Hana y Alice (Shunji Iwai, 2004) 🌟🌟🌟🌟

Esta es una extraordinaria comedia poética del director Shunji Iwai. El guión, escrito por él mismo se basa en un corto que había filmado con anterioridad, pero todo brota de su misma imaginación. Cuenta la historia de unos días después de terminadas las clases, en la vida de dos adolescentes quinceañeras, Hana (Anne Suzuki) y Alice (o Arisu en japonés) (Yu Aoi), pero lo que es excepcional del guión y de la película, es que las presenta tal como dos quinceañeras deberían ser. Sus ideas, sus comportamientos, sus gustos. Todo está perfectamente delineado en la película.
Durante las 2 horas y 15 minutos que dura la película, el espectador va a asistir a toda clase de situaciones que se presentan en la vida de dos adolescentes. Por ejemplo, enamorarse del mismo muchacho, Masashi Miyamoto (Tamahiro Kaku) y las mentiras que construyen casi un universo paralelo para convencer al muchacho que está enamorado de éllas.
Sus experiencias en las clases de ballet y en el mundo de la publicidad, al que Alice quiere incorporarse.
Todo esto actuado y dicho con todo desparpajo, como la madre de Alice y su "novio". O como su padre que le regala en una escena hilarante, una lapicera estilográfica, que él sabe que no va a usar, pero que si la guarda adecuadamente, cuando la vea, va a recordar a su padre.
Lo esencial de la historia, para el director, va a ser realmente inexplicable, pero si el espectador realmente capta escena por escena, diálogo por diálogo, la verdad de la vida en toda su poesía va a explotar con alegría en su corazón.
Trailer en japonés.
La audición de Alice (subtitulada en inglés)
Nueve puntos sobre diez para esta deliciosa realización de Shunji Iwai que el espectador va a disfrutar em toda su bella inocencia,

Place Publique (Llenos de vida) (Agnes Jaoui, 2018) 🌟🌟🌟🌟🌟

Agnes Jaoui es una de mis realizadoras favoritas. El estilo de su cine, como el de Danielle Thompson, responde a los cánones que sentaron Robert Altman y Alain Resnais para los films corales.
Los films corales tienen como norma contar con espléndidos guiones donde el rol principal va saltando de uno a otro de los personajes, con historias diferentes que normalmente se entrecruzan para semejar la vida real donde, como abejas en una colmena, cada individuo va tejiendo su propia red, muchas veces con ayuda o en detrimento de la de su vecino.
En "Place Publique" (he decidido utilizar el título original ya que el español, "Llenos de vida", me parece deprimente), los autores del guión, Jean-Pierre Bacri y Agnes Jaoui, llevan su estilo al paroxismo del delirio, donde los dardos hacia nuestra cultura burguesa, cruzan la pantalla de lado a lado hasta dejarla más agujereada que un queso.
Nathalie (Lea Drucker) acaba de mudarse de Paris a una encantadora villa de la campiña y lo celebra con una gran fiesta donde están todos invitados. Ella es productora de programas para la radio y la televisión y por lo tanto muchos de los invitados son artistas conocidos. También por supuesto, invita al socio de su programa más exitoso, Castro (Jean-Pierre Bacri) quien llega en su auto conducido por su chofer, Manu (Kevin Azais). Castro es simplemente inaguantable. Es por esa razón que su ex-mujer, Helene (Agnes Jaoui), hermana de Nathalie, viene riéndose por el camino de una entrevista radial donde Castro opina sobre el nuevo libro de su hija Nina (Nina Meurisse) y sobre los conflictos con la edad. Helene viaja con su pareja Vincent (Eric Viellard). Vincent se va a pasar toda la película presionando a Helene para que le diga a Castro que ella chocó su auto al estacionar.
La pareja de Castro, Vanessa (Helena Noguerra), es una mujer joven algo cansada de los celos y persecuciones de Castro. A todo esto, Samantha (Sarah Succo), contratada como camarera, se va a pasar toda la noche tomando fotos y grabando videos que luego subirá a Internet.
Impecablemente filmada, con un ritmo delicioso, esta película no cansa ni aburre. Puede ser que haya espectadores para los cuales el fino humor de la pareja Bacri-Jaoui no sea suficiente estímulo para disfrutar de la película. Queda la maravillosa fotografía y una banda de sonido espléndida, donde teniendo como excusa la fiesta, desfila una colección de hermosos temas, además de los interpretados en el film.
Las actuaciones son espléndidas y deduzco que se deben haber divertido mucho, mucho, haciendo esta película.
Trailer (subtítulos en portugués)
Diez puntos sobre diez para una deliciosa película que bien vale la pena disfrutar más de una vez.

