El Destierro (Izgnanie) (Andrey Zvyagintsev, 2007) 🌟🌟🌟🌟

Esta película del año 2007, es el segundo largometraje del director Andrey Zvyagintsev. Ya el clima de la película es el del director. Es su firma hecha cine.

Basada en una novela de William Saroyan adaptada por Artyom Melkumian, desde el principio, con una huída en auto por campos y ciudades, el tema se describe visualmente.

Hay una escena en la que Mark (Aleksandr Baluev) acude a su hermano Alexander (Konstantin Lavronenko) para que le extirpe una bala del brazo. Hay una conversación de la que apenas se puede rescatar que Mark piensa irse del país y cuando le pregunta a Alexander, este dice que él piensa irse al campo.

En la escena siguiente, Alexander y su familia, su mujer Vera (Maria Bonnevie) y sus hijos, Kir (Maxim Shibayev) y Eva (Yekaterina Kulkina) llegan a la casa del campo. 

Vera está preparando la comida y le pide a su hija que le alcance una manzana, pero la llama conejita y a la chica no le gusta, dice que ella no es una conejita sino que es Eva. Acto seguido Vera sale de la cocina y se echa a llorar fuera de la casa.

Estas descripciones son simplemente para darles una impresión de como se va a desarrollar, en una intensa y dramática historia, el resto de la película.

Profundamente basada en las emociones más que en los hechos, cuya explicación el director escatima prolijamente, hasta que por un hecho fortuito nos enteramos del porqué del drama.

Al espectador que busca acción le aconsejamos que se abstenga de ver esta película, porque si bien hay acción, la mayor parte tiene su explicación en el reino de las emociones y no de los movimientos físicos.

Al espectador introvertido, esta película lo va a fascinar, porque se mueve más de las puertas de las sensaciones para adentro que para afuera.

La música es realmente impactante, abovedada, de Andrey Dergachev y con sonidos corales de Arvo Part.

La cinematografía, excepcional, es de Mikhail Krichman. Tanto los interiores, como los exteriores, son un lujo para lo visual.

Exilium de Andrey Dergachev con imágenes del film  

Nueve puntos sobre diez para esta excepcional producción rusa.

Stalker (La zona) (Andrei Tarkovski, 1979) 🌟🌟🌟🌟

Siendo un ferviente admirador de la cinematografía del gran realizador ruso Andrei Tarkovski, nunca había visto antes "Stalker". En base a una historia corta de Arkady y Boris Strugatskiy y al guión preparado por ellos mismos, Tarkovski crea una historia fascinante que si bien pertenece al género de la ciencia ficción, se transforma en las manos del director en una indagación profunda en las profundidades del alma humana.
El skalter (Alekandr Kaydanovski) es un guía conocedor de la "Zona" a la que conduce a quienes quieren penetrar en las honduras del misterioso lugar.
Se supone que la "Zona" fue establecida por una nave extraterrestre y que todos los habitantes desaparecieron misteriosamente. Se cuentan diversas historias sobre el vínculo de la "Zona" con las ciencias ocultas.
El ejército ha cercado el territorio con alambre de púa y hay solo una puerta de acceso hasta la que llegan los guardias armados, pero como cita stalker, nunca se animan a ir más allá porque le tienen mucho miedo.
A pesar de la oposición de su mujer (Alisa Freyndlikh), quien le recuerda que ya ha estado preso por cinco años por internarse en la "Zona", el stalker va a conducir a un nuevo viajero a la "Zona".
El nuevo viajero resulta ser dos personas. El Escritor (Anatoly Solonitsyn) y el Profesor (Nikolai Grinko) y además una sofisticada mujer que dice ser periodista a quien el stalker manda de regreso. A pesar de la oposición inicial del stalker a conducir a más de una persona, finalmente acepta a ambos.
En el corazón de la "Zona", hay una casa y una habitación donde todo el que ingresa consigue que se cumpla su deseo más ferviente.
Con esta consigna en mente los tres viajeros inician su viaje, en el que la maestría de Tarkovski va a hacer que el espectador siga con sus miedos a cuestas e incertidumbre cada nuevo paso que dan los viajeros.
Las charlas de los viajeros son todo un tratado de filosofía sobre la vida y el destino de la humanidad.
Esta es una película considerada "maldita". Se supone que varios de los que participaron murieron de cáncer de pulmón a una edad temprana, entre ellos el director y su esposa.
La filmación también fue una historia de contratiempos, idas y vueltas y cambios de escenarios. Desde el corazón de Tadjikistán hasta los bosques de Estonia. Diversos directores de cinematografía y tres versiones de la misma película.
No creo que haya espectador que resulte inmune al hechizo del Stalker.
Trailer en inglés
Nueve puntos sobre diez para esta obra de arte de la cinematografía.

