Betibú (Miguel Cohan, 2014) 🌟🌟🌟

"Betibú" es una novela de misterio, crimen y suspenso escrita por Claudia Piñeiro. No es la primera vez que historias de esta galardonada novelista se llevan a la pantalla. Ya en el año 2009, Marcelo Piñeyro había filmado "Las viudas de los jueves" con mucho éxito.
La novela fue traducida para la pantalla por Ana y Miguel Cohan, quienes realizaron una magnífica tarea. El guión es la base estructural de este film y Miguel Cohan lo lleva adelante con una excepcional maestría.
Nurit Iscar (Mercedes Morán), alias "Betibú", es una escritora de novelas de misterio a quien las deudas obligan a volver a trabajar para la redacción del diario El Tribuno, dirigido por Lorenzo Rinaldi (José Coronado). Rinaldi tuvo tiempo atrás una relación amorosa con Betibú, que ella prefiere dejar de lado, aunque él insista en retomarla.
El caso que le encarga a Betibú, es redactar notas sobre la muerte del empresario Pedro Chazarreta, quien ha sido descubierto degollado en su casa de un club de campo. También "Las viudas de los jueves" tenía como escenario un club de campo. Son lugares cerrados para el público en general y custodiados por guardias de seguridad que hacen a la forma de vivir de las clases media y alta en los alrededores de Buenos Aires.
Rinaldi alquila una casa en el club de campo para Betibú y allí se traslada ella ese mismo día. Con élla van otros dos periodistas. Mariano Saravia (Alberto Amman) recientemente nombrado a cargo de la sección policiales y Jaime Brena (Daniel Fanego), el destituido ex responsable de policiales a quien Rinaldi prefiere tener por la inexperiencia de Saravia.
La historia se va desarrollando a un buen ritmo y entre las pistas aparece una foto desaparecida de su marco y los escasos contactos de Pedro Chazarreta.
De a poco va tomando consistencia al investigar las misteriosas muertes de otros compañeros del Liceo Militar de Pedro Chazarreta.
Magnífica historia de misterio y suspenso que cautiva desde el principio al final (que queda abierto, o no tanto), en una especie de apocalipsis sideral.
Hay que recalcar la excelencia de la dirección y de la banda de sonido de Federico Jusid. También es muy importante la dirección de fotografía de Rodrigo Pulpeiro.
En fin, una película para disfrutar en una tarde de lluvia sin detener ni un minuto la reproducción.
Trailer
Ocho puntos sobre diez es mi calificación para esta excelente producción argentina.

