Bienvenido a mi mundo

Bienvenido a mi mundo
gracias por la imagen a Germán Banchio

martes, 17 de octubre de 2017

Una Pasión Silenciosa (Terence Davies, 2017) 🌟🌟🌟🌟

La vida personal de Emily Dickinson, considerada una de las grandes poetisas estadounidenses, continúa siendo un misterio para sus biógrafos. Nacida el 10 de Diciembre de 1830, desde muy pequeña sintió inclinación hacia la poesía, con la que conviviría por el resto de sus días.
Terence Davies escribe su historia con toda la pasión de la que es capaz y se la contagia a Cynthia Nixon quien interpreta a Emily Dickinson en su adultez.
Hay pocos poemas en el guión, este es uno de los que más me impresionaron:
...Dejamos atrás el sol poniente, mejor dicho él nos dejó atrás.
...El alba se hizo temblorosa y fría.
...Mi vestido era sólo de gasa... mi estola... sólo de tul.
...Nos detuvimos ante una casa que parecía un bulto en la tierra.
...El tejado apenas se veía... la cornisa, hundida en el suelo.
...Desde entonces han pasado siglos, y sin embargo, parece más corto que el momento
...en que presentí que las cabezas de los caballos,
...se dirigían hacia la Eternidad.
Emily describe su propio entierro. Y Terence Davies lleva las imágenes al paroxismo de la melancolía y la belleza.
El film transcurre serenamente a lo largo de la vida de Emily. Los sucesos son los hechos familiares, no hay mucho más que agregar. Sus hermanos, Vinnie (Jennifer Ehle) y Austin (Duncan Duff). Su dulce madre (Joanna Bacon) y su austero padre (Keith Carradine).
Una sensacional escena es el pasaje de los actores juveniles a los intérpretes maduros de los personajes. Tomando como pretexto el posar para una pintura, la imagen se va distorsionando (digitalmente) hasta transformarse en el intérprete adulto. Genial hallazgo del director.
La fotografía es magnífica, de Florian Hoffmeister. Cada escena está iluminada para caber en el marco de un cuadro. El tipo de encuadre e iluminación que son la marca personal de Terence Davies.
La imagen y los diálogos son todo lo que importan. Los cáusticos comentarios de Emily y de su amiga Vryling Buffam (Catherine Bailey) sobre la sociedad en la que les ha tocado vivir. El poema sobre la guerra civil es todavía hoy en día un feroz alegato en favor de la paz y contra la estupidez de la guerra.
No hay momentos vacíos en el film, quizás sí, silencios profundos, porque las escenas se desarrollan a tiempo real y no están contaminadas por la histeria televisiva. Es una película lenta, absolutamente saboreable por los amantes del cine. Pochocleros abstenerse, no la van a poder disfrutar y aún menos podrán disfrutar de los poemas.
Trailer subtitulado en castellano.
 Sensacional la interpretación de Cynthia Nixon. Mueve al personaje desde la dulzura hasta la crueldad más absoluta. Nunca imaginé que pudiera llegar a estos picos de actuación.
Ocho puntos sobre diez para esta genial obra del director británico Terence Davies.

sábado, 14 de octubre de 2017

Personal Shopper (Olivier Assayas, 2016) 🌟🌟🌟

Maureen (Kristen Stewart) trabaja como personal shopper de Kyra (Nora Van Waldstatten), una artista famosa que no dispone de tiempo para seleccionar y comprar el variado guardarropa que su profesión le exige.
Atención espectador. lo de "personal shopper" es una maniobra de distracción por parte del director.
Olivier Assayas quien elaboró argucias semejantes en "Las nubes de Sils Maria". Vuelve a hacerlo, pero con mayor intensidad en esta película.
Las primeras escenas nos muestran a Maureen llegando a una casa en la campaña, donde Lara (Sigrid Bouaziz) le entrega las llaves de la casa y le dice que élla no puede permanecer por motivos emotivos.
Maureen pasará toda la noche en vela, esperando... ¿qué?. Con el correr de la película nos enteraremos que lo que Maureen está esperando es una señal del otro mundo por parte de su hermano Lewis, muerto hace poco tiempo. Los hermanos eran gemelos y estaban muy unidos, sobre todo en la percepción que tenían del mundo de los espíritus. Se juraron que el primero en morir le daría una señal al superviviente.
Maureen viaja a Milán para hacer algunas compras y escucha hablar de una pintora sueca de principios del siglo XX que fue pionera en el arte abstracto. Ella consignó en su testamento que su obra permaneciera oculta al público por 30 años y juraba que eran los espíritus quienes pintaban realmente a través de su mano.
De regreso en París conoce a Ingo (Lars Eidingen) un ex-amante de Kyra, quien comenzará a enviarle extraños mensajes.
El súbito asesinato de Kyra es la gota que rebalsa el vaso de Maureen y la lleva a llamar desesperadamente a su novio que está trabajando en Mascate.
El resto de la película deberá conocerlo el espectador que tenga interés en ver esta inquietante historia de misterio, suspenso y hasta horror que Olivier Assayas creó para deleite de los espectadores inteligentes.
Trailer subtitulado en castellano
Ocho puntos sobre diez para esta interesante realización del cine francés.


jueves, 12 de octubre de 2017

Zama (Lucrecia Martel, 2017) 🌟🌟🌟🌟🌟

"Zama" es una película para los sentidos y para el subconsciente, no para razonar.
Lucrecia Martel tiene bien claro cuál es su objetivo desde su primer película: la humanidad no tiene modo de avanzar porque está literalmente engatusada por su propio laberinto.
No es casualidad que haya elegido esta novela de Antonio Di Benedetto para construir su primer film basado en un texto ajeno. De todos modos Martel escribió el guión y vaya uno a saber cómo adaptó al mundo de sus sueños este texto tan duro de digerir.
Don Diego de Zama (Daniel Giménez Cacho) es un letrado destinado por la corte española a una ciudad colonial sudamericana durante el siglo XVII. La ciudad podría ser Asunción pero no se la nombra en la película.
Esta ciudad se levanta sobre la márgen de un caudaloso río, en paisajes dignos del mejor arte surrealista.
Zama quiere ser trasladado a la ciudad de Lerma (antiguo nombre de la ciudad de Salta, donde nació y se gestó Lucrecia Martel y de donde obtiene toda su imaginería). Debe obtener la aprobación del gobernador (Daniel Veronese) para que este acceda a escribir una carta al rey de España solicitando su traslado.
Aparentemente ese pedido ya ha sido hecho tiempo atrás por Don Diego, pero sin obtener respuesta.
Recibe la visita de su amigo el Oriental, quien viene a la ciudad a ofrecer su producto a la venta, un magnífico brandy aparentemente sin comparación. Pero su amigo trae consigo la muerte, el cólera, del cual van a morir tanto él como su hijo. Hay escenas dignas de Federico Fellini en el hijo transportado sobre una silla a la espalda de un negro que hacen recordar a "Satyricon".
Lo lleva a visitar al ministro de Finanzas pero como no se encuentra es recibido por su esposa, (una magnífica Lola Dueñas, cuya sonrisa nos evoca el mundo de "Alicia"). Doña Luciana Pilares de Luenga, tal el nombre de la "ministra". Ella es una especialista en seducción y encandila totalmente a Don Diego.
Algo trastornado por la visita y por el brandy, inicia una pelea en su casa contra un violador que ataca a las niñas del dueño de la casa donde se hospeda. Está claro que aunque él manifiesta haber hecho huir al delincuente, el novio de una de las niñas huyó por su cuenta mucho antes del ataque de Don Diego. Esta escena está magistralmente armada. Como por otra parte está construído el film.
El espectador quedará hipnotizado en manos de Lucrecia Martel durante las casi dos horas de duración de la película.
El delincuente, violador y ladrón es nada más y nada menos que Vicuña Porto (Mattheus Nachtergaele) cuya identidad secreta es otra y también desconocida. Tal es así que el gobernador adquiere las orejas de Vicuña Porto cortadas después de su ajusticiamiento, en un juego de dados.
No vale la pena que detalle los infortunios que padecerá don Diego de Zama a lo largo de su vida, pero queda claro que siempre creyó en los embustes de la autoridad de turno y cuando le pidieron que embaucara le resultó imposible no decir la verdad y pagó por eso.
Esta es toda mi crónica. Es necesario reconocer el excelente trabajo de producción que debió hacer marchar parejos a los equipos de los diversos países participantes de esta obra de arte. La producción ejecutiva estuvo a cargo de Gael García Bernal y entre la más de una veintena de nombres a cargo de la producción destacan los de la productora "El Deseo" (los hermanos Almodóvar y Esther García) y Julia Solomonoff.
Una mención especial merece el director de sonido. Guido Berenblum. La conversión de sonidos de la época en manos de sintetizadores dan un carácter fantasmagórico a la película, sobre todo los sonidos de gongs.
Hay que destacar tanto la dirección de fotografía a cargo de Rui Poças como la dirección de arte de Renata Pinheiro, que lleva a alturas geniales a toda la filmación.
En cuanto a la banda de sonido, sorprende escuchar a los Indios Tabajaras, música pseudo guaraní, pseudo hawaiana.
Trailer hablado en castellano
Es muy difícil calificar una película cuando sus contenidos son tan ricos que dejan nuestras mentes embelesadas durante mucho tiempo. Decir diez puntos es decir poco.