Leviathan (Andrei Svyagintsev, 2014) 🌟🌟🌟🌟🌟

Después de las 2 horas y 20 minutos de duración de la película, la tensión acumulada es tal que el espectador no sabe si levantarse y huir o ponerse a llorar.
En las primeras escenas Andrei Svyagintsev logra que la violencia mezclada de la música de Philip Glass y el mar golpeando en las rocas advierta al espectador que lo que va a ver es algo duro y difícil de digerir.
No hay permiso en la historia para la emotividad ni para los sentimientos. Es una historia dura, sin concesiones, como es la vida actualmente en nuestras sociedades. Esto es, el cine en su máxima madurez, que no necesita pintar la vida con colores para engañar al espectador.
El libro escrito por Oleg Negin y el mismo Svyagintsev fue premiado en Cannes con la Palma de Oro y no es para menos.
Kolya (Aleksei Serebriakov) está envuelto en una confrontación con el alcalde de la ciudad, Vadim (Roman Madyanov). El alcalde quiere el terreno donde se levanta la casa de Kolya para su propio beneficio. Kolya consigue el soporte de un abogado amigo de Moscú, Dmitri (Vladimir Vdovichenkov), pero su actuación solo va a empeorar las cosas, además de seducir a la mujer de Kolya, Lilya (Elena Lyadova).
Vadim rige una mafia donde participan la policía y la justicia local, que actúan siguiendo estrictamente sus ordenes.
Roma (Sergei Pokhodaev), el hijo de Kolya, detesta a su madrastra Lilya y con su conducta rebelde y hostil siembra un clima de disenso en la casa.
No voy a contar aquí la historia. Quien quiera conocerla debe ver la película. Pero tengo que reconocer que el papel que le cabe a la iglesia ortodoxa rusa deja bastante que desear. Forma parte de la corrupción general que pinta la película.
Un sacerdote, con el que conversa Kolya, intenta convencerlo de que lo que le sucede tiene un parangón con la historia de Job.
No es una película apta para gente insensible y corrupta, no van a entender nada del drama que el director con tan buen tino nos cuenta en su película.
Demás está decir, que la historia de la corrupción aplica no solamente al pequeño pueblo costero ruso sobre el mar de Barents, sino que es universal. Solamente los yanquis podrán decir que en EE.UU. no es así, apelando a su tradicional hipocresía.
La historia está soberbiamente contada y rodada con colores que semejan el blanco y negro de los thriller de los 30. Pero la época es indudablemente actual, Svyagintsev no deja ni siquiera el subterfugio de apelar a la corrupción del régimen soviético, la fotografía que preside la oficina de Vadim es la del presidente Putin.
Con una fotografía escelente y una inmejorable selección de las locaciones, la película explota en todas sus posibilidades el paisaje ártico. Las ruinas de un convento, el esqueleto de una ballena, son sólo algunos de los símbolos de los que se vale el director para crear el clima.
Trailer
Sí, si ya han visto el trailer, la música es del increíble Philip Glass.
"En una versión bíblica tan actual como la Reina Valera 2000, el Leviatán de Job es presentado como un ser que no puede vencerse con armas humanas, que su sola visión espanta, que es rey entre los soberbios y que escupe fuego." 
Mi calificación es de diez puntos sobre diez y la recomiendo a todos los amantes del buen cine.

