El Peral Silvestre (Ahlat Agaci) (Nuri Bilge Ceylan, 2018) ⭐⭐⭐⭐⭐

La trayectoria fílmica de este gran director turco es brillante. Si "Sueños de invierno" fue a mi entender, la mejor película que había visto en mucho tiempo, con "El peral silvestre" supera aún más esa connotación.
En una epopeya fílmica y literaria de poco más de tres horas, el director describe perfectamente el devenir del ser humano en estos tiempos de confusión y agonía.
Sinan Karasu (Dogu Demirkol) vuelve a Can, su pueblo natal, luego de haber terminado sus estudios para recibirse de maestro.
Apenas bajado del ómnibus un vecino lo detiene para que vaya a su casa a tomar un té, Sinan le dice que recién llega y tiene todas sus cosas encima, el vecino entonces le dice que le recuerde a su padre que le debe aún dos monedas de oro.
Con este comentario, el personaje del padre de Sinan está presentado. Idris Karasu (Murat Cemcir), es maestro en la escuela del pueblo y un jugador incurable. Pronto nos vamos a enterar que hasta vendió su casa para poder apostar.
La inquietud de Sinan es encontrar un esponsor que lo ayude a publicar su libro, "El peral silvestre", que cuando le preguntan si es turístico, si habla de las ruinas de Troya o del cementerio de Gallipoli, Sinan contesta que no. Que cuenta de los pequeños personajes y la pequeña gente del pueblo.
Esta es una nueva aclaración del director. El libro-guión fue escrito por él, Akin Aksu y su esposa, Ebru Ceylan. La duración original de la película era de 3 horas 20 minutos. Los distribuidores le pidieron abreviarla, pero le costaba mucho reducir algo de las escenas que habían escrito, así que finalmente quedó en 3 horas 10 minutos.
El pueblo de Can está en las montañas del sur de Anatolia, pero la casa de Sinan queda aún más arriba. El padre está desde hace años cavando un pozo en la casa de su padre, el abuelo de Sinan, buscando agua. Todos le han dicho que no va a encontrar agua allí, pero él insiste y trata de arrastrar a Sinan a la empresa.
El padre tiene un perro en la casa de su padre. No lo puede llevar a su casa porque allí no hay jardín ni parque. Entonces el perro vive en el jardín de la casa de su padre.
Un día que Sinan está enojado con su padre por su mal hábito de apostar, va a buscar el auto del padre que ha quedado en el jardín y cuando sale deja la tranquera abierta.
La madre de Sinan, Asuman Karasu (Bennu Yildirimlar), que siempre le habla pestes de su padre, le pide a Sinan que pase por la escuela y le pida el dinero para pagar la luz que les han cortado por falta de pago. Cuando entra al aula, Idris esconde un papel, en lo que Sinan asume que es una boleta de apuestas. El padre le dice que aún no ha recibido la paga.
Sinan vuelve a su casa y le cuenta la escena a su madre. Llama a su padre, el perdedor, el eterno perdedor. Cuando vuelve el padre a la noche, le pregunta a su mujer porqué la heladera está vacía y ella le dice que ha tenido que llevar todo a la casa de un vecino para que no se eche a perder. Que si le hubiera dado el dinero a Sinan en lugar de volver a apostar, ya tendrían luz.
El padre entra al cuarto de Sinan y le pregunta de donde sacó la historia que le contó a su madre, él le cuenta que lo vio esconder un papel. El padre saca un papel y se lo tira echa un bollo. Cuando lo abre, Sinan ve que es un aviso de "perro perdido".
Le comenta a la madre y ella le dice que desde hace unos días lo escucha sollozar a la noche en la cocina. Cuando le preguntó porqué, le dijo que era por el perro, que era el único ser que no le recriminaba nada.
Sinan va a arrastrar la culpa por el perro perdido, junto con tantas otras. Más tarde en la película, cuando vuelva del servicio militar, caminando junto al río va a ver al perro corriendo y cayendo al agua.
Sin embargo la escena más importante de la película es el descenso de la colina caminando junto con dos imanes. Uno, el Imán Veisel (Akin Aksu), aunque tiene la misma edad que Sinan, es tradicional y de respuestas hechas del Corán. El otro, el Imán Nazmi (Oner Erkan), es moderno y retruca las frases de Veisel. Sinan, en medio de los dos, expone la posición de un crítico que no se toma la religión en serio. Los diálogos son impagables, pero medio difíciles de seguir.
Las únicas posibilidades que le quedan a Sinan son o irse al este del país a trabajar de maestro o bien entrar en la policía. Un ex-compañero de estudios entró en la policía anti-disturbios y le comenta que es gracioso perseguir a golpes a sus ex-camaradas de estudios.
Cuando vuelve del servicio militar, pregunta si su libro se ha vendido. El librero le dice que lo tuvo en exhibición un tiempo pero después lo retiró. Cuando le pregunta a su madre y hermana si lo han leído le dicen que lo empezaron, pero no siguieron adelante.
Hablando con su padre, este le comenta sobre una frase suya que es como los comentarios sobre el pasaje del tiempo que hay en su libro. Sinan atónito le pregunta si lo leyó, claro dice Idris, varias veces.
En este universo de personajes, situaciones y vivencias que caben en la película, no hay lugar para las emociones fáciles. El espectador las tendrá que rescatar de dentro suyo cuando finalice la película.
La dirección de fotografía es impecable. En general los escenarios son paisajes exteriores, los interiores son agobiantes como lo es el interior de Sinan.
Trailer subtitulado en castellano
Diez, más diez, más diez, más diez puntos y todavía me quedo corto. Una genial realización donde el espectador se va a encontrar a sí mismo.

