Bienvenido a mi mundo

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gracias por la imagen a Germán Banchio

sábado, 12 de agosto de 2017

Recuerdo (Atom Egoyan, 2015) 🌟🌟🌟🌟

Sobre un magnífico guión de Benjamin August, el excelente director canadiense de origen armenio Atom Egoyan construye una película de intriga y misterio que resultará inolvidable para sus espectadores.
Zev Guttman (Christopher Plummer) es un nonagenario sobreviviente de Auschwitz con pérdidas de memoria que lo hacen estar desorientado y buscando a su mujer, Ruth, que falleció hace dos semanas dentro del establecimiento geriátrico donde reside.
Max Rosenbaum (Martin Landau en tal vez la que fuera su última actuación para el cine), está internado en el mismo geriátrico y le ha hecho proimeter a Zev que en cuanto finalice el período de oraciones por su esposa, irá en búsqueda del verdugo nazi que mató a las familias de ambos en Auschwitz.
Para que Zev no se pierda, Max le ha escrito una carta con todas las instrucciones y las direcciones de los cuatro Rudy Kurlander que ha podido detectar. Cuando los soldados nazis emigraban a USA cambiaban sus identidades y frecuentemente utilizaban las de los prisioneros muertos en el campo de concentración.
Así es como una noche, Zev deja el geriátrico y se embarca en la que será la aventura de su vida. Comprar un arma e ir en búsqueda de su carcelero nazi del que solamente Max y él recuerdan el rostro.
Las autoridades del geriátrico dan aviso al hijo de Guttman y este a su vez a la policía y a la tarjeta de crédito de su padre para que cualquier intento de uso le sea notificado.
El primer Rudy Kurlander de la lista (Bruno Ganz), resulta ser un soldado alemán que sí estuvo en el ejército nazi pero que sirvió en la campaña de Africa con el general Rommel.
Con los encuentros y desencuentros de Zev, con sus pérdidas de memoria y la carta que le recuerda siempre cuál es su objetivo, Atom Egoyan construye una sólida película donde la férrea actuación de Christopher Plummer nos envuelve en la historia de estos sobrevivientes del holocausto.
Trailer en inglés
De más está decir que el final es absolutamente sorprendente y deja atónito al espectador más preparado.
Nueve puntos sobre diez para "Recuerdo".

lunes, 31 de julio de 2017

Canción del atardecer (Terence Davies, 2015) 🌟🌟🌟🌟

Chris (Agyness Devn) es hija de un granjero escocés, John Guthrie (Peter Mullan). Es inteligente y planea seguir estudios para ser profesora.
Pero la vida le juega una mala pasada en la novela de Lewis Grassic Gibbon.
Su padre es severo y cruel con su hermano Will (Jack Greenlees) y su madre, recientemente madre de un par de mellizos, sufre por su falta de perspectivas. Se envenena y envenena a los bebés. Los hermanos menores de Chris son adoptados por una tía hermana del padre y llevados a vivir lejos de la granja.
Chris, ahora sola en la familia, debe ocupar el puesto de ama de casa. Will, cansado de los castigos de su padre, se va de la granja y finalmente llega un telegrama que se ha casado y embarcado en Southtampton para la Argentina.
Chris queda sometida al mal genio de su padre.
Chae Strantan (Ian Pirie) cae por el campo para pedir trabajo y se queda viviendo en el establo. El mal genio de John Guthrie le ocasiona un ataque cardíaco y queda parapléjico. Pero quiere seguir manejando la vida de su hija. Ella le deja una campana para que la llame cuando la necesite. Finalmente Chris se harta de oir la campana y se encierra en la cocina. A la mañana siguiente cuando abre la puerta ve el cuerpo sin vida de su padre que se arrastró desde el piso superior por las escaleras.
Una noche de tormenta, dos caballos huyen del establo y Chris los persigue hasta lograr detenerlos. Chae y otro campesino, Ewan Tavendale (Kevin Guthrie) la rescatan y la llevan de vuelta a la casa de Chae. La sientan al lado del fuego y a la mañana siguiente llevan los caballos de vuelta al establo y a Chris a su casa. Pero Chris se ha enamorado de Ewan.
Aunque él no tiene más que cien libras, Chris elige casarse con Ewan y que se haga cargo de la granja. Chris queda embarazada y llega el pequeño Ewan. De a poco van construyendo su estabilidad.
Pero el anuncio de que han entrado en guerra Alemania y Francia y están alistando a los campesinos perturba sus vidas.
Ewan no tiene ninguna intención de alistarse en una guerra sin sentido para él y su familia. Pero hasta el cura en la misa anuncia que hay que matar al anticristo kaiser alemán y que los cobardes que no se alisten es porque son amigos de los alemanes.
De cómo la guerra destruye la vida de quienes nada tienen que ver con los planes y objetivos de los poderosos. De eso trata "Canción del atardecer" y el mensaje de Terence Davies queda muy en claro.
Una película muy en la estética particular de Terence Davies. Con parlamentos casi teatrales. Con una fotografía radiante y oscura al mismo tiempo.
No creo que todos los espectadores vayan a disfrutar de este bello film, pero que bien vale la pena de ser visto.
Trailer subtitulado en castellano
8 puntos sobre 10 es mi calificación para este impactante film.

viernes, 28 de julio de 2017

Negación (Mick Jackson, 2016) 🌟🌟🌟🌟

"Negación" (Denial), es un film serio, muy serio, totalmente alejado de los novelones sobre juicios con los que el cine norte-americano nos ha lavado la cabeza para convencernos de que la justicia existe en su país.
Basado en un caso real, el guión de David Hare está basado en el libro de la real Deborah Lipstadt, "Historia de un juicio: mis días en la corte con un negador del holocausto".
Si bien la demanda fue puesta en 1996, el juicio no se llevó a cabo sino hasta los primeros meses del año 2000, por lo tanto la historia que se relata es absolutamente actual.
Deborah Lipstadt (en la genial actuación de Rachel Weisz), es una historiadora que trabaja para la Universidad de Emory en la cátedra de Historia del Judaísmo Moderno y de Estudios del Holocausto,
Además acaba de lanzar su libro "Negando el holocausto" donde hace mención sobre un presunto historiador inglés partidario de Hitler y sus doctrinas antisemitas que niega que el Holocausto haya tenido lugar, principalmente en Auschwitz. La persona en cuestión es David Irving (Timothy Spall, el laureado actor intérprete de "Mr. Turner").

"En un Londres devastado por las bombas alemanas, un niño llamado David Irving correteaba entre las ruinas haciendo el saludo nazi durante la Segunda Guerra Mundial. Aquello era un insulto a su país, pero su familia lo entendió como un juego infantil o como una muestra de cierto sentido innato de la provocación. Desde pequeño, algo irresistible e irracional le había atraído de Adolf Hitler. Nacido en 1938, Irving se convirtió con los años en un historiador autodidacta y en el autor de varios best sellers con un sentido inverosímil de los crímenes nazis.
El opus magnum de Irving fue «Hitler’s War» (1977) -y su continuación, «The War’s Path»-, dedicado a exculpar al líder austriaco de la llamada Solución Final, un caladero inagotable para los defensores de que la muerte de entre seis a ocho millones de judíos nunca tuvo lugar."

 David Irving, presenta cargos contra Deborah Lipstadt y la editorial inglesa de su libro por difamación. La editorial consulta a Deborah sobre si aceptará la demanda o llegará a un arreglo con Irving. Ver un video de declaraciones de Irving es la razón que la decide a aceptar la demanda.
Un abogado inglés viaja a EE.UU. para conocer a Deborah y presentarle su proyecto de defensa. Se trata de Anthony Julius (Andrew Scott) quien ha sido abogado patrocinador de Lady Diana en el juicio que llevó contra la corona británica. Julius le advierte a Deborah que la justicia inglesa difiere de la norte-americana en que el acusado debe demostrar su inocencia ya que se presume su culpabilidad.
También le advierte que él no actuará en el juicio, porque su oficio es el de preparar el material. Otro abogado se hará cargo de llevar adelante el juicio. Ese otro abogado resulta ser Richard Rampton (otra excelente actuación de Tom Wilkinson).
Lo primero que Richard Rampton decide hacer es viajar a Auschwitz para tomar contacto con "el lugar del crimen" y le pide a Deborah que lo acompañe. Su indignación es manifiesta al ver como han dejado deteriorar todas las pruebas del lugar de exterminio, cómo es que ninguna autoridad mundial se le ocurrió preservar el lugar.
Finalmente el juicio comienza y se le advierte a Deborah que no haga ninguna declaración a la prensa y que tampoco prestará testimonio durante el juicio, ya que con su libro es suficiente.
Sobrevivientes del holocausto la interpelan para saber la razón por la que los han dejado afuera en este juicio que tanto toca a sus sentimientos y angustias.
La argumentación de Julius es impecable. No quiere que Irving destroce a ningún sobreviviente porque eso iría en su favor. Lo que deben hacer durante el juicio es demostrar las mentiras en las que Irving incurrió y no determinar si el holocausto tuvo o no lugar, eso no está en discusión.
El espectador interesado en el juicio deberá ver la película, porque aquí termino mi reseña.
Como argentino conozco perfectamente las sutiles artes de los demonios para negar los crímenes de lesa humanidad, así que no me sorprende que eso siga sucediendo en la Inglaterra del siglo XXI con los crímenes de la sociedad europea contra la comunidad judía en la que los alemanes cargaron con el papel de ejecutores.
Vuelvo al párrafo inicial. Este es un film serio, muy serio y como tal hay que tratarlo sin demasiadas discusiones.
Trailer comentado por Rachel Weisz, subtítulos en inglés
Todos los aspectos de la película están cuidadosamente tratados. La fotografía es excelente. Impresionan las tomas invernales en Auschwitz. La música de Howard Shore dibuja con sutileza los aspectos emotivos del film. Las actuaciones de los tres intérpretes principales son impecables. Nueve puntos sobre diez es mi calificación.








