Jugando en los campos del Señor (Héctor Babenco, 1991) 🌟🌟🌟🌟🌟

 

Héctor Babenco, un gran director de cine argentino que desarrolló su carrera principalmente en Brasil y que luego del éxito de El beso de la mujer araña, también hizo algunos filmes en USA, como este.

Basándose en la novela de Peter Matthiessen, el gran guionista francés Jean-Claude Carriere en conjunto con el mismo Babenco, desarrollan un guión que destaca por el excepcional camino en la búsqueda de alcanzar la iluminación que es meta de la obra.

La historia se desarrolla en algún lugar de la selva amazónica y el film fue filmado allí mismo. Allí está Mae de Deus, el villorrio donde comienza la historia. Volando su avión llegan buscando gasolina, Lewis Moon (Tom Berenger) y su compañero Wolf (Tom Waits). El comisario del lugar, Comandante Guzmán (José Dumont), les pide los documentos y los papeles del avión y determina que la documentación del avión no está correcta y les secuestra los pasaportes y el avión. Tiene su propio proyecto para el avión.

Llegan también a Mae de Deus, Martin Quarrier (Ailan Queen) con su esposa Hazel (Kathy Bates) y su hijo Billy. Son fundamentalistas evangelistas y han venido al amazonas convocados por la iglesia evangelista que conduce Leslie Huben (John Litgow) con su esposa Andy (Daryl Hannah), cuyo proyecto no es tanto evangelizar a los aborígenes, sino quitárselos a los misioneros católicos.

La misión católica fue abandonada hace un tiempo, luego que los Nauromi, la tribu que habita más allá de la aldea, en una zona montañosa, mataran al Padre Silva y a cuantos estaban con él. El proyecto de Huben es que los Quarrier ocupen la misión.

El proyecto del comandante Guzmán, es que los americanos sobrevuelen los pueblos nauromi y los bombardeen para obligarlos a huir dejando sus tierras.

Esa noche, Lewis Moon, que es un indio chayanne, está convulsionado por la idea de bombardear a los nauromi y se toma una botella de ayahuasca, un alucinógeno poderoso que se supone abre la mente.

Hasta aquí la presentación de los personajes. Durante unos minutos más de 3 horas, Babenco los hará enraizar en la historia e hilvanar el destino trágico de los hombres blancos enfrentando a la naturaleza.

Con una banda sonora magistral, creada por Zbigniew Preisner, el gran compositor polaco autor entre otras de las bandas de sonido de Europa, Europa, La doble vida de Verónica y la saga de los colores de Krzyzstow Kieslowski y con dirección de fotografía de Lauro Escorel, laureado por su obra con varios premios.

Las actuaciones están bien, con excepción de Tom Berenger, cuya vida interior y metamorfósis de indio chayanne a aborigen nauromi es impresionante.

Y la dirección de este inmenso proyecto es soberbia. Héctor Babenco, cuya historia fílmica ha crecido desde Peixote y Carandiru, hasta El beso de la mujer araña, Corazón iluminado, Tallo de hierro, la tremenda historia de los que viven en las calles con las magistrales actuaciones de Meryl Streep y Jack Nicholson y esta increíble epopeya de Jugando en los campos del Señor.

Trailer en inglés

Mi calificación es de 10 puntos sobre 10. Una inmensa aventura espiritual para todos los espectadores.

Al nacer el día (Kad Svane Dan) (Goran Paskaljevic, 2012) 🌟🌟🌟🌟

Goran Paskaljevic es uno de los directores de cine europeos más respetados. Nació en Belgrado (entonces Yugoeslavia) en abril de 1947 y falleció el año pasado en París.

Sin embargo sus películas no son muy conocidas por el público en general.

Sus filmes habitualmente encierran un enorme calor humano hacia sus personajes. "Al nacer el día" no es la excepción. Cuenta la historia de un profesor de música, Misha Brankov (Mustafa Nadarevic) que se retira de la profesión luego de haber creado un coro amateur al que dedicó parte de su vida por amor a la música.

Misha es citado para que le sea entregada una caja metálica encontrada durante una excavación hecha en las inmediaciones del recinto de la exposición de Belgrado de 1937. Ese sitio fue destinado a albergar un campo de concentración para judíos y gitanos serbios durante la ocupación nazi.

Esa caja metálica fue enterrada por Isaac Weiss, el verdadero padre de Misha, quien lo dejó al cuidado de sus amigos los Brankov cuando temía la persecución que se avecinaba.

Es una noticia que no esperaba y empieza a rastrear los datos que tiene. Educado como cristiano, desconoce absolutamente la historia de los judíos en Serbia.

En la caja encuentra una foto y una partitura de música inacabada. Comienza a tocarla en su piano y queda obsesionado con la melodía. A uno de sus alumnos de música, gitano, lo hace practicarla en el violín.

Cuando visita a un rabino en la sinagoga, este le dice que ya escucharon de su caso. La comunidad judía es muy pequeña en Belgrado y todos se conocen.  

Lo invita a participar de una ceremonia el 8 de diciembre, pero Misha tiene otra idea. Le pide que la ceremonia se celebre en el predio del campo de concentración y le dice que va a llevar una orquesta y un coro para celebrarla.

No sigo contando para que los espectadores interesados en el tema vean esta cálida y afectuosa película.

 

Trailer con subtítulos en castellano.

Mi calificación es de 9 puntos sobre 10.

Hay un párrafo que el rabino le comenta a Marko que me impresionó, dice así:

"La experiencia humana, no vale de nada. Se repiten los crímenes, los culpables siguen impunes y el mundo continúa indiferente. Sigue igual y persiste."

El Destierro (Izgnanie) (Andrey Zvyagintsev, 2007) 🌟🌟🌟🌟

Esta película del año 2007, es el segundo largometraje del director Andrey Zvyagintsev. Ya el clima de la película es el del director. Es su firma hecha cine.

Basada en una novela de William Saroyan adaptada por Artyom Melkumian, desde el principio, con una huída en auto por campos y ciudades, el tema se describe visualmente.

Hay una escena en la que Mark (Aleksandr Baluev) acude a su hermano Alexander (Konstantin Lavronenko) para que le extirpe una bala del brazo. Hay una conversación de la que apenas se puede rescatar que Mark piensa irse del país y cuando le pregunta a Alexander, este dice que él piensa irse al campo.

En la escena siguiente, Alexander y su familia, su mujer Vera (Maria Bonnevie) y sus hijos, Kir (Maxim Shibayev) y Eva (Yekaterina Kulkina) llegan a la casa del campo. 

