Bienvenido a mi mundo

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gracias por la imagen a Germán Banchio

miércoles, 10 de enero de 2018

Sieranevada: una reunión de familia (Cristi Puiu, 2016) 🌟🌟🌟🌟🌟

La primera pregunta que surge es el porqué del título, "Sieranevada". Busqué y encontré la respuesta en un inteligente reportaje hecho al director, Cristi Puiu.
"Es una reflexión sencilla: ¿Por qué se cambian los títulos de las películas en cada país? Me saca de quicio. Desde un principio pensé: "Escogeré un título que funcione en cualquier idioma". Luego decidí escoger un título que no puede cambiarse. Lo interesante de SIERANEVADA es que, normalmente, son dos palabras, "Sierra Nevada", aunque en rumano es una sola palabra, tal como se pronuncia. Entonces decidí alterarlo quitando una erre para que me dijeran: "Pero no se escribe así". Ya, ¿y cómo se escribe en japonés? ¿En georgiano? Es de tontos, me recuerda la expresión "The devil is a bookkeeper” (el diablo es un contable)."
Definitivamente el cine rumano se ha convertido en este nuevo siglo XXI en uno de los más importantes a nivel mundial. No es sólo por el reconocimiento en festivales, sino por la universal aceptación de una problemática que es ante todo humana. El origen latino de la sociedad rumana la emparenta con la mayoría de las sociedades europeas y por lo tanto con latinoamérica. La sociedad rumana ha vivido las dictaduras férreas de los tiranos comunistas y por lo tanto aprendieron a subsistir robando lo que se puede.
El cine rumano por lo tanto es la antítesis de las películas de galaxias, súperheroes y otras tantas invenciones del cine comercial que se come con pochoclo y se olvida después de visto.
En este film, el director retrata una tradición totalmente rumana. A los cuarenta días del fallecimiento de una persona, se reúnen sus familiares y amigos para compartir una ceremonia religiosa y una comida social. Durante esos cuarenta días el fantasma del difunto ha recorrido el lugar donde vivía y ha visto pasar a sus seres queridos.
Los ojos del difunto en este caso son los de la cámara. Instalada en el hall de un departamento, los personajes se pasean delante de élla, entran y salen de los cuartos, abriendo y cerrando puertas. A veces las puertas quedan abiertas, entonces el espectador-cámara puede oir y ver lo que sucede en la habitación. Otras veces las puertas se cierran y solo queda imaginar lo que sucede detrás de esas puertas.
La familia del muerto es muy numerosa. Básicamente son tres hermanas, sus hijos, parejas y algunos amigos. Los amigos son los más discretos, porque no tienen reproches que hacerse. Lary (Mimi Branescu) es quien abre y cierra la película. Es un médico bonachón, que aún recuerda a su padre como el que se acostaba con cuanta enfermera nueva conocía en el hospital. Esto le cuenta a su mujer, se lo contó a los 18 años su tía que trabajaba con el padre en el hospital. La mujer le pregunta si no se lo dijo a su madre. No, dice Lary, de todos modos élla lo sabía. "Cómo lo sabés", no lo sé pero ella lo sabía. Tal como sé que vos sabés cuando te estoy mintiendo.
Sandra (Judith State) oficia de dueña de casa. Su marido es también médico y tienen una pequeña a la que intentan hacer dormir durante toda la película. Cuando se despierta llorando. Sandra la saca en brazos de su habitación, la pasea un poco y la vuelve a depositar. Sandra es ultra religiosa, por lo tanto discute a muerte con su tía Evelina (Tatiana Iekel) quien defiende la causa del comunismo y ventila todas las cosas buenas que el comunismo trajo a la sociedad.
El primo más chico de Lary, Sebi (Marin Grigore) está empeñado en dilucidar el atentado de las torres gemelas, pero solo tiene como documentos probatorios de la falsedad del atentado, los videos que ve por Internet. La película sucede a los pocos días del asunto de Charlie Hebdo en París y este también es un motivo de conversación. La hermana menor, Cami (Ilona Brezoianu), llega trayendo a una amiga croata que o está borracha o está drogada y, para desesperación de la madre de todos éllos Nusa Mirica (Dana Dogaru), vomita sobre el traje del muerto.
No puedo ni quiero describir las miles de situaciones que acontecen en esta película de tipo coral, donde la vacuidad de los seres humanos está en carne viva.
"Sus personajes, además de hablar, discutir e insultarse, se interesan también mucho por la comida, un elemento importante y sociable de la película.
Sí, y sin embargo nadie consigue comer. Una comida es un rito en cualquier cultura porque está presente en todas partes. Nos reunimos alrededor de la mesa. Lo simplificaré diciendo que la mesa es una tradición que aporta un falso sentimiento de solidaridad. No se trata solo de alimentos, de lo que necesita el cuerpo, y que en la película se hace urgente porque acaban teniendo realmente hambre. Sirve para mostrar que cuando los personajes tienen hambre, se olvidan de la solidaridad y de la amistad."
Entrevista al director Cristi Puiu sobre la película.
Trailer subtitulado en castellano
 Diez puntos sobre diez para esta magnífica realización de Cristi Puiu cuyas imagenes quedarán dando vueltas por la imaginación de los espectadores duarnte largo tiempo.