Potestad (Norman Briski, 2019) ⭐⭐⭐⭐⭐

Este blog está dedicado a llevar un registro de las películas que dejan una sensación en mi ser. En este caso no voy a hablar de una película sino de una obra teatral.
"Potestad" es una obra de teatro antológica escrita por Eduardo "Tato" Pavlovski. Norman Briski la eligió para hacer una puesta en escena que siguiera las reglas del teatro noh japonés. Extraña mezcla de contenidos. Una obra que habla de los desaparecidos y el teatro noh japonés.
Pero no solo eso es lo novedoso en la puesta de Briski. Elige para interpretarla no a un hombre como es el personaje que nos relata su historia, sino a María Onetto.
La extraordinaria actriz de "La mujer sin cabeza" de Lucrecia Martel o de la puesta de "Sonata otoñal" de Bergman con Cristina Banegas.
Una vez más luce su límpida voz y su contradictoria imagen de mujer sensitiva travestida en jefe de familia japonés. En su rostro palpitan, casi sin querer, las emociones del personaje.
La crónica teatral dice:
"Esta versión es un devenir de una de las obras más significativas de la historia del teatro argentino, debido a su relación con el hecho social histórico. Genocidio. La muerte y desaparición de 30.000 personas. Sin dejar de considerar el primer genocidio, la eliminación fundacional de los pueblos originarios.
Estos acontecimientos llegaron a las más íntimas relaciones de los hombres, mujeres y niños de este país. Están tan presentes estos hechos que POTESTAD todavía se debate en su latencia social.
La ocurrencia de usar el teatro noh como una estética dogmática concibe esta tragedia. Creemos que el concurso de una única actriz como María Onetto puede encarnar esa estética en un cuerpo que contiene la disciplina y la diversidad de género...."
Es un espectáculo en el que al finalizar, el espectador no sabe qué actitud tomar. Deja mella en el corazón y en la mente.
Diez puntos sobre diez para esta extraordinaria puesta en escena.