jueves, 27 de julio de 2017

Nuestra hermana pequeña (Umimachi Diary) (Hirokazu Kore-Eda, 2015) 🌟🌟🌟🌟

Basándose en una manga (historieta) de Akimi Yoshida, Hirokazu Kore-eda construye uno de los más humanos y cálidos guiones para el cine que se hayan visto.
Es como poder echar un vistazo sobre la intimidad de estas tres hermanas Sachi (Haruka Ayase), Yoshino (Masami Nagasawa) y Chica (Kaho) sin ser vistos. Conocemos sus debilidades y también sus fortalezas. Son básicamente buenas personas. Su madre se ha ido hace tiempo y ellas conviven en la casa familiar.
Sachi es enfermera especializada, Yoshino es empleada contable que dilapida su dinero manteniendo a novios sin futuro y Chica es lo que llamaríamos, un tiro al aire, con un novio muy parecido a élla.
Reciben la noticia de que su padre ha muerto y como Sachi no puede ir por obligaciones laborales, Yoshino y Chica viajarán para las ceremonias fúnebres.
En la estación de trenes del pueblo las recibe Suzu Asano (Suzu Hirose), su hermanastra, hija del segundo matrimonio de su padre con la mujer por la que abandonó a su familia. Esta mujer murió al poco tiempo de nacer Suzu y su padre se casó por tercera vez.
Sin embargo, la persona que lo cuidó en el hospital en sus últimos tiempos fue su hija Suzu.
Sachi llega finalmente a la ceremonia y cuando se plantea quién hablará por los familiares, la tercera esposa rehusa diciendo que no puede y que quizás sería mejor que hablara Suzu. Sachi interviene diciendo que no estaría bien que no hable un adulto y se propone como oradora, a lo cual la tercera esposa finalmente accede a hablar.
Cuando Suzu las va a despedir a la estación del tren, ya desde arriba del tren Sachi invita a Suzu a que vaya a vivir con éllas. Que lo piense, pero Suzu no necesita pensarlo mucho y accede de buena voluntad.
Pero claro, una cosa es verse para una ceremonia y otra diferente es tener que convivir con las tres hermanas.
Sin grandes elocuencias ni secretos filosóficos, la película transcurre mansamente y se hace carne en el espíritu del espectador.
Hay otras muertes e historias paralelas que van cruzando el espíritu de la trama para enriquecerla humanamente y hasta regresa la madre, después de muchos años a visitarlas.
No creo que algún espectador pueda no apreciar esta maravillosa experiencia fílmica del gran director japonés.
Trailer subtitulado en castellano
Consejos familiares
Como todas las películas japonesas que he visto, la fotografía, el montaje y la ambientación son perfectas, imposible encontrar grietas o rendijas por las que espiar la construcción del film. Hermoso el tema de la banda de sonido de Yoko Kanno.
Ocho puntos sobre diez es mi calificación para esta pequeña joya.

lunes, 10 de julio de 2017

La canción de Carla (Ken Loach, 1996) 🌟🌟🌟🌟

De uno de los grandes binomios del cine actual, Ken Loach, director y Paul Laverty, escritor, es esta maravillosa "Canción de Carla".
Ken Loach es un políticamente comprometido director inglés que habitualmente sitúa la acción de sus películas en Glasgow, Escocia.
En esta película, George Lennox (Robert Carlyle) es un conductor de autobuses con problemas de rebeldía contra un inspector en particular, McGurk, (Stewart Preston) del que detesta sus métodos amenazadores y persecutorios con los que trata a los pasajeros. Lleva en el autobus una caricatura de McGurk rascándose las pelotas.
En una de sus violentas acciones, McGurk se las toma con una chica a la que hasta termina pidiendo los papeles por no tener un boleto. George no puede con su temperamento y compra un boleto para la chica, pero no es lo que McGurk quiere, él va por la tortura de la chica. George llama a la chica y la deja descender del autobus y cierra la puerta para que McGurk no la pueda perseguir.
Esta acción le vale a George una suspensión de una semana. Mientras está en su casa lidiando con una moto que insiste en no funcionar, aparece la chica, Carla es su nombre (Oyanka Cabezas), para agradecer su gesto y dejarle un regalito, un imán pintado a mano. Después desaparece porque no quiere tener contacto con George.
Un día la ve bailando en la calle y cuando termina, la persigue hasta el cuarto de la horrible casa de pensión donde vive, lo que le vale a Carla ser echada de la pensión.
George la lleva entonces a la casa de su amigo Sammy (Gary Lewis) quien tiene una habitación libre.
George está enamorado de Carla, pero élla lo evita y le hace prometer que no le hará preguntas sobre su vida. Finalmente le cuenta que viene de Nicaragua, un país en esos años en guerra a causa de la guerra civil planteada por los contras al gobierno sandinista.
Después de un intento de suicidio de Carla, George se entera que es el segundo por el que la atienden en el hospital de Glasgow, el anterior había sido hacía 6 semanas. También por su legajo sabe que ingresó al país con un grupo que quería recolectar dinero para ayudar a las víctimas de la guerra. El grupo se fue y élla se quedó sola en Glasgow.
De vuelta en la casa, Carla le cuenta que su compañero Antonio, desapareció en medio de la guerra y que cada vez que lee sus cartas se deprime y su salida es el suicidio.
George decide que deben regresar a Nicaragua para buscar a Antonio y compra pasajes para los dos.
Ya en Nicaragua, un país en estado de guerra civil, van juntos hasta un Asilo para pobres y enfermos a cargo de un norteamericano, Bradley (Scott Glenn) quien según Carla debería saber donde pueden encontrar a Antonio. Bradley dice no conocer el paradero de Antonio y los envía a otro pueblo a preguntarle a otra compañera de Carla.
En medio de la ruta, el camión tiene un desperfecto y un chorro de agua caliente le quema la cara al conductor. Carla se desmaya justo cuando pasa Bradley en su camioneta y se ofrece a llevarlos hasta el pueblo donde vive la familia de Carla.
Una noche el pueblo es atacado y quemado por los contras. George se siente desbordado por la violencia y decide regresar a Escocia. Mientras tanto Carla le ha sacado la verdad a Bradley, Antonio vive en el Asilo.
Mientras George espera por el autobus que lo llevará de regreso, Bradley lo invita a tomar una copa y le cuenta la verdad del trauma de Carla. Ella vio como le cortaron la lengua a Antonio, le quebraron las costillas y le arrojaron ácido a la cara. Ese es el motivo de su horror.
Pero también Bradley le cuenta a George la verdad sobre la guerra civil en Nicaragua. Los ataques y bombardeos son decididos en Langley, Virginia, en los cuarteles generales de la C.I.A.
"La CIA es la que lleva la voz cantante en toda esta mierda. Sin éllos no habría ni "contras" ni guerra.
Violan a los hijos delante de sus padres y luego les arrancan las tripas. Muchacho ellos torturan y asesinan a maestros y enfermeras y yo sé porqué. Yo los recluté, los entrené, los equipé y los envié a Nicaragua. ".
Dejo a los posibles espectadores la inevitable conclusión sobre las guerras civiles de todos los tiempos y de todos los países, que se desatan en nombre de la "democracia".
Impecable realización de Ken Loach, donde la violencia, si bien es fuerte, nunca alcanza a la desatada en otro tipo de películas de acción.
Sensacional la dirección de fotografía de Barry Ackroyd y la edición y montaje de Jonathan Morris.
Trailer sin subtítulos
Nueve puntos sobre diez para esta emotiva y profunda realización de Ken Loach.





viernes, 23 de junio de 2017

El propósito de un perro (Lasse Hallstrom, 2017) 🌟🌟🌟

No sé por qué razón esta película ha recibido innumerables títulos alternativos. "Tu mejor amigo", "La razón de estar contigo", "Mis vidas como perro", "Cuatro vidas de un perro" y más y más y más.
He elegido para titular esta entrada la traducción del título original en inglés, "A dog's purpose", porque creo que es el más atinado. Pero evidentemente toda esta confusión a la hora de nombrar a esta película proviene del hecho de que la historia es realmente movilizante de muchos sentimientos humanos.
Los sentimientos de los perros aquí no cuentan, están contados por humanos. Es una hermosa novela de W. Bruce Cameron, donde el espíritu de un perro nos relata sus diferentes vidas en la tierra, su relación con los humanos y la pregunta que esta alma se formula constantemente. ¿Para qué estoy aquí?.
Como vemos el argumento es profundamente filosófico y a pesar de que la historia está contada más bien en tono de comedia, dramática, pero con ritmo de comedia y que las historias son comunes, nada profundas, la pregunta subyace todo el tiempo en la mente del espectador. ¿Para qué estoy aquí?.
El oficio de Lasse Hallstrom le permite sortear todos los inconvenientes que acarrea tener como protagonista a un perro. La voz de Josh Gad es la elegida para interpretar a los diferentes perros, que como diferentes vestuarios, esta alma de perro debe vestir.
No es una película lacrimógena. Antes de verla yo tenía en mente la historia de Hachiko, el perro japonés que murió esperando el regreso de su amo, cuya versión cinematográfica estadounidense fue dirigida también por Hallstrom. Pero, o bien la novela no es melodramática o bien el director ha pasado airoso por las diferentes reencarnaciones de esta alma perruna, muertes incluídas, sin causar mella en los espectadores hipersensitivos.
La primera historia es anecdótica y sirve como presentación de la idea de la película. La segunda vida cuenta como Bailey llega a la vida de la familia de Ethan (Bryce Gheisar y K.J.Apa en el personaje adolescente). Como Bailey construye su objetivo alrededor de la vida de Ethan.
La tercera historia es sobre una magnífica ovejero alemán, Ellie y su entrenador policía Carlos (John Ortiz). Es una historia muy dura porque Ellie está consagrada a buscar y encontrar delincuentes y gente perdida y como buena historia policial el desenlace es sangriento.
La cuarta historia es sobre Maya (Kirby Howell-Baptiste) y el perro aquí es Tino. Es una historia simpatiquísima y según reflexiones del propio perro, fue la vida más entretenida de todas.
La quinta historia se abre con un desastre. Wendi (Nicole LaPlaca) se entusiasma con un cachorro y lo lleva a su casa, pero su pareja Victor (Primo Allon) no quiere perros en la casa y la vida de Buddy transcurre atado a la intemperie hasta que Victor decide abandonarlo en la carretera.
Y es aquí donde realmente comienza la historia del propósito de un perro y no la voy a contar.
Los lectores que estén interesados sepan que la película no los va a defraudar. Lasse Hallstrom lleva años filmando hermosas historias ("Chocolate", "Atando cabos", "Hachiko", "La pesca del salmón en Yemen" y muchas más) como para tenerle confianza.
Trailer subtitulado en castellano
Una hermosa película para disfrutar y también emocionarse, sobre todo a los amantes de los perros.
Ocho puntos sobre diez.