domingo, 7 de enero de 2018

La rueda de la maravilla (Woody Allen, 2017) 🌟🌟🌟🌟

Se debe apreciar mucho el cine para poder resistir el frío de hielo seco que lastima la piel en estos cines de grandes malls. Y como si eso fuera poco el nauseabundo olor del popcorn que quedará impregnado en nuestra ropa y en nuestras fosas nasales. Pero todo sea por Woody Allen.
Esta, "La rueda de la maravilla" o bien "La vuelta al mundo" como debería denominarse en una traducción del título que no fuera literal, es realmente un paseo por el mundo del cine del prolífico autor y director estadounidense. El, si bien ha filmado bastante en Europa, no ha cambiado su nacionalidad, quizás porque ama demasiado a Nueva York, su ciudad natal y sobre todo el mágico mundo de Coney Island, con su parque de diversiones y sus laberintos bajo los tablados de madera.
Es en ese mundo donde Woody Allen dibuja este drama feroz, digno de la mejor factura de Tennessee Williams. Allí, en el recinto de una atracción abandonada, viven Ginny (Kate Winslet) con su segundo marido Humpty (Jim Belushi) y Richie (Jack Gore), hijo del primer matrimonio de Ginny.
Humpty maneja la Wonder Wheel durante la noche y Ginny es camarera es un restaurant especializado en almejas. Ambos se rescataron mutuamente del alcoholismo y luchan para protegerse de la que saben sería definitiva recaída.
Buscando a su padre, Humpty, llega Carolina (Juno Temple). Humpty no quiere saber nada con élla, porque después de la muerte de su mujer, Carolina se escapó para casarse con un gangster de la peor calaña. Ahora vuelve a buscar a su padre porque no tiene donde ir. Los secuaces de su marido la están buscando para matarla ya que cantó a la policía los secretos de la banda de su marido. Por eso piensa que Humpty la puede ocultar.
A todo esto, Ginny tiene un asunto con un guardavidas, Mickey (Justin Timberlake). Ginny está desesperada frente a la chatura de su vida y de su matrimonio. De joven fue actriz y no puede resignarse a terminar su vida como camarera. Como si fuera poco, su hijo Richie es incendiario y del colegio lo quieren denunciar a la policía.
Mickey es el único personaje que pertenece a la clase media. Estudiante universitario de arte dramático durante el invierno, trabaja como guardavidas durante el verano para conocer gente y así enriquecer sus vivencias, las que piensa volcar en una novela. Para él Ginny, además de ser una linda mujer, es una buena pieza. Es casada y está desesperada, hay mucho drama latente en su vida.
Es inevitable que Mickey conozca a Caroline y entonces ya están tendidos todos los hilos de la trama que Woody Allen quiere poner en escena.
Hay que decir, que Kate Winslet es la piedra fundamental del edificio. Es su magnífica actuación la que nos convence de la verosimilitud del drama que con tanto detalle Woody Allen describe.
Kate Winslet es actualmente una de las mejores actrices en el panorama mundial y eso Allen lo sabía cuando la reclutó para su revival de Coney Island.
Hay que destacar los inmensos avances de la dirección de fotografía de Vittorio Storaro, quien ya había trabajado con Allen en "Cafe Society" en el cine de Allen. Los primeros planos, iluminados por las luces de unos coloridos atardeceres, viran al azul grisáceo como se tuerce la historia hacia el drama.
Estos cambios de iluminación y los incendios de Richie son la clave de la película.
Muy buenas, como es habitual, las actuaciones del resto del reparto, aunque, claro, quedan algo opacados por la magistral prensencia de Kate Winslet.
Trailer subtitulado en castellano
Ocho puntos sobre diez es mi calificación para este perfecto melodrama de Woody Allen.


