La religiosa portuguesa (Eugene Green, 2009) 🌟🌟🌟🌟

"La religiosa portuguesa" es una película extraña, Con un argumento muy poco común, cuenta con una dirección de actores hipnótica, tanto que los actores deben haber sido entrenados para no parpadear. Además tiene una fotografía irreal, que vuelve oníricas todas las imágenes.
Julie de Hauranne (Leonor Baldaque) es una actriz francesa que visita por primera vez Lisboa, por trabajo. Vienen a filmar algunas escenas de una película que trata sobre una monja portuguesa enamorada de un militar, durante el reinado del rey Alfonso VI.
Como dispone de mucho tiempo libre, lo dedica a recorrer Lisboa y a conocer sus calles, sus paisajes y su gente. Al pie de la escalera que lleva al hotel conoce a Vasco (Francisco Mozos). Un chico huérfano de apenas seis años que vive prácticamente en la calle y no va al colegio. Entabla relación muy fácilmente con el niño que la mira embelesado.
Esa primer noche, en el restaurante donde está cenando se encuentra con la mirada de un hombre. El la sigue en la calle y le da su tarjeta, pidiéndole que lo llame cualquier cosa que necesite. Se trata del Dr. Henrique Cunha (Diogo Doria), cuya familia perdió la quinta donde vivían depués de la revolución de los claveles, por ser el padre funcionario del dictador Salazar. Al mudarse a un departamento pequeño al poco tiempo murió su padre y su madre unos años después. El para llenar su vida, estudió medicina y se especializó en cardiología, pero nunca ejerció. Toda esta historia Julie la va a recibir cuando lo llame la segunda noche para que se encuentren a cenar juntos.
En la capilla donde están filmando, ven luces a la noche. Entra con el Doctor y ven a una monja rezando arrodillada frente al altar.
Nos vamos a enterar un poco de su vida privada en una charla que mantiene con el director Denis (Eugene Green). Ha tenido varias relaciones pero ninguna en firme. Casi siempre con actores.
Y es lo que le va a suceder con el actor que protagoniza la película, Martin Dautand (Adrian Michaux).
Cuando se cruza nuevamente con Vasco este le cuenta que no la puede invitar a su casa porque no está Madalena, que es con quien vive, porque ese día está trabajando y lo deja fuera en la calle.
Julie le dice que quiere ver a Madalena y Vasco le dice que al día siguiente no habrá problema, porque Madalena (Beatriz Batarda) no trabaja.
En la noche Denis, el director, la lleva a un local donde se canta la música típica de Lisboa, los fados.
Allí se cruza con un muchacho al que Julie le dice que es el rey Sebastián reencarnado.
(La esperanza de la reaparición del rey Sebastián, desaparecido en 1578, en una batalla contra los moros en Marruecos, se inscribe en un auténtico milenarismo),
En el encuentro con Madalena, esta le cuenta que Vasco no es pariente suyo, que cuando murió su abuela, la única que velaba por él, se hizo cargo para que no quedara en la calle, pero que no es posible para élla mantenerlo y que por eso no lo envía a la escuela. A fin de ese año a más tardar, Vasco será internado en un orfanato.
Una noche entra en la capilla y encuentra a la monja (Ana Moreira) orando como de costumbre. Sentada en un banco del fondo de repente Julie se desvanece. Al volver en sí siente la mano de la monja que le acaricia la frente.
Como vemos hasta ahora, todo en esta película es surreal, onírico y como de montaje.
El diálogo que se va a entablar entre Julie y la hermana Joana, es lo más importante de toda la película. Quizás sea el fin de la película.