Vera está preparando la comida y le pide a su hija que le alcance una manzana, pero la llama conejita y a la chica no le gusta, dice que ella no es una conejita sino que es Eva. Acto seguido Vera sale de la cocina y se echa a llorar fuera de la casa.

Estas descripciones son simplemente para darles una impresión de como se va a desarrollar, en una intensa y dramática historia, el resto de la película.

Profundamente basada en las emociones más que en los hechos, cuya explicación el director escatima prolijamente, hasta que por un hecho fortuito nos enteramos del porqué del drama.

Al espectador que busca acción le aconsejamos que se abstenga de ver esta película, porque si bien hay acción, la mayor parte tiene su explicación en el reino de las emociones y no de los movimientos físicos.

Al espectador introvertido, esta película lo va a fascinar, porque se mueve más de las puertas de las sensaciones para adentro que para afuera.

La música es realmente impactante, abovedada, de Andrey Dergachev y con sonidos corales de Arvo Part.

La cinematografía, excepcional, es de Mikhail Krichman. Tanto los interiores, como los exteriores, son un lujo para lo visual.

Exilium de Andrey Dergachev con imágenes del film  

Nueve puntos sobre diez para esta excepcional producción rusa.

Una vida oculta (Terrence Malick, 2019) 🌟🌟🌟🌟🌟

Con su particular estilo narrativo, Terrence Malick cuenta el via crucis del granjero austríaco Franz Jägersttäter (August Diehl), cuya conciencia rehusa jurar por Hitler. 

No es que personalmente Hitler lo persiga, sino la comunidad del pequeño pueblo que habita a las orillas del Danubio y en general toda la población germana. Lo que al principio son burlas y críticas, se vuelven encarnizadas persecuciones contra Franz.

Es muy interesante ver esas verborrágicas amenazas (a veces también físicas), ya que el estilo fílmico de Malick hace que todo parezca ser parte de una alucinante visión.

La misma iglesia católica con el párroco de la aldea y luego el mismo obispo, abandonan a Franz a su suerte porque no quieren tener problemas.

No voy a contar aquí toda la historia, porque el lento ritmo de Malick, con la naturaleza espléndidamente fotografiada, hace que la película ronde casi las tres horas de duración.

Querido amigo espectador, te tiene que gustar mucho el cine de Malick (El árbol de la vida, La delgada línea roja y otras más), para digerir esta historia de pesadillas y violencia.

La única que permanece siempre a su lado es su esposa Fani (Valerie Pachner), quien tiene a su cargo la mitad de la película que alterna entre el vía crucis de Franz y la abnegada vida de su mujer, quien con su hermana Resie (Maria Simon) y sus dos niñas tiene que llevar la granja adelante afrontando el desprecio de la gente del pueblo.

No aparecen dinosaurios como en El árbol de la vida, pero en cambio hay un desfile continuo de malas personas que en un entorno violento se vuelven aún más violentas, siempre en el estilo calmo de Malick.

Basado en una historia real, el mismo Malick escribe el guión de su película. La música como de costumbre recoge un repertorio de hermosas páginas de música clásica, tranquilas y apacibles, como lo es el ritmo de todo el film.

La fotografía es realmente exquisita y la dirección de actores impecable. Hay que mencionar la aparición de Bruno Ganz, como el juez Lueben, en una de sus últimas actuaciones para el cine.

Trailer subtitulado en castellano

Si has visto el trailer ya debes entender a qué me refiero con el "peculiar" estilo de Terrence Malick.

Diez puntos para esta maravilla que regocija todos los sentidos.

Pienso en el final (Charlie Kaufman, 2020) 🌟🌟🌟🌟🌟

"I'm thinking of ending things" es la última película del gran Charlie Kaufman. Esta vez filmada para Netflix así todos pueden verla. Basándose en la novela de Iain Reid, Charlie Kaufman hace la adaptación para el cine y la película en sí.

No es una película fácil de asimilar. Es fácil de seguir y agradable de ver, salvo para aquellos espectadores que requieran súper héroes y ese tipo de cosas. De eso no hay aquí.

Sí hay, continuamente, una serie de cortocircuitos, que uno puede dejar pasar, pero que son importantes para la comprensión del film.

Jake (Jesse Piemons) lleva a su novia Lucy o Louise o Laurie (Jessie Buckley) a conocer a sus padres que habitan en una granja en el campo. No es el día más afortunado para hacer el viaje, ya que cuando Jake pasa a buscarla, ya está empezando a nevar. Ese empezando a nevar que luego se transformará en un verdadero temporal.

Durante el viaje leemos los pensamientos de Lucy y vemos algunas respuestas de Jake, aunque normalmente no tienen relación con los pensamientos.

En la granja, Jake la lleva a ver los animales, cosa que angustia a Louise, sobre todo la historia sobre los cerdos. Luego entran a la casa, que aparentemente está vacía. Los padres tardarán un tiempo en aparecer, David Thewlis como el padre y Toni Collette como la madre. La comida será un tanto colmada de exabruptos, pero la buena voluntad de Laurie los sabrá atemperar. Durante la comida Jake compartirá que ella es pintora, pero la conoció como mesera en un restaurante de hamburguesas, que estudia física y muchos otros datos contradictorios.

Luego de la comida, que Lucy se empeña en acelerar porque tiene que volver a su casa, comparten el postre y los padres empiezan a sufrir alteraciones de edad. Tanto se muestran jovenes como ancianos al borde de la muerte.

Ya en el camino de vuelta, en plena oscuridad, a Jake le asaltan deseos de comer algo dulce y a pesar de la negativa de Louise, se detienen en una heladería en pleno camino Tulsey Town que atiende las 24 horas. Allí piden 2 Brrr, muy originales para la noche helada que están viviendo.

No voy a seguir relatando, pero el final es totalmente desconcertante. Busqué explicaciones en Youtube, pero me dejaron aún más confundido, así que invito a los posibles espectadores que dejen sus comentarios con sus opiniones en esta página del blog.

Trailer con subtítulos en castellano 

¿Qué hemos visto?

¿Explicación de Coffe-TV? 

A pesar del desconcertante final, 10 puntos es poco para calificar a Charlie Kaufman.

Gloria Bell, Gloria (Sebastián Lelio, 2019-2013) 🌟🌟🌟

Sebastián Lelio ganó el premio Oscar a la mejor película extranjera con "Una mujer fantástica", que si bien es una muy buena película creo que recibió el premio por ser la intérprete principal una mujer trans.