La esclava del amor (Nikita Mikhalkov, 1976) 🌟🌟🌟🌟🌟

Del fascinante guión escrito por Fridrikh Gorenshteyn y su hermano Andrei Konchalovski, Nikita Mikhalkov elaboró la más hermosa, romántica y sensible obra de toda su filmografía.
El título del film es el de la película muda protagonizada por la estrella Olga Nikolayevna (en la increíble y sensitiva piel de la actriz Elena Solovey). Estas películas mudas son el antecedente más directo de los telenovelones. Hechas para provocar el llanto y la almibarada reacción de los espectadores.
Sin embargo, en la actuación de Olga Nikolayevna hay algo que atrae hasta a los revolucionarios, que arriesgan el ser arrestados con tal de presenciar sus películas.
Aleksandr Aleksandrovich (el nombre del actor es exactamente este Aleksandr Aleksandrovich Kalyagin) sueña con adelgazar sin dejar de comer y con filmar mejores obras. Hay una escena que se repite, la de Alejsandr haciendo gimnasia con la rama de un árbol.
La película, que se desarrolla en 1917 en plena revolución rusa, narra la filmación en una ciudad en el sur de Rusia, de un nuevo telenovelón. El cameraman es Victor Pototsky (Rodion Nakapetov) quien disimula con su trabajo su verdadera tarea que es filmar las matanzas y atrocidades cometidas por el ejército zarista al mando de Fedotov (Konstantin Grigorev).
Fedotov odia el cine y en particular a todo el equipo de filmación y visita diariamente los sets buscando provocación.
Pero Olga Nikolayevna vive en su mundo, con sus dos hijitas y su madre. Ella sueña con reencontrarse con el actor principal, Maksakov, quien aparentemente ha desaparecido en Moscú.
El ambiente y el clima es veraniego, todo es apacible, pero como trasfondo se escucha el retumbar de la gran revolución de 1917.
El estilo de Mikhalkov es realmente deslumbrante. Pinta las escenas como si de un pintor impresionista se tratara. No hay solo planos de los protagonistas, sino que a veces, se distrae del guión y filma otras personas en apacibles escenas, otras existencias, otras realidades. Esto hace que la pantalla se dilate hasta ocupar la completa realidad, aún la no filmada y la convierte en un inmenso collage de bellas escenas, en las que, de vez en cuando, irrumpe la realidad violenta de la represión zarista.
En esta belle epoque rusa, Olga Nikolayevna se comporta como las protagonistas de sus películas, toda pasión y emoción. Declama a quien quiera oirla sus ideas y se mueve por el mundo sabiendo que porta la coronita de la realeza cinematográfica. Pero se enamora de Pototsky y él, que también está enamorado de élla, pero más de la revolución, se sirve de ella para esconder su actividad verdadera.
Es una película donde la razón queda desapercibida, ya que todo, como en la película, pasa a través de los sentimientos.
Es una dulce y tranquila comedia sobre el cine mudo donde se intercalan escenas de la realidad política rusa de los años de la revolución.
Canción y escenas
La escena del tranvía es una de las más subyugantes escenas que el cine haya producido jamás.
Diez puntos para esta excelente obra de Nikita Mikhalkov.

El regreso (Vozvrashchenie) (Andrei Zvyagintsev, 2003)

Existen películas que cautivan por la trama que desarrollan, otras por actuaciones importantes.
"El regreso" en cambio, seduce por la más primaria y original expresión cinematográfica, por la imagen.
Es tanta la fuerza de la imagen que muchas veces hasta reemplaza el dramatismo de los diálogos.
La historia es simple, pero no sencilla. Andrei (Vladimir Garin) e Ivan (Ivan Dobronravov) son dos hermanos, dos chicos comunes que un buen día descubren que su padre, desaparecido desde que tienen memoria, ha regresado a casa.
Del padre (Konstantin Lavronenko), al que solo reconocen por una foto perdida en un álbum de un arcón, se desconoce la razón del regreso y el lugar donde ha estado todos esos años. A pedido de sus hijos los lleva a pescar, en un viaje que termina en lo más profundo de sus conciencias y de la del espectador también.
Filmada en escenarios impresionantes del lago Ladoga, el lago más grande de Europa, situado a pocos kilómetros de San Petersburgo, logra captar toda la magia salvaje de la naturaleza sin ataduras ni paseos artificiales.
Es justamente la naturaleza la que condiciona la aventura de estos tres personajes. Y los caprichos de Ivan los que acarrean las desventuras. Las lluvias torrenciales lloran la violencia de las conductas y de las imágenes.
El viaje en bote por el lago a una isla deshabitada y perdida en los confines de la geografía, es de una magia surreal tal que nos hace pensar en el descenso a los infiernos de una tragedia griega.
El climax va creciendo en cada secuencia, apaciguado tan solo por la calma de los paisajes infinitos.
No voy a contar el final. Que quien quiera conocerlo vea esta impresionante película rusa, premio León de Oro del Festival de Venecia.
Trailer
Es el mejor film desde la desaparición de Andrei Tarkovski. Diez puntos sobre diez para "El regreso".