El Dolor (Marguerite Duras, 1944) (Emmanuel Finkiel, 2017) ⭐⭐⭐⭐

"La douleur" está basada en una novela autobiográfica de Marguerite Duras adaptada al cine por el director Emmanuel Finkiel.
En su relato, Marguerite Duras (Melanie Thierry), describe los terribles últimos años de la ocupación alemana de París, después que a su marido Robert lo han detenido los policías de la Gestapo francesa.
Un policía, Pierre Rabier (Benoit Magimel) la contacta declarándose un ferviente admirador de su obra, para ofrecerle ayuda con su marido.
Su amigo Dionys (Benjamin Biolay) le advierte que es una situación muy riesgosa, porque probablemente lo que busque sea sacarle información.
Más allá de las idas y vueltas con el policía, Marguerite oscila entre pensar que a su marido lo han matado ya o cuál será su actitud cuando regrese.
Luego la liberación y la vuelta de los presos en campos de concentración. Caminando descalzos por caminos abandonados. Escuálidos y enfermos. Y todavía, como piensa Marguerite, todavía nadie piensa en los judíos.
De Gaulle y los gaullistas determinan que hay que dejar atrás todo. El sufrimiento, el hambre, el dolor de los seres queridos desaparecidos. Todo hay que dejarlo atrás.
En las memorias de Marguerite, el temible espectro de la guerra se va perfilando cada vez con mayor nitidez, a punto de no saber si está esperando a su marido o si hay otro pavor detrás.
Alemania está en llamas, describe. Como podrá regresar su marido desde un país en llamas.
En un film excelentemente bien realizado, la prosa de Marguerite Duras se hace llagas en la piel de los seres humanos. Como Madame Katz (Shulamit Adar) que espera el regreso de su hija minusválida que se llevaron los alemanes.
Como Francis Morland (alias para Miterrand) (Gregoire LePrince-Ringuet) que sacude a Marguerite con su discurso positivista.
Como su vecina, Mme. Bordes (Anne-Louise Heimburger) que desespera que su marido vuelva y ya no sale de la cama.
Impecablemente delineado, el Dolor del título, estalla en las mentes de los espectadores,
Excepcional el trabajo de Melanie Thierry. Su rostro describe todo el proceso emocional que las frases leídas en off, sacuden sobre Marguerite.
Muy bueno el trabajo de fotografía de Alexis Kavyrchine.
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Nueve puntos sobre diez para este extraordinario trabajo de recreación de las memorias de Marguerite Duras y por extensión del ser humano.

Dolor y gloria (Pedro Almodóvar, 2019) ⭐⭐⭐⭐⭐

Este es un nuevo impecable film de Almodóvar. Un film adulto donde olvida un poco esos momentos locos de sus otras películas, pero que está lleno de humanidad. Rebalsa humanidad por los cinco costados. Como en "Todo sobre mi madre", donde las mujeres protagonistas del film no importaba si eran madres, lesbianas, travestis o monjas, por sobre todas esas características fáciles, eran seres humanos. Creo que con Almodóvar el feminismo alcanzó su mayoría de edad en el cine.
En "Dolor y gloria" repasa la historia de un director de cine envejecido y encerrado en sus achaques, Salvador Mallo (magistral interpretación de Antonio Banderas que le valiera la gran palma de oro al mejor actor en el festival de Cannes) y con él, en primerísimo primer plano a su madre (interpretada por Penélope Cruz de joven y genialmente por Julieta Serrano en su vejez).
Con la maestría de siempre para la evolución de sus guiones, la historia se va armando entre recuerdos y memorias del director. Entre ellos el reestreno de la versión remasterizada de un viejo film suyo, "Sabor", que hace que se reencuentre con el intérprete de aquel film, Alberto Crespo (Axier Etcheandía) con quien no se hablaban desde la realización del film. Pero Alberto va a significar una erosión en el claustrofóbico mundo del director. El descubrimiento de un escrito suyo, "La adicción", hace que Alberto lo lleve al teatro, aunque él no quiera colocar su nombre como autor, adónde Federico (Leonardo Sbaraglia), un amor de su juventud, lo va a redescubrir en una visita fugaz a España.
Impecable la actuación del pequeño Asier Flores como Salvador niño y de muchos más actores como es el caso de la intervención de Cecilia Roth, o por ejemplo como Nora Navas en Mercedes, asistente técnica y espiritual del director, al punto de acompañarlo al médico, a quien Salvador rehuye.
Durante las dos horas de proyección, el espectador se verá envuelto por la magia de Almodóvar, con escenas que van desde el dolor hasta la gloria.
Inolvidable del descubrimiento de la casa-gruta en Paterna (Valencia). Muchos se sentirán tentados de vivir allí.
La música de Alberto Iglesias, compositor que siempre pinta las películas de Almodóvar con su música intensa pero no fuera de cauces. Los excelentes directores de fotografía, José Luis Alcaine y dirección de arte de María Clara Notari. El departamento de Salvador es un despliegue inolvidable de belleza y arte.
Trailer
Los actores hablan de Almodóvar
Mi calificación es de 10 puntos para una película que se volverá inolvidable como aquella otra  que viera 4 o 5 veces estando lejos de Buenos Aires "Volver".