Reportaje a Lucrecia Martel:
"...lo que decidimos desde el principio fue el uso de sonidos naturales con una cualidad un poco electrónica...
... eliminamos cualquier aparición de fuego o velas y en el trabajo con el sonido evitamos el sonido de carruajes...
... los pregones son inventados. No hay mazamorra caliente...
Luego estuvo la decisión un poco escandalosa, juvenil incluso, de incluir ese sonido de caída permanente que parece tomado de una película de ciencia ficción.
... la música que nunca había usado antes en mis películas. Los Indios Tabajaras tienen algo graciosito, aunque no sé si ellos querían ser graciosos...
En cuanto al trabajo de montaje, Martel detalla que el material en bruto duraba apenas tres horas y el primer corte unas dos, algunos minutos más que la versión final. "Cada uno tiene su teoría, pero no soy larguera. No me interesa hacer películas largas. Zama podría haber sido un pelotazo de tres o cuatro hotas, pero para mí es como un baño de inmersión, si te quedás mucho tiempo en el agua, se te empieza a arrugar la piel.


sábado, 7 de octubre de 2017

Tu nombre (Kimi No Na Wa) (Makoto Shinkai, 2016) 🌟🌟🌟🌟🌟

En sus sueños, Mitsuha se encuentra siendo un muchacho que insiste en acariciarle las tetas. Cuando su hermana la despierta, se escandaliza por ver a Mitsuha sobándose los pechos.
Pero la misma confusión tiene Taki, ya no puede distinguir sus sueños de la realidad y esa chica en la que se convierte en el mundo de los sueños, se le aparece cada vez más asiduamente.
Como una solución para poder continuar con sus vidas, Mitsuha y Taki acuerdan distanciarse.
Pero es que en la realidad no saben en dónde viven cada uno. Mitsuha habita un pueblecito rural al borde de las montañas y Taki en pleno Tokio.
La vida de cada uno de éllos está profundamente subvertida por la presencia tan real del otro en el mundo de sus sueños.
Mitsuha va al colegio donde es una buena alumna. También practica las ceremonias shintoístas junto con su abuela, aunque no la entusiasman mucho. Su padre está metido en política y Mitsuha detesta sus actividades.
Taki ya está en el colegio superior y también trabaja en un restaurant italiano, donde todos los muchachos están detrás de Okudera, la supervisora. A élla le gusta la inocencia de Taki y lo perdido que parece estar en la vida.
Cuando Taki le cuenta de la chica de sus sueños, Okudera lo incita a ir en su búsqueda. Todo lo que Taki posee para ubicar el pueblo, es un dibujo del paisaje montañoso que ha hecho recordando sus sueños.
 En la vida de Mitsuha hace su aparición el cometa Tiamat, que se verá sobre Venus en el cielo nocturno. Se está acercando peligrosamente a la tierra.
Durante la noche se ven cientos de estrellas fugaces.
Cuando Taki viaja a la región donde debería estar el pueblo de Mitsuho, le muestra su dibujo a un muchacho en un bar y este le dice que es un muy buen dibujo de Itomori. Taki le pregunta como puede llegar hasta allí y el muchacho le dice que ya no queda nada del pueblo, porque fue destruído unos años atrás por una sección del cometa Tiamat que cayó sobre el pueblo.
Ya he descripto el nudo de la intriga. Y hasta aquí llegaré.
En una hermosa y sugestiva historia escrita por el mismo Makoto Shinkai, el espectador se va a a ver hipnotizado por un animé de una belleza excepcional. La emotividad de la historia surge de la misma historia, no hay sucesos trágicos ni muertes ni nada que suponga tragedia. La caída del cometa es un hecho más de la naturaleza.
Trailer subtitulado en castellano
Diez puntos sin dudar es mi evaluación sobre esta mágica historia de seres reales pero que viven fuera de la realidad cotidiana y se deslizan por otra dimensión de la naturaleza. La recomiendo fervientemente.


viernes, 29 de septiembre de 2017

El bosque de los sueños (The sea of trees) (Gus Van Sant, 2015) 🌟🌟🌟🌟

Vemos a un hombre que deja su auto a la entrada de un aeropuerto con las llaves puestas y una tarjeta, ¿olvidada o dejada a propósito?.
El hombre embarca con destino a Japón. Llega a Tokyo y sube a un taxi, el taxi lo deja a la entrada de un bosque a los pies del Monte Fuji. Mientras va entrando vemos carteles de advertencia, ¿puede ser que el hombre haya venido hasta Japón solo para suicidarse?.
En paralelo vamos viendo detalles de la vida de Arthur Brennan (Matthew McConaughey), el hombre en cuestión. Enseñando a alumnos del colegio y luego en su casa, discutiendo con su esposa, Joan Brennan (Naomi Watts), que pareciera ser alcohólica.
Se interna en el bosque y traspasa los límites establecidos para los turistas. Más allá está el bosque donde se pierden los suicidas en la base del Monte Fuji.
Se hunde en la espesura y elige un lugar para comenzar a tomar las pastillas que lo envenenarán, pero una sombra llama su atención. Es un hombre japonés, del que más adelante conocerá el nombre, Takumi Nakawara (Ken Watanabe), que después de intentar suicidarse cortándose las venas, vaga perdido por el bosque. Arthur le indica el camino de regreso, pero al poco tiempo lo divisa cerca suyo nuevamente. Entonces se da cuenta de las muñecas heridas. Le improvisa torniquetes con la corbata del hombre y con una manga de su camisa. Y decide ayudarlo a encontrar la salida.
En varios flashbacks vamos entendiendo la relación tormentosa que tenía con su esposa y como era imposible lograr algo de comunicación entre ambos.
En el camino hacia la entrada del bosque, Arthur resbala y cae en una hondonada donde una rama le atraviesa el costado. Ahora es el turno de Takumi de ayudarlo. Le cuenta que perdió su trabajo y que ya no podía mantener a su mujer y a su hija, por eso intentó suicidarse.
Le dice los nombres de ambas y también le canta una canción de "Un americano en París", "Escalera al paraíso" y le dice el nombre en japonés de la canción.
Todos estos datos serán claves al final de la película.
No debo contar más sin entrar de lleno en el núcleo de la película.
Sobre un estupendo guión de Chris Sparling, Gus Van Sant elabora una impecable película donde la trama y la razón de ser de la película se van descubriendo de a poco, como las capas de una cebolla.
A pesar que gran parte de la película consiste en diálogos o monólogos, no se pierde la tensión en ningún momento y si bien, el argumento no apunta a espantar al espectador, todo podría ser un sueño, solo un mal sueño.
Excelentes las actuaciones de los tres protagonistas con un plus para la excelente Naomi Watts. No es un personaje fácil para interpretar y tiene muchos recovecos del espíritu que quedan excelentemente bien plasmados para la película.
El final es totalmente inesperado, aunque haya varias pistas durante el transcurso de la acción y más de un espectador dejará caer algunas lágrimas por la emoción de las revelaciones.
Trailer subtitulado en castellano
Nueve puntos sobre diez, por haber despertado inesperadamente mis emociones. Una excelente película romántica por antonomasia de Gus Van Sant.

domingo, 17 de septiembre de 2017

Yo, Daniel Blake (Ken Loach, 2016) 🌟🌟🌟🌟🌟

Después de sufrir un ataque cardíaco, Daniel Blake (Dave Johns), un carpintero de 59 años, tiene que pelear contra los organismos del estado para conseguir una pensión por invalidez.
Los servicios de atención a los usuarios están tercerizados como está de moda en los gobiernos neo-liberales y es así como Daniel Blake debe contestar un cuestionario ridículo, donde le preguntan si tiene problemas para ponerse un sombrero o para evacuar sus intestinos, pero no por su real problema que es el cardíaco. Como en el cuestionario no llega a sumar los 15 puntos requeridos, la pensión es denegada y debe pasar a un cuarto intermedio hasta tanto lo llamen para poder reclamar el resultado.
En el mismo organismo, Daniel se cruza con Katie (Hayley Squires) una joven mujer con dos hijos a la que no le permiten firmar su requerimiento de asistencia por haber llegado tarde a la cita.
Este es el mapa de situación de esta última película del celebrado director inglés Ken Loach. Como ya es habitual, el guión ha sido escrito por Paul Laverty, con quien también hizo todo el estudio de relevamiento previo a la producción del film.
La película mereció la gran Palma de Oro en el festival de Cannes 2016 y de esta manera, la burguesía se felicita y se queda contenta de su gran amplitud de miras.
Porque "Daniel Blake" es una película donde las aguas se separan claramente mostrando las fisuras que el sistema neo-liberal ha abierto en nuestra sociedad contemporánea.
Como tal es un testimonio patente del estado de indefensión de las clases trabajadoras en un mundo donde los burócratas juegan al tenis.
Como lamentablemente hasta mi país llegó esta ola de "modernización", conozco muy bien todas las trampas y argucias que utilizan las clases dirigentes para privar de soporte a las clases bajas.
Y Ken Loach y Paul Laverty también las conocen muy bien por vivir en un país que fuera destartalado por Margaret Thatcher y los sucesivos gobiernos conservadores.
Para el espectador sensible, "Daniel Blake" es una película que le guste a uno o no, duele en el cuerpo y en el alma. Gente que no tiene siquiera para comer o para alimentar a sus hijos, pero a los que el sistema priva de soporte por haber llegado tarde a una cita.
Extraordinario documento que testifica el abandono del que están siendo objeto millones de personas en las sociedades ampliamente desarrolladas, donde el que quiere puede comprarse un IPhone o una nueva casa en el campo.
Desgarrador trailer
Yo, Daniel Blake, limpieza social
Conferencia de prensa en Cannes 2016
Tengo que dejar de lado mis instintos humanistas para calificar esta película y me resulta muy difícil hacerlo, pero considerando la impecable realización y la notable actuación de los intérpretes, le adjudico diez puntos sobre diez solo por sus valores cinematográficos. Debería agregar unos cien puntos más si tuviera en cuenta sus aspectos humanísticos.

viernes, 15 de septiembre de 2017

Paterson (Jim Jarmusch, 2016) 🌟🌟🌟🌟

Jim Jarmusch es uno, por no decir el mayor, de los directores innovadores en Estados Unidos. Lo descubrí hace algunos años cuando ví "Una noche en la tierra", donde los diferentes episodios de la película se desarrollan en diversos sitios culturales. El episodio italiano es para llorar de la risa.
Sus películas pueden ser más o menos inquietantes, pero seguro que son inovadoras.
Y esta última película de Jim Jarmusch no es la excepción. Estamos hablando de Poesía, sí, con letras mayúsculas. Todo en "Paterson" es poesía.
Los personajes principales son Paterson (Adam Driver, qué tipo tan raro), su mujer Laura (Golshifteh Farahani, una dulzura iraní que debutara a los 14 años en el extraordinario film de Dariush Mehrjui, "El peral") y su perro Marvin (Nellie, a quien se recuerda en los títulos finales).
Paterson es un conductor de autobuses en la ciudad de Paterson, en el estado de New Jersey. Que su nombre coincida con el nombre de la ciudad donde nació y vive es otro de los guiños poéticos de Jim Jarmusch. Los tiempos en la película transcurren durante el curso de una semana, comenzando con el despertar de Paterson el día lunes.
Todo se desarrolla pacíficamente en la vida de este matrimonio. Laura tiene sus sueños de vender pasteles y hacerse millonaria con esa actividad, aunque luego también integra ser cantante country.
Y Paterson, escribe poemas. En un cuadernito con páginas sin rayar.
Los imagina mientras está desayunando y los comienza a escribir mientras espera el horario de salida sentado en su autobus y los sigue escribiendo durante el tiempo de su almuerzo.
Laura le pide que se los recite, pero él bastante tímidamente, rehusa hacerlo y en lugar de eso le recita poemas de William Carlos Williams, otro poeta nacido en Paterson, nada más que en este caso Jim Jarmusch se permite otra licencia poética, William Carlos Williams es real.
En las escenas en que conduce el autobus por la ciudad, el espectador ansioso está esperando que suceda algo dramático, que corte la liviandad de los días de Paterson. Pero no, Paterson observa todos los detalles a su alrededor y se divierte escuchando las conversaciones de los pasajeros.
A la noche, cuando regresa a su casa, siempre tiene que enderezar la casita del correo que aparece ladeada. Luego nos vamos a enterar el porqué en una de las escenas más cómicas de la película.
Después de cenar, Laura le pide que saque a pasear a Marvin y el camino que hace es siempre el mismo y termina con Marvin atado afuera de un bar, donde Paterson entra a tomarse una cerveza y se encuentra con una serie de personajes fantásticos.
Otro guiño de Jim Jarmush es hacia Peter Greenaway. Las líneas de los poemas que imagina Paterson aparecen escritas sobre la pantalla.
El espectador sensible que sabe apreciar la poesía de lo cotidiano va a adorar a Jim Jarmusch y esta película en particular.
Trailer
Nueve puntos sobre diez es mi calificación para esta sensible y sencilla reación de Jim Jarmusch.

