Bienvenido a mi mundo

Bienvenido a mi mundo
gracias por la imagen a Germán Banchio
Mostrando entradas con la etiqueta 2011. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta 2011. Mostrar todas las entradas

viernes, 9 de marzo de 2018

Hermanos (Veljekset) (Mika Kaurismaki, 2011) 🌟🌟🌟

Inspirándose libremente en "Los hermanos Karamazov" de Fiodor Dostoyevski, el director, Mika Kaurismaki y Sami Keski-Vahala, escribieron el guión de la película. Lo curioso es que los diálogos fueron de autoría de los mismos actores, así que algo de creación colectiva tuvo forzosamente esta obra.
Como en la novela, Ivar (Kari Heiskanen) vuelve después de 20 años a la casa familiar para el festejo de los 70 años de su padre, Paavo (Esko Salminen).
De los encuentros con sus hermanos, Torsti (Pertti Sveholm) y Mitja (Timo Torikka), surgen recuerdos sórdidos de la relación de su padre con sus diferentes madres. Paavo es y ha sido un jugador y embustero empedernido, quitándole a sus hijos todos los derechos y todas las posibilidades.
Cuando la madre de Ivar fue amenazada con que iban a dañar a su hijo, decidió dejar Finlandia para radicarse en Suecia. Gracias a ese desarraigo forzoso, Ivar ha crecido como un ser dominado por la razón y sin emociones.
Mitja, casado con Katja (Lisa Kuoppamaki), es un director de cine frustrado por el poco éxito de sus películas, en las que ha dilapidado parte de la herencia de su madre. No siente verdadero amor por Katja y está enamorado de la camarera del café de la zona, Raisa (Mari Perankoski). También Paavo está enamorado de Raisa, la chica rusa como la denomina Torsti y secretamente piensa en casarse con élla.
Todos los elementos de la tragedia están sobre el tapete y la celebración del cumpleaños de Paavo va a ser trágica.
Excelentemente interpretada y dirigida magistralmente por Mika Kaurismaki, "Hermanos" es un drama que mantiene al espectador en vilo por las sucesivas vueltas de tuerca que da el argumento.
Filmada casi íntegramente en una casa de campo en Espoo, Finlandia, es muy interesante el uso que el director hace de la luz tanto en interiores como en exteriores nocturnos, en las noches blancas del ártico.
El espectador no va a sentir que ha perdido su tiempo. Si bien no es un tema que envuelva personalmente a mucha gente, los dramas que se representan pertenecen a la humanidad.
Trailer (en finés)
Siete puntos sobre diez para "Hermanos".

lunes, 23 de octubre de 2017

Bestia (Christoffer Boe, 2011) 🌟🌟🌟

El espectador que conoce ya el estilo del director, estará esperando desde el principio de la película, guiños o señales que le indiquen cuál es la verdad entre todo lo que se está viendo en la pantalla.
No le pasarán desapercibidas las miradas de locura de Bruno (un excepcional Nicolas Bro) a su esposa Maxine (Marijana Jankovic), que podrían ser miradas de un amor exacerbado.
Como sin transisión la pareja salta del enamoramiento inicial al desapego, el espectador avisado dirá, claro, esto es lo que el personaje de Bruno imagina, o bien, porqué no el de Maxine.
La pregunta será entonces, ¿quién es la "bestia" que da título al film?. ¿Maxine o Bruno?.
Hay algunas escenas truculentas que parecen escapar de la mente enferma de Bruno, pero como en todas ellas también participa Maxine, ¿podrían provenir de una esquizofrénica Maxine?.
El caracter de Bruno va evolucionando en el transcurso de la película de ser un obsesivo a transformarse en una real bestia movida por sus pasiones más primarias.
Maxine tiene un amante, es un amigo de la pareja, Valdemar (Nicolaj Lie Kaas). Bruno les envía notas a ambos que le hace escribir a un amigo del bar para que se encuentren en una habitación de hotel. Bruno se encarga de pagar la cuenta con anticipación.
Como luego no consigue ningún tipo de confesión por parte de Maxine, su ya pequeño control de sí mismo desaparece y da lugar a un sangriento animal.
Sin embargo hay una intrigante llamada telefónica a su ¿abogado? o ¿agente inmobiliario?, diciendo que quiere ceder todos los derechos de su casa a su esposa Maxine sin que élla lo conozca. ¿Cómo cierra esto con la bestia?.
El desenlace no puede ser otro. La película ha estado caminando con paso firme y preciso hacia él. Sin embargo no deja de impactar.
Excelente performance de los actores, especialmente de Nicolas Bro. La dirección es lo que se espera de Boe y son muy buenas también tanto la dirección de fotografía de Sophia Olsson como la banda de sonido incisiva y elocuente de Sylvain Chauveau.
No es un film fácil para el espectador desprevenido, que aunque no esté buscando la séptima pata del gato, se verá golpeado constantemente por la evolución de los sucesos.
Trailer en danés
Ocho puntos sobre diez para este intrigante thriller fantasmagórico de Christoffer Boe.