La esposa (Bjorn Runge, 2017) 🌟🌟🌟

Sobre la novela de Meg Wolitzer del mismo título, Jane Anderson escribe un magnífico guión para esta interesante película donde se cuestiona la autenticidad de un escritor.
Pese a ser la historia ya bastante conocida, Joe Castleman (Jonathan Pryce) es premiado por la academia de Ciencias sueca con el premio Nóbel de literatura, pero resulta que la verdadera autora de los escritos es su esposa, Joan Castleman (Glenn Close), al estar la película construída en círculos alrededor de la vida de ambos, el espectador queda subyugado por la trama e intrigado por el posible desenlace de la historia.
Cabe aclarar que el mayor mérito del director sueco Bjorn Runge, es haber contado con esta pareja magnífica de actores. En particular, la performance de Glenn Glose es para celebrar con fuegos artificiales. Jonathan Pryce desempeña su habitual personaje de hombre-artista desmedido, por lo que resulta como ya conocido al espectador.
Un tercer personaje es el de Nataniel Bone (Christian Slater) quien funciona un poco como la bisagra detonadora del conflicto, al sospechar que la verdadera autora de los libros es Joan y no Joe, pero al no tener vida propia dentro del guión, resulta desganado y hasta evidente para los fines del guión.
También el personaje del hijo David (Max Irons) no tiene un mayor objetivo en la historia que la de rellenar la vida familiar de los Castleman.
Dejando estos errores de lado, la película es amena e interesante para disfrutar de buen cine.
Trailer subtitulado en castellano
Ocho puntos sobre diez es mi puntuación para "La esposa" o "La buena esposa" como también la han denominado y un premio especial para Glenn Close por su magnífica actuación.

La gaviota (Michael Mayer, 2018) 🌟🌟🌟🌟🌟

"La gaviota" es en mi apreciación, una de las obras de teatro más sensitivas y emotivas de Anton Chejov. Escrita a fines del siglo XIX, aún conserva todos los atributos de humanidad que hicieron de este autor teatral el favorito de todos los públicos.
No es tarea fácil encarar la adaptación al plano cinematográfico de una obra de teatro de tal porte.
Una solución sería hacer teatro filmado, o bien una película teatral, sin embargo el director Michael Mayer consigue lo que parecería casi una utopía. Trasladar la obra más conocida de Chejov, sin hacerla perder ni un minuto de contenido, a un desarrollo fílmico, donde no sólo se obtienen los recursos del movimiento de cámaras y diferentes planos, sino que hasta las situaciones adquieren nuevas dimensiones para el espectador. Este es un éxito merecido del autor del guión cinematográfico, Stephen Karam.
Uno de los grandes atributos de esta película reside en el maravilloso casting realizado por Jim Carnahan. Contar con la pareja de "En una playa de Chesil", Saoirse Ronan como Nina y Billy Howle como Konstantin, aporta casi un 40% al suceso de esta película.
Siendo el personaje de Nina el más tierno y melancólico personaje que se haya jamás escrito, corporizarlo en la maravillosa Saoirse Ronan es todo un lujo que no volveremos a ver y lo está diciendo un ferviente enamorado de Vanessa Redgrave quien personificó a Nina en la escelente versión de Sidney Lumet.
Por otra parte no se puede hablar del elenco sin mencionar a la exquisita Annette Bening, quien podría dar lecciones de actuación a las actrices de su generación, como Irina, la egoísta y sensitiva madre de Konstantin.
Pero también inolvidable es la actuación de la genial Elizabeth Moss como Masha. Masha es un personaje turbio, oscuro y hasta casi desagradable. Elizabeth Moss sabe trasladarle todos los claroscuros y matices de un personaje totalmente humano.
Corey Stoll, a quien recordamos de "House of cards" como Boris, el responsable de la tragedia y Brian Dennehy el arquitecto de la inolvidable película de Peter Greenaway como Sorin, el hermano de Irina.
Así que al director no solo se le debe reconocer por haber traído una vez más a Chejov al mundo del cine, sino por hacerlo en compañía de tales exquisitos intérpretes.
Excelente la fotografía de Matthew J. Lloyd en todo momento, tanto en interiores, como en exteriores diurnos y nocturnos.
Una especial mención requiere la puesta en escena de la trágica obra de Konstantin. Es a la vez trágica y mágica. Creo que nunca, en las veces que he contemplado esta obra, me ha llegado con tal intensidad y complejidad un texto que parece escrito para los siglos que todavía han de venir.
Trailer comentado en castellano
Es accesorio decir que mi valuación es de 10 puntos sobre diez. Espero que los espectadores disfruten de esta película tanto como yo lo he hecho.