domingo, 10 de septiembre de 2017

La correspondencia (Giuseppe Tornatore, 2016) 🌟🌟🌟

En el año 2007, Richard LaGravenese escribió y dirigió una emotiva comedia sobre las vivencias de una mujer después de la muerte de su marido, cuando éste antes de morir ha dejado un montón de huellas para que su mujer lo recuerde. Se llamó "P.S. I love you".
Tomando exactamente el mismo tema, Giuseppe Tornatore escribe y dirige "La correspondencia". Sin tener la identificación estrepitosamente emotiva de los personajes de LaGravenese, pero con mucho más dramatismo y romanticismo que el norteamericano.
La película comienza con una escena de sexo entre dos amantes en un hotel. Son Amy Ryan (una magnífica actuación de Olga Kurylenko) y Ed Phoerum (la habitual solvencia de Jeremy Irons).
Lo que el espectador puede imaginar es que la joven lo está engañando a Ed, se disuelve en pocas escenas cuando se descubre que Ed es un astrónomo importante y que Amy lo conoció por ser estudiante de astrofísica. Hay unas pocas escenas más entre los dos. La más importante un fin de semana en Burgoventoso (Orta San Giulio, lago d'Orta en el Piemonte de Italia), un lugar extraordinariamente hermoso y fuera de lo común en películas de este tipo.
Luego Ed empieza a ser evasivo con Amy. Solo se comunican a través de Skype o de mensajes de texto.
Finalmente, asistiendo a una conferencia que debía dar Ed, Amy se entera de la verdad. Ed ha muerto en Edimburgo a principios de enero. Sin embargo élla ha recibido mensajes de él posteriores a esta fecha. Decide ir a Edimburgo a comprobarlo por sí misma.
Al final se entera en el cementerio, que fue cremado en los primeros días de enero.
De aquí en más la película va a desarrollarse en función de las vivencias ambivalentes de Amy y de los mensajes y regalos que sigue recibiendo de Ed..
Aquí suspendo la narración de la historia porque sino no tendría mucho sentido verla. Demás está decir que el oficio de Tornatore hace mucho por la película. Está excelentemente bien fotografiada y el montaje es realmente exquisito. Hay algunas escenas de película catástrofe, porque Amy también actúa en películas del estilo Hong Kong.
La música, tradicionalmente de Ennio Morricone en las películas de Tornatore, no va a dejar huellas en su historia, pero es muy buena.
Trailer
Una película deliciosa para ver, con una historia semi-repetida y con dos excelentes actores. Siete puntos sobre diez.

Sophie y el sol naciente (Maggie Greenwald, 2016) 🌟🌟🌟

Es conocido que Estados Unidos es un país corroído por los odios raciales. No es necesario politizar demasiado, sino que es cuestión de analizar la historia de sus más de 200 años para encontrar suficientes testimonios.
Por eso es muy interesante cuando el cine se ocupa de retratar la médula de estos problemas con un pequeño ejemplo.
En la película de Maggie Greenwald basada en la novela de Augusta Trobaugh, los hechos se desarrollan en Salty Creek, un pequeño poblado de Carolina del Sur en el año 1941, poco después de haberse desencadenado la guerra mundial en Europa.
A este pueblecito, ya lo dice el refrán, pueblo chico, infierno grande, llega un autobus dejando una carga semiviva sobre un banco en la calle principal.
Las mujeres, siempre las mujeres son las encargadas de meterse en todo lo que sucede, interrogan al muchacho (Takashi Yamaguchi) que está muy malherido y todo lo que le consiguen sonsacar es "Ohta", que pareciera ser su nombre. Lo clasifican como chino y las autoridades piden a Anne Morrison (la gran Margo Martindale), que lo aloje en su casa hasta que se restablezca y pueda continuar su camino a donde quiera que fuese.
Anne se ocupa con gran solicitud de curar las heridas y alimentar al muchacho que parece estar totalmente perdido.
Una vecina de Anne, a la que Anne tiene en gran estima, pasa un día por su casa para interesarse por el estado del chino. Es Sophie Willis (Julianne Nicholson), una mujer que vive sola y que para sobrevivir pesca cangrejos. Obviamente no le teme a la vida y tiene en muy poca estima a los pobladores de Salty Creek.
Se iniciará una relación entre Ohta y Sophie, cuando él vaya a pintar al mismo lugar que elige Sophie para hacer sus cuadros. Es una relación amistosa aunque de desconfianza mutua.
A la casa de Anne se presenta Salomé (Lorraine Toussaint) a pedir empleo como ama de llaves y aunque no tiene referencias, Anne la contrata a prueba.
Este personaje pasará a ser el enlace de las diferentes situaciones que se desarrollen en más en la película.
A medida que Ohta mejora se empieza a ocupar del jardín de Anne y lo convierte en un paraíso.
Pero sucede el bombardeo a Pearl Harbor por parte de los japoneses y la entrada en guerra de los Estados Unidos.
El chino de Anne Morrison es el enemigo para el pueblo y Anne le recomienda que no salga de la casa. Su enemiga número uno es Ruth Jeffers (Diane Ladd) quien cuida a su esposo inválido y en los ratos libres se dedica a meterse en la vida de la gente, especialmente criticando la de Sophie.
La relación entre Ohta y Sophie va convirtiéndose en romance. Hay unos flashbacks que nos muestran como Sophie fue castigada de niña por tener una amiga de color.
Como podemos ver, ya están todos los ingredientes mezclados y el detonador pasa a ser cuando alguien ve a Ohta y Sophie besándose en el lugar donde pintan y Ruth Jeffers se encarga de divulgarlo a todo el pueblo.
Ohta, cuyo nombre es Grover, le confiesa a Sophie que no es chino, sino de familia japonesa, pero nacido en California. Sophie le sugiere que no se lo diga a nadie más.
La película, aunque de tintes muy románticos, no hace demasiado hincapié en la relación amorosa entre Grover y Sophie, sino que pinta con vivos colores el odio racial que llena las vidas de los habitantes de este pequeño pueblo.
Con buenas actuaciones, sobre todo la de Margo Martindale a quien el espectador avezado recordará como la cartera en una de las historias, la más emotiva quizás, de "París, je t'aime", la película se define como un excelente intento de retratar el problema subyacente en gran parte de la población de Estados Unidos. No tiene violencia, aunque hay algunas escenas que son muestras de la violencia cotidiana, por ejemplo la irrupción del comisario del pueblo en la casa de Sophie.
Trailer
Siete puntos sobre diez es mi calificación para este interesante film que fuera seleccionado para el Festival de Cine de Sundance, el más interesante de todos los que se celebran en Estados Unidos.




jueves, 7 de septiembre de 2017

Toni Erdmann (Maren Ade, 2016) 🌟🌟🌟🌟

Maren Ade, una joven directora alemana, escribió y dirigió esta extraña comedia que por azar de los azares se volvió un éxito total para los cines de culto.
Describe en tiempo casi real, la historia de Ines Conradi (Sandra Hüller), una joven ejecutiva totalmente absorvida por su trabajo, que consiste en asesorar empresas para conseguir la tercerización de los servicios principales. Esto es trasladar a países del este europeo los costos de mano de obra.
Como consultora es quien pone la cara para los trabajadores que resulten despedidos.
Está trabajando en Bucarest, pero hace un viaje relámpago a Alemania donde aprovecha para visitar a su madre y allí se cruza con su padre Winfried (Peter Simonischeck). Este personaje es quien inicia la película, haciéndole una broma al hombre del correo que le lleva una caja para entregar, haciéndose pasar por su hermano Toni del que dice, recién acaba de salir de la cárcel donde estuvo por enviar cartas bomba.
Cuando se cruza con Ines en la casa de su mujer, está pintado de zombi por haber participado en un número musical en un colegio. El argumento no explica las razones.
Para ir tuvo que dejar a su anciano y ciego perro Willi en la casa de su madre, que está tan vieja como el perro. Le dice a Ines que vaya a ver a su abuela, pero élla ya no dispone de tiempo y tiene que tomar el vuelo de regreso a Bucarest.
Un buen día, Winfried se aparece por el departamento de Ines en Bucarest. Le dice que era hora de que se tomara vacaciones. La relación entre padre e hija es más bien tirante. Ella solo encuentra interés en las reuniones y presentaciones que debe llevar a cabo por su trabajo y él insiste en hacerle chistes y bromas que descolocan a ambos. Cada uno continúa haciendo su rutina de vida diaria sin tener en cuenta al otro.
Finalmente Winfried, luego de algunas metidas de pata, anuncia que regresa y efectivamente Ines lo ve subir a un taxi.
Pero al día siguiente reaparece en un cocktail de su trabajo vestido con una peluca y unos dientes postizos y diciendo que es Toni Erdmann, coaching de importantes figuras, entre ellas del dueño de la empresa que su hija está tratando de tercerizar.
De allí en adelante, Toni va a interferir pasivamente en todas las actividades de su hija, buscando el modo de restablecer sus vínculos afectivos.
El espectador va a disfrutar de las desenfadadas actuaciones de Toni Erdmann y las reacciones de su hija Ines, pero la más brillante de todas es cuando aparece vestido con una máscara búlgara en la fiesta nudista de cumpleaños de Ines. Dejo ese traje abierto a la intriga del lector.
Simpática, humana y ferozmente satírica de las relaciones humanas en nuestra vida cotidiana, "Toni Erdmann" es uno de los mejores descubrimientos que el espectador inteligente puede hacer en el mundo del cine.
Muy acertada la elección de los principales intérpretes porque con ellos los personajes cobran vida verdadera.
Trailer subtitulado en castellano
Un abrazo en el parque
Mi puntuación, antes que varíe mi opinión, es de nueve puntos sobre diez.