Mil veces buenas noches (Erik Poppe, 2013) 🌟🌟🌟🌟🌟

Rebecca (Juliette Binoche) es una de las mejores fotógrafas de guerra del mundo. Comienza la película con élla siguiendo paso a paso el sacrificio de una mujer que se va a inmolar en Afghanistán en un atentado. El enterramiento iniciático, el baño ceremonial, la colocación del armamento en forma de chaleco bajo sus mantos. Rebecca pide acompañar a la mujer un trecho en su viaje al lugar del atentado. En medio de un mercado, pide bajarse y exige que se detenga el vehículo, pero quiere tomar aún dos fotos más y eso despierta la curiosidad de los soldados que revisan la camioneta, Rebecca huye despavorida y a unos metros grita "aléjense, es una bomba" sin tiempo para que la gente huya despavorida. La camioneta vuela por los aires y todos lo que se encontraba a una cuadra a la redonda, la misma Rebecca. Pero aún herida reacciona y consigue tomar unas fotos más de los heridos y la confusión existente antes de caer desvanecida.
La próxima vez que despierta está en un hospital en Dubai y su marido Marcus (Nicolaj Coster-Waldau) está con élla. En unos días más puede viajar de regreso y vuelven a su casa en Noruega.
En la casa los esperan sus dos hijas, Steph (Lauryn Canny) una adolescente introvertida y Lisa (Adrianna Cramer Curtis) con los amigos que se han hecho cargo de éllas durante el tiempo que Marcus viajó a Dubai.
Finalmente Marcus habla con Rebecca y su pregunta es, "qué estabas haciendo allí" y a continuación le dice todo lo que ha callado durante ese tiempo. "Es la última vez que me quedo esperando que me llamen para reconocer tu cuerpo y tener que decírselo a nuestras hijas, no lo tolero más". Rebecca jura y perjura que será la última vez, pero Marcus no le cree.
La oye hablar por la computadora con su editora en Estados Unidos, Jessica (Chloe Annett) y decirle que se va a retirar, que no va a trabajar más. Que tiene esposo y dos hijas.
Steph tiene que hacer un trabajo sobre Africa para el colegio y le cuenta a su madre que una compañera encontró una foto horrible que élla había tomado. Se la muestra y Rebecca le dice, sí, es una mujer a quien los guerrilleros en el Congo le habían cortado las orejas y los labios como escarmiento para su aldea. Steph le pregunta cómo llegó a involucrarse con ese trabajo y Rebecca le cuenta que desde jóven estaba llena de ira ante las atrocidades que la violencia causa en el mundo. La manera que encontró de descargar su ira fue fotografiar y mostrarle a todo el mundo esos horrores para obligarlos a enfrentar una realidad donde los poderosos roban a los pueblos sus bienes y les dan armas a cambio llevándolos a una vida de violencia. Steph le pregunta cuándo va a saciar tanta ira y Rebecca le contesta que no lo sabe.
"Mil veces buenas noches" es una película sencilla pero de una profundidad aterradora. Un alma que busca desnudar las atrocidades del mundo aunque para éllo haya que sacrificar de su vida personal a su marido y a sus hijas. Una carrera sin fin contra los empresarios del horror.
Con una magnífica Juliette Binoche, más humana que en cualquier otra película en que la haya visto.
El de los fotógrafos de guerra es un dilema que el director no se preocupa en solucionar. El mismo fue fotógrafo corresponsal de guerra y como tal fue laureado por la prensa noruega y por la World Press Photo. Así que conoce perfectamente lo que está contando y evidentemente Rebecca es su alter ego.
Película que hace al espectador vibrar con las emociones y sentimientos de todos los personajes. La música es de Armand Amar y la dirección de fotografía de John Christian  Rosenlund.
Todas las actuaciones son excelentes, especialmente la de Lauryn Canny, como la hija adolescente de Rebecca, pero Juliette Binoche nos deja atónitos con su increíble interpretación de la fotógrafa obsesionada por retratar los horrores de este mundo.
Tremenda escena
"Daring to love" por Ane Brun
Diez puntos para una película que hizo que me encontrara conmigo mismo en la misma encrucijada de vida. Excelente película de Erik Poppe.

Sara (Dariush Mehrjui, 1993) 🌟🌟🌟

Henrik Ibsen escribe "Casa de muñecas" en 1879. Ambientada en la rígida sociedad luterana de Noruega (de la que el mismo autor se exiliaría años más tarde), la obra cuenta el drama que va a ser el motivo de todos los problemas de pareja en la sociedad occidental durante el siglo 20.
El sinsentido de los roles del hombre y la mujer en el matrimonio, en este caso de Nora y de Torvald, no es el de la mujer independizada ni el del hombre promiscuo, no. El estricto lenguaje al que la pareja debe someterse en una sociedad orquestada por los hombres impide que puedan llegar a conocerse y con más profundidad, a amarse verdaderamente.
Como el mismo Ibsen describe en -Notas para la tragedia actual-: "Existen dos códigos de moral, dos conciencias diferentes, una del hombre y otra de la mujer. Y a la mujer se la juzga según el código de los hombres. [...] Una mujer no puede ser auténticamente ella en la sociedad actual, una sociedad exclusivamente masculina, con leyes exclusivamente masculinas, con jueces y fiscales que la juzgan desde el punto de vista masculino". 
Dariush Mehrjui transcribe a la sociedad iraní de fines del siglo 20, la historia de Nora y Torvald. 
Con algunas pequeñas modificaciones, la obra matiene su estructura. Sara (Niki Karimi) es la típica mujer de clase media iraní, personaje al que nos hemos acostumbrado a conocer a través del magnífico cine de ese país. Se ocupa de la casa, se ocupa de su hija y se ocupa de su marido. Más sacrificada que Nora, que junta el dinero haciendo pequeños robos de los gastos de la casa, trabaja haciendo costuras durante la noche para conseguir el dinero que necesita para amortizar su deuda con Goshtasb (Khosro Shakibai), Hessam (Amin Tarokh), su marido, mantiene la profesión de Torvald: es ejecutivo de un banco, el mismo en el que va a dejar de trabajar Goshtasb, desencadenando la tragedia que va a llevar a que Sara y Hessam deban mirarse cara a cara por primera vez en sus cinco años de matrimonio.
Simi (Yasman Malej-Nasr) es la amiga de Sara que retorna después de vivir unos años fuera de la ciudad. Simi no es un ama de casa. Simi ha tenido que trabajar para ganarse la vida y de esa independencia es de donde nace su posición frente a la vida. Ella podría salvar a Sara del enfrentamiento con su marido, pero prefiere que se digan la verdad de una buena vez por todas.
Las actuaciones son buenas, aunque molestan mucho los tonos agudos que utiliza Niki Karimi cuando debe dotar a Sara de caracter. Tampoco Khosro Shakibai sale muy bien parado. Su actuación linda con la histeria y hace que el personaje pierda su entereza.
La fotografía es excelente y también lo es la banda de sonido.
"Casa de muñecas" no pierde su intensidad al estar trasladada a la sociedad iraní y aunque es muy difícil derrumbar la falsedad hipócrita de una sociedad tan patriarcal como la iraní, aporta su granito de arena para constribuir a una mejor integración de la pareja.
Mejor integración que la sociedad occidental no ha logrado todavía en el siglo XXI. Las mujeres y los hombres son ahora independientes, pero más debido a las necesidades de la sociedad capitalista de alienar con el trabajo a los seres humanos, que de una verdadera integración. El matrimonio está fracasando por esa razón.
Trailer en inglés
Ocho puntos sobre diez para una muy buena re-lectura de "Casa de muñecas". En esta versión Nora no deja a sus hijos, sino que se lleva a su hija, una muy buena acotación del director.