J: Soy actriz, intento enseñar la verdad a través de cosas irreales.
H: Dios hizo lo mismo al crear el mundo
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H: Todo lo que quedó en el mundo fue creer en la razón. Y fue entonces cuando comenzó el asedio, el sitio de Dios.
J: Porqué la razón tiene que ser enemiga de Dios?
H: Porque Él es real y la razón no. La razón existe en el hombre, no en el mundo y menos aún en Dios.
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J: Por momentos he deseado morir.
H: La muerte no es amor. Cuando desaparecemos a través del amor dejamos de ser lo que no somos.
J: Y en qué nos convertimos?
H: (con una sonrisa) Nos convertimos en lo que somos.
J: Qué es lo que encontramos.
H: (con otra sonrisa) La vida. Encontrar la vida es dar a luz. Cada uno lo hace a su manera.
J: Pero yo no llevo un niño en mí.
H: Todos nosotros, hombres y mujeres, llevamos vida dentro de nosotros.
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Como podemos apreciar. La película resulta ser del misticismo más absoluto.
Julie decide llevar a Vasco a Paría y si se adapta a vivir con élla, iniciará los trámites de adopción.
Después de decírselo a Madalena, lleva a Vasco a dar un paseo. Y se vuelve a cruzar con Don Sebastián (Carloto Cotta). Este le pide que le diga su nombre, pero Julie dice que solo si se vuelven a encontrar por tercera vez se lo dirá. Don Sebastián le pregunta porqué tres veces y Julie contesta porque así es en los cuentos, la tercera vez sucede.
Diálogo entre Julie y la Hermana Joana
No hay ningún motivo válido para que un espectador deje de ver esta película. Si bien es lenta y está filmada de un modo hierático, esto está hecho a propósito, para inducir a la meditación.
Nueve puntos sobre diez para "La religiosa portuguesa". Ah, el libro es del director del film.

El buen corazón (Dagur Kári, 2009)

Dagur Kári nació en París de padres islandeses que a sus tres años regresaron a vivir a Islandia.
Se graduó en la National Film School de Copenhage y con su corto de graduación ganó 11 premios en festivales internacionales.
Aquí construye una película oscura, como filmada en el interior del alma humana, en la que los escenarios que predominan son, el bar de Jacques (Brian Cox) que como el personaje dice, es un bar, no es un café ni un restaurant, es solo un bar y por otro lado, el hospital.
Al comienzo de la película vemos llegar en una ambulancia a Jacques con su perro ovejero que no se separa de él (es interesante verle los zapatos de quirófano que el perro lleva puestos). Ha tenido su quinto infarto. Su compañero de pieza es Lucas (Paul Dano), un joven suicida que intentó cortarse las venas pero sin éxito.
Se inicia una relación muy particular entre el hosco y gruñón Jacques y Lucas. El personaje que compone excelentemente Paul Dano es bastante especial. Es un muchacho todo corazón que no puede integrarse a la sociedad, porque como él mismo dice, yo estoy fuera, no hay lugar para mí.
Las enfermeras y médicos del hospital hacen una colecta y le dan un dinero cuando deja el hospital que él va a repartir entre sus compañeros vagabundos.
Por otra parte Jacques solo tiene un amigo en el mundo que es Enrique. Enrique vive en alguna isla del caribe de su plantación de café junto a su mujer Josefina y a la hija de ambos y es un poco como el paraíso perdido de Jacques.
Jacques decide llevarse a vivir con él a Lucas y lo va a buscar a la caja de cartón en la que vive bajo las vías del tren. Emprende un plan para educarlo porque quiere que lo suceda al frente del bar cuando él muera. Le hace cortar el pelo y vestir un poco más decentemente. Pero Lucas sigue durmiendo en el piso debajo de la cama de su cuarto.
Jacques no acepta nuevos clientes en su bar y a los que entran por casualidad los espanta. Tampoco las mujeres son aceptadas.
Hasta que un día, estando solo Lucas en el bar, aparece empapada por la lluvia, April (Islid Le Besco) y Lucas con su gran corazón no puede echarla de vuelta a la calle. April es una azafata frustrada, porque a último momento ha tenido miedo de volar.
Hay muchos mensajes literarios en esta película. Jacques con su corazón maltrecho, Lucas con su buen corazón y su inocencia inmaculada debajo de la mugre y April, una azafata que tiene miedo de volar.
No voy a contar el resto de la historia porque no tendría gracia después verla para los espectadores, pero es una película muy interesante y bella, a su manera. Una parábola moral y ética de los tiempos que nos tocan vivir.
Trailer
Siete puntos sobre diez para "El buen corazón" y algo que me gusta sobremanera es que sea una coproducción entre Islandia, Francia, USA, Dinamarca y Alemania, una película casi perteneciente al género humano.