miércoles, 6 de septiembre de 2017

Animales nocturnos (Tom Ford, 2016) 🌟🌟🌟🌟

Este tipo de películas, thriller, tiempos imprecisos, memorias que no son tales, crímenes violentos, consiguen dejarme en trance. Aún tengo la pantalla de mi mente llena de imágenes que van y vienen superponiéndose.
Es la segunda película que dirige Tom Ford cuya profesión es realmente diseñador de modas.
La primera la realizó hace ocho años y se llamó "A single man", (Un hombre soltero), donde Colin Firth interpretaba a un hombre cuya pareja gay había muerto recientemente. También es una maravilla de memorias, recuerdos y que sigue los vericuetos de una mente dolorida que no puede reponerse de una gran conmoción.
En "Animales nocturnos" encontramos a Susan (Amy Adams), una realizadora de arte, cuyo marido la engaña y élla se entera al poco tiempo de comenzar la película. Susan recibe por correo el draft de la novela que ha escrito su ex-marido Edward Sheffield (Jake Gyllenhaal). La novela se titula "Animales nocturnos" y en algún pasaje Susan va a reconocer que Edward decía que élla era un animal nocturno, La novela le está dedicada.
Susan que se ha quedado sola el fin de semana por un presunto viaje de negocios de su marido, en otra secuencia veremos qué tipo de negocios y Susan se enterará también por casualidad de su infidelidad, se dispone a leer la novela.
Inmediatamente la imagen en la película se transforma en la novela, donde el auto de Tony Hastings, al que la mente de Susan imagina como Edward, es embestido por un auto conducido por tres delincuentes. Las escenas se tornan muy violentas, el espectador debe recordar que esa no es la película sino la novela que lee Susan.
Bobby Andes (Michael Shannon) es el inspector de policía que se encargará de llevar adelante la investigación de los sucesos. Es un hombre consumido por el cáncer que sabe que va a morir muy pronto. Otra vez, espectador, recordar que esto sucede en la novela que Susan está leyendo en la película de Tom Ford.
Quien no se haya confundido con este último párrafo está preparado para ver este film y disfrutarlo del principio a fin.
Excelentes actuaciones de Amy Adams, Jake Gyllenhaal y Michael Shannon. En un pequeño papel, el de la madre de Susan, aparece Laura Linney cuya mirada es absolutamente inconfudible.
También es excelente la actuación de Aaron Taylor-Johnson, personificando a Ray Marcus, uno de los delincuentes psicópatas.
La música de Abel Korzeniowski es realmente impactante y muy buena la dirección de fotografía de Seamus McGarvey, sobre todo en las escenas nocturnas y del amanecer en el desierto.
Trailer subtitulado en castellano.
Nueve puntos sobre diez para un inolvidable film de Tom Ford.

lunes, 4 de septiembre de 2017

La llegada (Denis Villeneuve, 2016) 🌟🌟🌟🌟🌟

Louise Banks (Amy Adams) está por dar comienzo a su clase de Lingüística refiriéndose a los orígenes del portugués en el reino de Galicia, cuando una de las poquísimas alumnas asistentes le pide si por favor puede encender el televisor en un canal de noticias.
Una extraña nave ha descendido hace 40 minutos en Montana, aún no se sabe de qué origen es. Luego mencionan que similares descensos se han informado en China, 2 en Rusia, Pakistán, Venezuela, Australia, un total de 12 naves han descendido sobre la tierra.
La clase se suspende y Louise vuelve a su casa cruzando los vacíos jardines universitarios.
En su casa, los recuerdos de su hija vuelven a su mente. Recuerdos que quizás no pertenezcan al pasado, pero que dejan a Louise absolutamente estupefacta.
El teléfono la saca de su meditación. Es su madre preguntándole qué tiene que hacer. "Mamá, cuántas veces te he dicho que no mires ese canal de noticias".
"Tras los sucesos del martes, el presidente declaró el estado de emergencia y ha enviado 5000 guardias al estado de Montana. Siguen aumentando las compras de combustible, agua y comida."
Al amanecer Louise despierta por un gran ruido y luces en el jardín de su casa. Es el Coronel G.T. Weber (Forest Whitaker) quien viene en búsqueda de la doctora Banks. "hace dos años usted hizo unas traducciones de farsi para el ejército que acabaron rápidamente con los insurgentes", "ustedes acabaron con los insurgentes" aclara la doctora Banks. "Usted encabeza la lista de traductores y aún tiene dos años en el SSBI por lo que tiene acceso a archivos de alto secreto. Quiero que me traduzca algo. Y el coronel reproduce un audio en su notebook donde se escucha a alguien preguntar "Porqué están aquí", "Nos pueden entender", "De donde vinieron". Las respuestas parecen ser unos extraños ruidos sin ninguna conexión. La doctora pregunta, ¿cuántos hablan?, dos contesta el coronel. "¿Como empezaría a traducir esto?", "es imposible traducir desde un archivo de audio" contesta la doctora.
Y es así como es trasladada en un helicóptero por el ejército a la base en Montana, cerca de donde la nave ha descendido. Junto con élla viaja el Dr. Ian Donnelly (Jeremy Renner) físico y matemático.
Basada en el relato "Story of your life" de Ted Chiang trasladado al guión cinematográfico por Eric Heisserer, Denis Villeneuve hace que el cine evolucione una vez más en la búsqueda de una verdad cosmogónica.
Desde "2001, Odisea del Espacio", que no encontrábamos en la historia cinematográfica un relato tan profundo de las motivaciones de la mente y sus juegos con el tiempo y el espacio.
Es impecable como se han resuelto los mil y un inconvenientes que una película de ciencia ficción implica. Desde el acceso a la nave interplanetaria hasta el contacto con los aliens. La capacidad de Ted Chiang en Xenolingüística hace que todo el relato cobre veracidad. Desde el corazón de los problemas humanos frente a lo desconocido, hasta la gramática del lenguaje de los alien.
Es una película sobria y lenta, donde los efectos especiales están reducidos a su mínima expresión, pero donde todo lo que se narra pareciera estar surgiendo de la realidad.
Puede que no todos los espectadores puedan llegar a comprender del todo los profundos significados de esta película salvo si liberan su intuición, pero todos van a comprender su desarrollo. Aunque el final, que es el principio, los desconcierte.
Trailer
La verdad oculta tras la película
Exepcional la banda de sonido de Johan Johanssonn y muy buenos todos los aspectos técnicos del film. Diez puntos quedan cortos para puntuar mi comprensión de los efectos de este film, que aún andan trabajando por mi cabeza.

martes, 29 de agosto de 2017

Metamorfosis (Christophe Honore, 2014) 🌟🌟🌟

"Las Metamorfosis" es un poema en 15 libros del poeta romano Ovidio. Cuenta la historia del mundo desde su creación hasta la deificación de Julio César combinando con absoluta libertad la mitología con la historia. Fue terminado en el año 8 de nuestra era.
Christophe Honoré elige algunas de las historias para dibujar en una película el mundo mitológico griego trasladado a personas de nuestros días, pero no demasiado.
Las diferentes historias tienen como hilo conductor a la joven Europa (Amira Akili). En la primera de las historias vemos como Júpiter (Sebastien Hirel) le cuenta la historia de la seducción de Io (Coralie Rouet) y como, para ocultarla de la celosa Juno (Melodie Richard), la convierte en una dulce vaca.
Juno, que no tiene un pelo de tonta, decide regalar la vaca a Argos (Vincent Massimino) el de los 1000 ojos y Júpiter para rescatar a Io debe matar a Argos. Cuando Juno lo descubre muerto, toma todos sus ojos y los arroja al aire y se convierten en la cola de un pavo real.
En las siguientes historias, Europa se va a cruzar con Baco (Damien Chapelle) y con las violentas bacantes, quienes matan todo a su paso y por último con el poeta Orfeo (George Babluani), la persecución de sus discípulos y su descenso a los infiernos en búsqueda de su amada.
Hay muchas historias hilvanadas con el método de las Mil y Una Noches, o sea que no termina una historia porque da comienzo la próxima.
Así por la película desfilarán Narciso (Arthur Jacquin), Hermafrodito (Julien Antonini) y Atalante (Vimala Pons) entre muchos otros.
Las historias tienen como marco escenográfico un extenso bosque del tipo de la foresta griega y los actores se mueven de uno a otro escenario de modo absolutamente espontáneo.
Un encantador divertimento para el espectador que ame la mitología griega y le guste el cine de Christophe Honoré, ya que su ambientación con personas actuales le agrega un poco de magia a los personajes y le quita el acartonamiento de las leyendas.
Trailer (hablado en francés)
Siete puntos sobre diez para esta interesante y diferente producción francesa.