Juventud (Paolo Sorrentino, 2015) 🌟🌟🌟🌟🌟

Paolo Sorrentino nos deslumbró el año pasado con "La gran belleza", gran premio del Festival de Cannes. Difícil competir consigo mismo y salir airoso, y sin embargo, lo logra.
Siguiendo los pasos del gran Federico Fellini, elige algunos de sus clichés para adornar su película y otra vez, lo logra. En la escena del cartel vemos a dos ancianos Michael Caine y Harvey Keitel, admirando la belleza escultural de Miss Universo (Madalina Diana Ghenea). Escena típica de Fellini.
También pone en escena la procesión hacia los baños termales que Fellini eligió para homenajear a Charles Chaplin, Nikita Mijalkov para homenajear a Fellini y ahora Paolo Sorrentino para homenajear a todos éllos.
Hay otra escena de antología, donde, en las laderas de una montaña suiza, verde hasta la exageración, las mujeres de la vida cinematográfica de Mick Boyle (Harvey Keitel) se le aparecen mostrándose en la plenitud del personaje que les tocó interpretar. Homenaje a "La ciudad de las mujeres" en cuanto a la idea, pero revitalizada por Sorrentino en cuanto al entorno idílico de la escena.
En un Spa suizo, en medio de esas montañas alpinas tan hermosas y tan bien decoradas, pasan sus días un director y compositor musical Fred Ballinger (Michael Caine) y su amigo de toda la vida, Mick Boyle, director cinematográfico.
Es en la esplendorosa cantidad de pequeños momentos y personajes donde Paolo Sorrentino encuentra su estilo, otra vez homenajeando a Fellini.
La masajista (Luna Zimic Mijovic) que dice comunicarse a través de la piel y que adivina las emociones de Ballinger con solo tocarlo.
El actor Jimmy Tree (Paul Dano) amargado porque la gente solo recuerda su actuación como robot y que está preparando en el aislamiento del spa el personaje que va a interpretar en su próxima película.
El equipo de guionistas que trabaja con Mick Boyle en la elaboración del script para su próximo film entre los que están el tímido, los enamorados, el gracioso, el barbudo.
El futbolista Diego Maradona (Roly Serrano) al que acompaña en todo momento su mujer (Loredana Cannata) con un equipo portátil de oxígeno. La pareja de alemanes que no hablan entre sí y son objeto de apuestas para Mick y Fred.
El mágico personaje de Lena Ballinger (la siempre cambiante Rachel Weisz) que se separa de su marido, el hijo de Mick Boyle, nada más comenzar la película y es protagonista de filosos diálogos con su padre.
La mantenida en formol actriz de Hollywood Brenda Morel (Jane Fonda) quien nos brinda una de las memorables escenas de la película.
El monje budista (Dorji Wangchuk) de quien se afirma que posee el don de la levitación y al que Fred acusa de ser un fraude.
Todo gira en torno a la decrepitud, a la pérdida de oportunidades de la vejez y sin embargo todo el film es un gran canto a la Juventud.
Cómo olvidarnos de la "Canción Simple #3" interpretada por Sumi Jo frente a la reina de Inglaterra quien envía a un gestor (Alex Macqueen) para que Fred Ballinger se preste a dirigir la orquesta en la función en honor del príncipe Felipe.
Todo es un festival de cine y un canto a la belleza y a la imaginación.
Trailer (subtitulado en francés)
Canción Simple #3
Diez puntos y diez más en agradecimiento por haber creado esta magia para los sentidos a Paolo Sorrentino.