Debido a este premio tuvo ofertas para hacer cine en Hollywood. Y ¿qué elige hacer?, mejor dicho, rehacer, "Gloria". Una excelente película del año 2013 protagonizada por Paulina García. 

Para protagonizar la remake se da el lujo de elegir a Julianne Moore. Ambas son Gloria en las dos películas.

Para mí gusto me quedo con Paulina García, porque Julianne Moore le añade al encanto del personaje un toque de melancolía que lo ensombrece un tanto.

De todos modos, ambas son buenas películas. Casi no ha modificado el guión. Creo que solo quitó el perro porque complicaba la filmación en USA.

El personaje masculino es interpretado por John Turturro y en la versión original por Sergio Hernández. También elijo a Sergio Hernández. Creo que en realidad la versión original goza de la pureza de las obras nuevas y por lo tanto también las interpretaciones lo reflejan.

Recomiendo a los espectadores ver la versión del año 2013, la que se llama "Gloria" a secas, sin el Bell agregado. Van a disfrutar de una película entretenida, graciosa de a ratos y muy bien dirigida.

Gloria (2013) trailer

Gloria Bell 2019 Trailer 

Si notan que hasta los trailer tienen algo de parecido, sí, es así. Siete puntos para las dos películas.

La verdad (Hirokazu Koreeda, 2019) 🌟🌟🌟🌟🌟

Hirokazu Koreeda es uno de los más importantes directores de cine de estos tiempos. Y por primera vez incursiona en una cinematografía extranjera.
Elije para hacerlo la historia de un film dentro de otro film. Fabienne (Catherine Deneuve) es una madura actriz de éxito que está filmando la historia de una mujer, cuya madre viaja constantemente a otra dimensión y que por esa razón no envejece como lo hace su hija. El personaje que interpreta Fabienne, le pide continuamente que se quede con ella, porque teme que la próxima vez que vuelva ella esté muerta.
Lumir (Juliette Binoche) es la hija de Fabienne. Vive en Estados Unidos y ha venido a visitar a su madre para enterarse sobre el libro autobiográfico que Fabienne está editando.
Lumir escribe guiones para el cine y está casada con un actor de poco suceso, Hank (Ethan Hawke).
Lumir sostiene que la autobiografía de Fabienne contiene algunas historias que carecen de realidad y que, por otro lado, historias relacionadas con su padre o con el representante de Fabienne han sido omitidas.
Fabienne dice, en su defensa, que como actriz tiende a embellecer la realidad y a omitir aspectos que no le parecen importantes.
El film que Fabienne está haciendo está basado en una historia de Ken Liu mientras que el guión de La Verite pertenece al propio Hirokazu Koreeda.
¿Cuál es la verdad?, esta es la gran pregunta con la que el espectador tendrá que lidiar. ¿Está en la historia de Charlotte (Clementine Grenier) la madre astronauta?.
¿Dónde quedan los sentimientos para una actriz dedicada completamente a su profesión, acostumbrada a vivir perpetuamente en la realidad de sus personajes?.
Con la precisión de un reloj suizo, Koreeda construye su historia que a algunos desconcertará y que a otros deslumbrará.
Demás está mencionar las excelentes actuaciones de los protagonistas. Fabienne-Catherine, a sus 76 años brinda una lección de perennidad, no solo en su belleza física sino en su capacidad de transmitir la vida interior de sus personajes.
Juliette Binoche-Lumir es un poco el personaje incordio de la historia, ella es la que cuestiona la verdad que Fabienne intenta demostrar y Lumir es también el ser que sufre porque solo puede vivir lejos de su madre.
El personaje de Hank, es toda una historia aparte. Pretende conseguir personajes para encarnar que le brinden la oportunidad de demostrar que puede ser un gran actor, pero vive a la sombra de su mujer.
Esta es una película interesante desde todo aspecto. Desde donde se la observe se verán diferentes matices del caleidoscopio de la verdad humana. Sin pretensiones dramáticas ni grandilocuentes, Koreeda nos introduce en un universo tan rico como pequeño.
Trailer (subtitulado en inglés)
Decir diez puntos sobre diez es decir poco. Prefiero que los espectadores curiosos la vean para entender un poco la magia del cine de Koreeda.

Historia de un matrimonio (Noah Baumbach, 2019) 🌟🌟🌟🌟

Noah Baumbach se destacó por películas que realizó sobre guiones coescritos con Greta Gerwig, "Frances Ha" y "Mrs. America". Después hizo otras olvidables y ahora se destapa con esta magnífica historia sobre la evolución de un matrimonio.
Contando con un magnífico guión escrito por él mismo y con dos actores impecables como son Adam Driver (Charlie) y Scarlett Johanson (Nicole), realiza esta magnífica película en la que se desnudan los aspectos más turbios de los abogados de separaciones.
Habiendo un niño de por medio, Henry (Azhy Robertson), los abogados planifican las más crueles torturas para la pareja.
Laura Dern en su rol de abogada de Nicole, es magnífica, por su caracterización de la dulce y protectora abogada que le quita un 5% del tiempo que compartirán al niño al marido, para que así pierda en algo. Alan Alda personifica al abogado de Charlie, que atendiendo al conflicto esencial de la pareja, vivir en Nueva York, donde vive Charlie o en Los Angeles, donde está Nicole, aconseja a Charlie ceder en este tema, claro está que el hijo quedará viviendo en Los Angeles, pero puede que vaya a la universidad en el este.
Durante las más de dos horas que dura la película vamos a ir entendiendo los vericuetos de la relación entre ambos, de dónde han surgido tantos rencores y por qué no pueden superar las diferencias.
La visita de la evaluadora jurídica (Martha Kelly) del niño a la casa de Charlie es para tirar balcones.
También es interesante ver a Julie Hagerty en el papel de la madre de Nicole, que aunque confiesa 64 años en la película bien podría ser la hermana de Scarlett Johanson.
Una película muy bien filmada, con un ritmo adecuado que no se ralentiza en ningún momento, es siempre agradable para ver y en este caso lo es.
Trailer subtitulado en castellano
Nueve puntos sobre diez es mi calificación