Largo Domingo de Noviazgo (Jean-Pierre Jeunet, 2004) 🌟🌟🌟🌟🌟

Sobre la novela de Sebastien Japrisot y con guión propio y de Guillaume Laurant, Jean-Pierre Jeunet construye en su peculiar estilo de ritmo y cinematografía, un excepcional film que quedará en la memoria de todos cuantos hayan tenido oportunidad de verlo.
Jean-Pierre Jeunet ("Amelie", "Delicatessen", entre otras) elige a su actriz favorita, Audrey Tatou, para personificar a Mathilde y su hermosa y desgarrante historia de amor.
Huérfana a muy corta edad, 5 años, porque sus padres murieron en el "accidente del autobus 44", así tal como lo menciona la película fue criada por sus tíos (Dominique Pinon y Chantal Neuwirth). Luego tuvo poliomelitis lo que le costó una cojera permanente y una pierna casi totalmente inmóvil.
Pero la película comienza contándonos de como el sábado 6 de enero de 1917, cinco soldados condenados a muerte fueron escoltados por las trincheras al frente del Somne.
El primero, 2124, era carpintero y lo llamaban Bastoche (Jerome Kircher) y estaba enamorado de una bonita pelirroja,  Veronique Passavant (Julie Depardieu). El segundo, 4077, había sido soldador de los trenes estatales y lo apodaban Six-Sous (Denis Lavant). El tercero, Benoit Notre-Dame (Clovis Cornillac) era un campesino de Dordoña y había matado a un oficial porque pateaba a los muertos aunque nadie se enteró nunca. El cuarto, número 7328, había sido reclutado en Córcega y se llamaba Ange Bassignano (Dominique Bettenfeld) y según todos los que lo conocían no era ningún ángel. Tina Lombardi (Marion Cotillard) había trabajado para él de puta. Lo habían condenado a cinco años de prisión. En 1916 le dieron a elegir entre seguir preso o ir al frente. El quinto, era un "neguillon", apodo que les asignaban a los de su generación. Cumplía 20 años y estaba totalmente aterrorizado desde que una bomba estalló frente a él y lo regó con los restos del soldado con el que había estado hablando. Este último era Manech (Gaspard Ulliel) con quien Mathilde estaba comprometida.
Todos estaban condenados a muerte por haber atentado contra sí mismos para provocar la baja del ejército.
La condena era largarlos fuera de las trincheras al territorio conocido como la tierra de nadie, entre las trincheras francesas y alemanas y que murieran como perros.
Mathilde no se resigna a pensar que Manech pueda haber muerto y en 1920 recibe una carta de una monja del hospital de Rennes, donde le dice que un paciente quiere verla. Es el cabo que escoltó a los condenados hasta la trinchera conocida como Bingo Crepuscular. Celestin Poux (Albert Dupontel), le entrega a Mathilde una caja conteniendo cartas y fotos de los condenados para que las haga llegar a sus familiares. También le cuenta que un cabo, Benjamín Gordes (Jean-Pierre Darrousin) abrazó a Bastoche y lo obligó a quitarse las botas alemanas que usaba para que los alemanes no lo acusaran de matar a un alemán. La mujer de Gordes (Jodie Foster), debería saber sobre éllos.
Leyendo las cartas Mthilde se convence aún más de que Manech no está muerto y con la ayuda de su albacea Pierre-Marie (André Dussolier) y a pesar de la oposición de sus tíos, viaja a Paris para buscar entre los documentos del ejército alguna pista sobre el destino de Manech. También decide contratar a un detective privado Germain Pire (Ticky Holgado) para que encuentre a los familiares.
Al mismo tiempo, Tina Lombardi, se hace cargo de asesinar a todos los que fueron responsables de la muerte de su querido corso.
Con todos estos actores y todas estas historias entrelazadas, Jean-Pierre Jeunet construye una epopeya inconmensurable sobre el horror de la guerra y el poder del amor.
La música de Angelo Badalamenti pone el condimento exquisito para convertir a este film en uno de los más hermosos que se hayan visto. Pero por sobre todas las cosas, es el arte inigualable de Jean-Pierre Jeunet quien construye esta genial película.
Trailer doblado al castellano
Diez puntos sobre diez para "Largo domingo de noviazgo" y espero que los posibles espectadores disfruten realmente de esta hermosa historia de amor y horror.


lunes, 28 de agosto de 2017

Mi amor (Mon roi) (Maïwenn, 2015) 🌟🌟🌟🌟

Maïwenn es una actriz francesa devenida directora de cine con muy poca suerte en sus primeros intentos, pero que finalmente, en 2015, demostró tener algo para decir con oficio.
"Mon roi", rebautizada como "Mi amor" para los públicos parlantes en castellano, es un muy interesante film donde se narra la historia de amor de Tony, nombre completo Marie-Antoinette Jezequel (una excelente Emmanuelle Bercot) con Georgio Milevski (Vincent Cassel).
El film comienza con Tony esquiando y perdiendo el control de los esquíes lo que le causa la rotura de la rodilla derecha, para ser más concretos, ruptura total de los ligamentos anteriores cruzados. En el centro de atención,  la psicóloga que la atiende le pregunta "¿Y por qué se cruzaron sus esquíes?", "A veces, no podemos ponernos de pie.". "Voy a leerle algo: La rodilla significa la capacidad de soltar, de ceder, incluso de retroceder. Y cuando nos duele la rodilla, podemos suponer que tenemos la dificultad de aceptar, un acontecimiento de nuestra vida. Puede reflexionar un poco sobre ello
y luego puede volver a verme para hablar sobre esto."
Y exactamente esto es lo que construye Maïwenn en esta película.
Tony reencuentra a Georgio en una discotheque y para llamar su atención, le echa unas gotas de agua a la cara, truco que luego se enterará utiliza Georgio con las mujeres con las que se quiere acostar.
Tony es abogada y recién está dando sus primeros pasos en su carrera. Georgio es misteriosamente, por momentos, dueño de un restaurant, adonde lleva a Tony y hace que la atienda una ex-novia quien amenaza a Tony por haberle robado a "su hombre".
Hay muchas pistas que Tony debería registrar, como insiste su hermano Solal (Louis Garrel), pero Tony se declara felizmente enamorada y se muda a vivir al departamento de Georgio.
La feliz vida que llevan juntos empieza a nublarse cuando Tony queda embarazada. El abandono de Georgio se le vuelve insoportable y el obstetra le aconseja que tome unas pastillas que son inocuas para el bebé pero que la tranquilizarán.
A estas alturas de la película, el menos avisado de los espectadores debería haberse dado cuenta de que Giorgio es un psicópata y que tira psicopateada tras psicopateada contra Tony, quien está indefensa tras su ceguera.
Maïwenn va a hacer astutamente que la relación avance y se rompa, se recompona y se vuelva a romper, como sucede en la vida real cuando se entabla una relación con un/a psicópata.
No voy a seguir contando el argumento. Con estas líneas ya es suficiente para que el espectador interesado decida ver que hay detrás de "Mon roi".
Trailer subtitulado en castellano.
Excelente realización del cine francés en la que el espectador interesado en los recovecos del alma humana va a dejarse llevar por la historia.
Ocho puntos sobre diez.

sábado, 12 de agosto de 2017

Recuerdo (Atom Egoyan, 2015) 🌟🌟🌟🌟

Sobre un magnífico guión de Benjamin August, el excelente director canadiense de origen armenio Atom Egoyan construye una película de intriga y misterio que resultará inolvidable para sus espectadores.
Zev Guttman (Christopher Plummer) es un nonagenario sobreviviente de Auschwitz con pérdidas de memoria que lo hacen estar desorientado y buscando a su mujer, Ruth, que falleció hace dos semanas dentro del establecimiento geriátrico donde reside.
Max Rosenbaum (Martin Landau en tal vez la que fuera su última actuación para el cine), está internado en el mismo geriátrico y le ha hecho proimeter a Zev que en cuanto finalice el período de oraciones por su esposa, irá en búsqueda del verdugo nazi que mató a las familias de ambos en Auschwitz.
Para que Zev no se pierda, Max le ha escrito una carta con todas las instrucciones y las direcciones de los cuatro Rudy Kurlander que ha podido detectar. Cuando los soldados nazis emigraban a USA cambiaban sus identidades y frecuentemente utilizaban las de los prisioneros muertos en el campo de concentración.
Así es como una noche, Zev deja el geriátrico y se embarca en la que será la aventura de su vida. Comprar un arma e ir en búsqueda de su carcelero nazi del que solamente Max y él recuerdan el rostro.
Las autoridades del geriátrico dan aviso al hijo de Guttman y este a su vez a la policía y a la tarjeta de crédito de su padre para que cualquier intento de uso le sea notificado.
El primer Rudy Kurlander de la lista (Bruno Ganz), resulta ser un soldado alemán que sí estuvo en el ejército nazi pero que sirvió en la campaña de Africa con el general Rommel.
Con los encuentros y desencuentros de Zev, con sus pérdidas de memoria y la carta que le recuerda siempre cuál es su objetivo, Atom Egoyan construye una sólida película donde la férrea actuación de Christopher Plummer nos envuelve en la historia de estos sobrevivientes del holocausto.
Trailer en inglés
De más está decir que el final es absolutamente sorprendente y deja atónito al espectador más preparado.
Nueve puntos sobre diez para "Recuerdo".

lunes, 31 de julio de 2017

Canción del atardecer (Terence Davies, 2015) 🌟🌟🌟🌟

Chris (Agyness Devn) es hija de un granjero escocés, John Guthrie (Peter Mullan). Es inteligente y planea seguir estudios para ser profesora.
Pero la vida le juega una mala pasada en la novela de Lewis Grassic Gibbon.
Su padre es severo y cruel con su hermano Will (Jack Greenlees) y su madre, recientemente madre de un par de mellizos, sufre por su falta de perspectivas. Se envenena y envenena a los bebés. Los hermanos menores de Chris son adoptados por una tía hermana del padre y llevados a vivir lejos de la granja.
Chris, ahora sola en la familia, debe ocupar el puesto de ama de casa. Will, cansado de los castigos de su padre, se va de la granja y finalmente llega un telegrama que se ha casado y embarcado en Southtampton para la Argentina.
Chris queda sometida al mal genio de su padre.
Chae Strantan (Ian Pirie) cae por el campo para pedir trabajo y se queda viviendo en el establo. El mal genio de John Guthrie le ocasiona un ataque cardíaco y queda parapléjico. Pero quiere seguir manejando la vida de su hija. Ella le deja una campana para que la llame cuando la necesite. Finalmente Chris se harta de oir la campana y se encierra en la cocina. A la mañana siguiente cuando abre la puerta ve el cuerpo sin vida de su padre que se arrastró desde el piso superior por las escaleras.
Una noche de tormenta, dos caballos huyen del establo y Chris los persigue hasta lograr detenerlos. Chae y otro campesino, Ewan Tavendale (Kevin Guthrie) la rescatan y la llevan de vuelta a la casa de Chae. La sientan al lado del fuego y a la mañana siguiente llevan los caballos de vuelta al establo y a Chris a su casa. Pero Chris se ha enamorado de Ewan.
Aunque él no tiene más que cien libras, Chris elige casarse con Ewan y que se haga cargo de la granja. Chris queda embarazada y llega el pequeño Ewan. De a poco van construyendo su estabilidad.
Pero el anuncio de que han entrado en guerra Alemania y Francia y están alistando a los campesinos perturba sus vidas.
Ewan no tiene ninguna intención de alistarse en una guerra sin sentido para él y su familia. Pero hasta el cura en la misa anuncia que hay que matar al anticristo kaiser alemán y que los cobardes que no se alisten es porque son amigos de los alemanes.
De cómo la guerra destruye la vida de quienes nada tienen que ver con los planes y objetivos de los poderosos. De eso trata "Canción del atardecer" y el mensaje de Terence Davies queda muy en claro.
Una película muy en la estética particular de Terence Davies. Con parlamentos casi teatrales. Con una fotografía radiante y oscura al mismo tiempo.
No creo que todos los espectadores vayan a disfrutar de este bello film, pero que bien vale la pena de ser visto.
Trailer subtitulado en castellano
8 puntos sobre 10 es mi calificación para este impactante film.

viernes, 28 de julio de 2017

Negación (Mick Jackson, 2016) 🌟🌟🌟🌟

"Negación" (Denial), es un film serio, muy serio, totalmente alejado de los novelones sobre juicios con los que el cine norte-americano nos ha lavado la cabeza para convencernos de que la justicia existe en su país.
Basado en un caso real, el guión de David Hare está basado en el libro de la real Deborah Lipstadt, "Historia de un juicio: mis días en la corte con un negador del holocausto".
Si bien la demanda fue puesta en 1996, el juicio no se llevó a cabo sino hasta los primeros meses del año 2000, por lo tanto la historia que se relata es absolutamente actual.
Deborah Lipstadt (en la genial actuación de Rachel Weisz), es una historiadora que trabaja para la Universidad de Emory en la cátedra de Historia del Judaísmo Moderno y de Estudios del Holocausto,
Además acaba de lanzar su libro "Negando el holocausto" donde hace mención sobre un presunto historiador inglés partidario de Hitler y sus doctrinas antisemitas que niega que el Holocausto haya tenido lugar, principalmente en Auschwitz. La persona en cuestión es David Irving (Timothy Spall, el laureado actor intérprete de "Mr. Turner").