Pieza inconclusa para piano mecánico (Nikita Milkhakov, 1977)

Anton Chejov escribió la obra de teatro "Platonov" cuando tenía 18 años, en 1880. El texto fue rechazado por la dirección del teatro y solo reapareció en 1921 en la caja fuerte de un banco de Moscú.
Nikita Mikhalkov junto a Aleksandr Adabashyan hacen una adaptación de la obra en este film. Muchos de los elementos que aparecerán más tarde en el teatro de Chejov ya están presentes en "Platonov".
La casa de campo hipotecada, la vida alegre de la burguesía que ignora que todo se está derrumbando a su alrededor. El fracaso de los ideales estudiantiles, la poca solidaridad con los campesinos.
La frustración de estos personajes sin embargo tan inocentes y tan queribles es lo que hace el trasfondo de "Pieza inconclusa".
Anna Petrovna, dueña del caserón invita a sus amigos a un día de campo con almuerzo, juegos y celebraciones. Entre los invitados está Mijail Platonov, un maestro de escuela que abandonó la universidad y que vive frustrado al lado de su esposa Sasha, no querida y sometida a sus avatares.
El hijo de Anna Petrovna, Sergei Pavlovich acaba de casarse y desea presentar a su esposa a sus amigos y vecinos. Sophia, tal el nombre de la esposa, resulta ser el amor de los días de estudiante de Mijail Platonov.
Mikhalkov filma esta "Pieza inacabada" en 1977, pleno final de la Unión Soviética y muchos de los mensajes del comunismo idealista están expresados por los personajes. Pero también sobre éllos cae la sombra del fracaso y de la más absoluta incapacidad de hacer algo útil con sus vidas.
La escena culminante es cuando un campesino llega bajo la lluvia a buscar al médico. Le trae una carta donde lo explica la enfermedad de su esposa. El médico le pregunta para qué lo escribió y el campesino contesta, porque no sabía si me iban a recibir. El médico le contesta que irá a ver a la esposa el día siguiente o el próximo. El campesino intenta tímidamente pedirle que lo acompañe, que tiene los caballos listos, pero el médico se rehusa.
Platonov increpa al médico, ya que es el único médico en la comarca cómo es que no cumple con su obligación de atender a los pacientes. El que ha finalizado sus estudios universitarios cómo es que se manifiesta ausente.
Llena de absurdos y momentos emocionales, esta "Pieza inacabada" es una joya de la cinematografía universal. Hay mucho simbolismo, el chico que persiste en hacer sonar en la victrola "Una furtiva lágrima" de Donizetti. La lluvia que envuelve el ambiente campestre de dulces colores otoñales.
Las actuaciones de Aleksandr Kalyagin como Platonov y de Elena Solovey como Sophia son maravillosas.
Una comedia de época con matices agridulces que nos muestra la decadencia de la sociedad rusa de fines del siglo XIX.
Escena final.
Es imposible calificar una obra maestra del cine como ésta. Los diez puntos quedan cortos para ilustrar su valía.

Elena (Andrei Zvyagintsev, 2011)