jueves, 4 de enero de 2018

El faro de las orcas (Gerardo Olivares, 2016) 🌟🌟🌟

Sobre la novela autobiográfica de Roberto Bubas, adaptada al cine entre el director, Lucía Puenzo y Sallua Sehk, Gerardo Olivares construye este bellísimo film, cuya atracción principal son los paisajes deslumbrantes que tiene al haber sido filmado en los escenarios naturales de Península Valdés, en Argentina.
Beto Bubas (Joaquín Furriel) es un guardafaros cuya única satisfacción es comunicarse con las orcas que visitan anualmente las costas de Península Valdés.
Las orcas, mal llamadas ballenas asesinas, se alimentan de los lobos marinos que abundan en las playas de la zona. Toda Península Valdés es un maravilloso santuario para la vida salvaje, ya que debido a la inexistencia de fuentes de agua dulce se hace imposible habitar la zona.
Los faros de Península Valdés, Punta Norte, Punta Bajos y Punta Delgada son la única prueba de la existencia del ser humano en la península. Al ser un área protegida no se permite hacer camping ni mucho menos pescar o cazar dentro del perímetro de la península.
Lola (Maribel Verdú) tiene un hijo con autismo, Tristán (Quinchu Rapalini) quien después de ver un documental de National Geographic sobre la relación de Beto con las ballenas, demostró cierta inquietud emotiva. Buscando despertar a su hijo al mundo de los sentidos, Lola viaja hasta la Patagonia en búsqueda de Beto, de quien espera pueda inducir a su hijo a revivir.
Beto tiene absolutamente prohibido acercarse a las orcas, puesto que tras de la difusión de su imagen tratando con las orcas, ha generado un desmesurado interés turístico por la zona. Pero claro, la península es un área protegida y dentro de esa protección se encuentran las orcas quienes sino serían objeto de safaris turísticos sin ningún tipo de cuidado hacia los animales.
Beto le explica esto de muy malos modos a Lola y ella decide regresar con su hijo a España. Al día siguiente la levanta en la ruta Marcela (Ana Celentano) y la lleva a su casa.
Beto mientras tanto lee en una enciclopedia acerca del autismo y decide ayudar a Tristán, así que va a la casa de Marcela a decirle a Lola que vuelvan.
El resto de la película transcurre entre encuentros con las orcas, compartir el mate y conocerse mutuamente. No hay mucho para reseñar. Hay una fiesta de la esquila, que se celebra obviamente fuera de la península, donde se pueden ver tanto la esquila de las ovejas como algunos bailes tradicionales.
Quiero rescatar una sentencia de Beto, hablando de la prohibición de las autoridades a que se acerque tan siquiera a las oscas: "Hay personas que les molesta aquello que no entienden y otras que no quieren entender aquello que les molesta."
Hay que destacar la magnífica fotografía del mar más azul que se haya visto jamás, por parte de Oscar Durán y la delicada banda de sonido de Pascal Gaigné.
Trailer
Siete puntos sobre diez para un hermoso film hispano-argentino.