Mujercitas (Greta Gerwig, 2019) 🌟🌟🌟🌟🌟

En mi infancia leí las novelas de Louise May Alcott, en una colección que editaba desde las aventuras de Sandokán hasta "Heidi". Con ilustraciones apropiadas para niños y/o adolescentes.
Luego ví dos versiones de "Mujercitas" trasladada al cine. La más vieja con June Allyson en el papel de Jo y la más moderna, con Wynona Rider.
Estas dos versiones seguían siendo extensiones del lenguaje e ilustraciones utilizados en los libros para niños.
La versión de Greta Gerwig ya no es "Mujercitas", sino que es la biografía de Louise May Alcott utilizando el rol de Jo en la novela. Entonces todo cobra otra dimensión porque a Greta Gerwig le interesa esa mujer viviendo durante la Guerra de Secesión e intentando abrirse paso en un mundo hecho para y por los hombres.
Hay un párrafo donde Amy (Florence Pugh) confiesa que si bien tiene talento para pintar, no es un genio. Laurie (Timothée Chalamet) le pregunta entonces que mujeres reconoce como genio, a lo que Amy responde, ¿las hermanas Bronté?.
La película comienza con Jo (la extraordinaria Saoirse Ronan) juntando fuerzas para entrar a las oficinas de la redacción a la que va a ofrecer su cuento y termina con Jo diciéndole al mismo editor, mire quédese con sus 500 dólares de adelanto, yo prefiero ser dueña de mi propio libro.
Y las imágenes de Saoirse Ronan abrazando la primera edición de su libro, valen por toda la película.
Claro que también están Emma Watson en el rol de Meg, con sus sonrisas tan encantadoras, Laura Dern como la Sra. March o Marmee como prefieran llamarla, que es todo un puntal en la historia cinematográfica de Laura Dern, porque por primera vez personifica un caracter profundamente humano, con ambigüedades y superaciones. También está Eliza Scanlen en el rol de Beth, James Norton como John Brooke y una delicatessen, el francés Louis Garrel como el profesor Baher.
Y no nos olvidemos de Meryl Streep en el papel de la tía March.
Creo que no debe haber espectador al que esta película no lo emocione y no le genere amor por el género humano, salvo que esté demasiado contaminado ya con las gripes de las galaxias, los súperheroes y las remakes de películas de guerra.
Un aspecto a destacar especialmente es la hermosa banda de sonido que Alexandre Desplat compuso para la película. Es realmente excelente.
Trailer subtitulado en castellano
Diez puntos sobre diez resulta poco al momento de calificar una magnífica película como esta, pero es lo máximo que tengo.

Dónde estás Bernadette (Richard Linklater, 2019) 🌟🌟🌟🌟

Richard Linklater es uno de los más creativos directores de cine de Estados Unidos. Entre otros títulos ha dirigido la serie de "Antes del ..." con Ethan Hawke y Julie Delpy y hace poco vimos "Infancia" la película que le tomó 10 años filmar. Esta, su última película, se cataloga como comedia, pero es mucho más que una simple comedia.
Bernadette (Cate Blanchard) es una arquitecta de renombre que por motivos oscuros ha dejado de trabajar para dedicarse a su hija y a su casa.
No es una persona sociable y viviendo en Seattle, si no eres sociable eres algo así como el enemigo.
Su marido, Elgie (Billy Crudup) trabaja para Microsoft y su trabajo le absorve todo su tiempo libre.
Bee (Emma Nelson) su única hija, está a punto de terminar el colegio y piensa inscribirse en una escuela preuniversitaria, lo que haría que dejara la casa y con ella a su madre que invierte todo su tiempo en élla.
A Bee se le ocurre que la familia haga un viaje a la Antártida como cambio total de rutina y esto desata una crisis en Bernadette. Si bien la idea de estar en un barco con 200 personas no le es muy agradable, lo que más la asusta es el cruce hacia la Antártida, en el que el barco debe cruzar el Pasaje Drake que es uno de los más tormentosos del mundo.
Como vemos la historia de Bernadette y su familia es bastante inusitada, pero la historia que se cuenta lo es aún más.
Solo el arte de Richard Linklater puede enlazar todos los hechos sin que el espectador se sacuda en su butaca.
Cate Blanchard nos ofrece una de sus mejores facetas, entre la comedia y la desesperación, para lo que está muy bien dotada.
No voy a contar más detalles de la película porque se volvería tediosa para ver, lo que sí digo es que se ve de un tirón, sin respiros porque siempre se quiere saber que sucederá a continuación.
Trailer subtitulado en castellano
Ocho puntos sobre diez es mi calificación. Disfruté mucho viendo esta película.

Un día lluvioso en Nueva York (Woody Allen, 2019) 🌟🌟🌟🌟

Esta es la película del año de Woody Allen. ¡Cómo lo vamos a extrañar cuando no filme más!.
Esta vez es la clásica comedia de enredos y personajes varios que se desenvuelve en un día lluvioso en Manhattan. Porque el título alude a Nueva York, pero los exteriores transcurren todo el tiempo en Manhattan. El sitio de sus amores para Woody Allen.
Gatsby (Timothee Chalamet), vaya nombrecito que eligió Allen para su alter ego, está estudiando en la universidad de Yardley, lo que no le interesa demasiado, pero su novia, Ashleigh (Elle Fanning) también estudia en Yardley lo que hace que el sitio lo retenga un poco más. Ashleigh tiene proyectos de ser periodista y de ser posible, periodista cinematográfica y recibe el encargo por parte del periódico local de hacerle un reportaje al director Roland Pollard (Liev Schreiber). Para eso debe viajar a Nueva York y a Gatsby le encanta la idea de mostrarle "su" Nueva York a su novia, así que planea un fin de semana en la ciudad.
Por supuesto que las cosas salen de modo totalmente diferente al planeado y por el medio desfilan Chan Tyrell (Selena Gomez), Ted Davidoff (Jude Law), el asistente de Roland Pollard, Connie (Rebecca Hall), la mujer adúltera de Ted Davidoff, Francisco Vega (Diego Luna) un actor latin lover por el que suspiran las adolescentes y Ashleigh también, la madre de Gatsby (Cherry Jones) quien actúa junto con Chalamet, la escena más surrealista que jamás haya filmado previamente Allen. Y muchos más.
El espectador pasará una hora y media de entretenimiento sin grandes problemáticas ni filosofía alleniana, que lo harán salir divertido al menos, del cine.
Trailer subtitulado en castellano
Vale la pena rescatar la magnífica actuación de Elle Fanning quien en dos o tres monólogos se roba totalmente la película. Ocho puntos sobre diez.