"En un Londres devastado por las bombas alemanas, un niño llamado David Irving correteaba entre las ruinas haciendo el saludo nazi durante la Segunda Guerra Mundial. Aquello era un insulto a su país, pero su familia lo entendió como un juego infantil o como una muestra de cierto sentido innato de la provocación. Desde pequeño, algo irresistible e irracional le había atraído de Adolf Hitler. Nacido en 1938, Irving se convirtió con los años en un historiador autodidacta y en el autor de varios best sellers con un sentido inverosímil de los crímenes nazis.
El opus magnum de Irving fue «Hitler’s War» (1977) -y su continuación, «The War’s Path»-, dedicado a exculpar al líder austriaco de la llamada Solución Final, un caladero inagotable para los defensores de que la muerte de entre seis a ocho millones de judíos nunca tuvo lugar."

 David Irving, presenta cargos contra Deborah Lipstadt y la editorial inglesa de su libro por difamación. La editorial consulta a Deborah sobre si aceptará la demanda o llegará a un arreglo con Irving. Ver un video de declaraciones de Irving es la razón que la decide a aceptar la demanda.
Un abogado inglés viaja a EE.UU. para conocer a Deborah y presentarle su proyecto de defensa. Se trata de Anthony Julius (Andrew Scott) quien ha sido abogado patrocinador de Lady Diana en el juicio que llevó contra la corona británica. Julius le advierte a Deborah que la justicia inglesa difiere de la norte-americana en que el acusado debe demostrar su inocencia ya que se presume su culpabilidad.
También le advierte que él no actuará en el juicio, porque su oficio es el de preparar el material. Otro abogado se hará cargo de llevar adelante el juicio. Ese otro abogado resulta ser Richard Rampton (otra excelente actuación de Tom Wilkinson).
Lo primero que Richard Rampton decide hacer es viajar a Auschwitz para tomar contacto con "el lugar del crimen" y le pide a Deborah que lo acompañe. Su indignación es manifiesta al ver como han dejado deteriorar todas las pruebas del lugar de exterminio, cómo es que ninguna autoridad mundial se le ocurrió preservar el lugar.
Finalmente el juicio comienza y se le advierte a Deborah que no haga ninguna declaración a la prensa y que tampoco prestará testimonio durante el juicio, ya que con su libro es suficiente.
Sobrevivientes del holocausto la interpelan para saber la razón por la que los han dejado afuera en este juicio que tanto toca a sus sentimientos y angustias.
La argumentación de Julius es impecable. No quiere que Irving destroce a ningún sobreviviente porque eso iría en su favor. Lo que deben hacer durante el juicio es demostrar las mentiras en las que Irving incurrió y no determinar si el holocausto tuvo o no lugar, eso no está en discusión.
El espectador interesado en el juicio deberá ver la película, porque aquí termino mi reseña.
Como argentino conozco perfectamente las sutiles artes de los demonios para negar los crímenes de lesa humanidad, así que no me sorprende que eso siga sucediendo en la Inglaterra del siglo XXI con los crímenes de la sociedad europea contra la comunidad judía en la que los alemanes cargaron con el papel de ejecutores.
Vuelvo al párrafo inicial. Este es un film serio, muy serio y como tal hay que tratarlo sin demasiadas discusiones.
Trailer comentado por Rachel Weisz, subtítulos en inglés
Todos los aspectos de la película están cuidadosamente tratados. La fotografía es excelente. Impresionan las tomas invernales en Auschwitz. La música de Howard Shore dibuja con sutileza los aspectos emotivos del film. Las actuaciones de los tres intérpretes principales son impecables. Nueve puntos sobre diez es mi calificación.








jueves, 27 de julio de 2017

Nuestra hermana pequeña (Umimachi Diary) (Hirokazu Kore-Eda, 2015) 🌟🌟🌟🌟

Basándose en una manga (historieta) de Akimi Yoshida, Hirokazu Kore-eda construye uno de los más humanos y cálidos guiones para el cine que se hayan visto.
Es como poder echar un vistazo sobre la intimidad de estas tres hermanas Sachi (Haruka Ayase), Yoshino (Masami Nagasawa) y Chica (Kaho) sin ser vistos. Conocemos sus debilidades y también sus fortalezas. Son básicamente buenas personas. Su madre se ha ido hace tiempo y ellas conviven en la casa familiar.
Sachi es enfermera especializada, Yoshino es empleada contable que dilapida su dinero manteniendo a novios sin futuro y Chica es lo que llamaríamos, un tiro al aire, con un novio muy parecido a élla.
Reciben la noticia de que su padre ha muerto y como Sachi no puede ir por obligaciones laborales, Yoshino y Chica viajarán para las ceremonias fúnebres.
En la estación de trenes del pueblo las recibe Suzu Asano (Suzu Hirose), su hermanastra, hija del segundo matrimonio de su padre con la mujer por la que abandonó a su familia. Esta mujer murió al poco tiempo de nacer Suzu y su padre se casó por tercera vez.
Sin embargo, la persona que lo cuidó en el hospital en sus últimos tiempos fue su hija Suzu.
Sachi llega finalmente a la ceremonia y cuando se plantea quién hablará por los familiares, la tercera esposa rehusa diciendo que no puede y que quizás sería mejor que hablara Suzu. Sachi interviene diciendo que no estaría bien que no hable un adulto y se propone como oradora, a lo cual la tercera esposa finalmente accede a hablar.
Cuando Suzu las va a despedir a la estación del tren, ya desde arriba del tren Sachi invita a Suzu a que vaya a vivir con éllas. Que lo piense, pero Suzu no necesita pensarlo mucho y accede de buena voluntad.
Pero claro, una cosa es verse para una ceremonia y otra diferente es tener que convivir con las tres hermanas.
Sin grandes elocuencias ni secretos filosóficos, la película transcurre mansamente y se hace carne en el espíritu del espectador.
Hay otras muertes e historias paralelas que van cruzando el espíritu de la trama para enriquecerla humanamente y hasta regresa la madre, después de muchos años a visitarlas.
No creo que algún espectador pueda no apreciar esta maravillosa experiencia fílmica del gran director japonés.
Trailer subtitulado en castellano
Consejos familiares
Como todas las películas japonesas que he visto, la fotografía, el montaje y la ambientación son perfectas, imposible encontrar grietas o rendijas por las que espiar la construcción del film. Hermoso el tema de la banda de sonido de Yoko Kanno.
Ocho puntos sobre diez es mi calificación para esta pequeña joya.

lunes, 10 de julio de 2017

La canción de Carla (Ken Loach, 1996) 🌟🌟🌟🌟

De uno de los grandes binomios del cine actual, Ken Loach, director y Paul Laverty, escritor, es esta maravillosa "Canción de Carla".
Ken Loach es un políticamente comprometido director inglés que habitualmente sitúa la acción de sus películas en Glasgow, Escocia.
En esta película, George Lennox (Robert Carlyle) es un conductor de autobuses con problemas de rebeldía contra un inspector en particular, McGurk, (Stewart Preston) del que detesta sus métodos amenazadores y persecutorios con los que trata a los pasajeros. Lleva en el autobus una caricatura de McGurk rascándose las pelotas.
En una de sus violentas acciones, McGurk se las toma con una chica a la que hasta termina pidiendo los papeles por no tener un boleto. George no puede con su temperamento y compra un boleto para la chica, pero no es lo que McGurk quiere, él va por la tortura de la chica. George llama a la chica y la deja descender del autobus y cierra la puerta para que McGurk no la pueda perseguir.
Esta acción le vale a George una suspensión de una semana. Mientras está en su casa lidiando con una moto que insiste en no funcionar, aparece la chica, Carla es su nombre (Oyanka Cabezas), para agradecer su gesto y dejarle un regalito, un imán pintado a mano. Después desaparece porque no quiere tener contacto con George.
Un día la ve bailando en la calle y cuando termina, la persigue hasta el cuarto de la horrible casa de pensión donde vive, lo que le vale a Carla ser echada de la pensión.
George la lleva entonces a la casa de su amigo Sammy (Gary Lewis) quien tiene una habitación libre.
George está enamorado de Carla, pero élla lo evita y le hace prometer que no le hará preguntas sobre su vida. Finalmente le cuenta que viene de Nicaragua, un país en esos años en guerra a causa de la guerra civil planteada por los contras al gobierno sandinista.
Después de un intento de suicidio de Carla, George se entera que es el segundo por el que la atienden en el hospital de Glasgow, el anterior había sido hacía 6 semanas. También por su legajo sabe que ingresó al país con un grupo que quería recolectar dinero para ayudar a las víctimas de la guerra. El grupo se fue y élla se quedó sola en Glasgow.
De vuelta en la casa, Carla le cuenta que su compañero Antonio, desapareció en medio de la guerra y que cada vez que lee sus cartas se deprime y su salida es el suicidio.
George decide que deben regresar a Nicaragua para buscar a Antonio y compra pasajes para los dos.
Ya en Nicaragua, un país en estado de guerra civil, van juntos hasta un Asilo para pobres y enfermos a cargo de un norteamericano, Bradley (Scott Glenn) quien según Carla debería saber donde pueden encontrar a Antonio. Bradley dice no conocer el paradero de Antonio y los envía a otro pueblo a preguntarle a otra compañera de Carla.
En medio de la ruta, el camión tiene un desperfecto y un chorro de agua caliente le quema la cara al conductor. Carla se desmaya justo cuando pasa Bradley en su camioneta y se ofrece a llevarlos hasta el pueblo donde vive la familia de Carla.
Una noche el pueblo es atacado y quemado por los contras. George se siente desbordado por la violencia y decide regresar a Escocia. Mientras tanto Carla le ha sacado la verdad a Bradley, Antonio vive en el Asilo.
Mientras George espera por el autobus que lo llevará de regreso, Bradley lo invita a tomar una copa y le cuenta la verdad del trauma de Carla. Ella vio como le cortaron la lengua a Antonio, le quebraron las costillas y le arrojaron ácido a la cara. Ese es el motivo de su horror.
Pero también Bradley le cuenta a George la verdad sobre la guerra civil en Nicaragua. Los ataques y bombardeos son decididos en Langley, Virginia, en los cuarteles generales de la C.I.A.
"La CIA es la que lleva la voz cantante en toda esta mierda. Sin éllos no habría ni "contras" ni guerra.
Violan a los hijos delante de sus padres y luego les arrancan las tripas. Muchacho ellos torturan y asesinan a maestros y enfermeras y yo sé porqué. Yo los recluté, los entrené, los equipé y los envié a Nicaragua. ".
Dejo a los posibles espectadores la inevitable conclusión sobre las guerras civiles de todos los tiempos y de todos los países, que se desatan en nombre de la "democracia".
Impecable realización de Ken Loach, donde la violencia, si bien es fuerte, nunca alcanza a la desatada en otro tipo de películas de acción.
Sensacional la dirección de fotografía de Barry Ackroyd y la edición y montaje de Jonathan Morris.
Trailer sin subtítulos
Nueve puntos sobre diez para esta emotiva y profunda realización de Ken Loach.





