo necesario para convertirse en un laberinto de ideas donde la revelación de último minuto nos ilumina de repente la imagen cinematográfica.
Básicamente la historia sigue las fugas similares de Ben (en 1977) (Oakes Fegley) y de Rose (en 1927) (Milicent Simmons) que culminan en el Museo de Ciencias Naturales de la ciudad de Nueva York.
Ben encuentra un amigo en Jamie (Jaden Michael) que lo introduce en los recovecos del museo que él bien conoce porque es el lugar elegido por su padre para dejarlo cuando tiene trámites que hacer.
Rose por su parte, luego de huir de su madre (Julianne Moore) a quien ha venido a ver porque la extraña, entra en el Museo buscando a su hermano Walter (Cory Michael Smith).
Ben está buscando a su padre, del que su madre (Michelle Williams) nunca encontró tiempo para contarle quién era. Para eso tiene como pistas un señalador de la librería Kincaid y un folleto sobre el Museo de las Maravillas, origen del actual museo de Ciencias Naturales.
La diversión para el espectador va a comenzar cuando las cámaras de Todd Haynes se sumerjan en los dioramas y vitrinas del museo a los que utiliza como escenografías para hacer todo tipo de trucos visuales.
La búsqueda de Ben va a culminar en la librería Kincaid con su encuentro con la maravillosa Julianne Moore, que como es costumbre, nos vuelve a fascinar con su interpretación.
Creo que es muy importante citar a la maravillosa banda de sonido de Carter Burwell que mucho hace para complementar los momentos visuales del director y también al director de cinematografía Edward Lachman, sin cuyas imagenes la película carecería de sentido.
No creo que ningún espectador quede decepcionado con esta nueva obra de arte que nos brinda Todd Haynes con su actriz habitual, Julianne Moore.
Trailer subtitulado en castellano
En fin, a mi criterio Wonderstruck es una de las películas más lindas que he visto en mucho tiempo, por eso mi calificación es de nueve (9) puntos sobre diez.

Safe (Todd Haynes, 1995) 🌟🌟🌟

Escrita y dirigida por Todd Haynes, "Safe" es todo un hallazgo dentro del cine de USA.
"Safe" es "seguro", y buscar lo seguro puede ser una búsqueda extenuante dentro de los cánones actuales de nuestra civilización.
Hoy en día todos podemos hablar con cierto conocimiento sobre polución y contaminación, pero en los noventa aún era cosa de "new ages", los desesperados seres de la última década del siglo pasado.
Carol (Julianne Moore) es un ama de casa de Los Angeles con un buen standard de vida. Al comenzar la película la vemos recibiendo al camión de mudanzas que trae el nuevo sillón para su casa. Su marido Greg (Xander Berkeley) tiene un buen trabajo y un hijo de su anterior matrimonio, Rory, (Chauncey Leopardi) que vive con éllos.
Tiene un gran grupo de amigas con las que comparte las clases en el gimnasio y todo tipo de actividades sociales, especialmente Barbara (Ronnie Farer), quien le plantea comenzar la dieta de las frutas, que el médico le aconsejó como método de desintoxicación y liberación de toxinas. Carol acepta, un poco a regañadientes. Pero con la dieta va a comenzar a sufrir de una serie de indeterminadas dolencias.
Dolencias que le impiden continuar con su vida social o llevar una normal vida sexual con su marido, ya que sufre de continuos dolores de cabeza.
Consulta a su médico quien le ordena los tests de rutina, análisis de sangre, etc. Según los resultados todo parece estar bien con Carol. No fuma, no bebe, no se droga. Solo es adicta a la leche y eso es justamente lo que el médico le va a indicar que reduzca, ya que la leche no es buena para los intestinos.
A consecuencia de ir a la tintorería donde estaban desinfectando, Carol sufre un desvanecimiento y es trasladada en ambulancia a la clínica de su doctor.
El problema de Carol ahora pasa por la falta de aire, manejando en la autopista detrás de un camión con una fuerte emanación de gases, debe salir y detenerse en medio de un ataque de tos para recobrar el aire.
El médico vuelve a hacerle la batería de tests con los mismos resultados, entonces le recomienda a Greg que lleve a Carol a un psiquiatra.
La vida de Carol cada día es un poco más restringida. Los sillones nuevos tuvieron que ser devueltos porque le causaban reacciones alérgicas. Hasta el perfume del after-shave de su marido la hace perder el sentido.
El director Todd Haynes hace con Carol y con los espectadores lo que quiere y los arrastra de las narices en los más osados diagnósticos. El pobre espectador no sabe hasta dónde lo va a arrastrar Todd Haynes y yo no lo voy a contar.
Insuperable como de costumbre está Julianne Moore. La transformación de la tímida pero alegre Carol en la mortuoria y depresiva persona en que se transforma es sublime.
Pero ni el director ni los médicos, psiquiatras y otros curadores a los que Carol concurre le van a dar un diagnóstico claro de su enfermedad.
La demencia del estado de enfermedad permanente es la enfermedad de nuestra sociedad y Todd Haynes la muestra sin concesiones.
Trailer
Ocho puntos sobre diez para este excelente y enigmático film de Todd Haynes.