sábado, 30 de diciembre de 2017

Billy Lynn (Ang Lee, 2016) 🌟🌟🌟🌟

El cartel de la película dice "Poderosa, Cautivante, Hipnotizante". Y no es simplemente un anuncio de marketing, es verdad.
El director Ang Lee nos tiene acostumbrados a sorprendernos con sus películas. Desde "El banquete de boda" donde un chino de Taiwan residiendo en Nueva York para poder vivir sin persecuciones su homosexualidad, recibe la visita de sus padres que ignoran sus inclinaciones y debe presentarles a una "novia" armada de urgencia. Pasando por su versión de Jane Austen "Sentimiento y sensibilidad" con las estupendas actuaciones de Emma Thompson y Kate Winslet. La asombrosa "El tigre y el dragón" donde reveló a occidente la estética que el cine de Hong-Kong había desarrollado y llevó a las artes marciales chinas a un nivel de un alto desarrollo artístico. "Secreto en la montaña (Brokeback Mountain)" donde por primera vez desarrolló con humanidad una relación amorosa homosexual. En fin, toda su cinematografía es asombrosa. "Billy Lynn" no es la excepción a esta regla.
Basada en una novela de Ben Fountain y con un increíble guión de Jean-Christophe Castelli, Lee describe una escena y sólo con esta muestra es suficiente para percibir lo que se maneja alrededor de la guerra de Irak y su relación con el pueblo estadounidense.
Billy Lynn (Joe Alwyn) es un cabo de un escuadrón denominado "Bravo" que participó en una escaramuza con iraquíes. Como resultado de que alguien estuviera filmando el arrojo de Billy cuando saltó fuera del lugar donde estaban atrincherados para auxiliar a su sargento Shroom (Vin Diesel) y que el video se difundiera en los Estados Unidos, todo el escuadrón es llevado para hacer presentaciones especiales ante el público estadounidense. Sí, así como lo oyen, así es descripto con la mayor naturalidad en la película y así debe haber sido en la realidad. El sargento Dime (Garrett Hedlund) cree que Billy tiene capacidad para ser militar y lo retiene a toda costa con las amenazas de costumbre dentro de las fuerzas armadas, esas donde la valentía y el arrojo priman sobre cualquier otra aptitud. Pero Billy a sus 18 años, está absolutamente conmocionado por lo que le ha tocado vivir en Irak y, aunque no lo puede discernir, siente que algo no está bien.
Su hermana Kathryn (Kristen Stewart) aún convalesciente por haber sido atropellada por un camión, quiere convencer a Billy que no vuelva al frente, que ya ha hecho bastante y que vale mucho más hacer frente a la lucha cotidiana por sobrevivir en los Estados Unidos, que matar a gente de Irak para beneficio de las petroleras.
Pero el centro de la película está en la participación del escuadrón en un show deportivo-televisivo, donde se mezcla el futbol americano con el show de las porristas, la actuación de Destiny's Child cuando una de sus integrantes era Beyoncé y la participación del escuadrón a quien hacen vestir con ropas de fajina para parecer más reales. El dueño de toda esa superproducción es un magnate financiero interpretado por Steve Martin quien quiere contratar al escuadrón para filmar una película sobre la batalla por la que pretende pagarles una cifra irrisoria.
Como el espectador adivinará, como toda la historia está enhebrada de ironías dolorosas y sarcásticas hacia el público estadounidense, no es de asombrar que la película haya pasado sin pena ni gloria por las pantallas del mundo.
Excelente la música de Jeff y Michael Danna y la versión de "Heroes" por Scala y Kolacny Brothers, como es de destacar el montaje entre las escenas del show y la memoria de Billy de los hechos como realmente sucedieron.
Trailer en inglés
Scala ·Heroes"
Nueve puntos sobre diez por la asombrosa honestidad de Ang Lee al trasladar esta novela al cine con tanta autenticidad.