A las cinco de la tarde (Panj e asr) (Samira Makhmalbaf, 2003) 🌟🌟🌟🌟🌟

En un Afghanistán en ruinas, devastado por los bombardeos norteamericanos, Nogreh (Agheleh Rezaie), una joven de 20 años, contrariando la voluntad de su padre (Abdolgani Yousefrazi), un anciano conservador al que le arrancaron su hijo para llevarlo a la guerra y al que solo le quedan su hija y su nuera Leylomah (Marzieh Amiri) con su nietita, asiste a escondidas a la escuela para mujeres, prohibida por los talibanes.
En una de las primeras clases la instructora pide que alcen las manos quienes quieran ser maestras, luego quienes quieran ser ingenieras, quienes quieran ser doctoras en medicina y finalmente cuando pregunta por quienes quieren ser presidentas, Nogreh es una de las que alza la mano.
Durante el debate, una de sus compañeras se burla de las que aspiran a ser presidente. Si en todo el mundo no hay mujeres presidentas. Le retrucan que en India, Indira Ghandi fue un buen tiempo primera ministra del país y que en esos días en Pakistán también hay una mujer presidente.
Nogreh quiere conseguir discursos de la presidenta paquistaní y le pide a un conocido que la sigue a todas partes (Razi Mohebi) que le consiga uno. Cuando pregunta a las mujeres refugiadas paquistaníes, le contestan que no conocen al presidente y que en todo caso, como son analfabetas, no podrían leerlo.
Toda la película es un descenso al infierno en la involución de nuestra sociedad contemporánea, presentandonos el caso de Afghanistán, como ejemplo de destrucción y saqueo.
En su huída al desierto, la familia se cruza con otro anciano cuya mula está agonizando. En la conversación entre el anciano y el padre, el anciano dice:
"Los americanos invadieron Afganistán, Bin Laden y Mola Omar escaparon. Kabul es blasfema. Como si- Dios no lo permita- Dios estuviera muerto. La rabia de Dios ha descendido. Kabul está cerca de ser devorada y todas las personas enterradas a la vez. Todo el pueblo es blasfemo. Como si Dios se hubiese vuelto profano."
Lo que la directora nos muestra, es el requiem por una civilización perdida y lo hace excelentemente.
Trailer con subtítulos en inglés
No hace falta agregar más palabras. Esta película ganó el gran premio del jurado en Cannes, año 2003. Diez puntos sobre los diez posibles de mi calificación para esta obra maestra de la filosofía social.