jueves, 26 de enero de 2017

Dios bendiga América (Bobcat Goldthwait, 2011) 🌟🌟🌟

Cuando Frank (Joel Murray) llama a la casa de su ex-mujer para confirmar que su hija va a pasar el fin de semana con él, su mujer le dice que la chica no quiere. Frank habla con su hija que a regañadientes pone en pausa el jueguito en su celular y le grita que no quiere ir a su casa porque se aburre. Y le devuelve el teléfono a su madre. Frank le dice que lo maneje de algún modo para que la chica pase el fin de semana con su padre, pero la madre o no quiere o no puede. Pero aprovecha para decirle que se va a casar nuevamnete.
Frank desanimado se va a la cama a mirar televisión y ve como en el programa "American Superstarz" le toman el pelo a un muchachito retrasado mental que lo que hace es el ridículo para festejo de los conductores. Pasa a otro canal donde están entrevistando a fans de Chloe, la estrella de un reality show, que sin pelos en la lengua insulta a sus padres frente a las cámaras. Y así, pasando de canal en canal, va revelando todo lo sucio y vergonzoso de los medios de comunicaciones. Apaga el televisor, pero no puede dormir por el llanto estrepitoso del bebé de los vecinos, así, entresueños e imaginando se ve a sí mismo bajando al departamento de los vecinos con un revolver y matando a los padres y al bebé.
Al día siguiente, al llegar a su trabajo, todos sus compañeros comentan lo ridículo del retrasado mental.
Frank se envuelve en una discusión inútil con su compañero de cubículo que lo único que sabe decir es la repetición de las frases que Frank ha escuchado a la noche en el televisor y por la radio del auto en viaje al trabajo.
El jefe lo llama a su oficina y le presenta al gerente de Recursos Humanos y le anuncian que está despedido por haberle enviado un ramo de flores a la recepcionista. Inútil es que Frank explique que lo hizo porque la vio particularmente triste ese día. La empresa no puede tolerar el acoso sexual.
En el turno con el médico, este le anuncia, mostrándoselo en su notebook, que tiene un tumor cerebral y que es absolutamente inoperable, así que dispone de unos pocos meses de vida.
A la mañana siguiente, Frank se lleva el revólver con todas las intenciones de suicidarse y de paso le roba el auto al vecino que siempre lo estaciona frente a su puerta.
Frank va a desembocar frente al colegio donde las fans de Chloe la saludan con sus grititos de taradas. Frank la observa con sus binoculares. Cuando Chloe va hacia el auto que le regalaron los padres, un modelo que no era el que élla quería, Frank la esposa al volante. Enciende un trapo empapado en alcohol y lo pone en la boca del depósito de combustible, pero el trapo se vuela y Chloe está gritando como una condenada, tanto que sus fans alertadas corren hacia el auto. Entonces Frank le pega un tiro en la cabeza.
Cuando corre hacia su auto, una adolescente lo detiene y lo felicita por lo que ha hecho, quiere que la lleve con él. La adolescente es Roxy (Tara Lynne Barr).
Juntos van a iniciar una carrera de ajusticiamientos al estilo Bonnie y Clyde.
Aunque IMDB la califica de comedia, a mi entender en esta película hay poco y nada de comedia, en todo caso se trata de una sátira brutal contra el mundo que nos toca vivir, donde como dice Frank varias veces en la película, se ha perdido el respeto y las buenas costumbres.
Con una crítica feroz a nuestro enfermo estilo de vida, Bobcat Goldthwait, autor y director, se ensaña con todas las estupideces que la gente acepta de los medios de comunicación y de los personajes públicos. Obviamente toda esta sarta de boludeces con las que nos inundan, tienen un claro objetivo político, que es el impedir que se haga la luz en la mente del rebaño.
El espectador inteligente, va a disfrutar cada instante de esta película, donde con una mordacidad sin control cada uno de los aspectos de nuestra vida diaria quedan al desnudo.
Muy bien actuada por los protagonistas y muy bien dirigida, la película tiene momentos de clímax absoluto donde todo parece desmoronarse para una mente racional.
Trailer en inglés
8 puntos sobre 10 para esta excelente película absolutamente inusual dentro del cine de USA.

martes, 18 de agosto de 2015

Infancia clandestina (Benjamín Avila, 2011) 🌟🌟🌟

"Infancia clandestina" es una historia basada en hechos reales sucedidos no hace muchos años en Argentina. Es más, el director y autor también del guión, Benjamín Avila, reconoce que está basada en su historia personal.
La vida clandestina de la familia de Juan (Ernesto en la clandestinidad) perseguida por su militancia política. Lo que la sangrienta dictadura militar tachó como terroristas ante el resto de la sociedad.
Su regreso a la Argentina desde el exilio por vías separadas. Juan (un incomparable y emotivo Teo Gutiérrez Moreno) y su hermanita bebé como hijos de otra pareja que llegan desde Brasil.
Los dejan en una esquina y allí los recoge el tío Beto (Ernesto Alterio) en su camioneta de reparto de "maní con chocolate". El los va a llevar hasta la casa donde están viviendo Horacio el padre, (Daniel en la clandestinidad) (César Troncoso) y la madre Cristina (Charo en la clandestinidad) (Natalia Oreiro).
La historia desarrolla los hechos y vivencias de Juan desde ese momento hasta el final inevitable, golpeando a la puerta de la casa de su abuela Amelia (la incomparable Cristina Banegas).
Va a pasar a través de su ingreso en la escuela, la aceptación de sus compañeros y su primer amor representado por María (Violeta Palukas).
Hay una hermosa escena filmada durante un campamento, en que Ernesto y María terminan dentro de un auto abandonado. Ernesto le ofrece maní con chocolate y María contesta que no le gusta, con lo cual toda la escena armada por el buen tío Beto sobre cómo conquistar a una mujer, se derrumba como un castillo de naipes.
La visita también clandestina de la abuela Amelia, en la cuál les pregunta que porqué regresaron al país justo en ese momento, plena represión de la dictadura militar, poniendo en riesgo no solamente a éllos mismos sino a sus nietos.
La escena es tremenda, cuando la abuela le pregunta a Cristina si es que quiere que también sus hijos sean terroristas y Cristina (una emocionante Natalia Oreiro, reclamada en la vida real como hija de desaparecidos), contesta "y porqué no militantes".
La abuela confiesa a Horacio que en realidad lo que élla tiene es mucho miedo y Horacio le dice que todos tienen miedo.
Como dice la actriz Cristina Banegas en una entrevista, "todos teníamos miedo, por nosotros, por nuestras familias y nuestros amigos y vecinos".
Esa es la realidad última que confiesa el director con su película, dedicada a su madre desaparecida durante la dictadura militar.
Pero en el fondo de los hechos y a pesar de la congoja obvia que despierta en el espectador, la película es una película de amor. Un abrazo para todos los seres vivos que han padecido y aún padecen persecuciones, torturas y muerte a causa de sus ideas.
Infancia Clandestina camino al Oscar (1ra. parte).
Infancia Clandestina camino al Oscar (2da parte)
Infancia Clandestina camino al Oscar (3ra. parte)
Infancia Clandestina camino al Oscar (4ta. parte)
Además de las excelentes actuaciones, la películas es un prodigio de narrativa sin caer en los golpes bajos. Ocho puntos sobre diez para este excelente film.