viernes, 22 de diciembre de 2017

Puente de las Artes (Eugene Green, 2004) 🌟🌟🌟🌟🌟

Eugène Green es, probablemente, el cineasta más singular de los que hacen cine en estos inicios del siglo XXI. 
Nacido en 1947 en Nueva York, hace muchos años que sólo se refiere a ese país como Barbaria y a su lengua como lengua bárbara. Así pues, la que considera su verdadera fecha de nacimiento es la de la marcha de su país de nacimiento, 1968.
A los 21 años y después de transitar por media Europa a finales de los sesenta, se nacionalizó francés y adoptó esa lengua hasta convertirse en el gran recuperador de la expresión oral y escénica del teatro francés del Grand Siècle.
Enamorado de la literatura y de la cultura portuguesa rodó en Lisboa, en portugués, A Religiosa Portuguesa (2009) basada en las cartas de sor Mariana Alcoforado; en Italia y en italiano La Sapienza (2014) y su único documental hasta el momento Hitza eginFaire la parole (2015) testimonia su amor por la lengua y la cultura vasca, a la que ya había dedicado una novela: La Bataille de Roncevaux (2009) y donde había situado uno de sus mediometrajes: Les signes (2006). Estamos pues ante un personaje de inabarcable curiosidad que, de la misma forma que ha ido desarrollando su vida por una amplia geografía, ha ido ampliando cada vez más su lenguaje expresivo, integrándolos los unos y los otros en sus experiencias sucesivas, pero teniendo siempre un tronco común, básico y fundamental: la Palabra.
En este film, Green demuestra lo que es su lenguaje cinematográfico. Utilizando una estética bizantina, sus personajes, en la mayor parte del film, hablan directamente a la cámara y eso hace que el espectador se sienta de alguna manera parte del film.
Con cuatro personajes principales, Pascal (Adrien Michaux), Christine (Camille Carraz), Sarah (Natacha Regnier) y Manuel (Alexis Louret), teje y deshace en su propio guión una filosofía de vida empapada en el mundo artístico. Christine estudia filosofía y su principal obsesión es aprobar sus examenes para mantener lo que ella llama, su dignidad. La enoja mucho la actitud de abandono de su pareja, Pascal, estudiante de literatura, quien enojado con su profesora que le ha encomendado una tesis sobre un tema que él no quiere abordar, se deja a sí mismo al sueño y la decidia. Sarah, una soprano con una voz importante, sufre las agresiones de su profesor, a quien denomina "el innombrable" (Denys Podalydes), un homosexual que no tolera el virtuosismo femenino de Sarah y la ahoga con sus críticas e insultos. Sarah quiere salir adelante, por eso se mantiene calma y se esfuerza en dar lo mejor de sí misma. Jean-Astolphe Mereville (Olivier Gourmet) es un amigo de Gui-gui (el innombrable) y nos muestra la opinión de Green sobre el amaneramiento en el mundo de las artes en una ridícula actuación de Jean-Astolphe personificando a Fedra para su taxi-boy, a quien quiere hacer su asistente. Muy bien le dice el taxi-boy, pero la tarifa del sexo sigue siendo 500.
Manuel, es la pareja de Sarah, pero élla está deshaciendo su relación en la medida que no puede manejar la situación con su profesor. Manuel se desespera por ayudarla a salir adelante.
Hay una escena, en la que Pascal asiste invitado por un amigo a una función de teatro No japonés. Es muy interesante, porque los espectadores del film no la vamos a ver sino a través de las miradas de los espectadores en el teatro, de los que el director hace un cameo constante, y de carteles que anuncian los hechos que se desarrollan en la escena. Me trajo a la memoria a la posterior obra de Abbas Kiarostami, "Shirin", en la que a través de las miradas y las reacciones de 114 actrices iraníes y Juliette Binoche, vamos a apreciar la representación del poema iraní Shirin.
En el argumento de la obra japonesa, está contado el drama que, detrás de todas las escenas hieráticas y las miradas profundas, se desarrolla en la película.
Demás está decir que el cine de Eugene Green no está hecho para todo el público. Si bien no es intelectualoide, el modo en que se presentan los hechos no es el más abordable para el gran público. Eso no quita que espectadores sensibles se sientan hipnotizados por el ritmo y la cadencia de la película.
Especial mención requiere la inclusión de "Il lamento della ninfa" del compositor barroco italiano Claudio Monteverdi. Es parte de la seducción que el film ejerce sobre los espectadores.
Por esa razón en su cine hay tantas palabras de lenguas diversas y aparecen personajes portadores de lenguas antiguas que sobreviven en su lucha por seguir siendo Palabra/Parole y no ser arrastrados hacia la Palabra/mot o, peor todavía, hacia su desaparición como lengua. Como la mujer que canta en kurdo en una de las muchas escenas mágicas. Por eso mismo tiene esa estrecha vinculación con la cultura vasca a partir de su lengua, en la que perviven los misterios más antiguos y se concreta una memoria colectiva que se remonta a tiempos inmemorables.
Por esa misma razón en su cine sólo aparece su lengua materna, el inglés, en algún momento de sarcasmo, como en la escena del australiano que quiere visitar la capilla de Sant’Ivo en La Sapienza. El inglés parece ser, únicamente, la lengua de las colonias y como tal, una lengua sin memoria y sin historia, o sea compuesta sólo de mots y no de Paroles y sin capacidad, por tanto, para convocar lo misterioso.
Trailer en francés
Lamento della ninfa
Diez puntos sobre diez para esta esplendorosa obra cinematográfica.

