La tercer generación (Rainer Werner Fassbinder, 1979)

Rainer Werner Fassbinder fue todo un acontecimiento para el cine alemán de los años 70 y 80. Murió cuando solo tenía 37 años así que es impredecible decir hasta donde hubiera llegado. Formó su propio equipo de técnicos y actores y habitualmente él mismo se encargó de escribir los libros y guiones de sus películas. Incluso en su última película, la osada adaptación de la novela "Querelle" de Jean Genet, es más lo que aportó Fassbinder que la novela original.
Esta "Tercer generación" como el resto de sus películas retrata a la burguesía alemana del oeste. Y aunque haya sido tachado de anti-comunista y anti otras cosas, lo hace con plena lucidez. Hasta asusta.
La RAF (Rote Armee Fraktion) fue un movimiento terrorista que asoló la Alemania Occidental durante los años en que Fassbinder rueda sus películas. En 1977 llevan al país a una crisis que se denominó "German Autumn". Fueron responsables de atentados, secuestros y muertes. Aún más importante fue la Revolutionare Zellen, responsables de cerca de 300 muertos.
En la película se muestra a una célula terrorista formada mayoritariamente por miembros de la burguesía y hasta de la clase alta y en tono de comedia negra, se va pintando cómo siguen los intereses de un capitalista internacional para promover sus productos.
En un momento del diálogo, se desliza la siguiente frase que debería hacernos abrir los ojos y la mente, "El capitalismo crea al terrorismo para hacer que el estado tenga que protegerlo". Creo que está todo dicho.
Pensemos en "Sendero luminoso" en Perú matando campesinos o en Al Qaeda siguiendo fielmente con sus atentados los intereses de las empresas americanas.
Todo esto está filmado con una precisión de taxidermista y los personajes se pasean por el humor negro con una facilidad pasmosa. No es habitual tanta perfección en Fassbinder porque habitualmente la cámara se va de paseo como en "Desesperación" filmando desde el corredor exterior la habitación con paneles de vidrio donde se desarrolla la acción. Algo que utiliza continuamente en esta película es tener como fondo el sonido de una radio o televisor leyendo las noticias. No deja que se escape ni el más mínimo detalle.
Como si todo esto fuera poco, es importante saber que esta película fue recién liberada al público en 2004, más de treinta años después que fuera filmada.
Creo que por todo esto (y por Hanna Schygulla vestida de clown) vale la pena asignarle 9 puntos sobre 10.
Si tienen oportunidad de conseguir una copia no se la pierdan.

Cloud Atlas (El atlas de las nubes) (Tom Tykwer, Andy Wachowski, Lana Wachowski, 2012)

"Todo está conectado". Tal es la tesis de la novela de David Mitchell que en la película se demuestra con imagenes. Imagenes de una muy alta calidad.
No sé a quién darle mayores palmas: si a los tres directores, geniales en su concepción; si a la dirección de fotografía con visiones del mundo que nos llevan a realidades ignotas; si a la dirección artística, a los efectos especiales y ordinarios, al vestuario, a la música o a los actores. Todo está bien puesto, todo está bien armado. Así que habría que acordarse del genial artífice del montaje (Alexander Berner) que permite a través de casi 3 horas desarrollar en paralelo historias de diferentes tiempos y latitudes sin que cunda la confusión. Y también de todos los productores, los alemanes, los ingleses, los españoles y por supuesto los tres directores que también participaron en la producción.
Cloud Atlas
Inconmensurable sería mi definición más cercana.
Esta película es multi-nacional y también de múltiples directores. Un director geminiano nacido en Wuppertal, Alemania como Tom Tykwer quien ya había demostrado lo que sabía hacer en "Corre Lola corre", "Perfume" y en "Drei" y de los norte-americanos hermanos Wachowski (Andy capricorniano y Lana geminiana), quienes ya se habían encargado de llevar adelante las 3 partes de "Matrix" y "Meteoro".
Los actores también abordan diferentes personajes. Es la primera vez que veo a Tom Hanks hacer de un malvado muy malvado y de nativo hawaiano o a la hermosa Halle Berry travestirse de médico coreano. Los impecables Ben Whishaw ("Perfume" y "Estrella radiante"), Jim Broadbent (inolvidable de tantas películas, el dueño del Moulin Rouge), Hugh Grant como un ejecutivo o un asesino hawaiano, la siempre hermosa Susan Sarandon, la recién descubierta para mí Doona Bae, actriz coreana de un previsible futuro, interpretando a una coreana de fabricación y también a una mexicana a quien le matan el perrito. Jim Sturgess ("Across the universe" y "Siempre el mismo día"), Hugo Weaving (de "Matrix" y el "Señor de los anillos"), James D'Arcy y tantos otros que no conozco bien. Hasta un argentino, Víctor Esteban Sole.
Fue filmada en lugares tan disímiles como los estudios alemanes Babelsberg de Brandenburgo en Alemania y también en Düsseldorf, las islas Baleares y Escocia.
Para la dirección se repartieron las escenas según los tiempos (antiguas, actuales y futuras) y las locaciones. No es fácil hacer que todo eso combine.
El resultado es estupendo. Es una película fácil de ver y atrayente del principio al final. Estamos pendientes de como se resolverán las situaciones, las persecuciones y cómo, por una vez, los malvados no se saldrán con la suya. Por sobre todas las cosas hay un mensaje positivo. Quizás un poco maniqueo, porque los actos se califican como buenos o malos y en la vida real no siempre es tan fácil poder adjudicar premios y castigos. Pero de todos modos es positivo y abre al alma infinitas posibilidades. Quizás todo lo que estamos haciendo bien sea consecuencia de algo que se hizo bien en el pasado y vaya a influir en el futuro en las posibilidades de la humanidad.
Sobre 10 puntos, "Cloud Atlas" se lleva 10 puntos. A la realización, a las ideas y al espectáculo.