miércoles, 22 de julio de 2015

El gato desaparece (Carlos Sorín, 2011) 🌟🌟

Carlos Sorín se destaca dentro del cine argentino por la originalidad de sus guiones. Con simplicidad y economía de recursos consigue llevar a cabo excelentes espectáculos fílmicos.
En "El gato desaparece" elige una historia psicológica, de suspenso y misterio, que va a desarrollar a la perfección.
El argumento se presenta más o menos de esta manera.
Beatriz, (Beatriz Spelzini), es la mujer del profesor Luis Romero (Luis Luque) y está algo insegura y temerosa cuando lo va a buscar a la clínica neuropsiquiátrica donde ha estado internado el último tiempo luego de padecer un brote psicótico durante el cual casi mata a su alumno y ferviente admirador Fourcade (Javier Niklison).
Los doctores afirman que su enfermedad está bajo control con la medicación que le están suministrando y que por lo tanto puede volver a su casa y a sus tareas habituales.
Pero Beatriz empieza a padecer insomnio desde la primer noche que Luis pasa de regreso en su casa.
Sueños angustiantes la acosan y para colmo, el gato Donatello, luego de atacar a su dueño, desaparece de la casa.
El argumento que comienza en forma simplista y sin casi nubes en el paisaje, se va complicando y ensombreciendo.
Excelentemente bien llevado está el grado de evolución del suspenso en las relaciones entre Beatriz y Luis. El parece estar a gusto en su casa y sin la carga de stress que su dedicación a la cátedra universitaria le exige. Beatriz en la medida que transcurren las horas va incrementando su ansiedad.
Es una película divertida y amena, sin baches de interés y donde todo gira alrededor de la enfermedad de Luis y de la tensión nerviosa de Beatriz y, por supuesto, de la desaparición del gato.
El gato no vuelve a la casa y tampoco es visto por los vecinos ni por la gente del barrio.
El espectador tiene ante sí un espectáculo que lo va a satisfacer desde el principio al fin. La fotografía es excelente y la ambientación es de muy buen gusto.
Es de destacar la excelente música de Nicolás Sorín, hermano del director que habitualmente se encarga de los scores musicales de las películas de Carlos Sorín.
También hay que destacar las excelentes actuaciones tanto de Beatriz Spelzini como de Luis Luque.
Trailer
Excelentes las escenas de los sueños de Beatriz, muy bien hechas.
Siete puntos sobre diez para "El gato desaparece".


viernes, 23 de enero de 2015

Le Havre (Aki Kaurismaki, 2011) 🌟🌟🌟

La mención del Jurado Ecuménico del Festival de Cannes 2011 al otorgarle la máxima distinción a Aki Kaurismaki dice:
"Una oda a la esperanza, solidaridad y hermandad: usando una cinematografía sofisticada, Aki KAURISMÄKI nos invita a un mundo que él transforma con la magia del color, el humor de los diálogos y la humanidad de los personajes."
"Le Havre" cuenta una historia de nuestros días. Un contenedor conteniendo inmigrantes ilegales es descubierto en el puerto de Le Havre. Un chico, Idrissa (Blondin Miguel), logra escapar refugiándose en los muelles.
Allí lo encuentra Marcel Marx (André Wilms) un viejo lustrabotas que apenas vive con los centavos que logra juntar con su trabajo. Para colmo de males, Arletty (Kati Outinen), su mujer, está internada en el hospital para someterse a la terapia para el cáncer, aunque los médicos ya le han dicho que es muy difícil que sobreviva, pero ella pide que no se lo comuniquen al marido.
Por solidaridad, Marcel Marx oculta en su casita a Idrissa, en los barrios de pescadores de Le Havre.
El inspector de policía (Jean-Pierre Darroussin) sospecha o sabe que Marcel Marx tiene al chico escondido y le aconseja más de una vez que se deshaga de él.
En una historia filmada en el clásico estilo de Kaurismaki, sobrio y pobre en vocabulario pero lleno de emociones, "Le Havre" va a desarrollar este moderno cuento de milagros humanos que seguro va a conmover al espectador más duro.
El tema de los inmigrantes ilegales es un tema que perturba a toda la humanidad de sentimientos sanos y cómo son tratados por las autoridades es algo que excede las normas de los derechos humanos.
Cuando Marcel Marx le pregunta a Idrissa como es que conoce una cita literaria, Idrissa contesta, mi padre era profesor.
Las amigas del alma del barrio, Claire (Elina Salo) e Yvette (Evelyne Didi), visitan a Arletty en el hospital. La cámara muestra la tapa del libro que le están leyendo y dice "Franz Kafka".
Hay muchos signos y símbolos en la película. La perra llamada "Laika", como la primera que viajó al espacio. La solidaridad del inspector de policía que dice que su trabajo es atrapar malhechores y no cazar inmigrantes.
En el concierto show que organizan para juntar los 3000 euros que hacen falta para pagar el viaje de Idrissa a Londres, donde vive su madre, actúa Little Bob. 
En pequeños papeles van a aparecer Pierre Etaix como el doctor Becker que atiende a Arletty y Jean- Pierre Leaud, el chico de los 400 golpes, como el denunciante.
Con ese humor tan particular que se desprende de los escasos diálogos de las películas de Kaurismaki, una historia triste y sórdida se puede transformar en un cuento de milagros y esa es la virtud de esta película, devolvernos el contacto con los verdaderos sentimientos, los que nos hacen ser parte del género humano y no personajes de una telenovela.
8 puntos es mi calificación para "Le Havre", una historia de seres humanos.