martes, 13 de junio de 2017

Solo el fin del mundo (Xavier Dolan, 2016) 🌟🌟🌟🌟🌟


Xavier Dolan incansablemente y al estilo de los mejores cineastas que hacen cine de autor, crea una película por año y la presenta en el festival de Cannes donde siempre logra algún lauro. Esta vez se llevó la gran palma de oro por su adaptación de la obra de teatro de Jean-Luc Lagarce.
Es realmente impensable después de ver la película pensar que se trata de la adaptación de una obra escrita para el teatro. Dolan no se mueve del escenario, todo pasa adentro de la casa y de las almas de sus habitantes. Eso justamente, el alma de sus habitantes, es el escenario por donde la cámara se desliza silenciosamente, sin molestar ni alterar ni por un segundo la conducta de los personajes.
Louis (Gaspard Ulliel) vuelve a la casa familiar a sus 34 años. Vuelve por un motivo muy personal. Necesita decir a su familia que va a morir.
En la casa lo reciben su madre (Nathalie Baye), su hermana Suzanne (Lea Seydoux), su hermano Antoine (Vincent Cassel) y su cuñada Catherine (Marion Cotillard). Sus sobrinos no están en la casa porque están pasando el fin de semana en casa de los abuelos maternos.
Como vemos, no se han escatimado recursos al elegir el reparto de esta película, lo mejor de lo mejor para personificar a los personajes.
Catherine es la más desenfadada y le cuenta a Louis sobre sus sobrinos, le dice que al menor le pusieron también Louis, no solo en su homenaje, sino en el del abuelo paterno. Antoine la interrumpe hostilmente, como lo va a hacer este desgraciado personaje con todos los diálogos que se entablen en su presencia.
Su hermana Suzanne casi no lo conoce, porque se fue cuando élla era muy pequeña.
Algo que se mueve subrepticiamente a través de la película, es la necesidad de fumar que tienen todos los personajes y que esconden de los otros como si de un pecado atroz se tratara.
La única escena en la que la cámara sale al exterior es durante una vuelta en auto a la que Antoine lleva a Louis para que puedan "charlar". Hablar claro, al estilo de Antoine, donde todo mensaje o frase con sentido es descalificada inmediatamente.
Ni siquiera la madre puede celebrar el almuerzo con su familia, porque cuando va a decir que se alegra de tenerlos a todos reunidos ya han dejado la mesa.
Es en el seno de esta familia disfuncional, donde se cuecen todas las frustraciones y malestares que invaden la película como malas ondas estomacales.
Sin embargo, al finalizar, el espectador solo sentirá sobre sus hombros una sensación de frustración por las cosas no dichas, en la película y en su vida.
Decididamente es la mejor película de Xavier Dolan, donde por una vez deja de lado sus vivencias personales y decide despegar hacia el gran cine como lo hiciera Pedro Almodóvar en su momento.
Las actuaciones son todas fenomenales, especialmente la de Marion Cotillard que es excepcional.
La música de Gabriel Yared se incorpora como un detalle ambiental durante todo el film.
No creo que ningún espectador quede decepcionado, salvo claro, los pochocleros que no encontrarán en la película a ningún súper héroe, sino simplemente a un grupo de seres humanos extinguiéndose en la incomunicación más abrumante.
Trailer subtitulado en inglés
Trailer subtitulado en castellano
Atención a la música en este último trailer. Si no aparecen los subtítulos en castellano, dar un click al ícono de subtítulos de youtube.
Diez puntos sobre diez para este magnífico film de Xavier Dolan.

sábado, 10 de junio de 2017

El último lobo (Jean-Jacques Annaud, 2015) 🌟🌟🌟🌟🌟

Situada en los años de la revolución cultural china, cuando estudiantes elegidos eran enviados a enseñar a los pueblos rurales para integrarlos a la sociedad china, la película comienza con la llegada de Chen Zhen (Shaofeng Feng) y Yang Ke (Shawn Dou) a un pueblo perdido de la Mongolia Interior donde aún moran pueblos nómadas de origen mongol.
Conservan su cultura y sus tradiciones y, por sobre todas las cosas, conservan el equilibrio biológico entre los habitantes de la pradera. Crían su ganado de ovejas y caballos, y viven en sus tiendas de madera cubiertas de pieles (yurtas).
Bilig (Basen Zhabu), los recibe y les asigna una pequeña yurta para vivir y les entrega palos para defenderse. "De qué" pregunta Chen, "de los mosquitos" contesta Bilig y luego añade, "de los lobos, por supuesto".
Mongoles y lobos conviven difícilmente en la pradera. Los lobos cazan gacelas aplicando una inteligencia superior. Las acorralan sobre un lago helado, para que queden frizadas y sirvan para alimentar meses más tarde, a sus crías.
Los mongoles toman algunas de esas gacelas y las llevan a vender al pueblo. Un chino de los funcionarios, quiere saber el origen de esa carne congelada, origen del que los mongoles tienen prohibido hablar y coimea a Shartseren (Tumenbayaer) comprándole una radio para que le diga de donde saca su pueblo las reses.
Los chinos se apropian entonces de todas las gacelas congeladas, con lo cual los lobos se quedan sin alimento para el invierno y atacan los ganados de los mongoles. Esto hace que las autoridades chinas les ordenen matar las crías de los lobos para que disminuya su población y, el apocalipsis ya está desatado.
Chen Zhen logra capturar a un lobezno y en lugar de matarlo como hacen los mongoles, lo esconde y cría clandestinamente.
Basada en la exitosa novela de Jiang Rong y con un magnífico guión de Alain Godard, Jean-Jacques Annaud construye una hermosa película donde se muestran todos los errores y horrores de la sociedad actual que según sus palabras, logrará acabar con el planeta en muy pocos años.
No hubo cineasta chino que se animara a filmar esta novela, porque temían las extremas dificultades de entrenar manadas de lobos mongoles.
Es excepcional la banda de sonido de James Horner así como la dirección de fotografía de Jean-Marie Dreujou. Las secuencias nocturnas son realmente bellísimas.
Película ecoógica, animalista y humanista como pocas se han visto, "El último lobo" va a estremecer hasta las lágrimas a todos los espectadores sensibles e inteligentes.
Trailer subtitulado
Reportajes conteniendo el mensaje del film
Diez puntos sobre diez para este conmovedor film de Jean-Jacques Annaud.

martes, 30 de mayo de 2017

Samsara (Pan Nalin, 2001) 🌟🌟🌟🌟

"Samsara" es una asombrosa e inusual película que transcurre en la provincia de Ladakh, en el extremo septentrional de la India en la región de Cachemira, a la altura del Tibet.
Como el Tibet comparte una cultura budista-lamaísta donde los niños son entregados a muy corta edad a los monasterios para ser formados como lamas.
Esta película no solo transcurre en Ladakh, sino que también fue filmada íntegramente en Ladakh, entre horizontes de la estepa himalaya y valles de cultivos. Monasterios encaramados en las rocas y ermitas cavadas en la misma montaña.
El guión de la película pertenece al director, Pan Nalin y es una historia donde se confrontan lo religioso con lo mundano en el alma y espíritu de un monje, Tashi (Shawn Ku).
Después de haber estado encerrado en estado meditativo por tres años, tres meses y tres días, el monje Apo (Sherab Sangey) lo devuelve a la vida trasladándolo al monasterio. Un detalle, no menor, es que su perra Kala lo recibe con alegría. Parecería ser el único monje en todo el convento que tiene un perro.
Pero Tashi no permanecerá mucho tiempo más en el monasterio. El razona que Siddharta estuvo casado antes de retirarse a la vida espiritual y quiere vivir esa experiencia. La verdad es que le resulta imposible controlar su instinto sexual.
En un viaje de peregrinación, los monjes paran en la vivienda de un terrateniente, Sonam (Jamayang Jinpa) y Tashi se siente atraído hacia su hija Pema (Christy Chung). Cuando deja el monasterio, Tashi va directamente a la hacienda de Sonam a pedir trabajo porque quiere encontrarse con Pema.
Termina casándose con Pema y tienen un hijo, Karma. Después de mucho, cuando Karma ya tiene 8 años, un monje compañero de Tashi llega a visitarlo. Le trae una carta de Apo, quien le dice que algún día volverán a encontrarse en Samsara.
Poco tiempo después, en el medio de una noche, Tashi deja su casa para regresar al monasterio. Deja atrás a Pema y a su hijo, a sus pertenencias y cosas por las que ha luchado durante todos estos años.
En el camino se encuentra con Pema, quien lo ha alcanzado a caballo y el monólogo con el que Pema interpela a Tashi es quizás la verdadera razón de ser de toda la película:
"Yashodhara.
¿Conoces ese nombre?
Príncipe Siddhartha, Gautama, Sakyamuni, Buddha.
Todos conocen esos nombres... pero...
...¿Yashodhara?
Yashodhara estaba casada con Siddhartha.
Ella lo amaba cariñosamente.
Una noche Siddharta la dejó...junto a su hijo, Rahul ...mientras estaban durmiendo,
en busca de la Iluminación ...para volverse Buddha.
No le dijo una sola palabra a ella al marcharse.
Yashodhara mostró compasión por los enfermos...
...mucho antes que Siddhartha lo hiciese...
...mucho antes que Siddhartha tuviese consciencia del sufrimiento.
Cómo podremos saber si Yashodhara...cayó víctima de la cólera...
...la soledad o amargura... ...después que Siddhartha la dejara.
¿Quién pensó en ella?
¿Cómo podría una madre dejar a su propio hijo en la mitad de la noche?
Sólo un hombre es capaz de hacerlo."
Este es el mensaje con el que Pan Nalin denuncia el carácter machista y egoísta del budismo.
Es magnífica la dirección fotográfica de Christo Bakalov y Rali Raltschev. Tanto las escenas de exteriores como los interiores están cuidadosamente iluminados.
Los actores están todos en papel, casi se diría que son realmente los personajes que interpretan.
La música de Cyril Morin es perfecta y acompaña la película sin hacerse notar demasiado.
En general, habría que atribuir a la dirección de Pal Nalin la excelente factura de este film.
El espectador va a disfrutar las un poco más de 2 horas de duración porque se trata de un film único. Sin ser religioso sondea en profundidad en la mística budista y muestra un cuadro del modo de vida en esta región tan remota del mundo.
Trailer
Nueve puntos sobre diez es mi calificación para este film único en su género.