Altman (Ron Mann, 2014) 🌟🌟🌟

Hay muchos films documentales. Nos cuentan sobre culturas, animales, geografías. Y biografías.
Cuando el sujeto del que se ocupa la biografía es un creador cinematográfico es como que la película se vuelve doblemente película. Un film sobre filmes, que son las obras artísticas de las que se desprende el alma del realizador evocado.
Pero cuando además, el film documental, consigue atrapar la emoción de la creación, el film se vuelve una obra de arte en sí mismo.
Es lo que sucede con el film de Ron Mann sobre la vida y obra de Robert Altman.
Contándonos sobre sus comienzos, desde que deja la marina para radicarse en California junto a sus padres. Cuando viaja a Nueva York en busca de un futuro para sus ganas de poner en práctica las ideas y sentimientos que lo movilizan. Cuando es descubierto por Alfred Hitchcock quien le ofrece dirigir algunos episodios de su programa de televisión y desde allí se vuelve un exitoso director de series para la televisión, "Bonanza", "Combate", "Ruta 66" y muchas más.
Cuando harto del mundo repetitivo de la televisión decide incursionar en el cine, con golpes, fracasos y aciertos.
La historia contada está dividida en capítulos cuyo epígrafe está presentado por uno de sus colaboradores dando una definición del término "Altmanesque".
En casi todos los epígrafes hay una idea base que sintetiza el mundo de Robert Altman, hecho de creatividad e innovación. Como dice Lyle Lovett en su parte, "Altmanesque significa contador de cuentos, el maestro en contar cuentos".
A través de una sucesión de hechos que ilustran la personalidad libre y fuera de los standards en el cine, Ron Mann va desgranando la historia de sus films. De los que el propio Robert Altman dice que estaba muy orgulloso. Cuando había hecho una docena de películas se jactaba de que cada una de éllas tuviera su propia originalidad, pero que sin embargo en los últimos años se dio cuenta que en realidad cada película constituye solo un capítulo de su novela.
Para los que amamos su colosal obra fílmica es un placer conocer la personalidad que había detrás de esos films y de que fuera tan original y libre como lo eran sus películas.
Si al final nos queda la congoja de haberlo perdido para siempre, también nos queda la magia de sus casi 40 películas que nunca nos vamos a cansar de ver.
Trailer en inglés con subtítulos en alemán.
Como dice el mismo Robert Altman, "yo hacía guantes y los productores querían zapatos".
No fue precisamente el niño mimado de Hollywood y nunca recibió un premio Oscar, salvo el dedicado a su trayectoria artística.
Los premios los obtuvo del Festival de Cannes, por "Mash" y por "Las reglas del juego", algo que habla muy bien de su patrimonio artístico.
Ocho puntos sobre diez para este emocionante documental sobre Robert Altman.