Baaria (Giuseppe Tornatore, 2009)

Baaria es el nombre en dialecto siciliano, del pueblo de Bagheria, cerca de Palermo, Sicilia, donde nació Giuseppe Tornatore. De algún modo, como lo fuera también Cinema Paradiso, esta es una película autobiográfica.
El argumento del film sigue en más de 50 años, desde 1930 a 1980, la historia de Peppino (Giuseppe) y su familia. Peppino trabaja de pastor para ayudar a la familia y estando en el monte, una cabra se come su libro de escuela. Por esa razón luego será castigado por una maestra que cataloga a sus alumnos en ricos y pobres según la profesión de sus padres.
Son innumerables las anécdotas que se van acumulando con el correr del tiempo en la película y todas éllas están llenas de emociones incontrolables. El fascismo de Mussolini, la maffia y su asociación con los terratenientes, la guerra y los bombardeos.
Por todos estos acontecimientos pasa Peppino. Ya de adolescente anda con su vaca por el pueblo vendiendo leche. La ordeña y entrega el producto en el momento.
Cuando conoce a Mannina, el amor es a primera vista. Toma clases de baile para poder invitarla a bailar. Claro que en esa época las parejas no eran mixtas, las mujeres bailaban con mujeres y los hombres con hombres. Al invitar a bailar a Mannina y ser aceptado, Peppino rompe con esa tradición.
Su afiliación al Partido Comunista y la más que difícil carrera política, ya que, como le dice un camarada, él no ha escrito ningún libro.
En resumen, el film es una epopeya épica sobre la vida de los pobres en la región más pobre de Italia, Sicilia. Como tal emociona y deslumbra. Es una realización magnífica donde no hay momentos de quiebre o de pérdida de continuidad.
A lo largo de 2 horas y media vamos a compartir las vicisitudes de Peppino, su familia, amigos y enemigos.
Si bien el argumento es densamente emotivo y romántico, carece de golpes bajos y las escenas de crueldad están hábilmente dosificadas como para no espantar al espectador.
No es asustar ni escandalizar lo que busca el director, sino pintar un cuadro mural de 50 años en la vida de un pueblo siciliano y lo hace con un inmenso amor a su tierra natal.
Es excelente la actuación, claro que en una película coral como esta, las actuaciones individuales se pierden un poco. También excelentes son la fotografía de Enrico Lucidi y la música de Ennio Morricone.
La natural simpatía de Francesco Scianna (Peppino adulto), tiene mucho que ver con la complicidad que el espectador crea con Peppino.
Trailer
Diez puntos sin lugar a dudas para esta magnífica epopeya de Giuseppe Tornatore.

Los últimos días del mundo (Arnaud y Jean-Marie Larrieu, 2009)

Basada en una novela de Dominique Noguez, "Los últimos días del mundo" narra el viaje en busca de su destino que emprende Robinson (Mathieu Amalric) en los que aparentan ser los últimos días del mundo tal como lo conocemos.
Una guerra nuclear ha estallado en el mundo y los síntomas de la decadencia final están diezmando la sociedad europea.
Pero Robinson va en busca de su amada Lae (Omahyra Mota), a quien ha perdido un tiempo atrás.
A través de diferentes raccontos nos enteramos de como Robinson abandonó a su mujer y a su hija para ir detrás de Lae. Y como a su vez Lae se deshizo de él.
En el transcurso vamos descubriendo cómo ha llegado a su inactividad en las playas de Biarritz, donde una librera le ofrece un libro de cocina con espacio para tomar notas en reemplazo de los cuadernos que ya no existen y donde Robinson escribirá su historia.
La librera (Catherine Frot) volverá a cruzarse una y otra vez con Robinson y juntos se encontrarán en su huída a España, en Pamplona, para las fiestas de San Fermín. Allí también se suceden los atentados y deberán huir una vez más.
Robinson quiere llegar a Zaragoza, donde vive la madre de Lae, para preguntar por élla. Ombeline, la librera, deja atrás a su marido que se ha fugado con Iris (Clotilde Hesme), la hija de un tenor español, amigo de Robinson, Theo (Sergi Lopez).
En Toulouse se va a encontrar con una ciudad desierta luego de que el presidente francés anunciara que deja el gobierno porque ya es un sinsentido. Se va a encontrar con su ex-mujer Chloe (Karin Viard) quien trabaja para el ejército francés. Ella le ofrece huir de la ciudad pero él no quiere irse, por lo que élla decide acompañarlo, pero un misil va a frustrar su posible reencuentro.
Como verán la historia es apocalíptica y muy compleja y tiene miles de vericuetos y está tan bien realizada que ninguno de éllos hace agua o naufraga en las arenas movedizas de la insensatez, probablemente porque el guión escrito sobre la novela de Dominique Noguez le aporte verosimilitud al desarrollo de la historia.
Hasta último momento estaremos siguiendo el periplo de Robinson, quien luego de una pesadilla en el castillo de la Marquise d'Arcangues (Sabine Azema en una aparición triunfal), decide retornar a Paris.
Y no sigo contando la historia para que la vean por ustedes mismos.
Muy interesante película, sin huecos, perfectamente realizada y con equipos en Francia y en España muy bien coordinados.
El ritmo es constante en las dos horas de duración y la atención no decae un instante.
Ocho puntos para la película de los hermanos Larrieu.