martes, 16 de diciembre de 2014

Juan de los muertos (Alejandro Brugués, 2011) 🌟🌟🌟

Juan es un vago que intenta sobrevivir con pequeños negocios y que, de repente ve como ante sus ojos, en su vecindario la gente enferma de un extraño mal que la lleva a atacar a sus semejantes.
Según dice la televisión, se trata de anarco-disidentes pagados por Estados Unidos, para atacar a la sociedad cubana.
Juan (Alexis Díaz) y su amigo Lázaro (Jorge Molina), inician entonces un lucrativo negocio, "Juan de los Muertos, matamos a sus seres queridos".
Tan estrambótico argumento, perteneciente al mismo director, es inusual absolutamente en el cine cubano. Es la médula de una farsa, donde ahora los sobrevivientes intentan irse a Miami, pero para salvarse de los carniceros.
Se suman al negocio el hijo de Lázaro, Vladimir (Andros Perugorría) y la extraña pareja de La China (Jazz Vilá) y el Primo (Eliecer Ramírez) quien como se desmaya al ver sangre, ataca con una venda en los ojos.
De izquierda a derecha, La China, el Primo, Lázaro, Vladimir y Juan.
Oscilando entre lo sangriento y el humor negro, "Juan de los Muertos" es un derroche de imaginación y buenas ideas.
Las aventuras que acontecen a Juan son absolutamente creíbles y la ambientación en una ciudad de La Habana entre lúgubre y vital es impagable.
Nadie explica de dónde ha salido esta epidemia, pero se va contagiando a toda la población y está narrado fílmicamente de una manera absolutamente creíble.
Las notas sangrientas de humor macabro están perfectamente medidas para no perder el sentido de lo agradable.
Un ejercicio de creatividad manejado a la perfección por el director y por los intérpretes.
A pesar de tratarse de una coproducción con España, la historia no pierde la esencia cubana ni su matiz cultural y dilapida ingenio en cada toma.
Esta extraña historia de zombies, cuenta con un final inusual, ya que no hay ningún ejército yanqui que aniquile a los muertos vivientes como es lo habitual. Pero aseguro que el espectador no va a quedar decepcionado por el final.
Trailer
Con numerosos premios internacionales, entre éllos el del Festival de Miami, "Juan de los Muertos" es una película inusual en todo sentido, pero donde el espectador se divierte del principio al fin.
Vayan pues 8 puntos para este film cubano.

lunes, 16 de diciembre de 2013

Cafe de Flore ( Jean-Marc Vallée, 2011)

Durante los primeros veinte minutos el argumento de "Cafe de Flore", es un tanto, bastante caótico. La historia mostrada con pantallazos de realidad y recuerdos entremezclados, no se hace presente ni se vuelve una secuencia de hechos, causas y efectos. Luego la historia se empieza a ordenar y reconocemos que hay dos historias, la de Jacqueline y su hijo con síndrome de dawn, Laurent (Vanessa Paradis y Marin Gerrier) y la de Antoine Godin (Kevin Parent), felizmente casado durante veinte años con Carole (brillante actuación de Helene Florent), con dos hijas, que se enamora de Rose (Evelyne Brochu) y deja su familia y su casa para ir con Rose.
Las dos historias van evolucionando por su lado y nos queda la incógnita de en qué punto del universo escrito por el mismo director, van a confluir.
El punto de confluencia es el plato fuerte de esta película. De como se llega a descubrir esa relación entre las dos historias y lo que ese descubrimiento depara a los personajes.
Si bien, como ya dije, el comienzo del film es bastante críptico, una vez que las historias se ordenan, el guión empieza a fluir con mayor felicidad.
Está bien que el caos aporta la complejidad emotiva del que la película carece. Los sentimientos, muy importantes para el significado de esta historia, no fluyen ni aparecen en los personajes. Aún con esta sequía emotiva, las historias son lo suficientemente atrayentes como para despertar la curiosidad del espectador.
De algún modo es una historia de misterio la que se cuenta en "Café de Flore" y el misterio siempre resulta atrayente.
La fotografía es excelente, el montaje, un tanto abrupto en algunas secuencias, en general acompaña el ritmo impactante de la película.
Siete puntos sobre diez para "Café de Flore".

martes, 3 de diciembre de 2013

50/50 (Jonathan Levine, 2011)