Siempre Alice (Richard Glatzer & Wash Westmoreland, 2014) 🌟🌟🌟

Hablar de "Siempre Alice" es hablar de Julianne Moore, que es la cara visible de Alice.
Sin embargo más deberíamos hablar de los directores, Glatzer y Westmoreland, quienes fueron pareja hasta la muerte de Richard Glatzer, que sucumbió a los efectos de ELA (Esclerosis Lateral Amiotrófica, enfermedad neurológica paralizante), en marzo del 2015.
Juntos escribieron el guión de "Siempre Alice" adaptando una novela de la neuróloga y novelista Lisa Genova y juntos lo llevaron al film.
Juntos debieron haber visto recibir a la extraordinaria protagonista Julianne Moore el premio Oscar a la mejor actuación femenina del 2014.
Para quien no lo ha escuchado aún, el argumento de "Siempre Alice" describe la evolución y declive del Alzheimer en una joven profesora de lingüística de la Universidad de Columbia.
Como es un tema tan movilizante para nosotros, seres humanos que aún rechazamos la enfermedad y la muerte como si de castigos se tratara, es muy difícil llevar este tema a una película sin rozar los bordes de lo lacrimógeno y teatral.
Sin embargo los directores salen indemnes de la experiencia. Nada hay de fácil ni lacrimógeno en el film y si el personaje emociona, es por la brillante actuación de Julianne Moore.
Junto a élla, en una aún más difícil personificación, se luce Alec Baldwin, como el amante esposo de Alice. No es un personaje fácil de sacar adelante, no tiene parlamentos importantes, no dice verdades ni mentiras, no es dueño de las grandes frases, pero su actuación es perfecta.
Y he dejado para el final a la más que brillante Kristen Stewart. Evolucionando a pasos agigantados de ser la protagonista de la saga para adolescentes "Crepúsculo", Stewart asume un más que difícil rol en la película, al ser la contracara de Alice, su hija rebelde e idealista Lydia. Esta joven actriz, a sus 24 años tiene en su haber dos personajes importantísimos: uno como contrafigura de nada menos que Juliette Binoche en "Las nubes de Sils Maria" y el segundo como Lydia, secundando la mejor actuación de la carrera de Julianne Moore en "Siempre Alice".
Como vemos, esta película está llena de emoción por dónde uno quiera buscar. Desde los autores y directores, hasta los actores. Esta fue la quinta vez que Julianne Moore era nominada para los premios Oscar sin haberlo conseguido anteriormente ("Boogie nights" de Paul Thomas Anderson, "El fin de un asunto amoroso" sobre la novela de Graham Greene de Neil Jordan, "Las horas" de Stephen Daldry, y "Lejos del paraíso" de Todd Haynes). Ya en el festival de Cannes 2014 había ganado la Palma de Oro por su actuación en "Mapa de las estrellas" de David Cronenberg.
Es una película imperdible. Debe ser vista, aunque más no sea para que los enfermos de Alzheimer sean visualizados. Nadie coloca moños en su nombre, pero es una enfermedad tan dolorosa o más que el mismo cáncer.
Clip
Ocho puntos sobre diez para esta excelente película.