La Ciudad de tu Destino Final (James Ivory, 2009)

"La Ciudad de tu Destino Final" es hasta ahora la última película de este genio californiano vuelto inglés del cine. Y probablemente lo sea porque en el camino han quedado su mujer, Ruth Prawer Jhabvala, responsable de los guiones de sus películas, habitualmente adaptación de grandes novelas e Ismail Merchant, productor en conjunto con él de todas sus películas.
Vaya a saber qué vuelta del destino les hizo hacer que la novela de Peter Cameron fuera la elegida para ser llevada a la pantalla. Solamente el título encierra todo un enigma filosófico.
¿Cuál es el lugar donde vas a elegir vivir finalmente?: en el caso de esta novela el lugar es "Ocho Ríos", una estancia uruguaya al borde del Río de la Plata.
Para poder absorver parte del espíritu del lugar, el campo, los gauchos, el asado, Ivory traslada todo su equipo de filmación a la República Argentina y se afinca en una hermosa estancia de la ribera rioplatense. Es allí donde sus marionetas van a tomar cuerpo y alma en los grandes actores elegidos para llevar adelante el drama.
Es imposible comenzar sin mencionar a Anthony Hopkins, habitué de las películas de Ivory. Aunque probablemente haya tenido más suceso por encarnar a un asesino terrorífico, las películas que lo catapultaron al pedestal de la fama fueron "La mansión Howard" y "Lo que queda del día", ambas de James Ivory.
Omar Metwally debe su nombre a su padre egipcio, pero es estadounidense de nacimiento. Omar es quien encarna a Omar Razaghi, el profesor de literatura entusiasmado en escribir su tesis sobre un escritor que murió en "Ocho Ríos".
Alexandra Maria Lara, importantísima actriz alemana a quien hemos visto en increíble cantidad de películas es quien personifica a la manipuladora Deirdre, la novia de Omar.
En "Ocho Ríos" conviven la esposa del escritor encarnada por Laura Linney y la amante del escritor, Arden, mi admirada Charlotte Gainsbourg quien desde la inocente "Jane Eyre" de Zeffirelli hasta la alienada esposa de "Anticristo" de Von Trier ha demostrado ser una de las actrices más importantes de la actualidad.
Otra de las mujeres en "Ocho Ríos" es Mrs. Van Euwen, quien conoce santos y milagros de toda la población y a quien encarna con inefable simpatía y persuasión, Norma Aleandro.
Y por último Pete, el amante japonés de Anthony Hopkins, un descubrimiento de esta película, el gran actor japonés Hiroyuki Sanada.
Nombrando a los actores y a la novela que inspira el film, normalmente se puede evaluar un 50% de las películas de Ivory. En el 50% restante está la música.
En este caso no participa el habitual Richard Robbins, sino que la música está a cargo del cantautor uruguayo Jorge Drexler quien ya había deslumbrado al mundo con la canción final de "Diarios de motocicleta".
El tema principal se denomina "El museo de las distancias rotas" y el título es casi un homónimo del de la novela.
Jorge Drexler
Esta película consiguió hacer vibrar las cuerdas más íntimas de mi alma, probablemente por aquello de "tu destino final" o porque Ivory haya elegido mi país para filmar su última película.
Todavía espero que Ivory encuentre un nuevo hermano productor y alguien que pueda escribir para él un nuevo guión maravilloso para volver a disfrutar de una gran película.
Diez puntos para "La Ciudad de tu Destino Final".

La cinta blanca (Michael Haneke, 2009)