Ante todo hay que destacar la perfección con que ha sido realizada esta película. La fotografía, los tiempos y su ritmo, las actuaciones, la dirección de cámara y de los actores y la música.
La primera escena nos deja ver una casa de alto nivel adquisitivo y como está amaneciendo a través de las ramas de un árbol. Ya esta primera escena nos llena de maravilla.
Y luego nos iremos adentrando en la historia de Elena magníficamente interpretada por Nadeshda Markina. Una mujer mayor, que fue enfermera y atendió a su actual marido, Volodya (Andrei Smirnov) cuando sufrió una intervención por peritonitis y hace ya 3 años que se han casado.
Para Elena su mayor preocupación es la familia de su hijo Sergei (Aleksei Rosin) y su manutención. Sergei no tiene trabajo así que Elena lo mantiene, a él y a su familia, con su jubilación. También hace algunos gastos extra con su tarjeta de crédito, que son pagados sin saberlo por Volodya.
Volodya no ve con buenos ojos ese comportamiento de parásitos de Sergei y su familia. Pero Elena le reprocha que él no mira la conducta abandonada de su hija Tatyana (Evgeniya Konushkina).
Ahora la preocupación de Sergei es que Volodya les preste dinero para conseguir librar a su hijo de 17 años del servicio militar, ya que es un riesgo enviar a un chico al ejército.
Elena lo habla con Volodya, pero él sostiene que debería ser preocupación de su padre liberar a su hijo del servicio militar y que es lo mejor que le podría pasar.
Estos son los términos del planteo de conductas entre los personajes de Elena.
Volodya sufre un ataque cardíaco y queda dependiendo de su mujer. Elena va a una iglesia a poner velas al santo que intercede por la salud de los enfermos.
Cuando Volodya vuelve a su casa, Elena vuelve a preguntar por el pedido de Sergei y ahí nos enteramos que ya le debe dinero que pidió y nunca devolvió.
Todo esto desata el conflicto que Elena resuelve con frialdad.
El planteo de las escenas es formalmente perfecto. La música, que nos prepara para el ataque cardíaco de Volodya y para los restantes momentos de tensión de la película, es del magistral Philip Glass. Es curioso encontrar su música en una película de origen ruso, pero es única para realzar la dramatización de una imagen pobre en sentimientos.
A la conclusión de la película nos preguntaremos si ese es el pobre estado actual de la situación social en Rusia, resultado del liberalismo para la población en general.
Diez puntos para "Elena", una genial obra maestra de este nuevo director ruso.
Trailer con la música de Philip Glass.

12 (Nikita Mikhalkov, 2007)

Nikita Mikhalkov es uno de los grandes directores que el cine ruso ha dado a la cinematografía. Sus películas, cálidamente agradables, comedias y tragedias, fueron muy bien recibidas en el resto del mundo. Especialmente en EE.UU., donde su película más realista y dramática, "Sol ardiente", que refleja el fin de una época de sagas heroicas y el comienzo del terror en la dictadura estalinista, fue muy bien recibida.
Luego de esta tremenda tragedia de 1994, Mikhalkov filma una extraña película en 1998, "El barbero de Siberia", donde aborda la historia dramática de un romance trunco entre Jane (Julia Ormond) y un joven oficial (Oleg Menshikov) quien es exiliado a Siberia. Jane pasará los próximos diez años buscando a su amado.
Y luego, en 2007, casi diez años más tarde, aborda la realización de una remake del film clásico de Sidney Lumet, "Doce hombres en pugna" de 1957.
Si bien el esquema es el mismo, los doce integrantes de un jurado que deliberan sobre la culpabilidad o no del acusado, en este caso un joven chechenio, de haber asesinado a su padre adoptivo, un militar del ejército ruso, la historia está desde el vamos enquistada en la cultura rusa.
Un racista conductor de taxis, un cirujano, un vacilante ejecutivo productor de TV, un judío sobreviviente del holocausto, un artista-músico ambulante, un director de cementerio y, sobre todo, un físico que rechazado por el sistema ruso debió vender su invento a una empresa extranjera y que es quien inicia la discusión sobre el tema. Todos ellos representan una parte de los restos de una sociedad fragmentada en la Rusia post-comunista.
Si bien se conservan las líneas generales de la historia en cuanto a las pruebas reales o no del homicidio, los dramas personales de los integrantes del jurado son absolutamente únicos y llenos de humanidad.
Sobre todo, "12", es un film que habla a los seres humanos, enfrentando las contradicciones de una sociedad donde los odios son más importantes que la esperanza en un mundo mejor, que pareciera definitivamente perdido.
Es impecable el ritmo, las reconstrucciones de la historia de la guerra en Chechenia, la honesta creación de cada personaje donde no queda lugar para verdades declamadas sino que surge la condición humana como componente vital de cada ser.
El final, que no voy a contar, es terriblemente sensible y nos habla de la posibilidad de hacer algo, aunque más no sea individualmente, para mejorar nuestra sociedad que a primera vista pareciera no tener salida.
12
No creo que un honesto espectador pueda desprenderse de la realidad que Nikita Mikhalkov nos muestra. Pero no es una realidad asfixiante, sino que rescata por sobre todas las cosas, la absoluta imposibilidad de juzgar cuando las miradas están teñidas de resentimientos, racismos y prejuicios.
Vayan nueve puntos (9), para esta impecable remake de un film de antología.