Alma Mater (Insiriados) (Philippe Van Leeuw, 2017) ⭐⭐⭐⭐

El director, Philippe Van Leeuw, escribió el guión de este conmovedor film.
Es asombroso que un europeo pueda llegar a descifrar el lenguaje del fin del mundo que asola a una ciudad en medio de una guerra no buscada ni deseada y caprichosamente impuesta por los dueños de las armas a la población civil.
Encerrados en un departamento en el centro de Damasco, la familia de Oum Yazan (Hiam Abbass) sobrevive en medio del caos de bombardeos, autos bomba y francotiradores que asesinan a mansalva.
Delhani (Juliette Navis) ve por la ventana como Samir (Moustapha Al Kar) cae abatido por un tiro al salir del edificio.
Desde ese momento Delhani no puede consigo misma. Sabe que no tiene que decirle nada a la mujer de Samir, Halima (Diamand Bou Abboud) que tiene un bebé pequeño y se está preparando para irse del país esa noche con su marido.
El suegro de Oum Yazam, Abou Monzer (Mohsen Abbas) deambula por el departamento no sabiendo que hacer con su alma, llena como está de desesperación y abatimiento.
Solo Oum Yazam conserva el orden con rutinas fijas. No disponen de agua suficiente, así que solo se pueden lavar con trapos mojados y usando el baño pequeño del departamento. La puerta de entrada está bloqueada con dos durmientes de madera y debe permanecer cerrada todo el tiempo.
Es por esa razón que Delhani no se atreve a bajar al estacionamiento del edificio para ver si aún Samir está con vida.
En un momento de este terrible día golpean la puerta. Son tres hombres que preguntan si está todo bien. Oum Yazam contesta que sí, que todo está bien, pero observa que uno de ellos en lugar de bajar, sube por las escaleras.
Más tarde escuchan el ruido de vidrios rotos en el balcón y saben que han vuelto. Oum Yazam encierra a toda su familia en la cocina, pero Halima queda fuera por ir a buscar a su bebé. Los dos hombres que han entrado quieren saber dónde tienen el dinero y objetos de valor, pero Halima no contesta, así que la golpean e intentan violarla. En su desesperación Halima escucha que el otro hombre ha agarrado a su bebé.
Terrible pesadilla, más terrible que todas las películas de terror que Hollywood inventa, es esta historia que bien podría ser real en los países asolados por el hambre de dinero de los empresarios de las guerras.
Impecablemente bien filmada, a pesar de moverse todo el tiempo entre las paredes del departamento, no hay posibilidades de que el espectador se escape de esta realidad, como no sea apagando la proyección.
Trailer subtitulado en inglés
Ocho puntos sobre diez para esta conmovedora historia que nos obliga a reflexionar una vez más sobre la maldad del ser humano que lo lleva a su propia destrucción.

En tiempos de luces menguantes (In zeiten des abnehmenden lichts) (Matti Geschonneck, 2017) 🌟🌟🌟🌟

Esta es una melancólica y meditativa comedia sobre las decadencias de las sociedades humanas.
En base a la novela de Eugen Ruge, Wolfgang Kohlhasse escribió un guión más que interesante sobre los últimos tiempos de una familia alemana comunista.
La mayor parte de la película transcurre en el Berlín comunista en el año 1989 para la celebración de los 90 años del dirigente Wilhelm Powileit (Bruno Ganz).
En la celebración organizada por su mujer Charlotte (Hildegard Schmahl) participan su familia, sus amigos, vecinos y autoridades del estado.
Todos menos su nieto Sascha (Alexander Fehling) quien, pese a la promesa hecha a su padre Kurt (Sylvester Groth) el día anterior de visitar a su abuelo para la celebración, ha preferido huir hacia el occidente.
Entonces, a pesar de los desbordes familiares de la madre rusa de Sascha, Irina (Evgenia Dodina), de las atenciones de las enfermeras que cuidan de Wilhelm, de los miembros del comité que hacen entrega a Wilhelm de la condecoración La Estrella de la Amistad, del regalo que Wilhelm hace a su bisnieto (una iguana disecada) que su madre Melitta (Natalia Belitzki) que ha preferido quedarse en lugar de desertar con Sascha, promete cuidar, la película trata de los tiempos de las luces menguantes, o sea el melancólico fin de una República Democrática Alemana anquilosada y sin posibilidades de evolucionar.
Futuro que también es inminente para la U.R.S.S.
En 1991, la madre de Irina, Nadeshda Ivanovna (Nina Antonova) quiere volver a su pueblo natal en Rusia, Slava, e Irina la acompaña.
Y las reflexiones del relator son "Tuvimos la capacidad de creer, creer que lo que queríamos sería justo como queríamos. Hemos echado todo a perder."
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Ocho puntos sobre diez a esta oda a la caída de la República Democrática Alemana, nunca mejor presentada que en nuestros tiempos actuales de luces menguantes.

