La Asesina (Nie Yinniang) (Hou Hsiao-Hsien, 2015) 🌟🌟🌟🌟🌟

En la tradición de las grandes películas históricas del cine chino, este film es tal vez el mejor logrado desde una perspectiva exclusivamente fílmica.
Paisajes increíbles fotografiados con técnicas visualmente artísticas. Interiores que, sin ser suntuosos, brindan a la vista el placer de lo hermoso. Pero, por sobre todas las cosas, la maestría de un director que nos introduce en una hipnótica aventura a otras épocas y, quizás, otras costumbres.
Nie Yinniang (Qui Shu) debido a una tortuosa historia familiar, ha sido confiada desde los diez años a una "monja", tal el término con que los chinos llamaban a estos maestros de las técnicas marciales y de la guerra. La "monja" (Sheu Fang-Shi), la ha convertido en una experta máquina de matar.
Ahora su maestra la envía de regreso a su hogar natal con un encargo especial, debe matar a su primo.
El regreso de Nie a su hogar hace que sentimientos largamente encerrados salgan a la luz y provoquen un estado de confusión en Yinniang.
Si bien el argumentode Zong Acheng, no tiene demasiada consistencia para las mentes de los espectadores occidentales, el director logra, a través de un ritmo bien lento y pesado, inducir al espectador en un mundo onírico donde la imagen se deleita filmando a través de tules o sedas o en medio de bosques donde los personajes de la acción quedan semi-ocultos en la espesura.
Además nos regala con una música esplendorosa, muy lejana de las tradicionales melodías chinas que lindan con la música moderna. Hay una escena de ballet a cargo de la mujer del gobernador, Lady Tian (Zhou Yen) y el gobernador mismo Tian Ji'an (Chang Chen) donde los sentidos del espectador se trastocan completamente.
Deleite para el espíritu y para los espectadores con expectativas de aventuras oníricas sin ser fantasiosas, esta película cumple largamente con los mandatos del buen cine: espectáculo y sentimientos.
Títulos finales
Diez puntos sin dudar para esta excalente realización del cine chino que recibiera la gran Palma del Festival de Cannes al mejor director.

Trash, desechos y esperanzas (Stephen Daldry, 2014) 🌟🌟🌟

El título original de la película es solamente "Trash" (Basura). Pero se ve que a los distribuidores hispano paralantes lo de "basura" no les debe haber sonado muy comercial, así que mantuvieron el título en inglés, que suena más fino y añadieron lo de desechos (desechos son basura, no hay otra acepción) y esperanzas, para iluminar un poco más el título.
Trash es una excelente película brasilera, hablada y sentida en portugués, pero dirigida por el excepcional Stephen Daldry (para quien no lo tiene presente dirigió "Las horas", "El lector" y "Tan lejos y tan cerca").
Raphael )Rickson Tevez), Gardo (Eduardo Luis) y Rato (rata) (Gabriel Weinstein) son chicos de la favela que trabajan recolectando cosas de la basura, como tantos otros en el lugar donde depositan la basura en Río de Janeiro. Por supuesto que no trabajan para sí mismos, sino que tienen un patrón.
Un día Raphael encuentra una billetera con algo de dinero, algo es más que suficiente para él, y otros objetos. Una extraña llave, un billete de la lotería de los animales y otros papeles.
Al principio de la película vemos como la policía irrumpe en el departamento de Jose Angelo (Wagner Moura). Él consigue huir y cuando se encuentra acorralado arroja la dichosa billetera a un camión recolector de basura. Luego vemos como la policía tortura y finalmente asesina a Jose Angelo.
Entre las cosas que contiene la billetera están las claves para encontrar el lugar donde Jose Angelo ocultó el dinero y, sobre todo, el libro de anotaciones comprometedoras que extrajo del bunquer de Antonio Santos (Stepan Nercessian), un político corrupto que es quien maneja al policía Frederico (Selton Mello).
La película narra entonces la persecución de los chicos por parte de la policía, que hasta irrumpen en la misión que tiene el padre Juilliard (Martin Sheen) en la favela. Olivia (Rooney Mara) que también trabaja en la misión va a ayudar a los chicos, pero tendrá sus consecuencias.
Un excelente guión de Richard Curtis y Felipe Braga, basado en la novela de Andy Mulligan, consigue eficazmente dotar de realidad a la historia. Los escenarios elegidos para filmar y los sets de filmación son espeluznantemente reales.
La música, de Antonio Pinto, ayuda a construir el marco de la película.
Todas las actuaciones son magníficas. Vale la pena señalar la actuación de Selton Mello en su composición del policía inescrupuloso, porque lo hace sin amontonar escenas sádicas, solo con su cara de nada.
En sus casi dos horas de duración, la película mantiene la tensión, porque parece casi inevitable que los chicos caigan en manos de la policía. Pero el final, no por inesperado, es reconfortante.
Trailer
Ocho puntos sobre diez para esta película que debería ser vista en estos momentos por muchos brasileros, a ver si tienen capacidad de reflexionar en lo que los "Antonio Santos" los están llevando a hacer.