lunes, 18 de diciembre de 2017

En la vía láctea (Emir Kusturica, 2016) 🌟🌟🌟🌟🌟

Me saco el sombrero ante esta nueva genialidad de Emir Kusturica.
El director que ha legado a la historia del cine joyas como "Underground" y "Gato negro, gato blanco", vuelve recargado.
Leí en un artículo que la filmación de esta maravilla le llevó cuatro años. Pues no han sido en vano. Las imágenes que en un poco más de dos horas se acumulan en el cerebro del espectador, siempre y cuando este no sea un descerebrado, van a calar hondo en su modo de mirar y apreciar el mundo.
Evidentemente este es el camino que ha seguido Emir Kusturica, convertido ahora en el centro y alma de su película también personifica a su héroe. Es un lechero que lleva leche a los soldados bajo las bombas y balas de esa imposible guerra que significó la atomización de la Yugoslavia (la unión pan-eslava de países europeos). Viaja montado en un burro y protegido por un paraguas, con la compañía de un halcón amigo que adora posarse en su cabeza. Como un renacido Francisco de Asís, habla con los animales y se maravilla de una serpiente que bebe leche. Durante la primera media hora, la pantalla se verá habitada por imágenes delirantes, surrealistas y conmovedoras de personas y animales en medio de la guerra.
Un personaje le dice al otro, "y cómo sabes que es un halcón peregrino y no un águila" y el otro le contesta "por nuestros cuentos populares".
Esa es la inmensa sabiduría que Kusturica tiene para ofrecer al mundo y vaya si lo hace.
La novia de Kosta, el lechero, Milena (Slovoda Micalovic) está también un poco loca y salva a una vieja de las garras de un reloj de péndulo que enloquece y captura a las personas entre sus cuerdas. Según dice Kosta, es un reloj austro-húngaro.
Milena quiere casarse el mismo día que su hermano Zaga (Predrag Manojlovic) y le consigue como novia a una italiana )Monica Bellucci) que se ofrece voluntaria para el casamiento porque, sabremos después, está huyendo de los soldados de los cuerpos de paz.
Es inevitable que Kosta se enamore de la italiana y durante toda la película el espectador va a vivir sobresaltado por esta historia de amor y guerra, amor y belleza, amor y entrega.
Un homenaje a la imaginación de los seres humanos con su locura bélica y otros, que destruye todo a su paso. La muerte del burro es particularmente dolorosa y prefigura las posteriores.
En este canto desgarrador a la vida, Kusturica trata de brindarnos, como dice al principio, tres historias reales y muchas fantásticas.
La música, que es siempre un elemento primordial en sus películas, es esta vez de su hijo, Stribor Kusturica. La dirección de fotografía de Martin Sec y Goran Volarevic y el majestuoso montaje, es muy difícil enhebrar tantas imágenes fantásticas, estuvo a cargo de Svetolik Zajc.
Trailer en castellano
Es imposible ser equitativo cuando de Emir Kusturica se trata, así que no es de extrañar que mi calificación sea de 10 puntos sobre 10. Espero que muchos espectadores la encuentren tan fascinante como yo.