Anton Chéjov 1890 (René Feret, 2015) 🌟🌟🌟🌟

Poco tiempo antes de morir, René Feret dio a la humanidad esta obra de arte sobre la biografía del autor ruso Anton Chéjov (Nicolas Giraud).
En ella describe los años difíciles para la familia Chéjov, durante los que consigue mantener a su familia, padre, madre y 4 hermanos, ejerciendo su profesión de médico y publicando de tanto en tanto algún cuento en la prensa local.
Al comienzo de la película se ve como llegan a la casa de los Chéjov, Grigorovich, un escritor que admira lo que ha leído de Antosha Chekhonte, tal el seudónimo con el que publica sus cuentos, acompañado del editor Souvourin (Jacques Bonnaffée). Este compromete a Anton Chéjov a que le envíe todo lo que escriba, que él le pagará 15 kopecs por línea de texto.
Este contrato asegura la estabilidad económica a los Chejov.
Su hermano Isaac (Alexandre Zeff) está enfermo de tuberculosis, pero convence a Anton que cuando mejore lo acompañe a la isla de Sakhalin, en el Pacífico, donde funciona una cárcel de máxima seguridad, porque es imposible salir de la isla. Según Isaac, las condiciones de vida en la isla son miserables y deberían hacerse públicas para provocar un cambio.
También describe su relación con Lika (Jenna Thiam) quien está profundamente enamorada del escritor. Para este en cambio, las relaciones no establecen lazos afectivos y por lo tanto puede tenerlas o dejarlas a voluntad.
Después de la muerte de Isaac, Anton decide viajar a Sakhalin para cumplir con la promesa dada a su hermano.
Las condiciones de los presidiarios en Sakhalin son terribles. Están sucios, abandonados y mal alimentados. Anton se relaciona con la maestra, Anna (Marie Feret), hija de un presidiario que decidió quedarse para no abandonar a su padre quien cambió la condena de 10 años de trabajos forzados por el destierro.
El film está realizado con total seriedad y con una dirección de fotografía que embellece los decorados internos, iluminados con velas y los paisajes invernales de Sakhalin.
El espectador que no precise comer mientras mira un film, lo va a disfrutar del principio al fin.
Las actuaciones son todas impecables y la banda de sonido de Marie-Jeanne Serero embellece aún más la imagen.
Trailer sin subtítulos
Ocho puntos sobre diez es mi calificación para esta excelente película francesa.

Los dos Papas (Fernando Meirelles, 2019) 🌟🌟🌟🌟🌟

Fernando Meirelles retoma la mirada hacia sus raíces y nos brinda una historia inolvidable sobre los contrastes entre Europa y Latinoamérica.
Sobre un más que interesante y profundo guión del neocelandés Andrew McCarten, la cámara virtuosa de Meirelles recorre, utilizando como pretexto las diferencias entre el papa alemán (Anthony Hopkins) y el cardenal argentino (Jonathan Pryce), los avatares en la vida de Jorge Bergoglio, en su juventud personificado por Juan Minujín y en su madurez por Jonathan Pryce en la que creo es su mejor actuación de entre todas las que nos ha brindado.
Si bien Anthony Hopkins dando vida al cardenal Ratzinger hace gala, uso y abuso, de sus mejores recursos interpretativos, sigue siendo Anthony Hopkins. En cambio Jonathan Pryce se transforma en el cardenal Bergoglio. Lo es en todos los sentidos y tratándose de un personaje emotivo, que debe resguardar sus reacciones en el ambiente en que se mueve, nos las deja entrever con un cambio en la mirada o un movimiento de cabeza. Algo realmente espectacular.
En personajes de pequeño desempeño, aunque no menos espectaculares, están Cristina Banegas como Lisabetta, la secretaria argentina de Bergoglio y Luis Gnecco, como el cardenal chileno Hummes.
Pero, ¿de qué se trata?. ¿Es acaso una discusión teológica del tipo del sexo de los ángeles?, no, definitivamente no lo es. ¿Es un documento contra la sangrienta dictadura cívico-militar argentina que devastó al país durante una decena de años y que aún está muy lejos de ser digerida?, no, no lo es, aunque el capítulo de esos años en la vida de Bergoglio hace que su personaje cobre una trascendencia ineludible.
Es un drama humano y moral, sobre lo que está bien y lo que no lo está. Emocionan los perdones que ambos personajes se dan absolviendo los pecados uno del otro. Porque no se trata de una absolución hipócrita de confesión católica, sino una absolución de liberación de los errores humanos.
Es necesario aclarar que el papa Francisco quedó excluído de la vida pública argentina desde el año 2015, por el gobierno neoliberal que no recibió su bendición frente a la conducta claramente a favor de las empresas extranjeras en contra del pueblo argentino.
Esto hizo que los medios iniciaran una campaña en su contra que aún subsiste, a pesar de los importantes aportes del papa Francisco en favor de los pobres y de los desposeídos de todo el mundo.
Todo esto, Meirelles lo conocía bien, porque fue un obispo brasileño, Helder Camara, quien dio nacimiento a la iglesia comprometida con el pueblo con su Teología de la Liberación. Desde su lugar como arzobispo de una región pobre de Brasil (Recife), hizo frente a la dictadura militar en Brasil.
Enronces, inspirándose en la figura real y a veces dibujada de Jorge Bergoglio, Meirelles recrea la vida de un obispo comprometido con su iglesia y con su religión. Esa imagen choca con la del papa Ratzinger y su conducta en línea con la tradicional iglesia católica de estar en contra del divorcio, del aborto, de la homosxualidad y del casamiento de los sacerdotes o la intervención de las mujeres en el mundo interno de la iglesia católica. Lo que abate al papa Ratzinger es la acusación que pesa sobre su protegido, Marcial Maciel, de pederastía.
Toda esta película debe evaluarse como una obra de arte cinematográfico del principio al fin. Parecería que Meirelles hubiera tenido autorización para filmar en el Vaticano. Excelente la dirección de fotografía de Cesar Charlone y la banda de sonido de Bryce Dressner.
Trailer (subtitulado en castellano)
De más está decir que mi calificación, es diez sobre diez puntos posibles.

Un elefante permanece sentado (Bo Hu, 2018) 🌟🌟🌟🌟🌟

Dicen que en la ciudad de Manzhouli, al norte de China, hay un elefante en un zoológico que se sienta y permanece sentado todo el día, ignorando al resto del mundo. 

Para Wei Bu (Yuchang Peng), Manzhouli aparece como un lugar de refugio contra la violencia del mundo que lo rodea. Para los personajes protagonistas de la película, Manzhouli se convertirá en un lugar a donde escapar de la espiral que los arrastra hacia la destrucción. 

En una discusión con Shuai (Xiaolong Zhang), un compañero de clase matón que acusa a su amigo de haberle robado el celular, Bu lo empuja y Shuai cae por las escaleras, muriendo a causa del golpe, por lo que Bu huye fugitivo.