20.000 leguas de viaje submarino (Richard Fleischer, 1954) 🌟🌟

Walt Disney produciendo una película de aventuras para niños. El inconveniente es que utiliza una novela de Julio Verne como tema. Y Julio Verne es peligroso.
Alberga en sus ideas el espíritu de la paz universal, donde los inventos que imagina sirvan al hombre para evolucionar como sociedad y no simplemente para matarse entre sí.
Y el director Richard Fleischer y el escritor del guión Earl Fenton, fueron absolutamente fieles al mensaje de Julio Verne.
Además con los años transcurridos desde 1954 cuando aún se veía a las potencias del mundo occidental como adalides de la libertad y de la paz, el concepto ha variado un tanto y los personajes que ayer fueran héroes, hoy se ven como simples marines con poco seso.
Tal es el caso del arponero Ned Land (Kirk Douglas), quien con sus conductas de psicópata infantil determina la destrucción del prodigio técnico del submarino Nautilus, tanto para la época de Verne, como para cuando se filmara esta película.
Viéndola hoy, el perdón al triste papel que le cabe a Ned Land está resumido en una frase que le dice el profesor Pierre Aronnax (Paul Lukas), personaje al que me voy a referir a continuación, "tal vez salvaste al mundo".
El personaje del profesor Aronnax es el ejemplo del intelectual que con sus dudas y especulaciones científicas deja escapar la luz del genio que ilumina todo a su alrededor. Es la miserable condición a la que los poderes financieros han llevado a los intelectuales en nuestra sociedad actual. Como Don Quijote, su personaje está acompañado por el aún más aburguesado sirviente Conseil (Peter Lorre), que es en gran parte responsable del apocalipsis que desata Ned Land en su ignorancia.
Lo que no podía sospechar Julio Verne, es que con los caracteres de sus personajes estaba pintando la realidad del mundo un siglo después. Temible visionario.
El personaje de Ned Land, magníficamente interpretado por Kirk Douglas, se debe haber basado en los marines que lanzaron las bombas atómicas sobre Hiroshima y Nagasaki. Y, si no fuera por los 10 años que la separan, del cabo que en "Dr. Insólito" de Stanley Kubrick, descarga la bomba atómica cabalgando sobre el artefacto como un cowboy.
Dejé para el final el personaje más elaborado de la película. El del Capitán Nemo. Interpretado en forma magnífica por un excelente actor, James Mason, brinda al espectador todos los matices de un ser humano atormentado por la estupidez humana y por las injusticias que le han tocado en suerte vivir. Unico error dentro de la película, es que interprete al órgano la Tocata y fuga en re menor de Juan Sebastián Bach, tanto por lo remanido del efecto, como por lo que el efecto busca hacer presuponer al espectador, que el Capitán Nemo, es, para decirlo moderadamente, un psicótico chiflado.
Es excelente la puesta en escena y los efectos especiales que en esos años no se fabricaban por computadora sino que eran verdaderos efectos especiales. Todo lo que se ve en la película es absolutamente creíble y hasta el final shakesperiano, se vuelve aceptable para el espectador.
No es una película para niños, de ninguna manera, salvo que se le extirpen todos los mensajes subliminales que se desprenden de las conductas de los personajes.
Tocata y Fuga en Re Menor
Debo sacarme el sombrero ante Walt Disney por haber producido una obra cinematográfica de estas dimensiones sin haber desvirtuado el mensaje de la obra como lo hiciera hace poco con la olvidable versión de "Alicia en el país de las maravillas" de Tim Burton.
Siete puntos sobre diez es mi calificación.