Esta película es una inusual contribución del cine estadounidense al mundo cinematográfico. No por estilo ni lenguaje cinematográfico, que son absolutamente comunes, sino por el tema que trata.
Adam, es un muchacho de 28 años que gusta de la vida sana y trabaja con seriedad como periodista para una radio. Como tiene fuertes dolores en la espalda acude a una consulta médica. A consecuencia de los estudios radiográficos se detecta que tiene un raro tipo de tumor cancerígeno ubicado junto a la columna vertebral. El médico aconseja iniciar un tratamiento con quimioterapia y postergar la operación. Cuando Adam le pregunta cuáles son sus expectativas de curación, el médico responde, 50/50. De allí el título de esta película.
Lo que se va a desarrollar en la película es la evolución de Adam (interpretado por Joseph Gordon-Levitt, lejos ya del personaje histriónico de "3rd. rock from the sun") consigo mismo y con sus relaciones.
Su pareja, Rachael (Bryce Dallas-Howard), que promete que se va a quedar a su lado y lo cumple mientras puede. Su mejor amigo (Seth Rogen), del que el argumento nos lleva a dudar de su verdadera amistad todo el tiempo, ya que lo muestra con Adam para compartir su marihuana medicinal y para conquistas utilizando el latiguillo de "tengo cáncer". Su madre (Anjelica Houston) que vive dedicada a cuidar a su marido que padece un Alzheimer avanzado. Y por último, su terapeuta, una psicóloga en entrenamiento, Katherine (Anna Kendrick), que también hace lo mejor que puede para ayudar a Adam.
El guión está perfectamente logrado para no necesitar de flash-backs ni de pesadillas ni de fantasías. Adam, después de todo, es un muchacho absolutamente normal a quien el cáncer tomó desprevenidamente.
Sin golpes bajos, sin necesidad de frases de auto-ayuda, la película nos guía en la evolución de la aceptación o no, de Adam, del curso de su enfermedad.
Muy bien actuada, con música muy agradable y dejando que las emociones afloren normalmente en el espectador como consecuencia de las imagenes más que de los textos.
Recomiendo esta película para quien quiera disfrutar de un ameno espectáculo que, si bien no se caracteriza por su profundidad, sí lo hace por la naturalidad con que los hechos son presentados.
50/50
Siete puntos para una comedia de hechos cotidianos no de todos los días.

miércoles, 20 de noviembre de 2013

Elena (Andrei Zvyagintsev, 2011)

Ante todo hay que destacar la perfección con que ha sido realizada esta película. La fotografía, los tiempos y su ritmo, las actuaciones, la dirección de cámara y de los actores y la música.
La primera escena nos deja ver una casa de alto nivel adquisitivo y como está amaneciendo a través de las ramas de un árbol. Ya esta primera escena nos llena de maravilla.
Y luego nos iremos adentrando en la historia de Elena magníficamente interpretada por Nadeshda Markina. Una mujer mayor, que fue enfermera y atendió a su actual marido, Volodya (Andrei Smirnov) cuando sufrió una intervención por peritonitis y hace ya 3 años que se han casado.
Para Elena su mayor preocupación es la familia de su hijo Sergei (Aleksei Rosin) y su manutención. Sergei no tiene trabajo así que Elena lo mantiene, a él y a su familia, con su jubilación. También hace algunos gastos extra con su tarjeta de crédito, que son pagados sin saberlo por Volodya.
Volodya no ve con buenos ojos ese comportamiento de parásitos de Sergei y su familia. Pero Elena le reprocha que él no mira la conducta abandonada de su hija Tatyana (Evgeniya Konushkina).
Ahora la preocupación de Sergei es que Volodya les preste dinero para conseguir librar a su hijo de 17 años del servicio militar, ya que es un riesgo enviar a un chico al ejército.
Elena lo habla con Volodya, pero él sostiene que debería ser preocupación de su padre liberar a su hijo del servicio militar y que es lo mejor que le podría pasar.
Estos son los términos del planteo de conductas entre los personajes de Elena.
Volodya sufre un ataque cardíaco y queda dependiendo de su mujer. Elena va a una iglesia a poner velas al santo que intercede por la salud de los enfermos.
Cuando Volodya vuelve a su casa, Elena vuelve a preguntar por el pedido de Sergei y ahí nos enteramos que ya le debe dinero que pidió y nunca devolvió.
Todo esto desata el conflicto que Elena resuelve con frialdad.
El planteo de las escenas es formalmente perfecto. La música, que nos prepara para el ataque cardíaco de Volodya y para los restantes momentos de tensión de la película, es del magistral Philip Glass. Es curioso encontrar su música en una película de origen ruso, pero es única para realzar la dramatización de una imagen pobre en sentimientos.
A la conclusión de la película nos preguntaremos si ese es el pobre estado actual de la situación social en Rusia, resultado del liberalismo para la población en general.
Diez puntos para "Elena", una genial obra maestra de este nuevo director ruso.
Trailer con la música de Philip Glass.

sábado, 7 de septiembre de 2013

Memoria de mis putas tristes (Henning Carlsen, 2011)