Su compañera de clase Ling (Wang Yuwen) tiene una discusión con su madre, a la que está pidiendo consejo para su relación con su profesor. En la discusión, termina reprochándole no haberla aconsejado nunca. A consecuencia de la discusión, Ling huye de su casa, yendo a la casa del profesor, con el que mantiene relaciones, solo para enterarse que han subido a la red un video de los dos. A consecuencia de esto él también la echa de su departamento.

El hermano mayor de Shuai, Cheng (Yu Zhang), ha visto a su mejor amigo tirarse por la ventana al encontrarlo acostado con su mujer. Cheng busca a Bu para vengar a su hermano con su banda de matones, pero el mismo Cheng ha descubierto que su vida no tiene ningún objetivo y que en realidad nunca apreció a Shuai.

Entre muchos otros personajes está el señor Wang (Congxi Li), un viejo jubilado cuya vida consiste en pasear a su perro y jugar con su nieto. Su hija y su yerno consideran que ya es tiempo de internarlo en un geriátrico, Pero Wang se defiende diciendo que al fin y al cabo el departamento donde viven es suyo y que no podrá llevar al perro con él al geriátrico. En uno de los paseos, un perro blanco, grande, ataca a su perro y lo muerde causándole la muerte.

En una magistral composición visual, ya que todos los hechos que se narran en la película transcurren en un mismo día y en la misma ciudad, durante 3 horas y 50 minutos, el director nos induce a vivir la triste y desesperada vida de sus personajes en medio de una violencia cotidiana de la que parece no haber salida.

Aquel espectador sensible que ame el cine, no podrá dejar de ver "Un elefante permanece sentado", ya que el suspenso de las historias contadas lo dejará casi sin aliento.

Trailer subtitulado en inglés 

Diez puntos sin dudar es mi calificación para esta joya del cine chino. Lamentablemente, el director Bo Hu, se suicidó al poco tiempo de finalizar esta película, antes del estreno, a los 29 años.

Lazzaro feliz (Alice Rohrwacher, 2018) ⭐⭐⭐⭐

Lazzaro (Adriano Tardiolo) vive con su numerosa familia en una granja en las montañas. Allí cultivan tabaco y crían animales para la propietaria del fundo, la Marquesa de Luna. A Lazzaro lo tienen como el pibe de los mandados. Lazzaro cargá el camión, Lazzaro traé agua del pozo, Lazzaro subí a la abuela a su pieza. Lazzaro accede gentil a todo lo que le solicitan y lo cumple sin una palabra de queja o disgusto. Lazzaro es feliz.
Un día que viene la marquesa a sus tierras, trae con ella a su hijo, el marquesino, Tancredi (Luca Chikovani) que como se aburre mortalmente en la granja con los campesinos, se dedica a recorrer las tierras. Lazzaro se cruza en su camino y lo invita a tomar café, que él mismo prepara en un refugio que se ha hecho en la montaña. A Tancredi le gusta el lugar y decide quedarse allí. Escribe una carta para su madre diciendo que lo secuestraron y que exigen un rescate cuantioso. Lazzaro entrega la carta, pero a la marquesa no se le mueve ni un pelo, ya que su hijo le ha hecho varias malas jugadas en el pasado.
La hija del administrador piensa que habría que llamar a la policía, pero su padre la hace desistir de su idea. Un día, Lazzaro cae enfermo con fiebre. Lo llevan a acostar al lado de la abuela, porque nadie más lo quiere tener cerca. Cuando Lazzaro vuelve en sí, piensa en Tancredi que debe estar desesperado y hambriento. Se levanta como puede e inicia el camino hacia su refugio, pero la fiebre todavía es alta y en una parte del camino de cornisa, trastabillea y cae unos 500 metros.
A todo esto la hija del administrador llama a la policía. Cuando llegan, se escandalizan al ver las condiciones de esclavitud en que vive esa gente y deciden detener a la marquesa y trasladar a los campesinos a la ciudad. Antonia (Alba Rohrwacher) recuerda a Lazzaro, pero nadie quiere quedarse esperándolo.
Un lobo descubre el cuerpo de Lazzaro y decide que es una buena comida, pero cuando lo huele de cerca, descubre que huele a hombre bueno y no lo ataca.
Hasta aquí la reseña de esta extraordinaria película. El guión fue escrito por la misma directora y está lleno de hallazgos combinando el neorrealismo con el realismo mágico.
Debo decir que como espectador disfruté toda la película, aunque la ternura que se desprende de los personajes es tanta, que se me hizo un nudo en el corazón.
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Los límites de la realidad se quiebran para el espectador en esta película y aparecen los vaivenes del alma. Nueve puntos sobre diez es mi calificación.

Genius: Picasso (Ken Biller, 2018) ⭐⭐⭐

Esto de las mini-series para televisión, se está convirtiendo en una nueva veta para los amantes del cine. Durante mucho tiempo hubo series especialmente concebidas para el cine que se ofrecían en episodios en los cines, para sus seguidores. Ahora la vertiente es hacia la televisión. Hay muy buenos ejemplos, pero en general lo que abunda son los ejemplos de segunda calidad, en cuanto al grado de excelencia cinematográfica.
Ese no es el caso de "Picasso". Presentada por National Geographic como la segunda temporada de su ciclo "Genius",  y realizada por Fox Films, es de un nivel significativo, no solo en cuanto a realización y actuación, sino también en lo impecablemente bien hecho que está el guión. En la obra de Noah Pink. la vida de Pablo Picasso se cuenta a lo largo de 10 capítulos de alrededor de una hora cada uno, con buen ritmo y tensión emotiva, para describir la complicada personalidad del genio español.
Encarnado por Antonio Banderas en la madurez y vejez y por Alex Rich en su juventud, vemos los altibajos de su vida emotiva como tan bien fueran interpretados por Anthony Hopkins en la película "Sobreviviendo a Picasso", basada en la novela autobiográfica de Françoise Gilot.
Interpretada por Clemence Poesy, Françoise fue una de las parejas más estables de Picasso, madre de sus hijos Claude y Paloma.
Pero a lo largo de los 10 capítulos, la historia va a alternar entre la juventud y la madurez del pintor, dejando que desfilen tanto las parejas que signaron su vida y sus retratos, como a sus amigos y compañeros de arte. Entre ellos Max Jacob (T.R. Knight), Dora Maar (Samantha Possey), Fernande Olivier (Aisling Franciosi), Marie-Therese Walter (Poppy Delevigne), Jacqueline Roqué, su última compañera (Valentina Belle) y muchos, muchos más.
La única crítica es al espantoso maquillaje puesto sobre Antonio Banderas. No tiene nombre.
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Ocho puntos sobre diez, que es mucho decir para una serie de televisión. Espero que muchos espectadores la disfruten tanto como yo.