La casa de las dagas voladoras (Zhang Yimou, 2004) 🌟🌟🌟🌟🌟

Si uno no supiera que Zhang Yimou es uno de los dos directores más creativos y artísticos de China (el otro es Ang Lee), el nombre de esta película no la ayudaría para nada.
Más parece una película al servicio de las artes marciales de Bruce Lee que una leyenda medieval china. Y sin embargo es una hermosa leyenda medieval china, con todos los recursos de esa cinematografía puestos al servicio de la creación de una obra de arte.
Como en "La maldición de los crisantemos", Yimou Zhang describe una sociedad en plena decadencia, donde una sociedad, la de las dagas voladoras, se encarga de robar a los ricos para dar a los pobres. Y los tres personajes se ven envueltos en una tragedia que podría muy bien haber sido escrita por nuestro bien conocido Shakespeare.
Para deleite del espectador, los paisajes son maravillosos, con colores que parecen haber sido recién pintados para la película. Bosques y montañas de ensueño. Y por el otro lado, la cuota necesaria de duelos con todo tipo de arma conocida o desconocida, con vuelos sobre los árboles y ese tipo de magia que aprendimos a conocer cuando Ang Lee presentó los misterios del cine de Hong-Kong al gran público con "El tigre y el dragón".
En esta película los contrincantes vuelan sobre bosques de bambú y las mismas cañas de bambú son utilizadas como armas letales.
El título, proviene del arte de utilizar las dagas como misiles autodirigidos que jamás yerran su objetivo, esto es una especialidad de esta secta denominada de "las dagas voladoras".
No hay lugar para que uno se aburra ni un solo minuto. La acción es continua y la trama se mantiene a fuerza de develar cambios en los protagonistas.
Ya hablé de la fotografía, es maravillosa. La actuación es espectacular. Es tan difícil como ser un Fred Astaire el actuar y al mismo tiempo dominar los movimientos de estas artes marciales con una perfección que parece escapada de un ballet.
La música es como en otras películas, de Shigeru Umebayashi y la canción principal es interpretada por la maravillosa voz de Kathleen Battle:
Amantes por Kathleen Battle
10 puntos para "La casa de las dagas voladoras". No imagino que pueda llegar a aburrir a alguien.

Cloud Atlas (El atlas de las nubes) (Tom Tykwer, Andy Wachowski, Lana Wachowski, 2012)

"Todo está conectado". Tal es la tesis de la novela de David Mitchell que en la película se demuestra con imagenes. Imagenes de una muy alta calidad.
No sé a quién darle mayores palmas: si a los tres directores, geniales en su concepción; si a la dirección de fotografía con visiones del mundo que nos llevan a realidades ignotas; si a la dirección artística, a los efectos especiales y ordinarios, al vestuario, a la música o a los actores. Todo está bien puesto, todo está bien armado. Así que habría que acordarse del genial artífice del montaje (Alexander Berner) que permite a través de casi 3 horas desarrollar en paralelo historias de diferentes tiempos y latitudes sin que cunda la confusión. Y también de todos los productores, los alemanes, los ingleses, los españoles y por supuesto los tres directores que también participaron en la producción.
Cloud Atlas
Inconmensurable sería mi definición más cercana.
Esta película es multi-nacional y también de múltiples directores. Un director geminiano nacido en Wuppertal, Alemania como Tom Tykwer quien ya había demostrado lo que sabía hacer en "Corre Lola corre", "Perfume" y en "Drei" y de los norte-americanos hermanos Wachowski (Andy capricorniano y Lana geminiana), quienes ya se habían encargado de llevar adelante las 3 partes de "Matrix" y "Meteoro".
Los actores también abordan diferentes personajes. Es la primera vez que veo a Tom Hanks hacer de un malvado muy malvado y de nativo hawaiano o a la hermosa Halle Berry travestirse de médico coreano. Los impecables Ben Whishaw ("Perfume" y "Estrella radiante"), Jim Broadbent (inolvidable de tantas películas, el dueño del Moulin Rouge), Hugh Grant como un ejecutivo o un asesino hawaiano, la siempre hermosa Susan Sarandon, la recién descubierta para mí Doona Bae, actriz coreana de un previsible futuro, interpretando a una coreana de fabricación y también a una mexicana a quien le matan el perrito. Jim Sturgess ("Across the universe" y "Siempre el mismo día"), Hugo Weaving (de "Matrix" y el "Señor de los anillos"), James D'Arcy y tantos otros que no conozco bien. Hasta un argentino, Víctor Esteban Sole.
Fue filmada en lugares tan disímiles como los estudios alemanes Babelsberg de Brandenburgo en Alemania y también en Düsseldorf, las islas Baleares y Escocia.
Para la dirección se repartieron las escenas según los tiempos (antiguas, actuales y futuras) y las locaciones. No es fácil hacer que todo eso combine.
El resultado es estupendo. Es una película fácil de ver y atrayente del principio al final. Estamos pendientes de como se resolverán las situaciones, las persecuciones y cómo, por una vez, los malvados no se saldrán con la suya. Por sobre todas las cosas hay un mensaje positivo. Quizás un poco maniqueo, porque los actos se califican como buenos o malos y en la vida real no siempre es tan fácil poder adjudicar premios y castigos. Pero de todos modos es positivo y abre al alma infinitas posibilidades. Quizás todo lo que estamos haciendo bien sea consecuencia de algo que se hizo bien en el pasado y vaya a influir en el futuro en las posibilidades de la humanidad.
Sobre 10 puntos, "Cloud Atlas" se lleva 10 puntos. A la realización, a las ideas y al espectáculo.