A medida que voy viendo más películas de Michael Haneke aprendo a comprender su peculiar lenguaje tan frío y preciso como los hechos. Es una insición hecha con escalpelo en los márgenes del corazón.
En este caso el argumento también le pertenece.
Hay algo muy extraño con el mundo austríaco. Los valses parecen ser solamente cosméticos para esta sociedad tan compleja y monstruosa, para decirlo con toda sencillez.
Hay dos casos que vienen a mi memoria:
1) Josef Fritzl, quien tuvo encerrada a su hija desde los 18 años en el sótano obligándola a mantener relaciones sexuales con él. De su hija tuvo 7 hijos-nietos concebidos durante los 24 años de abuso y secuestro.
2) Una partera, no pude encontrar su nombre, que guardaba en el freezer los cadaveres de los no natos que atendía.
En esta película Michael Haneke comienza diciendo, "tal vez esta historia pueda explicar lo que sucedió luego en nuestro país".
Está haciendo referencia a que los hechos se desarrollan en una pequeña comunidad en los años previos al asesinato del archiduque en Sarajevo que fue la excusa necesaria para comenzar la primera guerra mundial.
La sociedad que se retrata es una sociedad reprimida en exceso y, según dice uno de los personajes, dominada por la maldad. No hay amor de los padres para los hijos ni para sus esposas. No hay amor en absoluto. Una sociedad así no se gana el derecho a la vida, solo sobrevive ahogada en su propio veneno, en una multitud de rencores, envidias y maltratos.
Es importante el aviso que Haneke escribe a la humanidad. Lo que estén haciendo con los hijos es lo que luego será el mundo que nos rodee.
El narrador va contando en primera persona como se desarrollaron los hechos. Con toda meticulosidad va describiendo los hechos uno a uno. Sin embargo, la única escena con la prueba del delito no es de conocimiento del narrador, queda entre la cámara y el espectador. Claro que el espectador deberá ser lo suficientemente despierto para entender lo que la cámara en silencio le ha mostrado. Sensacional.
Impecablemente fotografiada en blanco y negro por Christian Berger, sería totalmente imposible pensarla en colores. Con la austeridad que lo caracteriza la música brilla por su ausencia y los actores se mueven ante las cámaras como si esa hubiera sido su verdadera vida. En esto hay que tener en cuenta que buena parte de los actores son niños.
Die weisse band
Con esta película Michael Haneke obtuvo la gran Palma de Oro en Cannes, festival del que ya se había llevado premios en 2001 por "La pianista" y en 2005 por "Caché" y que acaba de ganar nuevamente en 2012 con "Amour". Según consta en IMDB, "La cinta blanca" ganó 49 premios y 25 nominaciones en diferentes festivales.
Después de esto sería muy ponto de mi parte pretender calificarla. Recomiendo que si no la han visto la vean. Pertenece a lo que llamo el "cine imprescindible".

Ander (Roberto Castón, 2009)

Hay muchas veces en que quedo sorprendido por la calidad de ciertas películas que se desconocen por completo en mi país. "Ander" es una de éllas.
Producto de una cultura bien enraizada en Argentina que recibió a miles de inmigrantes vascos transformando las "tx" en "ch". Y sin embargo sus costumbres están muy lejos de nuestra conciencia popular.
"Ander" es una película vasca, hablada en euskera y que entiendo representa cabalmente a la cultura de los pueblos vascos españoles.
Ganó dos premios, uno en el festival de Berlín 2009 y otro en Toulouse (Violette d'Or).
Desde el principio hay que lidiar con el oído que se niega a escuchar esa lengua tan lejos de nuestros vocablos latinos. Podemos entender que "Ander" es Andrés, pero que como Andrés se llamaba el padre muerto él quiere que lo llamen Ander.
Y así se van sumando una a una las costumbres descriptas con la precisión de fotografías instantáneas sobre la vida de esta familia de granjeros vascos.
Pero tal como sucede en otras comunidades de campesinos españoles, Ander además trabaja en una fábrica, teniendo a su cargo también cultivar la huerta y cuidar de los animales.
La madre de Ander comprende el castellano pero no lo habla y la hermana, que también se llama Arantxa como la madre, está a punto de casarse con Iñaki.
Mientras escucha música, Ander cuida de las vacas que están pastando en lo alto de una colina. Y un día da la mala suerte que se cae y se fractura la tibia. Con la fábrica no hay problema, pero ¿quién se hará cargo de la granja?. Iñaki les ofrece llamar a un peruano que necesita trabajo y conoce bien los trabajos rurales. Y así es como José ingresa en la vida de Ander.
Ese es el punto de partida de la historia que se va a narrar con una magistral calidad y seriedad.
Son muchísimas las "notas" que se refieren al estilo de vida de los campesinos vascos y muy bien presentadas sin que se transformen en algo pintoresco. La fotografía es hermosa, también los paisajes lo son, fue filmada en la provincia de Vizcaya.
Es absurdo y casi imposible de relatar un acercamiento homosexual entre el campesino vasco y el "indio" peruano. Y también lo es para el propio Ander que lo rechaza como también rechaza sus propios sentimientos al respecto transformando ese sentir en fuerzas negativas.
Hace falta saber perfectamente lo que se va a relatar para desarrollar una película de este tipo con atavismos culturales tan fuertes y el director lo consigue con grandes méritos.
También los actores, Josean Bengoetxea y Christian Esquivel aportan lo suyo. El resto del elenco también está perfecto.
No creo que puedan conseguir fácilmente esta película, pero si lo hacen traten de verla porque se van a asombrar de su calidad.
Sobre 10 puntos vayan 8 puntos para "Ander".