Aullido (Howl) (Rob Epstein y Jeffrey Friedman, 2010) 🌟🌟🌟🌟🌟

Hacer un film con un poema es una tarea sobrehumana para cualquier creador. Entonces Rob Epstein y Jeffrey Friedman escriben el guión de su película cruzando varios diferentes acercamientos a la vida y obra del poeta Allen Ginsberg.
En uno, magníficamente filmado en blanco y negro, el poeta recita su poema en una especie de "cavern club" para una cincuentena de sus admiradores. Es la parte más brillantemente lograda del film. Los versos de Ginsberg, que a veces la película vuelve a repetir provocativamente, son más humanos en la voz de James Franco, que dicho sea de paso, es el actor que interpreta al poeta.
En otro de los acercamientos, el poeta, ya unos años mayor, participa de una entrevista en su casa con un periodista inominado. En esta parte es donde el poeta muestra su interior de una manera cálida y agridulce. Nos cuenta de su infancia, de sus amigos y amados Jack Kerouac y Neal Cassady y de sus dudas y peregrinaciones en busca de sí mismo.
El tercero de los acercamientos es a través de la animación de diversas partes del poema. En brillantes colores oscuros, las imágenes impactan aún más que las palabras de los versos a través del movimiento continuo, cercano a las imágenes de "The Wall".
Y el cuarto, pero no menos impactante de los acercamientos, es al juicio por obscenidad al que el editor de "Howl" Lawrence Ferlinghetti (Andrew Rogers) fue sometido en el año 1957.
Se pone en movimiento, como lo condensa el juez Clayton Horn (Bob Balaban), la libertad de expresión que tan cara es al espíritu constitucionalista de los estadounidences. Digo al espíritu, porque en la práctica dejan mucho que desear.
Hay testigos por la defensa de Jack Ehrlich (John Hamm) y del fiscal Ralph McIntosh (David Strathairn) que expresan lo que es el sumun del arte y del lenguaje artístico, versus lo mal intencionado de las mentes acusadoras.
Una frase del fiscal deja atónito al juzgado y al espectador. Cuando le es denegada una impugnación exclama, "Lo siento, abro mi boca y de élla salen puños", digna del poema que está tratando de condenar por obsceno.
Imprescindible es para el espectador inteligente, que como era mi caso, no conociera a Allen Ginsberg, ver esta película. También lo es para el espectador de mente abierta defensor de la libre expresión de las ideas y de los sentimientos.
Como la hermosa banda de sonido de Carter Burwell que acompaña magníficamente las cálidas y sorprendentes imágenes de la película.
Holy!
Si ya viste en el enlace este hermoso poema de Ginsberg y tu mente se abrió a tu corazón, no dejes de ver esta película. Diez puntos sobre diez para "Aullido".