sábado, 16 de diciembre de 2017

La perdida ciudad de Z (James Gray, 2017) 🌟🌟🌟

Es realmente lamentable que la producción haya querido hacer pasar una película biográfica sobre el explorador británico Percival Fawcett, por una nueva versión de Indiana Jones. El título de la película ya es muy triste. Peores aún son los afiches.
Basándose en la novela de David Grann, el director escribe el guión para su película.
Lo más interesante que podría aportar la biografía de Fawcett, es su voluntad inquebrantable de encontrar esta ciudad perdida, que él mismo llamaba "Z", en el centro del Amazonas y eso está bastante bien plasmado gracias a la interesante actuación de Charlie Hunnam.
También es inquietante el espejo de la sociedad victoriana llena de prejuicios y carente de instrucción.
La primera vez, el mayor Fawcett es enviado a la selva boliviana para trazar la frontera cartográfica entre Bolivia y Brasil, porque los intereses británicos en la explotación del caucho lo requieren.
Fawcett contrata a Henry Costin (Robert Pattinson) quien se convertirá en su fiel compañero de expedición.
Hay mucho metraje dedicado a la navegación por el río Verde, que es la frontera natural entre los dos países y a las desventuras en sus encuentros con aborigenes. Metraje que a mi criterio podría haberse reducido a la mitad. En el camino por la selva, Fawcett encuentra restos de cerámica esparcidos por el suelo y esto le hace pensar en la mítica cultura desconocida por los europeos que habita, o habitó,  el corazón del Amazonas.
Pero se acaban los víveres y solo gracias a la caza eventual de un jabalí se aseguran el regreso a la civilización.
En Londres es recibido como un héroe por los habituales creadores de ilusiones de nuestra sociedad. Pero cuando en un discurso en la Sociedad Geográfica, se atreve a mencionar los restos de cerámica hallados en medio de la selva, la turbamulta se burla de sus aseveraciones. Esos indígenas son incapaces de hacer ni siquiera una olla de cerámica.
Pero a través de sus aseveraciones, la Sociedad Geográfica le encomienda una segunda expedición a la selva amazónica. Su esposa Nina (Sienna Miller) que ha dado luz a su segundo hijo Bryan durante su ausencia, pretende acompañarlo, pero Fawcett no la acepta, ya que el lugar de las mujeres es en su casa, cuidando a los hijos. En realidad gracias a las investigaciones de su mujer, Fawcett se hace de un documento histórico brasileño, donde se describe la ciudad perdida de Z.
En cambio se une a la expedición James Murray (Angus Macfadyen), cuya fama proviene de haber sido compañero de Shackleton en su espedición al polo sur. Sin embargo Murray es una desgracia para la segunda expedición. Se come todos los víveres después de huir despavorido de una aldea aborigen cuyos habitantes son antropófagos.
Esta segunda expedición termina mal para Fawcett y Costin y, además debe hacerse cargo de las acusaciones de Miller de haberlo abandonado y de las quejas de su hijo mayor Jack (Tom Holland) quien le reclama por haber dejado a la familia. Esto todo cuando recibe la carta de reclutamiento para la guerra mundial de 1914.
En medio del horror de la guerra de trincheras, el espectador cinéfilo va a tener un hermoso regalo. Como madame Kumel, una adivina que predice el futuro a los soldados, actúa nada más y nada menos que Elena Solovey (actriz favorita de Nikita Mikhalkov en sus primeras películas).
Realmente la película está muy bien filmada y todas las escenas son absolutamente creíbles, pero la duración es, a mi criterio, excesiva y solo aporta tedio al total de la obra. De todos modos, es una película interesante de ver, sobre todo para aquellos que no conozcan en detalle la vida de Percy Fawcett.
Excelente la fotografía de Darius Khondji.
Trailer subtitulado en castellano
Documental sobre Percival Fawcett
Siete puntos sobre diez es mi calificación para este interesante film.
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