lunes, 22 de mayo de 2017

El "nuevo" nuevo testamento (Jaco Van Dormael, 2015) 🌟🌟🌟🌟

"Dios existe. Y vive en Bruselas". Creo que con solamente esta definición, ya el espectador adivinará que no estamos hablando de una película convencional.
El guión que entre el director, Jaco Van Dormael y Thomas Gunzig prepararon escapa a toda posible definición. No es realista, no es surrealista, no es una comedia, pero tampoco es un drama dentro de los parámetros habituales.
La que cuenta la historia es Ea (Pili Groyne), la hija oculta de Dios. Dios (Benoit Poelvoorde) habita en un departamento de Bruselas sin salidas con su mujer (Yolande Moreau) y su hija, ya que el hijo (J.C.) los dejó ya hace un tiempo aunque hay estatutillas de él en todas las habitaciones.
Dios mira partidos por TV y trabaja en un cuarto inmenso cuyas paredes están cubiertas de gavetas con la historia de todos los seres humanos.
Primero Ea cuenta como fue que creó el mundo y a Bruselas. Como luego la habitó con experimentos fallidos (jirafas y gallinas), hasta que decidió crear al hombre a su imagen y semejanza y tras de él, a su mujer. Crecieron y se multiplicaron. Pero Dios no es un ser misericordioso. No. Es un malvado que goza atormentando a sus criaturas desde su PC. Es por eso que aparecieron las guerras de religión y otros tantos males que enferman a sus criaturas y les hacen la vida destestable.
Ea está harta de su padre y de su comportamiento malvado para con los seres humanos, por eso planea escaparse y llenar la PC de su padre de virus para que no pueda hacer más daño. Como primera medida envía a toda la humanidad un mensaje conteniendo la hora exacta de su muerte.
J.C. la ayuda y le aconseja que se consiga un escritor (Víctor, Marco Lorenzini) que redacte su "nuevo" nuevo testamento y que junte a 6 discípulos, así más los doce suyos serán 18, que es el número de los jugadores de los teams de béisbol que es el deporte adorado por su madre.
Para ver cómo Ea escapa del departamento y quiénes serán sus discípulos. Martine (Catherine Deneuve), François (François Damiens), Aurelie (Laura Verlinden), Marc (Serge Lariviere), Jean-Claude (Didier de Neck) y el jovencísimo Willy (Romain Gelin), estimado espectador deberás ver esta película. Más no puedo contar sin hacer perder la diversión de los posibles espectadores.
Magnífica historia y magnífica dirección. La selección de temas de la banda sonora es también muy buena, en especial "La mer" por Charles Trenet.
Trailer subtitulado en castellano
Nueve puntos sobre diez para esta ingeniosa creación cinematográfica de Jaco Van Dormael.

sábado, 13 de mayo de 2017

Redención: Los casos del Departamento Q (Hans-Petter Moland, 2016) 🌟🌟🌟🌟

Jussi Adler-Olsen es el escritor danés del cuál cobraron vida los "casos" del departamento Q.
Con la mezcla exacta de crimen, misterio, horror y suspenso, sus "casos" han sido llevados al cine con extraordinario suceso debido a los excelentes guiones de Nikolaj Arcel.
Mikkel Norgaard filmó en 2013 "Misericordia" y "Profanación" en 2014 y le ha tocado en suerte a Hans-Petter Moland llevar a la pantalla en 2016, "Redención", hasta ahora la mejor de las tres historias sin desmerecer a las dos primeras.
Carl Marck (Nikolaj Lie Kaas) es un detective desilusionado del mundo y de la gente, por ese motivo ha sido destinado por sus superiores a salir del servicio activo y hacerse cargo del Departamento Q. Casos que han quedado archivados sin resolver y de los que se supone que limpie uno cada tanto.
Como ayudante le destinan a Assad (Fares Fares) un árabe, paria para la sociedad danesa y como secretaria a Rose (Johanne Louise Schmidt). El trío hace un equipo insuperable para la investigación y resolución de estos casos malditos para la policía.
En "Redención" todo comienza con el hallazgo de una botella conteniendo un mensaje de pedido de socorro que es en sí mismo todo un caso para investigar porque está dañado por el tiempo. Después de mucho andar descubren que dos hermanitos, Pole y Trygve fueron secuestrados casi diez años atrás. Y de tanto averiguar, descubren con la ayuda de una detective del pueblo donde vivieron Pole y Trygve, que ha habido otros casos similares.
Averiguando casa por casa, llegan a la de Elias (Jakob Ulrik Lohman) y Rakel (Amanda Colin) y al preguntar por sus hijos los padres dicen que se han ido a Suecia. Pero Rose averigua que Elias y Rakel han retirado todo el dinero de sus cuentas bancarias. Finalmente Rakel se quiebra y dice que no pueden decir nada a nadie, porque sino van a matar a sus hijos. Cuando Carl les pide que describan a quien pudo haberlos secuestrado, Rakel confiesa que saben quién es, es un padre de su iglesia que viaja cada tanto a su pueblo y al que conocen como Johannes (Pal Sverre Hagen).
Imposible seguir narrando los acontecimientos que se suceden con vertiginosa celeridad.
Cabe consignar que existe una historia paralela que hace referencia a la fe en Dios. Carl es totalmente agnóstico y Assad es un musulmán respetuoso de su creencia pero no realmente practicante. Durante varios momentos de la película se pone en tela de juicio como es que Dios permite semejantes aberraciones y si eso no indicaría su inexistencia.
Durante casi dos horas, el espectador va a estar en vilo sobre el giro que tomarán los acontecimientos porque varios sucesos hacen prever lo peor para los niños secuestrados, sus padres y hasta los mismos detectives.
Excelente la fotografía y la música, toda una obra de arte del thriller que nos hace reconciliarnos con el género.
Trailer subtitulado
Ocho puntos sobre diez para esta excelente producción danesa.


martes, 9 de mayo de 2017

Lejos de élla (Shan he gu ren) (Zhang Ke Jia, 2015) 🌟🌟🌟🌟

Un poco alejado de las tragedias morales con que Zhang Yimou construye sus películas, Zhang Ke Jia escribe un guión bastante sencillo sobre la vida y sus consecuencias. Casi podría tratarse de un novelón para televisión, pero es la visión fría y decidida del director lo que impulsa al film en toda su trayectoria.
La historia comienza con los estertores del siglo XX y las celebraciones del nuevo año. Shen Tao (Tao Zhao), es una joven alegre que tiene dos pretendientes, amigos desde la infancia: Zhang Jinsheng (Yi Zhang) dueño de una estación de servicio y que piensa ser un triunfador en la vida como negocio y Liangzi (Jing Dong Liang), que trabaja en la mina de carbón del lugar.
Ambos fuerzan a Tao a tomar una decisión, lo que le resulta bastante difícil, porque en realidad no está enamorada de ninguno y los quiere a ambos.
Finalmente elige casarse con Jinsheng y eso causa que Liangzi deje su casa y el pueblo. Está en esa decisión la clave del drama de la vida de los protagonistas.
La segunda parte transcurre en el año 2014, cuando Liangzi regresa al pueblo, con su mujer y su pequeño hijo. Liangzi tiene una enfermedad terminal causada por los años de trabajo en las minas de carbón. Se entera que Jinsheng está radicado en Shangai y con prósperos negocios, mientras que Tao sigue viviendo en el pueblo después de divorciarse.
A causa del fallecimiento de su padre, Tao pide a Jinsheng que envíe a su hijo para los funerales. Zhang Daole (Zishan Rong) tiene 7 años y un estilo de vida totalmente occidentalizado. Tao lo escucha hablar con su "mami" quien le dice que su padre ya compró la casa en Australia a donde se van a mudar. Tao que realmente no tiene una relación con ese hijo, trata de estar cerca suyo en los días que comparta con élla, porque sabe que difícilmente volverán a encontrarse.
La última parte del film transcurre en 2025, donde "Dollar", tal el nombre con el que Jinsheng (ahora Peter) ha rebautizado a su hijo Zhang Daole (Zijian Dong), está harto de la vida que lleva al lado de un padre autoritario y decide dejar la universidad y bastarse por sí mismo. En las clases de chino y por extraños vericuetos, su vida se cruza con la de Mia (Silvia Chang) la profesora. Ella intenta convencer a Dollar que viaje a China a encontrarse con su madre y a cambio ella viajará a Toronto a visitar a la suya.
Hay mucha vida apareciendo en cada escena y sin necesidad de explicaciones ni de lágrimas fáciles. Todo transcurre por sobre las apetencias personales. El espectador se va a encontrar sacudido con los títulos finales. Un film para meditar y asimilar lentamente.
Trailer en castellano
Es difícil encontrar un puntaje adecuado para esta película. Si hablamos desde un punto de vista artístico, la cinematografía, la edición, la dirección de actores, etc, merecería el máximo puntaje, pero analizando el film como un todo, ocho puntos sobre diez es lo más adecuado.

domingo, 30 de abril de 2017

El olivo (Icíar Bollain, 2016) 🌟🌟🌟

Habiendo leído un artículo sobre los olivos centenarios, Paul Laverty convenció a la directora Icíar Bollain para contar una historia, sencilla, pero que a la vez encendiera en la gente el amor hacia esos seres descomunales que a través de los siglos han visto pasar tempestades y buenos tiempos.
Juntos recorrieron viveros donde se dedican a rescatar a estos ancianos seres, muchas veces abandonados de todo cuidado. Hay un buen mercado para estos árboles milenarios como elementos decorativos.
El guión que escribió Paul Laverty está centrado en Alma (Anna Castillo) que a sus 20 años trabaja en una granja de pollos y cuida de su abuelo Luis (Miguel Angel Aladren). Su abuelo ha dejado de hablar y ya no se comunica ni con sus hijos ni con su nieta. Alma cree que está haciendo el duelo por la pérdida de su árbol, un olivo milenario que según él contaba había sido plantado por los romanos, que su hijo Ramón (Manuel Cucala), ha vendido por 30.000 euros para intentar salvar los negocios familiares que la crisis económica se está comiendo.
Cuando el abuelo deja de comer, Alma siente que tiene que hacer algo y trata de averiguar dónde fue a parar el olivo de su abuelo. Con la ayuda de sus amigas Wiki (María Romero) y Adelle (Paula Usero), a través de internet, detectan al anciano olivo en el hall de la casa matriz de una corporación alemana en Dusseldorf, quien lo utiliza como símbolo de la empresa. Empresa que por cierto se dedica a la destrucción sistemática del medio ambiente.
Inventando a un sacerdote alemán que dice tenerlo en el jardín de su iglesia, convence a su tío "Alcachofa" (Javier Gutiérrez) y Rafa (Pep Ambrós) compañero de trabajo de Alca, para que con un camión de la empresa para la que trabajan, la lleven hasta Dusseldorf para rescatar el olivo.
La historia es muy simple y totalmente lineal, con excepción de algunos flashbacks de Alma niña con su abuelo.
El centro de la trama es este olivo milenario que ha terminado su vida al aire libre encerrado en el hall de esta corporación alemana.
Es sintomático que esta directora que ya se comprometió con la población de Bolivia a la que las multinacionales hasta le habían rapiñado el agua (También la lluvia) y con la vocación de una maestra en medio de la pobreza en "Katmandú", sea quien junto a Paul Laverty, el brillante escocés autor del guión, se embarque en la defensa de los árboles milenarios y del patrimonio vivo de su país.
El espectador va a disfrutar de una hermosa historia, que aunque sembrada de detalles dramáticos (la crisis económica enloda todo), no hace lugar para lágrimas, sino que cuenta con toda emoción una historia que tiene muchos visos de ser real.
Trailer
Siete puntos sobre diez para esta hermosa película del mejor cine español.