viernes, 23 de junio de 2017

El propósito de un perro (Lasse Hallstrom, 2017) 🌟🌟🌟

No sé por qué razón esta película ha recibido innumerables títulos alternativos. "Tu mejor amigo", "La razón de estar contigo", "Mis vidas como perro", "Cuatro vidas de un perro" y más y más y más.
He elegido para titular esta entrada la traducción del título original en inglés, "A dog's purpose", porque creo que es el más atinado. Pero evidentemente toda esta confusión a la hora de nombrar a esta película proviene del hecho de que la historia es realmente movilizante de muchos sentimientos humanos.
Los sentimientos de los perros aquí no cuentan, están contados por humanos. Es una hermosa novela de W. Bruce Cameron, donde el espíritu de un perro nos relata sus diferentes vidas en la tierra, su relación con los humanos y la pregunta que esta alma se formula constantemente. ¿Para qué estoy aquí?.
Como vemos el argumento es profundamente filosófico y a pesar de que la historia está contada más bien en tono de comedia, dramática, pero con ritmo de comedia y que las historias son comunes, nada profundas, la pregunta subyace todo el tiempo en la mente del espectador. ¿Para qué estoy aquí?.
El oficio de Lasse Hallstrom le permite sortear todos los inconvenientes que acarrea tener como protagonista a un perro. La voz de Josh Gad es la elegida para interpretar a los diferentes perros, que como diferentes vestuarios, esta alma de perro debe vestir.
No es una película lacrimógena. Antes de verla yo tenía en mente la historia de Hachiko, el perro japonés que murió esperando el regreso de su amo, cuya versión cinematográfica estadounidense fue dirigida también por Hallstrom. Pero, o bien la novela no es melodramática o bien el director ha pasado airoso por las diferentes reencarnaciones de esta alma perruna, muertes incluídas, sin causar mella en los espectadores hipersensitivos.
La primera historia es anecdótica y sirve como presentación de la idea de la película. La segunda vida cuenta como Bailey llega a la vida de la familia de Ethan (Bryce Gheisar y K.J.Apa en el personaje adolescente). Como Bailey construye su objetivo alrededor de la vida de Ethan.
La tercera historia es sobre una magnífica ovejero alemán, Ellie y su entrenador policía Carlos (John Ortiz). Es una historia muy dura porque Ellie está consagrada a buscar y encontrar delincuentes y gente perdida y como buena historia policial el desenlace es sangriento.
La cuarta historia es sobre Maya (Kirby Howell-Baptiste) y el perro aquí es Tino. Es una historia simpatiquísima y según reflexiones del propio perro, fue la vida más entretenida de todas.
La quinta historia se abre con un desastre. Wendi (Nicole LaPlaca) se entusiasma con un cachorro y lo lleva a su casa, pero su pareja Victor (Primo Allon) no quiere perros en la casa y la vida de Buddy transcurre atado a la intemperie hasta que Victor decide abandonarlo en la carretera.
Y es aquí donde realmente comienza la historia del propósito de un perro y no la voy a contar.
Los lectores que estén interesados sepan que la película no los va a defraudar. Lasse Hallstrom lleva años filmando hermosas historias ("Chocolate", "Atando cabos", "Hachiko", "La pesca del salmón en Yemen" y muchas más) como para tenerle confianza.
Trailer subtitulado en castellano
Una hermosa película para disfrutar y también emocionarse, sobre todo a los amantes de los perros.
Ocho puntos sobre diez.

martes, 13 de junio de 2017

Solo el fin del mundo (Xavier Dolan, 2016) 🌟🌟🌟🌟🌟


Xavier Dolan incansablemente y al estilo de los mejores cineastas que hacen cine de autor, crea una película por año y la presenta en el festival de Cannes donde siempre logra algún lauro. Esta vez se llevó la gran palma de oro por su adaptación de la obra de teatro de Jean-Luc Lagarce.
Es realmente impensable después de ver la película pensar que se trata de la adaptación de una obra escrita para el teatro. Dolan no se mueve del escenario, todo pasa adentro de la casa y de las almas de sus habitantes. Eso justamente, el alma de sus habitantes, es el escenario por donde la cámara se desliza silenciosamente, sin molestar ni alterar ni por un segundo la conducta de los personajes.
Louis (Gaspard Ulliel) vuelve a la casa familiar a sus 34 años. Vuelve por un motivo muy personal. Necesita decir a su familia que va a morir.
En la casa lo reciben su madre (Nathalie Baye), su hermana Suzanne (Lea Seydoux), su hermano Antoine (Vincent Cassel) y su cuñada Catherine (Marion Cotillard). Sus sobrinos no están en la casa porque están pasando el fin de semana en casa de los abuelos maternos.
Como vemos, no se han escatimado recursos al elegir el reparto de esta película, lo mejor de lo mejor para personificar a los personajes.
Catherine es la más desenfadada y le cuenta a Louis sobre sus sobrinos, le dice que al menor le pusieron también Louis, no solo en su homenaje, sino en el del abuelo paterno. Antoine la interrumpe hostilmente, como lo va a hacer este desgraciado personaje con todos los diálogos que se entablen en su presencia.
Su hermana Suzanne casi no lo conoce, porque se fue cuando élla era muy pequeña.
Algo que se mueve subrepticiamente a través de la película, es la necesidad de fumar que tienen todos los personajes y que esconden de los otros como si de un pecado atroz se tratara.
La única escena en la que la cámara sale al exterior es durante una vuelta en auto a la que Antoine lleva a Louis para que puedan "charlar". Hablar claro, al estilo de Antoine, donde todo mensaje o frase con sentido es descalificada inmediatamente.
Ni siquiera la madre puede celebrar el almuerzo con su familia, porque cuando va a decir que se alegra de tenerlos a todos reunidos ya han dejado la mesa.
Es en el seno de esta familia disfuncional, donde se cuecen todas las frustraciones y malestares que invaden la película como malas ondas estomacales.
Sin embargo, al finalizar, el espectador solo sentirá sobre sus hombros una sensación de frustración por las cosas no dichas, en la película y en su vida.
Decididamente es la mejor película de Xavier Dolan, donde por una vez deja de lado sus vivencias personales y decide despegar hacia el gran cine como lo hiciera Pedro Almodóvar en su momento.
Las actuaciones son todas fenomenales, especialmente la de Marion Cotillard que es excepcional.
La música de Gabriel Yared se incorpora como un detalle ambiental durante todo el film.
No creo que ningún espectador quede decepcionado, salvo claro, los pochocleros que no encontrarán en la película a ningún súper héroe, sino simplemente a un grupo de seres humanos extinguiéndose en la incomunicación más abrumante.
Trailer subtitulado en inglés
Trailer subtitulado en castellano
Atención a la música en este último trailer. Si no aparecen los subtítulos en castellano, dar un click al ícono de subtítulos de youtube.
Diez puntos sobre diez para este magnífico film de Xavier Dolan.

sábado, 10 de junio de 2017

El último lobo (Jean-Jacques Annaud, 2015) 🌟🌟🌟🌟🌟

Situada en los años de la revolución cultural china, cuando estudiantes elegidos eran enviados a enseñar a los pueblos rurales para integrarlos a la sociedad china, la película comienza con la llegada de Chen Zhen (Shaofeng Feng) y Yang Ke (Shawn Dou) a un pueblo perdido de la Mongolia Interior donde aún moran pueblos nómadas de origen mongol.
Conservan su cultura y sus tradiciones y, por sobre todas las cosas, conservan el equilibrio biológico entre los habitantes de la pradera. Crían su ganado de ovejas y caballos, y viven en sus tiendas de madera cubiertas de pieles (yurtas).
Bilig (Basen Zhabu), los recibe y les asigna una pequeña yurta para vivir y les entrega palos para defenderse. "De qué" pregunta Chen, "de los mosquitos" contesta Bilig y luego añade, "de los lobos, por supuesto".
Mongoles y lobos conviven difícilmente en la pradera. Los lobos cazan gacelas aplicando una inteligencia superior. Las acorralan sobre un lago helado, para que queden frizadas y sirvan para alimentar meses más tarde, a sus crías.
Los mongoles toman algunas de esas gacelas y las llevan a vender al pueblo. Un chino de los funcionarios, quiere saber el origen de esa carne congelada, origen del que los mongoles tienen prohibido hablar y coimea a Shartseren (Tumenbayaer) comprándole una radio para que le diga de donde saca su pueblo las reses.
Los chinos se apropian entonces de todas las gacelas congeladas, con lo cual los lobos se quedan sin alimento para el invierno y atacan los ganados de los mongoles. Esto hace que las autoridades chinas les ordenen matar las crías de los lobos para que disminuya su población y, el apocalipsis ya está desatado.
Chen Zhen logra capturar a un lobezno y en lugar de matarlo como hacen los mongoles, lo esconde y cría clandestinamente.
Basada en la exitosa novela de Jiang Rong y con un magnífico guión de Alain Godard, Jean-Jacques Annaud construye una hermosa película donde se muestran todos los errores y horrores de la sociedad actual que según sus palabras, logrará acabar con el planeta en muy pocos años.
No hubo cineasta chino que se animara a filmar esta novela, porque temían las extremas dificultades de entrenar manadas de lobos mongoles.
Es excepcional la banda de sonido de James Horner así como la dirección de fotografía de Jean-Marie Dreujou. Las secuencias nocturnas son realmente bellísimas.
Película ecoógica, animalista y humanista como pocas se han visto, "El último lobo" va a estremecer hasta las lágrimas a todos los espectadores sensibles e inteligentes.
Trailer subtitulado
Reportajes conteniendo el mensaje del film
Diez puntos sobre diez para este conmovedor film de Jean-Jacques Annaud.