Por tu culpa (Anahí Berneri, 2010) 🌟🌟🌟🌟

Anahí Berneri es responsable junto con Sergio Wolf del guión de esta pequeña pieza de humanidad.
Julieta (la magnífica Erica Rivas) está en su casa tratando de terminar su trabajo mientras sus hijos Valentín (Zenón Galán) de 8 años y Teo (Nicasio Galán) de 2 años, hacen lo imposible por trastocar los límites del hogar. Esa noche el padre, Guillermo (Rubén Viani) no ha cumplido con la responsabilidad de ocuparse de los hijos debido a un retraso en el vuelo que lo trae de regreso a Buenos Aires.
El colmo de la situación para Julieta es cuando ella, que está intentando terminar su trabajo, recibe el llamado de su marido preguntando como es que los chicos aún no están en la cama y que le sugiere que los lleve a la casa de su madre. Mientras los chicos juegan a la lucha libre sobre la cama de Julieta montados en un autito electrónico del que los dos intentan tener el control. Lo inevitable sucede y Teo cae al piso para desesperación de Julieta, quien decide llevarlo a una clínica para que lo controlen. Pero todo se transformará en una pesadilla.
A través de las diferentes situaciones por las que transita Julieta, su marido, los médicos de la clínica y hasta el principal de una comisaría, los guionistas despliegan su objetivo que es la demostración sine qua non, de como la mujer es objeto de la manipulación masculina.
Todo esto sin una sola palabra de acentuación feminista, son los simples hechos los que trasladan al espectador a esta inevitable conclusión. El eterno sometimiento femenino es demostrado paso a paso en cada momento de la película. Contribuye la fabulosa actuación de Erica Rivas quien deja percibir todo el dolor y la frustración de una mujer rodeada por un mundo de hombres.
Extraordinaria la realización de Anahí Berneri. Ninguno de los casi 90 minutos sobra y el espectador va a tener que presenciar esta especie de drama cotidiano con la pequeñez de los detalles que vistos de otra manera cobran una enorme representatividad.
Todo lo que Julieta obtiene es compasión. No hay amor conyugal ni filial, ni sentimientos de comprensión por parte de los otros personajes. Las conclusiones del marido son terminantes para la victimización de Julieta.
Obligatoria para ser vista por todos aquellos que aún pretenden que no existe la diferencia de trato con respecto a las mujeres.
Trailer
Ocho puntos sobre diez para esta excelente producción del cine argentino.

Hannah Gadsby: Nanette (Jon Olb y Madeleine Perry, 2018) 🌟🌟🌟🌟🌟

Una muy buena idea de Netflix. Programar presentaciones en vivo de grandes comediantes. En este caso se trata de Hannah Gadsby, comediante australiana, con mayor precisión, de Tasmania, en su presentación en Melbourne.
Dispuesto a ver los parlamentos del personaje, Nanette, ya que la misma Hannah declara al comienzo que se inspiró en una mujer de la biblioteca. Pero Nanette pronto desaparecerá para dar lugar a la misma Hannah y sus relatos de experiencias vitales de una mujer lesbiana.
Lo que se presenta como una serie de gags, va madurando y tomando forma de la disertación más portentosa que haya visto en mucho tiempo.
Sus experiencias de cuando le contó a su madre que era homosexual y como no se lo pudo contar a su abuela, son para reir con ganas y luego para meditar con produnda humanidad.
Como licenciada en historia del arte, hace muchas referencias al mundo artístico y en especial al mundo de Vincent Van Gogh y al de Pablo Picasso.
No hay escenografía, es solamente ella sobre el escenario desnudo y su monólogo tremendo donde deja muy mal parado al "hombre blanco heterosexual", como denomina de manera despectiva al mal bicho que maneja nuestra sociedad.
Dejo al espectador que lo escuche por sí mismo y que respire esa bocanada de aire fresco que nos ofrece la libertad de Hannah Gadsby.
Trailer en inglés
Reseña en mexicano
Diez puntos sobre diez para este show donde tanto se menciona al "hombre blanco heterosexual" como a Pablo Picasso.