Conspiración de mujeres (Peter Greenaway, 1988)

Ah, con Peter Greenaway siempre se establece una discusión entre pochocleros y amantes del cine. No es un cine digerido, hay que masticarlo muy bien para poder digerirlo, sino se queda atravesado entre el estómago y el corazón. Quien haya sufrido los efectos de "El cocinero, su mujer y su amante" o de "El vientre de un arquitecto" entenderá de lo que estoy hablando.
De todos modos hay gente que se va de mambo con Peter Greenaway. No porque su cine esté en las antípodas del de Steven Spielberg significa que es un cine complicado. Una vez, un profesor en un seminario sobre crítica cinematográfica afirmó que para ver a Peter Greenaway había que ser un entendido en pintura flamenca. Eso causó que le perdiera totalmente el respeto y que el seminario no me sirviera para nada.
Vamos a poner algunas premisas:
1) el cine de Peter Greenaway es un cine de autor;
2) su formación fue en pintura así que domina absolutamente el arte de pintar la pantalla de manera que cada escena sea una obra de arte;
3) le interesa más el lenguaje cinematográfico que la literatura, por eso en sus filmes todo se expresa a través de la imagen y muy poco a través de la palabra. Cómo será, que en sus últimas películas atiborra la pantalla de palabras escritas que no tienen ningún significado para la trama;
4) le gustan los guiños, las llamadas de atención, las relaciones inteligentes. Es una persona de un muy alto nivel intelectual y cultural;
Todo esto no quiere decir que a todo el mundo le guste su cine. Por el contrario, hay que ser una persona absolutamente abierta a lo estético para poder disfrutarlo.
Hecha esta salvedad, hablemos de la película "Conspiración de mujeres" cuyo título ya es un juego de palabras porque en inglés esto se dice "Drowning by numbers". Drowning también significa ahogado y hay un personaje que se la pasa contando todo, desde las hojas de un árbol hasta los insectos en la arena. Cuando vean la película me van a entender.
Las tres mujeres protagonistas de esta conspiración son abuela, madre e hija y las tres se llaman igual: Cissie Colpitts. La abuela es Joan Plowright y como me gusta todo lo que haya hecho, haga y hará no tengo más que decir. Escucharla hablar es una caricia para los oídos. La madre es Juliet Stevenson, para mí desconocida hasta esta película y la nieta es Joely Richardson que si les resulta una cara familiar se debe a que es la hija de Vanessa Redgrave y Tony Richardson.
El personaje de Cissie Colpitts volverá a aparecer en la trilogía de las maletas de Tulse Luper.
No es una tragedia, no es un secreto para entendidos. Es una película amable y graciosa para ver si se dejan pasar algunos detalles surrealistas y otros sanguinarios. También derrocha humor. No digo que sea una comedia de sketches, sino que todo lo que sucede está pintado con humor, a veces humor negro, pero humor al fin. Como es costumbre en las películas de Greenaway, la música es de Michael Nyman  y es un placer escucharla.
Sobre 10 puntos, "Conspiración de mujeres" se merece 9 nuevos. Espero que la puedan ver y les guste.