martes, 30 de mayo de 2017

Samsara (Pan Nalin, 2001) 🌟🌟🌟🌟

"Samsara" es una asombrosa e inusual película que transcurre en la provincia de Ladakh, en el extremo septentrional de la India en la región de Cachemira, a la altura del Tibet.
Como el Tibet comparte una cultura budista-lamaísta donde los niños son entregados a muy corta edad a los monasterios para ser formados como lamas.
Esta película no solo transcurre en Ladakh, sino que también fue filmada íntegramente en Ladakh, entre horizontes de la estepa himalaya y valles de cultivos. Monasterios encaramados en las rocas y ermitas cavadas en la misma montaña.
El guión de la película pertenece al director, Pan Nalin y es una historia donde se confrontan lo religioso con lo mundano en el alma y espíritu de un monje, Tashi (Shawn Ku).
Después de haber estado encerrado en estado meditativo por tres años, tres meses y tres días, el monje Apo (Sherab Sangey) lo devuelve a la vida trasladándolo al monasterio. Un detalle, no menor, es que su perra Kala lo recibe con alegría. Parecería ser el único monje en todo el convento que tiene un perro.
Pero Tashi no permanecerá mucho tiempo más en el monasterio. El razona que Siddharta estuvo casado antes de retirarse a la vida espiritual y quiere vivir esa experiencia. La verdad es que le resulta imposible controlar su instinto sexual.
En un viaje de peregrinación, los monjes paran en la vivienda de un terrateniente, Sonam (Jamayang Jinpa) y Tashi se siente atraído hacia su hija Pema (Christy Chung). Cuando deja el monasterio, Tashi va directamente a la hacienda de Sonam a pedir trabajo porque quiere encontrarse con Pema.
Termina casándose con Pema y tienen un hijo, Karma. Después de mucho, cuando Karma ya tiene 8 años, un monje compañero de Tashi llega a visitarlo. Le trae una carta de Apo, quien le dice que algún día volverán a encontrarse en Samsara.
Poco tiempo después, en el medio de una noche, Tashi deja su casa para regresar al monasterio. Deja atrás a Pema y a su hijo, a sus pertenencias y cosas por las que ha luchado durante todos estos años.
En el camino se encuentra con Pema, quien lo ha alcanzado a caballo y el monólogo con el que Pema interpela a Tashi es quizás la verdadera razón de ser de toda la película:
"Yashodhara.
¿Conoces ese nombre?
Príncipe Siddhartha, Gautama, Sakyamuni, Buddha.
Todos conocen esos nombres... pero...
...¿Yashodhara?
Yashodhara estaba casada con Siddhartha.
Ella lo amaba cariñosamente.
Una noche Siddharta la dejó...junto a su hijo, Rahul ...mientras estaban durmiendo,
en busca de la Iluminación ...para volverse Buddha.
No le dijo una sola palabra a ella al marcharse.
Yashodhara mostró compasión por los enfermos...
...mucho antes que Siddhartha lo hiciese...
...mucho antes que Siddhartha tuviese consciencia del sufrimiento.
Cómo podremos saber si Yashodhara...cayó víctima de la cólera...
...la soledad o amargura... ...después que Siddhartha la dejara.
¿Quién pensó en ella?
¿Cómo podría una madre dejar a su propio hijo en la mitad de la noche?
Sólo un hombre es capaz de hacerlo."
Este es el mensaje con el que Pan Nalin denuncia el carácter machista y egoísta del budismo.
Es magnífica la dirección fotográfica de Christo Bakalov y Rali Raltschev. Tanto las escenas de exteriores como los interiores están cuidadosamente iluminados.
Los actores están todos en papel, casi se diría que son realmente los personajes que interpretan.
La música de Cyril Morin es perfecta y acompaña la película sin hacerse notar demasiado.
En general, habría que atribuir a la dirección de Pal Nalin la excelente factura de este film.
El espectador va a disfrutar las un poco más de 2 horas de duración porque se trata de un film único. Sin ser religioso sondea en profundidad en la mística budista y muestra un cuadro del modo de vida en esta región tan remota del mundo.
Trailer
Nueve puntos sobre diez es mi calificación para este film único en su género.

lunes, 22 de mayo de 2017

El "nuevo" nuevo testamento (Jaco Van Dormael, 2015) 🌟🌟🌟🌟

"Dios existe. Y vive en Bruselas". Creo que con solamente esta definición, ya el espectador adivinará que no estamos hablando de una película convencional.
El guión que entre el director, Jaco Van Dormael y Thomas Gunzig prepararon escapa a toda posible definición. No es realista, no es surrealista, no es una comedia, pero tampoco es un drama dentro de los parámetros habituales.
La que cuenta la historia es Ea (Pili Groyne), la hija oculta de Dios. Dios (Benoit Poelvoorde) habita en un departamento de Bruselas sin salidas con su mujer (Yolande Moreau) y su hija, ya que el hijo (J.C.) los dejó ya hace un tiempo aunque hay estatutillas de él en todas las habitaciones.
Dios mira partidos por TV y trabaja en un cuarto inmenso cuyas paredes están cubiertas de gavetas con la historia de todos los seres humanos.
Primero Ea cuenta como fue que creó el mundo y a Bruselas. Como luego la habitó con experimentos fallidos (jirafas y gallinas), hasta que decidió crear al hombre a su imagen y semejanza y tras de él, a su mujer. Crecieron y se multiplicaron. Pero Dios no es un ser misericordioso. No. Es un malvado que goza atormentando a sus criaturas desde su PC. Es por eso que aparecieron las guerras de religión y otros tantos males que enferman a sus criaturas y les hacen la vida destestable.
Ea está harta de su padre y de su comportamiento malvado para con los seres humanos, por eso planea escaparse y llenar la PC de su padre de virus para que no pueda hacer más daño. Como primera medida envía a toda la humanidad un mensaje conteniendo la hora exacta de su muerte.
J.C. la ayuda y le aconseja que se consiga un escritor (Víctor, Marco Lorenzini) que redacte su "nuevo" nuevo testamento y que junte a 6 discípulos, así más los doce suyos serán 18, que es el número de los jugadores de los teams de béisbol que es el deporte adorado por su madre.
Para ver cómo Ea escapa del departamento y quiénes serán sus discípulos. Martine (Catherine Deneuve), François (François Damiens), Aurelie (Laura Verlinden), Marc (Serge Lariviere), Jean-Claude (Didier de Neck) y el jovencísimo Willy (Romain Gelin), estimado espectador deberás ver esta película. Más no puedo contar sin hacer perder la diversión de los posibles espectadores.
Magnífica historia y magnífica dirección. La selección de temas de la banda sonora es también muy buena, en especial "La mer" por Charles Trenet.
Trailer subtitulado en castellano
Nueve puntos sobre diez para esta ingeniosa creación cinematográfica de Jaco Van Dormael.

sábado, 13 de mayo de 2017

Redención: Los casos del Departamento Q (Hans-Petter Moland, 2016) 🌟🌟🌟🌟

Jussi Adler-Olsen es el escritor danés del cuál cobraron vida los "casos" del departamento Q.
Con la mezcla exacta de crimen, misterio, horror y suspenso, sus "casos" han sido llevados al cine con extraordinario suceso debido a los excelentes guiones de Nikolaj Arcel.
Mikkel Norgaard filmó en 2013 "Misericordia" y "Profanación" en 2014 y le ha tocado en suerte a Hans-Petter Moland llevar a la pantalla en 2016, "Redención", hasta ahora la mejor de las tres historias sin desmerecer a las dos primeras.
Carl Marck (Nikolaj Lie Kaas) es un detective desilusionado del mundo y de la gente, por ese motivo ha sido destinado por sus superiores a salir del servicio activo y hacerse cargo del Departamento Q. Casos que han quedado archivados sin resolver y de los que se supone que limpie uno cada tanto.
Como ayudante le destinan a Assad (Fares Fares) un árabe, paria para la sociedad danesa y como secretaria a Rose (Johanne Louise Schmidt). El trío hace un equipo insuperable para la investigación y resolución de estos casos malditos para la policía.
En "Redención" todo comienza con el hallazgo de una botella conteniendo un mensaje de pedido de socorro que es en sí mismo todo un caso para investigar porque está dañado por el tiempo. Después de mucho andar descubren que dos hermanitos, Pole y Trygve fueron secuestrados casi diez años atrás. Y de tanto averiguar, descubren con la ayuda de una detective del pueblo donde vivieron Pole y Trygve, que ha habido otros casos similares.
Averiguando casa por casa, llegan a la de Elias (Jakob Ulrik Lohman) y Rakel (Amanda Colin) y al preguntar por sus hijos los padres dicen que se han ido a Suecia. Pero Rose averigua que Elias y Rakel han retirado todo el dinero de sus cuentas bancarias. Finalmente Rakel se quiebra y dice que no pueden decir nada a nadie, porque sino van a matar a sus hijos. Cuando Carl les pide que describan a quien pudo haberlos secuestrado, Rakel confiesa que saben quién es, es un padre de su iglesia que viaja cada tanto a su pueblo y al que conocen como Johannes (Pal Sverre Hagen).
Imposible seguir narrando los acontecimientos que se suceden con vertiginosa celeridad.
Cabe consignar que existe una historia paralela que hace referencia a la fe en Dios. Carl es totalmente agnóstico y Assad es un musulmán respetuoso de su creencia pero no realmente practicante. Durante varios momentos de la película se pone en tela de juicio como es que Dios permite semejantes aberraciones y si eso no indicaría su inexistencia.
Durante casi dos horas, el espectador va a estar en vilo sobre el giro que tomarán los acontecimientos porque varios sucesos hacen prever lo peor para los niños secuestrados, sus padres y hasta los mismos detectives.
Excelente la fotografía y la música, toda una obra de arte del thriller que nos hace reconciliarnos con el género.
Trailer subtitulado
Ocho puntos sobre diez para esta excelente producción danesa.