El Peral Silvestre (Ahlat Agaci) (Nuri Bilge Ceylan, 2018) ⭐⭐⭐⭐⭐

La trayectoria fílmica de este gran director turco es brillante. Si "Sueños de invierno" fue a mi entender, la mejor película que había visto en mucho tiempo, con "El peral silvestre" supera aún más esa connotación.
En una epopeya fílmica y literaria de poco más de tres horas, el director describe perfectamente el devenir del ser humano en estos tiempos de confusión y agonía.
Sinan Karasu (Dogu Demirkol) vuelve a Can, su pueblo natal, luego de haber terminado sus estudios para recibirse de maestro.
Apenas bajado del ómnibus un vecino lo detiene para que vaya a su casa a tomar un té, Sinan le dice que recién llega y tiene todas sus cosas encima, el vecino entonces le dice que le recuerde a su padre que le debe aún dos monedas de oro.
Con este comentario, el personaje del padre de Sinan está presentado. Idris Karasu (Murat Cemcir), es maestro en la escuela del pueblo y un jugador incurable. Pronto nos vamos a enterar que hasta vendió su casa para poder apostar.
La inquietud de Sinan es encontrar un esponsor que lo ayude a publicar su libro, "El peral silvestre", que cuando le preguntan si es turístico, si habla de las ruinas de Troya o del cementerio de Gallipoli, Sinan contesta que no. Que cuenta de los pequeños personajes y la pequeña gente del pueblo.
Esta es una nueva aclaración del director. El libro-guión fue escrito por él, Akin Aksu y su esposa, Ebru Ceylan. La duración original de la película era de 3 horas 20 minutos. Los distribuidores le pidieron abreviarla, pero le costaba mucho reducir algo de las escenas que habían escrito, así que finalmente quedó en 3 horas 10 minutos.
El pueblo de Can está en las montañas del sur de Anatolia, pero la casa de Sinan queda aún más arriba. El padre está desde hace años cavando un pozo en la casa de su padre, el abuelo de Sinan, buscando agua. Todos le han dicho que no va a encontrar agua allí, pero él insiste y trata de arrastrar a Sinan a la empresa.
El padre tiene un perro en la casa de su padre. No lo puede llevar a su casa porque allí no hay jardín ni parque. Entonces el perro vive en el jardín de la casa de su padre.
Un día que Sinan está enojado con su padre por su mal hábito de apostar, va a buscar el auto del padre que ha quedado en el jardín y cuando sale deja la tranquera abierta.
La madre de Sinan, Asuman Karasu (Bennu Yildirimlar), que siempre le habla pestes de su padre, le pide a Sinan que pase por la escuela y le pida el dinero para pagar la luz que les han cortado por falta de pago. Cuando entra al aula, Idris esconde un papel, en lo que Sinan asume que es una boleta de apuestas. El padre le dice que aún no ha recibido la paga.
Sinan vuelve a su casa y le cuenta la escena a su madre. Llama a su padre, el perdedor, el eterno perdedor. Cuando vuelve el padre a la noche, le pregunta a su mujer porqué la heladera está vacía y ella le dice que ha tenido que llevar todo a la casa de un vecino para que no se eche a perder. Que si le hubiera dado el dinero a Sinan en lugar de volver a apostar, ya tendrían luz.
El padre entra al cuarto de Sinan y le pregunta de donde sacó la historia que le contó a su madre, él le cuenta que lo vio esconder un papel. El padre saca un papel y se lo tira echa un bollo. Cuando lo abre, Sinan ve que es un aviso de "perro perdido".
Le comenta a la madre y ella le dice que desde hace unos días lo escucha sollozar a la noche en la cocina. Cuando le preguntó porqué, le dijo que era por el perro, que era el único ser que no le recriminaba nada.
Sinan va a arrastrar la culpa por el perro perdido, junto con tantas otras. Más tarde en la película, cuando vuelva del servicio militar, caminando junto al río va a ver al perro corriendo y cayendo al agua.
Sin embargo la escena más importante de la película es el descenso de la colina caminando junto con dos imanes. Uno, el Imán Veisel (Akin Aksu), aunque tiene la misma edad que Sinan, es tradicional y de respuestas hechas del Corán. El otro, el Imán Nazmi (Oner Erkan), es moderno y retruca las frases de Veisel. Sinan, en medio de los dos, expone la posición de un crítico que no se toma la religión en serio. Los diálogos son impagables, pero medio difíciles de seguir.
Las únicas posibilidades que le quedan a Sinan son o irse al este del país a trabajar de maestro o bien entrar en la policía. Un ex-compañero de estudios entró en la policía anti-disturbios y le comenta que es gracioso perseguir a golpes a sus ex-camaradas de estudios.
Cuando vuelve del servicio militar, pregunta si su libro se ha vendido. El librero le dice que lo tuvo en exhibición un tiempo pero después lo retiró. Cuando le pregunta a su madre y hermana si lo han leído le dicen que lo empezaron, pero no siguieron adelante.
Hablando con su padre, este le comenta sobre una frase suya que es como los comentarios sobre el pasaje del tiempo que hay en su libro. Sinan atónito le pregunta si lo leyó, claro dice Idris, varias veces.
En este universo de personajes, situaciones y vivencias que caben en la película, no hay lugar para las emociones fáciles. El espectador las tendrá que rescatar de dentro suyo cuando finalice la película.
La dirección de fotografía es impecable. En general los escenarios son paisajes exteriores, los interiores son agobiantes como lo es el interior de Sinan.
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Diez, más diez, más diez, más diez puntos y todavía me quedo corto. Una genial realización donde el espectador se va a encontrar a sí mismo.