Es una tarea bastante complicada trasladar al cine una obra de Gabriel García Márquez. Probablemente esto se deba a que su estilo literario es tan descriptivo de emociones y sensaciones que deja una impronta en la memoria que es muy difícil de llenar y/o reemplazar por una imagen cinematográfica.
Hay algunos casos que han sido de antología como "El coronel no tiene quien le escriba" en la versión de Arturo Ripstein. Este caso no es de antología, pero hay que reconocer que se acerca bastante a la verdad literaria.
Evidentemente los personajes de García Márquez son más universales de lo que creemos los latinoamericanos, sino no se puede entender cómo un director danés, puede acercarse a su magia con tanta delicadeza y sagacidad.
Tampoco es comprensible como el personaje de Rosa Cabarcas, la regenta del prostíbulo del pueblo, pueda ser encarnado por Geraldine Chaplin. No hay personalidad más lejana a lo que uno imagina de Rosa Cabarcas que la de Geraldine Chaplin. Sin embargo, de algún modo, por alguno de esos misterios de la raza humana, resulta absolutamente creíble. Y no es una Rosa Cabarcas made in Holywood. Es una Rosa Cabarcas medio extraña, nada que ver con la madama caribeña rellenita y pesada, porque Geraldine es flaca y afilada como un cuchillo. Sin embargo por los ojos de Geraldine Chaplin se filtra la esencia de García Márquez y es casi más convincente élla que Emilio Echevarría, quien, de todos modos y por donde se lo mire, hace una caracterización hermosa y perfecta.
También es muy interesante que el personaje de la puta Casilda Armenia, sea encarnado por Angela Molina, en la edad adulta y por su hija, Ofelia Molina, cuando joven.
También el personaje de la Niña, encarnado por Alejandra Barros es absolutamente creíble y contribuye a recrear esta historia mitad ensueño y mitad fábula, con todo el realismo mágico de García Márquez haciendo gala de presencia.
En fin que la película da en el clavo en un 80% y eso es mucho decir cuando de García Márquez se trata.
Es entretenida, las imagenes vagan entre vahos de siesta debido a un uso de la fotografía excelente y todo el resto es lo adecuado. Probablemente quien ame las películas de acción la encuentre lenta, pero es que no es para nada una película de acción.
Tampoco es una película romántica, aunque la palabra clave en toda la película es el amor que este hombre "El Sabio", jamás ha experimentado.
Vayan 8 puntos muy bien ganados por un director danés recreando a García Márquez.

lunes, 10 de junio de 2013

Las flores de la guerra (Zhang Yimou, 2011) 🌟🌟🌟🌟

La guerra es el compendio del daño que el ser humano puede llegar a hacer a sus semejantes. Utilizando como excusa casi cualquier cosa, se mata, se viola, se lastima, se somete, se humilla, se destruye, se persigue.
"Las flores de la guerra" se basa en una novela de un autor chino, Geling Yan, que describe los hechos de espanto que sucedieron en la segunda guerra mundial durante la toma de Nankín en 1937 por parte del ejército japonés.
Yimou no escatima silencios sobre estos hechos, los muestra crudos y violentos, pero al mismo tiempo envuelve toda la historia en una atmósfera melancólica, al narrarlos desde el presente.
Es muy dificultoso no sufrir con esta historia acerca de una misión católica en Nankín a donde llega un sepulturero para hacer las honras fúnebres del sacerdote a cargo de la misión y se encuentra con una ciudad devastada y con que el cadaver del sacerdote se ha pulverizado a causa del bombardeo. En la misión solo quedan las pupilas, adolescentes aterrorizadas a cargo del hijo adoptivo del sacerdote, otro niño jugando su realidad.
Para complicar la situación, un grupo de prostitutas huyendo de los bombardeos, deja el burdel y se refugia también en la misión.
El sepulturero es encarnado por Christian Bale, una atinada elección de Yimou, ya que saca su papel adelante a la perfección. No conozco al grupo de actrices chinas que interpretan a las pupilas y a las prostitutas, pero son todas excelentes. Probablemente Ni Ni, quien encarna a la prostituta Mo, sea quien más se destaca.
Zhang Yimou crece un poco más en mi estima con esta película tan desesperada acerca de las "flores" de la guerra y consigue, sin perder su línea exenta por completo de golpes bajos, construir una película estremecedora. Es bastante difícil verla sin ceder a la tentación de evitarla.
Pero por sobre todas estas cosas, crea una saga de increíble belleza y emoción.
Creo que se merece 9 puntos sobre los 10 en cuestión.

martes, 22 de enero de 2013

Profesor Lazhar (Philippe Falardeau, 2011)

El origen de esta película es canadiense y para ser más exactos, quebecois. Lo que significa que pertenece a la comunidad cultural canadiense de habla francesa que tantas buenas películas ha hecho.
Hay algo en común entre las películas de Denys Arcand (mi más admirado director de cine quebecois, "Las invasiones bárbaras" y tantas otras) y esta película y es una crítica profunda a esa sociedad que ha avanzado tanto en normas sociales y ha legislado tanto sobre lo que se puede o no hacer que ha dejado a la gente atada de pies y manos.
En "Las invasiones bárbaras" eran las salas de hospital vacías porque el sindicato no había autorizado su uso. En "Profesor Lazhar" es la condena que sufren los maestros por tocar a un alumno, aunque estuviera llorando nada más. Toda la película es un grito de reclamo a esta sociedad tan rígidamente socialista que no permite el más mínimo contacto físico entre los maestros y sus alumnos. Dice el profesor de gimnasia que los chicos podrían estar practicando el salto al caballete pero no lo hacen porque no los puede tocar.
Entonces qué sucede cuando una maestra se suicida ahorcándose en el aula y el maestro que la reemplaza, nuestro profesor Lazhar, es un argelino que llega a Canadá como refugiado, escapando de una persecución política.
Ni más ni menos todo esto es lo que trata la película y lo hace desde un nivel de calidad muy alto. No hay desperdicio. Quizás algunos personajes sin futuro en el desarrollo de la trama, pero no molestan.
Es el llanto de angustia de una humanidad que, o muere aplastada por dictaduras fascistas o cae presa de socialismos burocráticos que impiden todo movimiento porque puede ser segregacionista o culposo.
Diez puntos para "Profesor Lazhar". No sé si se estrenó en Argentina, pero seguro que en los video-clubes está. No dejen de verla si les interesa la humanidad.

viernes, 4 de enero de 2013

Las Razones del Corazón (Arturo Ripstein, 2011)