sábado, 29 de abril de 2017

Pájaros de papel (Enrique Aragón, 2010) 🌟🌟🌟

Jorge del Pino (Imanol Arias) se marcha de su casa para su trabajo en Madrid dejando a su mujer y a su hijo. El trabaja en las variedades, haciendo un dúo cómico-musical con Enrique Corgo (Lluis Homar).
Cuando regresa a su pueblo, un bombardeo hace que los pobladores deban ir al refugio. Cuando pasa el alerta y sale del refugio, ve a su ciudad arrasada, corre hacia su casa solo para ver morir entre las llamas a su mujer y a su hijito.
España en 1940. Hace apenas un año que ha finalizado la guerra civil con la derrota de la república. Jorge vuelve a buscar a su compañero al teatro. Durante un año ha estado desaparecido y nunca va a contar qué hizo durante ese tiempo.
Llegan para ver el numerito de un niño que quiere actuar en las variedades, es Miguel (Roger Princep) y confiesa que no tiene a dónde ir, como no sea al orfanato porque sus padres han muerto, que por favor lo lleven con éllos. Enrique se enternece y se hace cargo del niño, al que pronto incorporarán a sus números.
Cada tanto los ensayos son interrumpidos por el capitán Montero (Fernando Cayo), quien busca a posibles revolucionarios. Uno de los tramoyistas, Pastor (Oriol Vila) es en realidad un teniente falangista infiltrado para informar al capitán Montero todo lo que ocurra en la compañía.
Si hay algo que esta película tiene de importante, es como dibuja el terror de la España franquista sobre la gente. Las delaciones están a la orden del día y encima no hay siquiera para comer.
Enrique quiere convencer a Jorge que se vayan de España, dice que el tiene amigos en Argentina y que en Buenos Aires se está bien y, sobre todo, lejos de la guerra.
El clima de miedo que inocula una dictadura fascista es lo que impregna también toda la película. En un papel más bien de relleno, Rocío Moliner (Carmen Machi) canta "Enséñame el babalú", numerito pseudo erótico.
La película, si bien está bien realizada, es una película menor, pero la manera en la que induce la violencia de los franquistas, como pinta ese odio que tienen hacia todos aquellos de los que sospechan, es de las mejores realizaciones que haya visto sobre el tema. El espectador va a llevar bien la trama, porque no hay ningún misterio que descubrir, simplemente el agujero del horror de la dictadura.
No se puede vivir con un Franco, canta Imanol Arias
Siete puntos sobre diez para este debut cinematográfico de Enrique Aragón, hijo del célebre payaso Miliki. Miliki hace una corta aparición al final de la película. Las actuaciones de Imanol Arias y Lluis Homar, son sobresalientes. 

lunes, 24 de abril de 2017

Mia y los Migou (Jacques-Remy Girerd, 2008) 🌟🌟🌟🌟

Con la excusa de que un film de animación puede no tener como espectador objetivo a los niños, hay algunas veces, y esta es una, en que los autores enfocan también a los niños que aún subsisten en los adultos.
Utilizando el cuento del director Jacques-Remy Girerd, Benoit Chieux, Antoine Lanciaux y Iouri Tcherenkov escriben uno de los guiones más atrayentes tanto para niños como para adultos de los últimos tiempos.
Pedro (Pierre Richard), está observando las estrellas desde el balcón de las viviendas del obrador donde trabaja, cuando escucha unos extraños ruidos. Sale a investigar con su linterna y ve como caen destruídas las grúas y otras maquinarias. Persigue al atacante por el túnel de la obra pero cae abatido bajo una capa de piedras por un derrumbe.
Mia (Garance Lagraa), sueña esa noche con su padre y decide ir a buscarlo a donde está trabajando, en las montañas. Mia ha quedado bajo la protección de las ancianas del pueblo, pero élla confía en sus amuletos de la suerte y emprende la increíble travesía.
Mientras tanto, Jeckhyde (Laurent Camelon) hace una presentación para los posibles inversores del spa que quiere construir en las montañas, sobre un magnífico lago. Los inversores insisten en ver en persona el lugar antes de decidirse a invertir. Jeckhyde se decide a transportarlos, pero como su madre (la abuela) se toma vacaciones, tiene que hacerse cargo de su hijo Aldrin (Charlie Girerd) y lo lleva con él a la construcción. Desde Puerto del Migou, la ciudad más cercana al lugar de la construcción se deben trasladar en helicópteros para sobrevolar el lago. Jeckhyde evita cuidadosamente mostrarles las maquinarias destruídas.
Mientras tanto Mia ha llegado a las montañas y luego de pasar la noche en la cabaña de una bruja (Yolande Moreau) que le corta los cabellos mientras duerme, se interna en el bosque. Allí va a toparse con todos sus monstruos internos, el recuerdo de su madre que le acaricia la espalda la hace afrontar los hechos y en un bebedero seco, se topa con un Migou (Dany Boon).
Tal la presentación de la película. De ahora en más, con la aparición de los Migou, toda la historia se moverá en torno de la fantasía y de la conservación de la naturaleza (Aldrin le dice a Mia que para su padre la naturaleza sólo es un montón de dinero). De como la obsesión por las obras y las riquezas puede llegar a hacer que se pierda lo más importante que tenemos, nuestro mundo.
El espectador disfrutará de esta película tanto si se trata de un niño o de un adulto. La historia es agitada y veloz, aunque no saque a la superficie ni la violencia ni la maldad.
La animación es graciosa sin ser grotesca. Los personajes están bien delineados sin ser princesas de Disney y los Migou son muy graciosos y queribles.
Trailer en castellano
Ocho puntos sobre diez para esta maravillosa película. Espero que la disfruten tanto como yo lo he hecho.

sábado, 22 de abril de 2017

La tortuga roja (Michael Dudok de Wit, 2016) 🌟🌟🌟🌟

El Estudio Ghibli, el productor de las películas de Hayao Miyazaki, nos presenta por primera vez un film de animación occidental.
Esta película no es simplemente sólo un film de animación. Es una parábola sobre la vida y sobre la naturaleza y pura poesía audiovisual.
Al no tener diálogos, la fuerza del mensaje está puesto en las imagenes y, un poco en menor medida, en la banda de sonido.
Es una historia despojada de adornos, donde la naturaleza se impone por sobre todas las cosas.
Hay que destacar la belleza de las imágenes, puras y sencillas, pero llenas de vida.
Sobre una historia del director, Michael Dudok de Wit, Pascale Ferran escribe un magnífico guión en el que hasta puedo imaginar los dibujos representando las diferentes escenas del film.
El guión comienza, con un hombre luchando por sobrevivir en el mar, suponemos a causa de un naufragio, pero del que en todo caso no quedan señales.
Finalmente el mar lo abandona en las playas desérticas de un islote perdido en medio de la nada.
Cuando vuelve en sí, se dedica a explorar la isla y descubre una laguna de agua dulce en el centro de la isla.
Una vegetación frondosa y cerrada cubre gran parte de la isla. Juntando troncos y ramas construye una balsa con la que intenta salir a mar abierto. Pero una fuerza desconocida destruye la balsa y lo obliga a volver a la isla. Dos veces más intenta navegar, pero la historia se repite. Entonces enojado con la fuerza que destruye su balsa, la agujerea él mismo y se encuentra cara a cara con una gran tortuga roja.
Regresa ya de noche a la isla y a la mañana siguiente ve a la tortuga varada sobre la playa. Cegado por el rencor, corre hacia la playa y haciendo un esfuerzo monumental la voltea, con lo que la tortuga queda a merced del sol imposibilitada de darse vuelta.
De aquí en más comienza la verdadera historia de la tortuga roja. Con trazos simples y sin demasiados sobresaltos. Lo que sí sé es que, al finalizar la película, un nudo de angustia se cerró en mi garganta.
La vida o la muerte. El ser humano está sólo en una isla o en una gran ciudad.
Trailer
Nueve puntos sobre diez para esta real joya de la animación.

viernes, 21 de abril de 2017

El cumpleaños de Ariane (Robert Guediguian, 2014) 🌟🌟🌟🌟

Es el cumpleaños de Ariane (Ariane Ascaride) y ella está muy atareada preparando las tortas para la celebración. Recibe dos hermosos ramos de flores y simultáneamente el llamado de su hija para avisarle que está con Ludovic y que no va a poder ir a verla. Luego llama su marido para decirle que va a tener que quedarse más tiempo en Burdeos y que no va a llegar, que pase un muy hermoso día, ah, y que Karen avisó que está en los Alpes.
Ariane se sienta frente a su torta de cumpleaños, resplandeciente con las velitas encendidas y finalmente decide irse de la casa.
Y así comienzan sus peripecias. Esperando al ferry conoce a Raphael (Adrien Jolivet), un muchacho con una moto, que la invita a comer al mejor lugar de todo el puerto. Se van en la moto y así llegan al Cafe L'Olympique, lleno de turistas. Allí conoce a Jacques (Jacques Boudet) el propietario del café.
Al atardecer, el café se cierra y Raphael se va con su moto. Ariane pregunta cómo va a volver y Jacques le llama a un taxi. El conductor del taxi (Jean-Pierre Darroussin) es bastante charlatán, pero llegan al puente del ferry justo para ver como la grúa se lleva el auto de Ariane. Le pide al taxista que la siga, pero cuando llegan ya el depósito está cerrado. Ariane está preocupada y cuando saca el dinero para pagarle al taxista, pasa una moto y le arrebata la cartera. Ariane, completamente desesperada se larga a llorar y el taxista le ofrece llevarla de vuelta hasta el restaurant.
Cuando la deja en el restaurant, Ariane ve que está cerrado y entonces se larga a llover torrencialmente. Se refugia bajo un alero donde la luz de una linterna la descubre. Es Marcial (Youssouf Djaoro), el cuidador nocturno. Marcial le pregunta porqué no se va a su casa y Ariane le cuenta como ha perdido todo. Entonces la lleva a dormir a una lancha pesquera.
De allí en más todo va a ser aventuras en la vida de Ariane. Algunas anécdotas son tristes y otras divertidas. Toda la película hace recordar inexorablemente a la querida Giulietta Massina de "Julieta de los espíritus", sobre todo por el rostro inexpresivo "de sota", con que Ariane afronta las vicisitudes.
Una genial fantasía en tiempo de comedia es el homenaje con que Robert Guediguian celebra a su esposa y actriz preferida de todas sus películas.
El espectador va a pasar realmente un momento muy agradable y va a disfrutar la canción de Kurt Weil "Wie Man Sich Bettet" (Cómo haces la cama) en la interepretación de Ariane Ascaride con orquestación de Eduardo Makaroff (Gotan Project).
"Como haces la cama"
Clip "La tortuga", subtitulado
Trailer subtitulado
Una hermosa película para festejar en el corazón. Nueve puntos sobre diez es mi calificación.