Potestad (Norman Briski, 2019) ⭐⭐⭐⭐⭐

Este blog está dedicado a llevar un registro de las películas que dejan una sensación en mi ser. En este caso no voy a hablar de una película sino de una obra teatral.
"Potestad" es una obra de teatro antológica escrita por Eduardo "Tato" Pavlovski. Norman Briski la eligió para hacer una puesta en escena que siguiera las reglas del teatro noh japonés. Extraña mezcla de contenidos. Una obra que habla de los desaparecidos y el teatro noh japonés.
Pero no solo eso es lo novedoso en la puesta de Briski. Elige para interpretarla no a un hombre como es el personaje que nos relata su historia, sino a María Onetto.
La extraordinaria actriz de "La mujer sin cabeza" de Lucrecia Martel o de la puesta de "Sonata otoñal" de Bergman con Cristina Banegas.
Una vez más luce su límpida voz y su contradictoria imagen de mujer sensitiva travestida en jefe de familia japonés. En su rostro palpitan, casi sin querer, las emociones del personaje.
La crónica teatral dice:
"Esta versión es un devenir de una de las obras más significativas de la historia del teatro argentino, debido a su relación con el hecho social histórico. Genocidio. La muerte y desaparición de 30.000 personas. Sin dejar de considerar el primer genocidio, la eliminación fundacional de los pueblos originarios.
Estos acontecimientos llegaron a las más íntimas relaciones de los hombres, mujeres y niños de este país. Están tan presentes estos hechos que POTESTAD todavía se debate en su latencia social.
La ocurrencia de usar el teatro noh como una estética dogmática concibe esta tragedia. Creemos que el concurso de una única actriz como María Onetto puede encarnar esa estética en un cuerpo que contiene la disciplina y la diversidad de género...."
Es un espectáculo en el que al finalizar, el espectador no sabe qué actitud tomar. Deja mella en el corazón y en la mente.
Diez puntos sobre diez para esta extraordinaria puesta en escena.

El Dolor (Marguerite Duras, 1944) (Emmanuel Finkiel, 2017) ⭐⭐⭐⭐

"La douleur" está basada en una novela autobiográfica de Marguerite Duras adaptada al cine por el director Emmanuel Finkiel.
En su relato, Marguerite Duras (Melanie Thierry), describe los terribles últimos años de la ocupación alemana de París, después que a su marido Robert lo han detenido los policías de la Gestapo francesa.
Un policía, Pierre Rabier (Benoit Magimel) la contacta declarándose un ferviente admirador de su obra, para ofrecerle ayuda con su marido.
Su amigo Dionys (Benjamin Biolay) le advierte que es una situación muy riesgosa, porque probablemente lo que busque sea sacarle información.
Más allá de las idas y vueltas con el policía, Marguerite oscila entre pensar que a su marido lo han matado ya o cuál será su actitud cuando regrese.
Luego la liberación y la vuelta de los presos en campos de concentración. Caminando descalzos por caminos abandonados. Escuálidos y enfermos. Y todavía, como piensa Marguerite, todavía nadie piensa en los judíos.
De Gaulle y los gaullistas determinan que hay que dejar atrás todo. El sufrimiento, el hambre, el dolor de los seres queridos desaparecidos. Todo hay que dejarlo atrás.
En las memorias de Marguerite, el temible espectro de la guerra se va perfilando cada vez con mayor nitidez, a punto de no saber si está esperando a su marido o si hay otro pavor detrás.
Alemania está en llamas, describe. Como podrá regresar su marido desde un país en llamas.
En un film excelentemente bien realizado, la prosa de Marguerite Duras se hace llagas en la piel de los seres humanos. Como Madame Katz (Shulamit Adar) que espera el regreso de su hija minusválida que se llevaron los alemanes.
Como Francis Morland (alias para Miterrand) (Gregoire LePrince-Ringuet) que sacude a Marguerite con su discurso positivista.
Como su vecina, Mme. Bordes (Anne-Louise Heimburger) que desespera que su marido vuelva y ya no sale de la cama.
Impecablemente delineado, el Dolor del título, estalla en las mentes de los espectadores,
Excepcional el trabajo de Melanie Thierry. Su rostro describe todo el proceso emocional que las frases leídas en off, sacuden sobre Marguerite.
Muy bueno el trabajo de fotografía de Alexis Kavyrchine.
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Nueve puntos sobre diez para este extraordinario trabajo de recreación de las memorias de Marguerite Duras y por extensión del ser humano.

Dolor y gloria (Pedro Almodóvar, 2019) ⭐⭐⭐⭐⭐

Este es un nuevo impecable film de Almodóvar. Un film adulto donde olvida un poco esos momentos locos de sus otras películas, pero que está lleno de humanidad. Rebalsa humanidad por los cinco costados. Como en "Todo sobre mi madre", donde las mujeres protagonistas del film no importaba si eran madres, lesbianas, travestis o monjas, por sobre todas esas características fáciles, eran seres humanos. Creo que con Almodóvar el feminismo alcanzó su mayoría de edad en el cine.
En "Dolor y gloria" repasa la historia de un director de cine envejecido y encerrado en sus achaques, Salvador Mallo (magistral interpretación de Antonio Banderas que le valiera la gran palma de oro al mejor actor en el festival de Cannes) y con él, en primerísimo primer plano a su madre (interpretada por Penélope Cruz de joven y genialmente por Julieta Serrano en su vejez).
Con la maestría de siempre para la evolución de sus guiones, la historia se va armando entre recuerdos y memorias del director. Entre ellos el reestreno de la versión remasterizada de un viejo film suyo, "Sabor", que hace que se reencuentre con el intérprete de aquel film, Alberto Crespo (Axier Etcheandía) con quien no se hablaban desde la realización del film. Pero Alberto va a significar una erosión en el claustrofóbico mundo del director. El descubrimiento de un escrito suyo, "La adicción", hace que Alberto lo lleve al teatro, aunque él no quiera colocar su nombre como autor, adónde Federico (Leonardo Sbaraglia), un amor de su juventud, lo va a redescubrir en una visita fugaz a España.
Impecable la actuación del pequeño Asier Flores como Salvador niño y de muchos más actores como es el caso de la intervención de Cecilia Roth, o por ejemplo como Nora Navas en Mercedes, asistente técnica y espiritual del director, al punto de acompañarlo al médico, a quien Salvador rehuye.
Durante las dos horas de proyección, el espectador se verá envuelto por la magia de Almodóvar, con escenas que van desde el dolor hasta la gloria.
Inolvidable del descubrimiento de la casa-gruta en Paterna (Valencia). Muchos se sentirán tentados de vivir allí.
La música de Alberto Iglesias, compositor que siempre pinta las películas de Almodóvar con su música intensa pero no fuera de cauces. Los excelentes directores de fotografía, José Luis Alcaine y dirección de arte de María Clara Notari. El departamento de Salvador es un despliegue inolvidable de belleza y arte.
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Los actores hablan de Almodóvar
Mi calificación es de 10 puntos para una película que se volverá inolvidable como aquella otra  que viera 4 o 5 veces estando lejos de Buenos Aires "Volver".