El séptimo continente (Michael Haneke, 1989)

Si uno se suicida, ¿mata también a su sillón?.
Michael Haneke obtuvo la Palma de Oro del festival de Cannes 2012 con su película "Amour".
Para llegar al 2012 conociendo al director, quise comenzar viendo sus películas anteriores y elegí "Der siebente kontinent".
Michael Haneke nació en Munich, pero hizo toda su carrera en Viena. Los austríacos son gente muy particular. Este es el caso real de una familia. Un matrimonio y su hija.
Para colocar distancia con el relato, la película está segmentada en capítulos. El enfoque es muy particular, si están hablando en la mesa del desayuno, la cámara hace un enfoque perfecto de un colorido plato de cereales. Podría hacer como Michael Haneke y dejarlo ahí, pero es necesario decir que en el devenir de la película no hay ninguna justificación de a donde se está yendo.
No hay graves problemas, el más grave acontecimiento ya sucedió cuando comienza la película, que es la muerte de la madre de élla (ella es Anna Schober, interpretada por Birgit Doll). El marido va a obtener una promoción en su lugar de trabajo (Georg Schober, interpretado por Dieter Berner). La única que presenta problemas de conducta, aunque no demasiado graves para una chica de 9 o 10 años es la hija (Eva Schober  interpretada por Leni Tanzer).
Sin embargo, a pesar del desapego que la película muestra por las emociones, la imagen crea un estado alucinatorio enfocando casi continuamente a los objetos. Enfoca a la pecera, a los peces comiendo y a la mano que arroja el alimento, pero no sabemos de quién es la mano.
Por el efecto que causa, diría que estamos ante un maestro del cine. Como a otros no le hace falta contar con palabras ya que la imagen lo dice todo, aún centrándose en los ambientes más que en los caracteres.
Y el efecto es perturbador. Entiendo que nadie que vea esta película va a salir como entró, porque las preguntas llegan como torbellino a nuestra mente. La necesidad de porqués que tenemos.
De diez puntos, "El séptimo continente" se merece 10. Es una película que ya tiene más de 20 años así que considero bastante difícil que la transmitan por televisión o se consiga en DVD. Si la llegan a ver no la dejen pasar. Vale la pena.

Las Razones del Corazón (Arturo Ripstein, 2011)

Arturo Ripstein es sin lugar a dudas, el director de cine mexicano más prolífico de la actualidad. Viene filmando desde hace 20 años alrededor de una película por año y todas de una excelente calidad. Claro está que no pertenece a los directores mexicanos que filman en Holywood como Alfonso Cuarón ("Grandes esperanzas" y "Harry Potter xx") ni a los que tienen el ojo puesto en Cannes como Alejandro González Iñárritu ("Babel" y "Biutiful") y Carlos Reygadas ("Japón" y "Luz silenciosa"). Arturo Ripstein es un ejemplo del cine de autor.
Ripstein filma coproducciones con España y con eso logra películas de un nivel inmejorable desde un punto de vista técnico pero que siguen manteniendo su sello.
Ripstein junta su equipo cada vez, Paz Alicia Garcíadiego (su mujer) que escribe los guiones, sus hijos que siempre de algo se encargan, David Mansfield haciendo la música, actores como Patricia Reyes Espíndola que si no me equivoco ha actuado en todas sus películas y con eso consigue que sus películas mantengan su estilo que, aunque heredado de Luis Buñuel (se inició como asistente en "El ángel exterminador"), es absolutamente propio.
Las películas de Arturo Ripstein son melodramas con todas las de la ley que presentan personajes marginados o bien que van marginándose poco a poco. Escuché de mucha gente que le molestan las películas de Ripstein. Como el caso de "Profundo carmesí" y sus asesinos seriales o "La tía Alejandra" y la brujería.
Los nombres lo dicen todo: "La mujer del puerto", "La virgen de la lujuria", "El lugar sin límites", "La perdición de los hombres" o "Carnaval de Sodoma".
En este caso Arturo Ripstein encara a la famosa Madame Bovary de Flaubert para hacer una adaptación a nuestros días. Entonces logra una vez más contar su historia favorita, como personajes de la clase media caen en la total marginación y todo eso producto del "amour fou", el amor loco, que no tiene barreras y lleva a la destrucción.
Extrañamente elige el blanco y negro para filmar. Tal vez para quitarse la tentación de llenar de rojos, púrpuras y bermellones la pantalla. La historia, tremenda en sí, está bastante aligerada por el ritmo que le imprime a los personajes, sobre todo al de Emilia (Arcelia Ramírez) que es quien sostiene todo el tiempo la acción.
Y a pesar del arrastre a la perdición no es una película que arrastre al espectador. No hay ni la menor compasión por el personaje, que se muestra, tal como dice el título de la película, obedeciendo a las "razones del corazón".
Le doy 8 puntos de 10.