Arturo Ripstein es sin lugar a dudas, el director de cine mexicano más prolífico de la actualidad. Viene filmando desde hace 20 años alrededor de una película por año y todas de una excelente calidad. Claro está que no pertenece a los directores mexicanos que filman en Holywood como Alfonso Cuarón ("Grandes esperanzas" y "Harry Potter xx") ni a los que tienen el ojo puesto en Cannes como Alejandro González Iñárritu ("Babel" y "Biutiful") y Carlos Reygadas ("Japón" y "Luz silenciosa"). Arturo Ripstein es un ejemplo del cine de autor.
Ripstein filma coproducciones con España y con eso logra películas de un nivel inmejorable desde un punto de vista técnico pero que siguen manteniendo su sello.
Ripstein junta su equipo cada vez, Paz Alicia Garcíadiego (su mujer) que escribe los guiones, sus hijos que siempre de algo se encargan, David Mansfield haciendo la música, actores como Patricia Reyes Espíndola que si no me equivoco ha actuado en todas sus películas y con eso consigue que sus películas mantengan su estilo que, aunque heredado de Luis Buñuel (se inició como asistente en "El ángel exterminador"), es absolutamente propio.
Las películas de Arturo Ripstein son melodramas con todas las de la ley que presentan personajes marginados o bien que van marginándose poco a poco. Escuché de mucha gente que le molestan las películas de Ripstein. Como el caso de "Profundo carmesí" y sus asesinos seriales o "La tía Alejandra" y la brujería.
Los nombres lo dicen todo: "La mujer del puerto", "La virgen de la lujuria", "El lugar sin límites", "La perdición de los hombres" o "Carnaval de Sodoma".
En este caso Arturo Ripstein encara a la famosa Madame Bovary de Flaubert para hacer una adaptación a nuestros días. Entonces logra una vez más contar su historia favorita, como personajes de la clase media caen en la total marginación y todo eso producto del "amour fou", el amor loco, que no tiene barreras y lleva a la destrucción.
Extrañamente elige el blanco y negro para filmar. Tal vez para quitarse la tentación de llenar de rojos, púrpuras y bermellones la pantalla. La historia, tremenda en sí, está bastante aligerada por el ritmo que le imprime a los personajes, sobre todo al de Emilia (Arcelia Ramírez) que es quien sostiene todo el tiempo la acción.
Y a pesar del arrastre a la perdición no es una película que arrastre al espectador. No hay ni la menor compasión por el personaje, que se muestra, tal como dice el título de la película, obedeciendo a las "razones del corazón".
Le doy 8 puntos de 10.

viernes, 28 de diciembre de 2012

Coriolano (Ralph Fiennes, 2011)

Creo que todos los buenos actores ingleses sueñan con dirigir alguna vez una puesta de Shakespeare.
Ralph Fiennes no es la excepción. Y elige "Coriolano", una obra para mí muy poco conocida donde ya están todos los leitmotif de los dramas de Shakespeare.
La tragedia es de tipo política y envuelve a militares y cónsules, a senadores y madres de militares. La saga está totalmente fuera de lo trillado y cuando uno espera "aquí, aquí está el mensaje" todo se da vuelta y lo que podía ser heroísmo se vuelve traición y lo que podía ser fidelidad es abandono.
No hay héroes ni malvados y el que a uno le parece está actuando como héroe resulta que lo hace con toda maldad y viceversa.
La dirección es de Ralph Fiennes y elige para los papeles principales, a Gerard Butler (P.S. I love you), Brian Cox, Vanessa Redgrave (la gran Vanessa genial como no la veía desde "Las Troyanas") y Jessica Chastain (El árbol de la vida) y bueno, a sí mismo como el Coriolano que da nombre a la obra.
Como buena tragedia de Shakespeare no son muy claras las aguas al principio, las idas y vueltas nos confunden, pero los principales caracteres quedan delineados. Está muy bien armada la trama política. Como se pueden tergiversar los hechos y las palabras lanzando consignas emponzoñadas a la muchedumbre. Y por último, como el pobre pueblo (pobre por ser utilizado aún contra su propia conveniencia y pobre por debilidad mental), cambia de opinión según lo último que escucha.
La realización es impecable. Hay muchas escenas de guerra, que si bien tienen que ver con la historia, no aportan intensidad ni dramatismo, sino solamente sangre. Tal vez fuera esa la intención de Ralph Fiennes.
Por último, la obra se mantiene tal cual. Todo sucede en Roma. Pero como en la versión de "Ricardo III" los tiempos son los actuales. Es muy curioso como la transposición de los personajes shakespirianos a nuestros días los carga de significados. Es probable que en realidad los significados sean siempre evidentes y se vuelvan más patentes con una puesta en escena actual.
Sí sé que una buena puesta en escena permite que estos significados queden expuestos y es lo que Ralph Fiennes consigue.
Mi calificación es de 7 sobre 10. Excelente versión inglesa de una obra de Shakespeare.

sábado, 22 de diciembre de 2012

Vals de amor (Take this waltz) (Sarah Polley, 2011)