Polvo de estrellas (Maps to the stars) (David Cronenberg, 2014) 🌟🌟🌟

David Cronenberg es un director cuyas películas están siempre al borde de lo escabroso, en mi opinión. Sin embargo, casi siempre consigue fascinarme, como la serpiente supongo.
"Polvo de estrellas", sin ser tan bizarra como sus otras películas, tiene un guión retorcido y escabroso, donde no faltan incestos, piromaníacos y fantasmas.
Contar algo de su historia sería hacer perder lo más importante que tiene esta película y que es un magnífico guión, bien al estilo Almodóvar, donde los secretos se van revelando de a poco y para asombro del espectador.
Ver a Julianne Moore interpretando una actriz (Havana Segrand) en sus 40 y pico, desesperada por conseguir un papel en una película, es algo paradojal para élla. Creo que no hay actriz más buscada (para buenas películas entendamos) en todo el mundo. Y es un placer disfrutar de sus gestos más secretos, ya que este papel no es de los de caracter introvertido que élla suele interpretar, sino que todo lo expone, grita y actúa al mismo tiempo.
Frente a élla, la verdadera heroína del film, si es que de heroína podemos hablar, Mia Wasikowska.
Siempre recordada por su rol de Sophie en la primer temporada de "In treatment", esta actriz australiana que se inició de la mano de Rodrigo García, con quien filmó también "Albert Nobbs" junto a la gran Glenn Close. Mágica en la versión de "Jane Eyre", una película realmente etérea que nada tiene que envidiar a la versión de Franco Zeffirelli. Claro que toda actriz tiene su traspiés, y en su caso fue acceder a protagonizar la horrible versión de "Alicia" de Tim Burton. Y ahora, junto a David Cronenberg, nos brinda una memorable interpretación de una adolescente en el borde de la esquizofrenia, Agatha Weiss.
En realidad toda la historia ronda a los integrantes de la familia Weiss, que no significa por casualidad "blanco" en alemán.
Excelente el guión de Bruce Wagner. John Cusack en el papel del terapeuta Dr Weiss y Olivia Williams como Cristina Weiss. Evan Bird, como Benjie Weiss, súper actor de series y segundas partes a sus 13 años, ya concluída su terapia de rehabilitación de las drogas. Robert Pattinson caracteriza a un conductor de limusinas que podría haber sido una historia de amor, pero David Cronenberg no da para eso.
Hay toda una burla constante al ambiente y cine de Hollywood que David Cronenberg puede permitirse desde su sede en Ontario, Canadá.
En las casi dos horas que dura la película no hay un momento en que el ritmo decaiga y si bien, no posee desbordes psicóticos, es una película que despierta la intriga y la curiosidad desde el principio, con la repetición de muertes y apariciones.
Trailer
Vayan 8 puntos para una apasionante película que no va a defraudar a ningún espectador.

Hijos del hombre (Alfonso Cuarón, 2006)

Sobre la novela de P.D. James, el director Alfonso Cuarón y cuatro escritores más, construyeron un precioso guión que ilustra una historia de desesperanza y violencia.
Corre el año 2027 y desde hace 18 años que ningún bebé nace en la tierra. Por algún motivo no develado, la infertilidad se ha vuelto común entre las mujeres y las que estaban embarazadas, de un modo u otro han abortado.
La sociedad es caótica, envuelta en redes de terroristas, con policías armados patrullando las calles y deteniendo a cuanto sospechoso de ser inmigrante ilegal se cruzan, para cazarlos como a delincuentes.
En Inglaterra se han armado campos de concentración para inmigrantes ilegales, donde viven en medio de la mugre y los malvivientes, abandonados por la sociedad.
Es en esta sociedad que Theo Faron (Clint Owen), golpeado por la noticia de la muerte del ser humano más joven del planeta (Diego Ricardo) en Buenos Aires (tenía 18 años y 4 meses), es secuestrado por un grupo de activistas autodenominados "los Peces".
El secuestro tiene como objetivo que Theo consiga un salvoconducto que le permita viajar fuera del país a una joven mujer. Quien se lo exije es su ex-mujer, Julian (Julianne Moore) y la joven mujer es Kee (Clare-Hope Ashitey). Quien se lo puede conseguir es un pariente que tiene un alto cargo en el gobierno, Nigel (Danny Huston).
Es muy interesante la descripción que hace el director de la vida más allá del Arco de Wellington, donde un mundo de gente VIP vive y disfruta como si la destrucción no rondara al mundo. En su oficina, Nigel tiene el "Guernica" de Pablo Picasso, que han podido "rescatar" antes de la destrucción de Madrid.
Son muchas los contratiempos que les tocarán vivir y a cada paso, la película se adentra más y más en un clima de violencia sistematizado, donde las armas están en manos de cualquiera y la muerte al orden del día.
Es como que el ser humano, perdidas sus expectativas de perpetuarse, quisiera solo destruir a sus semejantes y a su entorno, no muy lejos de la realidad de nuestros días, año 2014.
Perfecta es la sincronización de los acontecimientos y perfecta también la filmación, hasta hay algunas escenas donde las gotas de sangre manchan el vidrio de la cámara.
En su ayuda acudirán el amigo de Theo, Jasper, en la magistral interpretación de Michael Caine, quien vive en medio de un bosque con las entradas a su casa camoufladas por ramas simulando ser arbustos. Jasper vive en compañía de su mujer momificada cultivando plantas de marihuana.
Ya en la ciudad de los inmigrantes ilegales, la ayuda les va a llegar de parte de Marishka (Oana Pellea), una gitana de buen corazón.
No voy a contar el argumento, pero a cada secuencia, el tiempo se acelera y la acción se dispara. Es una película de ciencia-ficción con mucho de aventuras y el drama constante del fin de la raza humana clavado como daga en el corazón de los espectadores.
En muchos rincones de nuestro planeta la vida es así tal cual, sin esperanza alguna de un futuro mejor.
Trailer
Ocho puntos para esta obra maestra de Alfonso Cuarón. Y al espectador que no la haya visto se la recomiendo.