Diez (Abbas Kiarostami, 2002)

Cada vez más Abbas Kiarostami ha ido ocupando un lugar dentro de la cinematografía mundial.
En general todo el cine iraní, al menos el que nos llega, es muy importante para los tiempos que vivimos porque nos muestra una sociedad, que podría ser de otra galaxia y que sin embargo nos resulta tan familiar. Pero Kiarostami, de entre los directores iraníes, tiene una magia muy especial.
Pone a rodar un auto por las calles de Teherán con dos personajes que dialogan y a través de ese diálogo nos deja entrever sus vidas, sus personalidades y sus conflictos.
Es llamativo que la sociedad iraní, haciendo caso omiso del aspecto religioso, sea tan parecida a la argentina. Los caracteres podrían vivir tanto en Buenos Aires como en Teherán.
El título se refiere a la cantidad de mini-historias que se presentan en la película. Todas están hilvanadas por el personaje de la mujer que conduce. Una mujer divorciada que se ha vuelto a casar. En la primera historia nos enteramos de esto a través del hijo de su primer matrimonio que no acepta esa realidad.
Así van a desfilar otros caracteres, entre éllos, llamativamente, el de una prostituta, que se sube de noche al auto pensando que conduce un hombre. Este diálogo, entre la mujer casada y la prostituta, es de antología. Además nunca hubiera imaginado como podría pensar una prostituta en Teherán.
Cada historia comienza por el número que identifica a la historia.
Es una película minimalista que me hace recordar a las de Rodrigo García, sobre todo, porque en esta película Kiarostami se centra en personajes femeninos.
Todo lo que se dice y lo que no se dice, camina directamente al corazón, porque no está guiado por una explicaciòn o un razonamiento coherente. Es vital y humano, desde el enojo del hijo hasta las burlas de la prostituta.
Si nunca vieron antes un film de Kiarostami aconsejo comenzar la aproximación a su cine a través de esta película. No hay parábolas ni consejos subliminales. No hay juegos con la realidad. Solo que los personajes al moverse continuamente con el tránsito, parecieran provenir de un lugar donde divagan las almas, sin contacto temporal ni espacial.
Para mí, esta película se merece como mínimo los diez puntos sobre diez con los que hago mis calificaciones. Espero que la puedan ver para disfrutar tanto como yo lo hice.

Estrella brillante (Jane Campion, 2009)

Jane Campion posee una estética muy especial en sus películas. Recordemos "La lección de piano" con Holy Hunter y "Retrato de una dama" con Nicole Kidman.
Su romanticismo está emparentado con los grandes autores románticos del siglo XIX. La fotografía es perfecta y la luz tenue, como si se tratara de cuadros de Vermeer. La música es todo un hallazgo. El arreglo vocal para la Serenata Nº 10 en B es magnífico.
Orquesta Humana
Todo eso hace que se cree una atmósfera muy especial dentro de la cual los personajes se mueven como si fueran fantasmas recordados en un sueño.
Esta película es el colmo del romanticismo. "Estrella brillante" (nombre de un poema de Keats) está basada en el gran amor del poeta John Keats, entonces sus poemas parecen escritos en la pantalla como si se tratara de un film de Peter Greenaway.
Las interpretaciones son buenísimas, muy acordes con la historia y el estilo de Jane Campion.
Abbie Cormish, heroína de las historias de Jane Austen, es Fanny Brawn y Ben Whishaw, hace de John Keats.
Aunque el final es previsible, después de todo se trata de una biografía, la historia se va desenvolviendo con la mayor calma y sin estallidos emocionales. Como decían antes, "la procesión va por dentro".
Desde mi punto de vista el mayor acierto es el aspecto estético. Jane Campion se permite dar a cada escena el clima necesario, así deba ser a la luz de las velas y eso vuelve a la película muy querible.
Mi calificación es de 8 puntos sobre 10.