Conocí a Sarah Polley por su actuación en la película "La vida secreta de las palabras" de la española Isabel Coixet. Allí, en un papel secundario aparecía Julie Christie y Sarah Polley le propuso protagonizar la película que tenía en preparación.
La película se llamó "Lejos de élla", (Away from her) y tanto Sarah como Julie obtuvieron innumerables premios internacionales por un film donde se veía como una mujer se va perdiendo en las telarañas del Alzheimer.
Pasaron cinco años hasta que Sarah Polley volviera a filmar.
En "Vals de amor" analiza, casi diría hace una vivisección del personaje de Margo.
Margo es una mujer joven, felizmente casada y por su vida se cruza otro hombre del que se enamora.
¿Qué es lo que hay en el interior de Margo?, ¿cómo vive cada situación? es algo magníficamente planteado en la película y maravillosamente actuado por Michelle Williams.
Michelle Williams fue la mujer de Heath Ledger y su nombre empezó a ser conocido después que con Heath Ledger interpretaran "Secreto en la montaña" (Brokeback mountain). También se hizo conocida al  interpretar a Marilyn en "Mi semana con Marilyn".
Además de ser una mujer profundamente sensual, desprende emotividad por todos los poros. De esta manera cualquiera de las situaciones por las que su personaje pasa en la película se llena de contenidos.
Párrafo aparte merecen los intérpretes del lado masculino del triángulo. Tanto Seth Rogen como Luke Kirby aportan lo suyo para transformar esta película en una comedia de la vida donde no hay lágrimas para llorar, sino situaciones para entender y seres humanos para comprender.
Mi calificación es de 8 puntos sobre 10. Muy buena película que hasta donde sé, no se estrenó en Argentina. Siempre se está a tiempo para que algún distribuidor se de cuenta del diamante que podría tener entre manos.

domingo, 16 de diciembre de 2012

La Delicadeza (David y Stephane Foenkinos, 2011)

Los hermanos David y Stephane Foenkinos hicieron esta película tal como su título lo indica, con delicadeza. Sobre una novela de David, construyeron esta muy agradable película en torno al personaje que encarna Audrey Tatou (la eterna Amelie) y el devenir de sus amores. Y el resultado, si bien no se puede decir que sea sorprendente, es lo suficiente para disfrutar de una buena película.
No hay grandes altibajos en su transcurrir pero las actuaciones de los dos intérpretes principales son dignas de elogio. En el caso de Audrey Tatou no es una sorpresa, porque todo lo que he visto con élla siempre lo hace bien, pero hay que mencionar la estupenda actuación de Francois Damiens. Sin sus gestos y movimientos la película no sorprendería demasiado.
Es su personaje quien justamente encarna el significado del título de la película.
También hay que mencionar las hermosas canciones escritas e interpretadas por Emilie Simon.
Como en toda película francesa vemos como la filosofía de los matices de la vida cotidiana desfilan uno tras otro sin ser forzados. Cada personaje es un caracter en sí mismo y no hay manera de encasillarlos en definiciones estáticas porque están en movimiento continuo, exactamente tal como sucede en la vida real.
Sobre 10 puntos esta película se lleva un 8. No es la súper película, pero si la ven van a disfrutarla del principio al fin. Está actualmente en cartelera en Buenos Aires, no se la pierdan.

martes, 11 de diciembre de 2012

Y si vivimos todos juntos (Stephane Robelin, 2011)

Muy agradable y melancólica película francesa. 5 amigos deciden que la mejor forma de pasar los días que les quedan de vida es viviendo juntos. Una manera de no estar solos y de evitar los siempre odiosos geriátricos que para los fines de la película resultan más parecidos a hospitales en lugar de casas.
Pero claro, la película está contada al estilo francés, entonces son las pequeñas cosas las que condimentan el plato.
Pierre Richard en una actuación memorable es el que padece un comienzo de Alzheimer y permite con sus conductas de olvidos que las situaciones más disparatadas se den durante la convivencia.
Las damas son nada más y nada menos que Geraldine Chaplin y Jane Fonda y cada una en su estilo personifican dos tipos distintas de abuelas.
Claude Rich es el mujeriego. Que sea viejito no quiere decir que no tenga aún hambre sexual y lo pone en marcha.
Guy Bedos es el militante. El defiende todas las causas de injusticia y abandono. No es casual que la película comience con un locutor en la radio comentando la desesperada situación económica que vive Francia.
No les voy a contar el final. Van a tener que verla si quieren saber cuál es el desenlace de la convivencia. Les aseguro que no van a olvidar el final.
Mi calificación es de nueve sobre diez puntos. Si bien no es una película de arte, es una excelente película que creo que a nadie va a dejar decepcionado, si es que alguna vez se estrena en Argentina.

miércoles, 21 de noviembre de 2012

Sentido perfecto (David Mackenzie, 2011)

"Perfect sense", es una película inglesa filmada en Glasgow y en la que uno de los primeros placeres es escuchar el acento escocés de los intérpretes. Es una película apocalíptica en modo cabal y quizás, por la misma razón, es una película muy romántica.
Una extraña epidemia se va extendiendo sobre la población del mundo y los síntomas son emotivos, pero los  efectos afectan a los sentidos. Creo que de allí viene lo de "Sentido perfecto". 
Es muy interesante como la relación entre los personajes interpretados por Eva Green (¡eeepa!) y Ewan McGregor (¡eeepa!) se va haciendo desde nada, porque aquí no hay amor a primera vista sino que más bien hay la necesidad de dos seres que se amparan uno en el otro frente a la amenaza en ciernes.
La dirección es correcta, pero por sobre todo vale la pena destacar los efectos que la enfermedad causa sobre la población, tan bien dibujados con muy pocos apuntes cinematográficos. 
No voy a contar el final porque ya no tendría sentido verla. A mi parecer es una película 8 creciente sobre diez. Digo 8 creciente, porque a medida que recuerdo escenas mejor me parece compuesta.
También es de tener en cuenta la excelente fotografía y la puesta en escena. La cocina del restaurant es un derroche de detalles y sutiles mensajes.
Pero lo importante a tener en cuenta es como dos seres pueden ampararse para seguir adelante frente a cada adversidad.