miércoles, 12 de abril de 2017

La dama de la furgoneta (Nicholas Hytner, 2015) 🌟🌟🌟

Ante este cartel, el espectador espera ver una película donde Maggie Smith ejerza la tiranía total con su personaje y absorva toda la historia con su carisma. Una especie de "Downton Abbey" venida a menos.
Y no es así. Eficazmente dosificada, este extraordinario personaje de Miss Shepherd (Maggie Smith), es la contracara del verdadero eje de la historia, el autor del guión al que trasladó sus memorias, Alan Bennett (Alex Jennings).
A lo largo del film, Alan Bennett va a desarrollar los 15 años de su convivencia con la dama de la furgoneta, una mujer egoísta e inescrupulosa que se viste con la piel de cordero para manipularlo y siempre cierra la puerta en la cara de quien se acerca a ayudarla.
El comienzo es un poco confuso y queda resonando en la memoria del espectador durante toda la película hasta que el personaje del policía que encarna Jim Broadbent se encarga de contarnos la verdad de la historia. Cosa que yo no voy a hacer porque sino los posibles espectadores estarían en todo su derecho a renegar de esta sinopsis.
No se trata de una historia de misterios ni de una comedia, es simplemente la versión de los hechos contada por el autor del libro y personificado por Alex Jennings.
Si bien cuenta con momentos entrañables del histrionismo de Maggie Smith, no toda la película se sienta en esos laureles y hay que reconocer que los personajes secundarios están muy bien delineados en la historia y que cumplen su rol a la perfección.
El espectador que quiera divertirse a costillas de Maggie Smith por supuesto que lo va a hacer porque ese es su objetivo, pero el espectador abierto a escuchar la historia, va a entender que detrás de un desarrollo semi-surrealista, se esconden valores de humanidad muy, muy grandes, donde se rescata la solidaridad de la gente frente al desvalido, en este caso, la dama de la furgoneta, que como no se baña, deja los lugares donde está impregnados de su tufo a ropa vieja.
Trailer doblado al castellano
Creo que es una película agradable para que todo espectador disfrute viéndola. Mi calificación es de 7 puntos sobre diez.

Entre los muros (Laurent Cantet, 2008) 🌟🌟🌟🌟🌟

"Entre los muros" hace referencia a las paredes de un salón de clases, de un aula.
"Entre los muros" encierra una profunda reflexión sobre las posibilidades de comunicación que tiene el ser humano. Sobre todo cuando la relación entre el comunicador y el comunicado es tan desigual como la de un profesor y sus alumnos.
Mr. Marin (François Begaudeau) es un profesor de lengua (en este caso de francés, porque la historia transcurre en Francia), que intenta ser tan liberal como sus posibilidades y la férrea estructura del colegio, se lo permiten. Es muy significativo que sea él mismo autor del guión quien encarna al profesor. François Begaudeau no solo es un actor excepcional sino que le entrega al director un libro con tantas lecturas posibles como situaciones se despliegan en el film.
Claro que enfrentada al discurso del profesor, tiene un puñado de gente joven con diferentes ideas y posiciones respecto al estudio que las que tiene el profesor.
Por ejemplo Esmeralda (Esmeralda Ouertani) es una firme rebelde que se opone con ideas concretas al accionar de su profesor. Ella está en su contra, eso lo tiene muy claro.
No es rebelde violenta, como lo son los muchachos, Soulemayne (Franck Keita) un joven de Malí, que lleva un polvorín en sus venas listo para estallar a la más mínima insinuación de oposición por parte del profesor.
Khoumba (Rachel Regullier), quien como el mismo profesor lo cuenta tenía una actitud diferente antes de las vacaciones y se niega, por ejemplo, a leer un texto que el profesor le pide.
No voy a contar todas las historias que se suceden una tras otra, pero sí que el detonante del explosivo que termina con la expulsión de Soulemayne del colegio, es una reunión de profesores donde se hace una evaluación de los alumnos. A esta reunión asisten dos alumnas en nombre de la clase y luego se encargan de esparcir entre sus compañeros las más encendidas referencias a lo hablado entre los profesores. Como si se tratara de una reunión gerencial a la que asisten dos delegados por los obreros. La similitud es bastante clara.
Esta rebelión da pie a un ejercicio de confrontación en clase que termina con la salida violenta de Soulemayne del salón durante la que con la mochila lastima en la cara a Khoumba.
Es fascinante de ver como el director encara esta mini explosión racial en una clase de chicos de 14 a 15 años, contra un sistema educativo que es absolutamente extorsivo y en el cual es poco o nada lo que se aprende. Este es el discurso de Henriette (Henriette Kasaruhanda) cuando le confiesa al profesor que durante el año no ha aprendido nada, porque sencillamente no entiende de lo qué se habla, ni en su clase ni en las otras.
La cámara se mueve con absoluta libertad por el salón, pescando instantes de la vida de los adolescentes que parecen fuera del guión y sus gestos y reacciones ante los temas que se hablan en clase.
Pero el mensaje más claro del director está en apuntar a la imposibilidad de comunicación entre profesor y alumnos. Hay una escena donde otro profesor se descarga en la sala de profesores diciendo que los alumnos son unos energúmenos y que no vale la pena intentar llegar a entenderlos.
Magnífico el desempeño de François Begaudeau y de todo el grupo de adolescentes que se hacen cargo de los personajes más libres de la historia y por eso mismo, muy difíciles de controlar hasta para el director.
Trailer
Sin lugar a dudas esta película laureada con la palma al mejor film en el festival de Cannes se merece 10 puntos, la calificación máxima de este blog.

domingo, 12 de marzo de 2017

El Viajante (Forushande) (Asghar Farhadi, 2016) 🌟🌟🌟🌟🌟


Por primera vez en mi blog, voy a introducir una crítica ajena. Es tan buena y coincide tan plenamente con mis emociones que decidí copiarla.

Genial crítica de James de Bello (Italia) a la película iraní "El viajante" de Asghar Farhadi-.
-Después de haberse mudado a su nuevo hogar, Emad (Shahab Hosseini) y Rana (Taraneh Alidoosti), un par de actores se encuentran en una difícil situación después de sufrir una violación de su hogar. Lo que pasan por las actuaciones en el teatro local de la obra de Arthur Miller "Muerte de un Viajante" su relación da un giro de la que podrían no volver nunca.
-Traté de mantener la sinopsis lo más vaga posible para no estropear la película, ya que, como en la mayoría de las películas de Farhadi, el incidente detonador se produce más adelante en la película y el drama en última instancia, no se desarrolla hasta el tercer acto, algo que a este Director le gusta hacer y en el que sobresale, dando siempre prioridad al espacio en el que los personajes se desarrollan y viven su vida cotidiana.
-Y esas son precisamente las razones por las que "El Viajante" es un cuento de venganza fantásticamente sutil y moralmente complejo, enmascarado como un drama doméstico, que tiene uno de los mejores trabajos de actores que he visto en 2016, aunque esto podría ser demasiado poco decir en un terreno familiar de Farhadi.
-No es una coincidencia que Shahab Hosseini haya ganado el premio al mejor actor en el Festival de Cine de Cannes, si hay una razón por la que esta película tiene éxito es él. Esta
actuación es cruda y auténtica en su propia forma única. Logra guiarnos a través de cada una de las etapas de degradación que atraviesa su personaje y se las arregla para hacerlo sin que nos demos cuenta. En un nivel de superficie es donde el arco del carácter que atraviesa sería difícil de creer, hay algunos cambios que no parecen naturales cuando se deletrean. Sin embargo, Hosseini logra vendernos a esta persona y toda la turbulencia que tiene que atravesar, se las arregla para mejorar pequeños momentos que no puedo imaginar trabajando en su papel. Se ajusta a la perfección en el mundo que Farhadi construye y sale dando una potencia a una actuación que guía al público a través de toda la narración.
-Ciertamente, Farhadi merece compartir parte del crédito por el rendimiento también, por muchas razones. En primer lugar, al igual que en todas sus películas, las actuaciones de todo el staff son perfectas, dirige a los actores a la perfección y ni siquiera te da la oportunidad de darte cuenta de esto. La manera en que él maneja únicamente la captura de la vida cotidiana es profundamente asombrosa. Desde el trabajo de la cámara hasta todos los detalles del bloqueo de los actores hasta las palabras que dicen, el tejido de lo ordinario que logra poner en pantalla es impecable. No tengo ni idea de si todo esto es meticulosamente pensado o si se deja a la improvisación brillante y no lo quiero saber, lo que está claro para mí es que como director sus métodos de trabajo son excelentes y los resultados que logra producir en la pantalla son notables.Es por eso que, cuando se trata de construir el drama, Farhadi es tan magistral. La evolución del mismo es natural y no se siente obligado nunca sobre los personajes, los paralelos trazados con el teatro podrían ser un poco demasiado en la nariz, pero son sorprendentemente relevantes y son utilizados para un efecto cinematográfico increíble. Él logra construir y construir el drama y al hacerlo culmina en un final fascinante donde todos los temas y las preguntas morales que la película hace fluyen naturalmente de ella y te dejan colgando en el momento justo.
-También se las arregla para construir una compleja red de señales visuales y utilizarlas eficazmente para complementar los personajes y la historia, una vez más aquí los paralelos visuales con el teatro son una alegría verlos desplegar. Hay que decir que este es un territorio muy familiar para Farhadi,
el contraste de la justicia personal frente a la justicia
institucionalizada ya era muy relevante en su película anterior "La Separación" y también lo es la perspectiva de la venganza, la degradación y el peaje de los individuos y los resultados destructivos de la misma. A veces incluso siente como si estuviera retrocediendo sus pasos y para alguien que ha visto su película esto podría resultar en un resultado ligeramente predecible, a pesar de que el drama autocontenido en la película nunca pierde su relevancia para los personajes, resultando en una fascinación constante Ver que desafía al espectador y desafía ritmos cinematográficos tradicionales y las expectativas
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Trailer
No tiene sentido pretender calificar una obra de arte. Excepcional desde todo sentido, desafío a que los espectadores recuperen el habla al finalizar la película y vuelvan a su estado natural.