Vania en la calle 42 (Louis Malle, 1994)

"Tío Vania" es uno de los hitos fundamentales en la obra de Anton Chejov y un apreciado hito para quienes hacen teatro. Un grupo de teatro, dirigido por André Gregory, está en los ensayos finales de la obra en la sala del viejo teatro Victoria, de la calle 42 de New York.
De entrada se describe la calle 42 de New York y los actores que llegan a la sala como parte del gentío que se mueve por las calles.
El teatro Victoria está a punto de venirse abajo. Han colocado redes sobre el salón del teatro para evitar que pedazos de yeso impacten en el piso. El escenario está inusable porque corre riesgos de desmoronarse.
Pero la cámara de Louis Malle capta este ensayo completo y como resultado tenemos una obra fundamental en la historia del cine.
"Vania en la calle 42" fue la última película filmada por Louis Malle y es donde el ojo del espectador de Malle más se acerca a los actores y los mira de cerca en los inolvidables diálogos del "Tío Vania".
La adaptación de "Tío Vania" fue hecha por David Mamet, un buen referente a la hora de conseguir guiones.
Chejov en su obra diserta sobre las relaciones humanas en el amor y en la muerte y el envejecimiento. Todo dicho con una humanidad pavorosa y con un sentido que escapa al tiempo (la obra data en 1897). Las gotas de amargura que el texto llora con el género humano, están suavizadas por la dulzura de los personajes, por su falta de agresividad.
Todos los personajes son inolvidables y en la puesta en escena de André Gregory, todos están interpretados con suaves maneras y todo el encanto que el teatro permite.
Además al estar la sala del teatro abandonada, la oscuridad del salón hace que la interpretación se vuelva veraz, como lo hace también la cámara que registra los diálogos y el avance dramático del texto.
No se concibe que la película haya sido fruto de montaje, todo parece desarrollarse con absoluta naturalidad a través de los actos de la obra. Los cortes son producto de los cortes de la obra en sí.
Creía que era imposible lograr algo más de Julianne Moore y esta película lo logra o lo logra el director del grupo de teatro o lo logra la propia Julianne Moore. Sus gestos imperceptibles, la sonrisa que cubre los malos humores, son para la cámara de cine, imposible registrarlos en el teatro.
Brooke Smith es toda una revelación. Logra extraer el alma de su personaje, Sonia y la exhibe ante la pantalla con absolutos encanto y elocuencia.
Wallace Shawn, es el Vania perfecto. Con todo el dolor que el personaje rezuma, este pequeño gran actor, hace con el resto del reparto, la síntesis perfecta.
George Gaynes, excelente como el médico Serybryakov, un personaje ecológico, inaudito para fines del 1800 y aún para el año que se filma esta película, o bien digamos, el ensayo de la obra teatral.
Al ser un ensayo, la escenografía es mínima y el vestuario es el que los actores llevan puesto. Todo torna más verosímil la idea de que se está filmando un ensayo.
Pero dicho bien claro, "Vania en la calle 42" NO ES TEATRO FILMADO. Nada más lejos de esta afirmación. La cámara hace su trabajo con primeros planos y se concentra en los personajes-actores todo el tiempo.
Trailer del film
Quedé absolutamente impactado por el drama "Tío Vania" y por la representación teatral del grupo de actores bajo la dirección de André Gregory y, por sobre todas las cosas, por la maestría del realizador, Louis Malle, a la hora de condensar todos estos valores en un film.
Imperdible para quienes gustan del buen cine. Diez puntos para él.