Estrella brillante (Jane Campion, 2009)

Jane Campion posee una estética muy especial en sus películas. Recordemos "La lección de piano" con Holy Hunter y "Retrato de una dama" con Nicole Kidman.
Su romanticismo está emparentado con los grandes autores románticos del siglo XIX. La fotografía es perfecta y la luz tenue, como si se tratara de cuadros de Vermeer. La música es todo un hallazgo. El arreglo vocal para la Serenata Nº 10 en B es magnífico.
Orquesta Humana
Todo eso hace que se cree una atmósfera muy especial dentro de la cual los personajes se mueven como si fueran fantasmas recordados en un sueño.
Esta película es el colmo del romanticismo. "Estrella brillante" (nombre de un poema de Keats) está basada en el gran amor del poeta John Keats, entonces sus poemas parecen escritos en la pantalla como si se tratara de un film de Peter Greenaway.
Las interpretaciones son buenísimas, muy acordes con la historia y el estilo de Jane Campion.
Abbie Cormish, heroína de las historias de Jane Austen, es Fanny Brawn y Ben Whishaw, hace de John Keats.
Aunque el final es previsible, después de todo se trata de una biografía, la historia se va desenvolviendo con la mayor calma y sin estallidos emocionales. Como decían antes, "la procesión va por dentro".
Desde mi punto de vista el mayor acierto es el aspecto estético. Jane Campion se permite dar a cada escena el clima necesario, así deba ser a la luz de las velas y eso vuelve a la película muy querible.
Mi calificación es de 8 puntos sobre 10.

Cairo time (Ruba Nadda, 2009)

"Cairo time" no tiene un nombre oficial en castellano. En francés se llama "Souvenirs du Caire" y he visto artículos donde se la menciona también como "Viaje al Cairo".
La directora, Ruba Nadda es canadiense y es también la autora del guión de esta película tan misteriosa.
Co-producción entre Canadá, Irlanda y Egipto, una mezcla muy extraña, tiene en el papel principal a Patricia Clarkson. Para quien hayan visto "Whatever works" de Woody Allen recordarán su actuación en el personaje de la madre. Es una actriz muy seductora y profunda. Para completar el dúo romántico de la película, un actor egipcio, Alexander Siddig.
Pero, ¿qué pasa en esta enigmática película?. Patricia Clarkson viaja al Cairo para encontrarse con su marido que trabaja para la ONU en la franja de Gaza y disfrutar de sus vacaciones. El marido no va a poder ir al Cairo por un motivo u otro, entonces un amigo egipcio, Alexander Siddig, se hace cargo de recibir y hacer compañía a su mujer en una ciudad tan inhóspita para una mujer sola como es El Cairo.
Toda la película está filmada en El Cairo y para quien la haya visitado es una alegría contemplar los hermosos paisajes del Nilo, las pirámides y las ancianas mezquitas. También, aunque no tan poéticos, los callejones repletos de gente, los bazares al aire libre y el tránsito congestionado del centro del Cairo.
En medio de todo esto se desarrolla la película con ritmo europeo, lo que quiere decir que no responde a los cánones americanos de filmemos una película en un país exótico.
La fotografía es impecable y la música, de Nyall Byrne, hipnótica. En sus mejores momentos hace recordar las bandas sonoras de Michael Nyman ("La lección de piano" y "Gattaca" entre otras).
La historia romántica se va desencadenando paso a paso y de un modo evidente aunque sin traspasar las barreras de la realidad. Quizás sea la mirada de una mujer lo que haga de la película una historia tan congruente, donde los apasionamientos melodramáticos no tienen cabida.
Hay mucho hermoso para tomar contacto con El Cairo y una hermosa historia muy bien contada que la hace muy agradable de ver. Sobre diez puntos mi calificación es de ocho (8).
Aunque no sé si la van a encontrar en algún lado, si llegaran a verla, no dejen pasar la oportunidad.