Tres rostros (Se rekh) (Jafar Panahi, 2018) 🌟🌟🌟🌟🌟

El director iraní Jafar Panahi tiene prohibido desde el año 2010 hacer cine por 20 años como consecuencia del juicio que le iniciara el estado por su actitud opositora.
Como muchos de los grandes directores iraníes emigraron del país en busca de "libertad", también le han prohibido salir del país. Es así que aunque su última película, "Tres rostros" fue seleccionada para participar en el festival de Cannes, el film debió viajar solo, ya que Jafar Panahi no puede salir de Irán y obtuvo la gran Palma de Oro al mejor guión.
Es con gran riesgo personal que esta es su cuarta película en "prohibición". En la anterior "Taxi", filmó todo el tiempo conduciendo un taxi y sin salir del auto, parábola de su encarcelamiento.
En "Tres rostros" Panahi cuenta la historia de una adolescente Marziyeh Rezaei personificada por la misma Marziyeh, que quiere ser actriz.
Aún viviendo en un pueblo de provincias, Marziyeh ha soñado toda su vida con la actuación y consiguió anotarse en un conservatorio de Teherán. Su padre convenció a su madre que no importaba porque no pasaría el concurso, pero no, Marziyeh aprobó la selección y ahora, cuando tiene que viajar a Teherán se encuentra con la oposición de su familia y de la familia de su novio. Desesperada, Marziyeh envía un mensaje a la actriz Behnaz Jafari pero no obtiene respuesta, así que envía un video al director donde se puede ver su ahorcamiento.
Jafar Panahi le muestra el video a Behnaz y esta, desesperada decide viajar con el director al pueblo donde vive Marziyeh.
Este es el planteo inicial de la película., escena del ahorcamiento incluída. Entonces Panahi hace una especie de road movie por el interior de Irán junto a Behnaz Jafari que abandona el programa que está filmando para viajar.
En la película se cuentan varias pequeñas historias que son el condimento esencial del drama, pero en definitiva lo que Panahi hace, como es habitual en su cine, es una denuncia de la sociedad machista violenta que predomina en Irán, exhacerbada por tratarse de un pueblo de provincia. Sobre esta sociedad se impone el caracter femenino que consigue destrabar el rumbo de las vidas cotidianas.
En una escena, donde Marziyeh le pregunta si él no va a participar, le contesta, "no, estas situaciones son manejadas mejor por las mujeres".
El tercer rostro femenino, que aunque no se ve está presente en la mayor parte de la película es el de la actriz Shahrzad, quien hasta antes de la revolución era una actriz importante del cine iraní, pero luego fue prohibida y vive en una miserable casucha del pueblo de Marziyeh, dedicada a pintar y a vivir su vida.
Durante 1 hora cuarenta minutos, los espectadores seguirán las peripecias de los protagonistas, hasta el final con una escena homenaje a "Tiempos modernos" del gran Charles Chaplin.
Esta es una imborrable pequeña gran película, donde, sin hacer ostentación de dramas ni efusividades, Panahi cuenta una hermosa historia sobre los seres humanos y su perdición en un mundo subhumano.
Trailer subtitulado en castellano
Diez puntos para este obstinado cangrejo iraní que persiste en su proyecto de hacer buen cine y diez puntos para esta hermosa película.