Carol (Todd Haynes, 2015) 🌟🌟

Muchos amantes del cine recordarán a Todd Haynes por su excelente realización "Lejos del paraíso" con Julianne Moore, aquella historia ambientada en los años 50, donde una mujer se siente abandonada en su matrimonio y recurre a una relación con su jardinero negro. Hay que aclarar que el marido es homosexual y se escapa para vivir aventuras.
Carol también está ambientada en los 50. En lugar de Julianne Moore vamos a admirar a una excelente actriz como Cate Blanchett a quien recordamos de su magistral actuación en el film de Woody Allen, "Blue Jasmine" y algunos pocos la habremos visto en "Notas para un escándalo".
Basada en una novela de Patricia Highsmith denominada "El precio de la sal" cuando fue publicada en USA bajo un seudónimo. Luego al publicarse en UK bajo su nombre recibió su verdadero nombre "Carol". Adaptada para el cine por Phyllis Nagy, amiga de Patricia Highsmith, consigue tensar la cuerda de las emociones de una manera bastante sensata.
En los años 50 no estaba bien visto que una mujer casada y con hijos viviera una relación con otra mujer. La otra mujer es Therese Belivet (Rooney Mara) quien confiesa no saber bien lo que quiere y por eso decir que sí a todo lo que se le presenta.
Las distintas vicisitudes de la relación entre Carol y Therese, junto con la reacción del marido de Carol, Harge, (Kyle Chandler), hacen el nudo de la película.
Quien espere ver un alegato en favor de las relaciones lesbianas se va a llevar una sorpresa, porque tanto el guión como la dirección excesivamente mesurada de Todd Haynes, convierten a los personajes en figuras tiesas y contenidas, tan contenidas que no reaccionan jamás.
La única reacción de Carol es en la reunión con el juez y los abogados por el divorcio, donde el marido solicita la custodia exclusiva de su hija.
No la voy a contar para que el espectador curioso tenga una excusa para ver las casi 2 horas de duración de esta película.
Por momentos la excesiva lentitud y falta de emociones se vuelven pesadas. Amo el cine lento cuando se vuelve hipnótico y "Carol" no es una película hipnótica.
Si bien está magistralmente filmada y la recreación de la época tanto en ropa, costumbres y modelos de auto es exquisita, el espectador siente que le deben algo más.
Trailer
Seis puntos sobre diez para "Carol" es mi puntuación, a pesar de las excelentes actuaciones y medida dirección de Todd Haynes.

Un hombre irracional (Woody Allen, 2015) 🌟🌟🌟🌟🌟

Cuando uno elige ver una película de Woody Allen, más o menos sabe lo que va a ver o por lo menos qué intenciones subyacen en sus películas.
En "Un hombre irracional" hay mucho diálogo. Mucho diálogo intelectual, ya que el "irracional" es un profesor de filosofía, Abe Lucas (Joaquin Phoenix) quien llega al Braylin College precedido por su fama de niño terrible.
Casi todas las estudiantes fantasean con tener un asunto con él y las profesoras también.
Entre las estudiantes deseosas de relacionarse con él está Jill (Emma Stone) quien a pesar de tener un novio más o menos formal, Roy (Jamie Blackley), no descarta contactar al profesor inquietante.
También Rita Richards (Parker Posey), fantasea con llevárselo a la cama y con algo más, que este hombre la arrastre con él a una nueva vida en Europa.
Los intentos de Rita tienen un éxito parcial, ya que el sexo con Abe es un fracaso, Abe está impotente desde hace cosa de un año. Impotente sexualmente e intelectualmente. El libro que está escribiendo está detenido desde hace tiempo.
En cambio Jill avanza pisando fuerte en su intención de construir una relación con Abe. Tanto que Roy está molesto de oirla mencionar en todo momento a Abe. Pero Abe mantiene su caracter sombrío y destructivo, desencantado de la vida.
Estando un día en una cafetería, escuchan una conversación del otro lado del asiento (truco usado por Woody Allen con bastante frecuencia). Una mujer solloza que el juez le va a quitar a sus hijos porque está en connivencia con el abogado de su esposo y que élla no puede hacer nada, pero que quisiera que le agarrara un cáncer a este juez corrupto.
Abe piensa para sus adentros, con desear algo no vas a conseguir nada. Sería más eficaz que alguien lo matara. Pero como no lo vas a hacer, lo voy a hacer yo.
De allí en más, el caracter de Abe cambia. Como que su vida cobra significado planeando el asesinato y haciendo que este sea el crimen perfecto.
Como el asiduo espectador de Woody Allen ya conoce, "Un hombre irracional" es una nueva versión de "Crimen y castigo", que es mencionada en varias partes de la película.
El final es atropellado y violento, al mejor estilo de Woody Allen, pero yo, como espectador, tuve una sensación interna muy fuerte que no sé cómo explicarla por el contenido de la película.
Todo lo que el film intenta demostrar a través de la moral y la culpabilidad, está de algún modo revertido por Woody Allen, para que el espectador termine defendiendo el crimen y acusando a sus jueces.
No voy a decir nada más porque nada más lejos de mi voluntad que influenciar a los posibles espectadores.
Lo que sí puedo afirmar es que, con o sin intenciones subliminales, es uno de los films más sólidos de los últimos tiempos dentro de su producción cinematográfica.
Trailer
Diez puntos sobre diez posibles para este importante film de Woody Allen. No dejen de verlo.