domingo, 5 de marzo de 2017

Manchester frente al mar (Kenneth Lonergan, 2016) 🌟🌟🌟🌟

En el cine norteamericano detona periódicamente una supernova que ilumina el cielo de las estrellas hollywoodense durante un momento. Ese es exactamente el caso de "Manchester frente al mar", escrita y dirigida por Kenneth Lonergan.
Como antecedentes se puede citar "Margaret", película que aún no he visto, pero que tiene excelentes críticas.
No es que aporte nuevas ideas al mundo del cine, es más, su estilo es ultra conservador, pero hereda de Clint Eastwood el ritmo que le permite explorar en todas sus posibilidades las escenas dramáticas y a su vez transforma en drama a todo el contienente de la película..
Es realmente asombroso como consigue que Casey Affleck, quien lleva sobre sus hombros todo el peso de la historia, sea convincente en su personaje de Lee Chandler, un arquetipo del norteamericano de clase baja, que está huyendo de sus emociones y por lo tanto de su vida. Es más, utiliza recursos que yo creo que ni Casey Affleck sabía que los tenía, dosificados con tanto arte y contención que resultan asfixiantes para el espectador. Y no es que los aborde con inexpresividad como Ryan Gosling en "La la land" (aún no entiendo como esta buena película pudo haber sido elegida para competir por el título de mejor película en el show de los Oscar), sino que se adivina realmente la contención en su mirada, en sus gestos. Cuando la represión hace que estalle en llanto en una de las mejores escenas dramáticas, hasta el llanto es contenido y para el espectador, absurdamente real.
Todos los personajes de la historia, especialmente Patrick (Lucas Hedges), la ex-mujer de Lee, Randi (la estupenda Michelle Williams), el hermano de Lee, Joe Chandler (Kyle Chandler), su amigo George (C.J. Wilson) y la madre de Patrick, Elise Chandler (Gretchen Mol), brindan actuaciones memorables, justamente por convertirse en seres muy alejados de la humanidad emotiva y viviente. Cargan con sus vidas como si de objetos se trataran y siguen su curso adelante sin detenerse a meditar ni un segundo en los hechos que están viviendo.
La escena entre Randi (Michelle Williams) y Lee (Casey Affleck) cuando se encuentran por casualidad en una calle de Manchester, es donde la incomunicación se lleva todas las palmas a la mejor represión. Quieren decirse que se quieren, pero no pueden, están absurdamente bloqueados por el estilo de vida que llevan.
Hay otra escena memorable en la película, donde se revelan los recuerdos más dolorosos de Lee. Toda esa escena no tiene ni una sola palabra. Está iluminada por el "Adagio" de Albinoni, en una de las mejores utilizaciones que haya visto en la historia del cine de este dramático tema.
Excelente la banda de sonido de Lesley Barber. Interpreta notablemente las ideas del escritor y director Kenneth Lonergan.
El espectador sensible va a sentirse despojado de sus sentimientos y de sus emociones, porque toda la película colabora eficazmente en ese sentido y va a permanecer en silencio. Pero es una experiencia que no va a olvidar fácilmente.
Trailer
Nueve puntos sobre diez para una excepcional página del cine contemporáneo.

miércoles, 22 de febrero de 2017

Ya es mañana en Hong-Kong (Emily Ting, 2015) 🌟🌟🌟

Muy al estilo de Richard Linklater y su saga de "Después del ...", Emily Ting retoma la proposición de realismo en cine para mostrarnos la vida y proyectos de dos treintañeros estadounidenses expatriados a Hong-Kong.
También como en las películas de Linklater, la película es casi una excusa para mostrarnos los atractivos de esta extraña ciudad del Oriente.
Muy occidentalizada, pero donde aún la mayoría de la población no sabe hablar inglés y el idioma cantonés es algo opuesto a nuestras costumbres occidentales.
A través de dos encuentros casuales, separados por tres años, Ruby (Jamie Chung) una hermosa californiana nieta de chinos emigrados a Estados Unidos y Josh (Bryan Greenberg) un neoyorquino de familia judía emigrado a Hong-Kong para trabajar en su especialidad financiera para el banco HSBC, comparten sus historias, bueno, poco a poco.
El gran logro de la película, está en la facilidad con que se suceden los diálogos, la fluidez con que estos dos seres humanos casi se comunican entre sí, unidos por el lenguaje en común.
Los dos están comprometidos y sienten vergüenza por lo que viven como una traición a sus respectivos.
Caminando por las calles de Hong-Kong, con sus escaleras mecánicas y barrios típicamente occidentales, pero pintados de chino.
El espectador va a disfrutar de esta sencilla película en la que poco y nada es lo que sucede, sino los hechos de un encuentro casual entre dos seres humanos, sus historias y sus proyectos.
Ruby diseña animales de peluche y es muy graciosa la escena cuando se encuentra a sus creaciones copiadas por el ingenio chino en un puestito callejero. "Qué debería hacer, llamar a la policía", le pregunta a Josh.
Excelentemente bien filmada, con una dirección de fotografía brillante y un ritmo difícilmente igualable, la película se desliza fácilmente entre las mentes de los espectadores. Un espectáculo digno de ser visto.
Trailer (en inglés)
7 puntos sobre 10 es mi calificación para esta divertida comedia humana.

sábado, 18 de febrero de 2017

Las Mil y Una Noches - 2. El desolado (Miguel Gomes, 2015) 🌟🌟🌟🌟🌟

"El Desolado" es el título de la segunda parte de esta colosal trilogía de Miguel Gomes. El título de "Las Mil y Una Noches" se debe a la estructura en forma de narraciones, que el director le atribuye a Scherezade, de historias que suceden en el Portugal actual.
Comienza la película con la historia de Simón, "sin tripas" (Chico Chapas), llamado así por ser flaco piel y huesos y por no tener "tripas", es decir ningún prejuicio a la hora de hacer lo que quiere. Simón está siendo perseguido por la policía por las serranías de su pueblo por haber matado a su mujer y a su hija. Esta historia le sirve como excusa a Miguel Gomes para mostrarnos bellísimas imágenes de las sierras y sus lagunas. Y las sombras de la soledad del ser humano.
La segunda historia es fundamental para comprender el espíritu que llevó a Miguel Gomes a realizar esta obra monumental. Se llama "Las lágrimas del juicio" y comienza, de modo absurdo y surreal con una muchacha mostrando las huellas de sangre de su desvirgamiento que llama a su madre para darle la buena noticia y anunciarle que le va a preparar una torta a su marido. La madre después de darle la receta de la torta le dice que si no se atreve que despierte a la mujer negra, pero que puede ser contraproducente porque su marido puede entender que le está dando vía libre para satisfacer sus necesidades.
Acto seguido, la madre le dice que ya no puede hablar más porque va a comenzar el juicio que tiene a su cargo. Por primera vez se da vuelta y la jueza muestra su cara al espectador (la magnífica Luisa Cruz).
El objeto del juicio son los inquilinos por haber vendido los muebles del departamento que alquilan que pertenecen al dueño.
Todos los muebles están en el juzgado, que vale aclarar que se trata de un anfiteatro griego. La mujer reconoce haber vendido los muebles pero dice que no tenía medios para pagar el juicio al que su hijo estúpido los llevó. La jueza le pregunta porqué dice que su hijo es estúpido y la madre le pide al hijo que diga en que consiste ser hombre y mujer. El hijo declara que todo hombre precisa la vagina dos veces al día. Esa fue la razón porque la nuera le inició juicio. La madre también dice que el dueño es un hombre grosero y que en lugar de saludar con "buenos días", los saluda con "andá a la concha de tu hija".
La jueza dice que ese no es motivo para vender los muebles del propietario. Que debe reconocer los derechos a la propiedad y sugiere a la madre que castre a su hijo como solución. La nuera se levanta dentro del público pidiendo se deje sin efecto la venta de los muebles ya que eran para pagarle su demanda y que élla la retira porque extraña a su marido. Pero que el propietario no solo es grosero sino que llama al 112 de Servicios Sociales sólo para oir pasar la ambulancia. Que eso causó retrasos en el servicio porque tenía ocupada la línea e hizo que un niño muriera antes de llegar al hospital. El propietario aduce que hace esas cosas instigado por un genio. El genio dice que no es un genio malo, sino que actúa así porque se lo ordena su amo, un empresario de una familia de abolengo. La jueza le pide al genio que no acuse a esa familia, "todos ladrones" contesta el genio. Se presenta en el juzgado el fantasma de una vaca que dice tener que aclarar que élla fue responsable de que la ambulancia no llegara a tiempo y cuenta que con sus doce hermanas fue robada en una noche oscura. Que en un bache del camino élla cayó del camión y se encontró con un árbol que le contó que le habían robado todos sus olivos, lástima que no pueda estar el árbol aquí. Que la ambulancia atropelló a la vaca y por eso llegó tarde. Que la instigadora del robo de las vacas es una sordomuda, que está también en el juzgado y las historias se siguen encadenando convirtiendo a acusados en víctimas. La jueza cae en un estado de desesperación.
"Esto me provoca dolor decabeza y ganas de vomitar.
Esta grotesca cadena de estupidez, maldad y desesperanza, comienza a sobrepasar mi competencia y sobre todo mi paciencia.
Lo que un tribunal debe juzgar sigue cierta lógica: Alguien comete un crimen. La corte juzga la gravedad del
crimen en proporción al daño. El resto de la sociedad reconoce los actos ilegales cometidos y la sentencia que aplica el juez y saca conclusiones sobre su propia conducta.
Lo que no es normal y comienza a parecer repugnante es esta interminable lista de miseria y culpa donde no hay ni inocentes, ni prisiones suficientes para encerrar a todos los culpables.
Esta cadena de eventos al azar es una cosa pegajosa que nos entristece y nos hunde a todos.
¡Váyanse a la mierda todos ustedes!"
Luego se ve a una mujer negra desnuda preparando la torta.
La tercer historia es sobre los propietarios de Dixie. Dixie es un perrito abandonado a quien recoje una mujer, Gloria, porque se parece a un perro que élla tuvo antes, Dixie. Cuando lo llama por ese nombre, el perrito responde, pero decide dárselo a una vecina, Luisa (Teresa Madruga) que está habitualmente deprimida y su marido Humberto (Joao Pedro Benard) es poco lo que puede hacer. Un día Luisa conoce a una pareja joven, Vania (Joana de Verona) y Vasco (Gonzalo Waddington) y finalmente les deja a Dixie diciendo que se va de viaje por tres días. Pobre Dixie en manos de gente irresponsable. Hay una magnífica escena de Dixie jugando con el fantasma de Dixie.
Nuevamente Miguel Gomes deslumbra con su cámara, su guión surrealista pero muy certero en la denuncia de la realidad descarnada de nuestra sociedad.
La película no tiene un minuto de sobra y es un alegato para todo aquel que pueda tomar distancia de la cadena de injusticias y maldades que inunda este mundo nuestro.
Trailer
Hasta el trailer es magnífico. Diez puntos sobre diez para esta genial segunda parte de "Las Mil y Una Noches".

viernes, 17 de febrero de 2017

Neruda (Pablo Larraín, 2016) 🌟🌟🌟🌟🌟

Ya desde el comienzo el film es desconcertante. Una discusión entre senadores de derecha e izquierda y el comunista Pablo Neruda (Luis Gnecco) en el baño del reciento del congreso.
Luego aparece la voz del relator que también desconcierta, porque habla en tono despectivo de los intelectuales izquierdozos. Hasta que nos enteramos que la voz del narrador es la del oficial de policía Oscar Peluchonneau (Gael García Bernal).
El gobierno de turno, pseudo democrático como la mayoría de los gobiernos latinoamericanos en 1940, ha comenzado a perseguir a obreros e intelectuales de izquierda. Pablo Neruda denuncia públicamente al presidente Gabriel González Videla por su actitud represiva. Esto le vale que el presidente le haga perder los fueros parlamentarios y ordene su captura.
Para la captura lo llama a Peluchonneau, de quien nos enteramos fue un bastadrdo no reconocido por su padre, un famoso policía, aunque él consiguió que le dieran su apellido.
En contra del consejo de sus amigos y camaradas del partido y de su propia mujer, Delia (Mercedes Morán), Neruda insiste en mostrarse públicamente. Dice que quiere oler los pasos de sus perseguidores.
Intenta escapar a Argentina por el paso de Las Cuevas, pero los gendarmes chilenos no aceptan su pasaporte en el que figura su nombre real Ricardo Reyes y no su nombre de poeta.
Luego intentará fugarse en un barco de bandera china anclado en Valparaíso, pero uno de sus camaradas le da la pista al policía y llegan antes que pueda embarcarse. Deben huir de Valparaíso y, de regreso en Santiago, los camaradas le ofrecen el escape final, por el sur chileno, en medio de la nieve.
A esta altura de la película, Peluchonneau llega a la casa de Neruda para detenerlo. Allí encuentra a Delia y el diálogo que se entabla entre éllos es sublime. Delia le dice que él no es un personaje principal de Neruda, que no tiene importancia, es sólo un caracter secundario. Esto ofende a Peluchonneau quien jura capturar a Neruda y se va a dar a su persecución, por los campos y montañas del sur chileno, en medio de las más bellas imágenes de las que tenga memoria.
La historia desemboca entonces en un relato literario, donde todos los movimientos son pasajes de una novela ya escrita con anticipación por Pablo Neruda, o por Borges.
La actuación de los tres intérpretes principales es sublime. Gael García Bernal hace carne en el policía inseguro y violento. Mercedes Morán interpreta con su natural soltura a la aristocrática Delia del Castillo y sus sarcasmos son absolutamente maravillosos. Por último, pero no porque sea en orden decreciente, sino porque es uno de los personajes más ricos jamás vistos en cine, Luis Gnecco debe haber sido en algún momento parte del alma del poeta, sino es inconcebible que lo interprete con tanta naturalidad y habilidad actoral.
La dirección de Pablo Larraín justifica todos los lauros conseguidos por la película en su corta historia. Sin lugar a dudas es uno de los mejores filmes del año 2016.
Trailer
Diez puntos sobre diez para "Neruda" maravillosa historia de persecuciones y magia poética.


Mondo (Tony Gatlif, 1995) 🌟🌟🌟

Podría haber sido una de tantas películas sobre chicos de la calle, pero no lo es.
Sobre la novela de Jean-Marie G. Le Clezio, el director Tony Gatlif escribe un guión mágico, donde todo lo que sucede es lo que hay en el mundo de "Mondo".
Mondo (Ovidiu Balan) es un chico vagabundo que aparece por las calles de Niza un día. Está siempre feliz, con una sonrisa radiante, aunque no tenga donde dormir ni qué comer.
Hace amigos por la calle. A un hombre que está leyendo en un banco de la plaza le pregunta "no querrías adoptarme".
Se sienta al lado de un mendigo, Dadi (Jerry Smith), que pide sentado en la vereda. Le junta las monedas. Lo acompaña a la terraza de un edificio donde vive una pareja joven con un bebé. Ellos le dan un tazón de café y un pedazo de pan.
A la mañana siguiente acompaña al muchacho, que hace números de magia en la rambla (Philippe Petit) y queda maravillado por sus trucos mágicos.
En una panadería, todas las mañanas, una mujer le corta una rebanada de pan fresco.
Mondo la va a comer sobre un malecón del puerto, al lado de un pescador (Maurice Maurin). Este pescador es también profesor y quiere enseñar el alfabeto a Mondo con unas piedras que guarda en su bolso.
Una tarde, bajo una tormenta, llega herido a un misterioso jardín. Se guarece en la casa y cuando se despierta hay una bonachona mujer cuidándolo. Es vietnamita y se llama Thi Chin (Pierrette Fesch).
Thi Chin lo cura con hierbas que sólo ella conoce y le ofrece quedarse con élla. Pero Mondo, tan pronto está curado, necesita volver a vagabundear y a ver a sus amigos.
Entonces descubre que a Dadi lo han llevado preso y que al mago y su familia los han desalojado por falta de pago. Busca al pescador, pero no lo encuentra.
Va a la casa de Thi Chin y tampoco está, sale desesperado, sintiéndose abandonado por primera vez en su vida y....
No cuento más. Deben ver esta hermosa fábula llena de magia y dulzura.
Trailer
Ocho puntos sobre diez para la hermosa historia de Mondo.


martes, 7 de febrero de 2017

Las Mil y Una Noches - 1. El Inquieto (Miguel Gomes, 2015) 🌟🌟🌟🌟🌟

En una trilogía épica, Miguel Gomes reúne algunos relatos sobre su Portugal actual y para hilvanarlos elige el diseño clásico de la colección árabe de historias "Las Mil y Una Noches". Entonces es Sherazada quien inicia cada una de las historias que cuenta para aplacar al califa sangriento.
Comienza este primer volumen, con la historia del director de cine (Miguel Gomes) que sale huyendo de su equipo de filmación y como estos lo persiguieron porque temían perder sus puestos de trabajo.
Luego la historia se deriva a los obreros de un astillero que después de haber entregado los dos últimos barcos estuvieron tres años a la deriva, sin trabajos que realizar, pero sin que oficialmente el astillero cerrara, hasta que finalmente se produce el cierre de la fábrica.
En consecuencia de la agitación entre los obreros despedidos, se reúnen el presidente del FMI, el del Banco Central Europeo, el Primer Ministro portugués, su ministra de finanzas y el dirigente del sindicato, en un club de campo, al que acuden montados en caballos y dromedarios.
Los discursos de los financistas, los reclamos del sindicalista y el atemperar los ánimos del Primer Ministro y su ministra de finanzas, son apoteóticos.
Cuando salen del club de campo, se encuentran con un mago que los reta a que digan si son realmente felices. Sobre todo al presidente del FMI lo incita a que diga cuando fue la última vez que tuvo una erección.
Lo mismo hace con los demás ejecutivos. Les promete solucionar sus problemas de impotencia, con una poción mágica.
El presidente del FMI es el primero en utilizarla y tiene una erección inmediata y todos los demás quieren usar la pócima.
Claro está que después todos quedan envarados y es imposible volver en ese estado al mundo real. Entonces el mago les dice que les dará un poderoso antídoto, pero le han de pagar 3000 millones y 900.000 euros.
La próxima historia es sobre un gallo condenado a muerte por la justicia por cacarear muy temprano y despertar a los pobladores. La dueña dice que aunque le enviaron la sentencia no lo mató ni lo va a matar.
Se realizan elecciones en el pueblo y el gallo supera en votos al Partido Socialista y al de la Concialiación Democrática.
Finalmente el juez acude a hablar con el gallo y este le cuenta que sólo quiso alertar a los pobladores sobre los incendios que se producirían en sus tierras. En realidad los incendios son provocados por una adolescente enamorada.
Y siguen las historias, en una de éllas el director nos hace viajar a la isla donde se han refugiado las mujeres de Bagdad huyendo del bárbaro califa que las mata luego de la noche de bodas.
Son todas historias surrealistas. Muy reales y políticas, pero con algo onírico en los desarrollos.
La fotografía es excelente, tanto como el montaje y la ambientación de cada historia.
Es prácticamente imposible identificar a los actores y personajes porque cambian a cada rato, pero todos están perfectos en su papel.
Rogerio Samora interpreta al primer ministro. Adriano Luz a Luis, el sindicalista. Diogo Doria al hombre de la comisión europea, Basirou Diallo, al mago.
Esta es solo la primera parte de la trilogía, cuando vea el resto las comentaré si realmente valen la pena como ésta.
Acabo de ver el trailer y es más sugerente que mi crónica. No dejen de verlo.
Trailer
Nueve puntos sobre diez para esta increíble producción del director de Tabú.

lunes, 6 de febrero de 2017

La la land (Damien Chazelle, 2016) 🌟🌟🌟

Desde la primer escena, un embotellamiento en una autopista, el director nos informa que vamos a ver una comedia musical, con números de baile al estilo Gene Kelly y hermosas canciones (insípidas) y con rápidos movimientos de cámara muy al estilo Baz Luhrmann (el director de Moulin Rouge).
Digo al estilo porque Luhrmann sabía cuál era el foco del número que estaba filmando. Chazelle no tiene foco, entonces la cámara se mueve, se tuerce y se sacude sin que el espectador pueda entender de que se trata.
Cuando termina este número musical podremos comprender la razón de su inclusión, la presentación en dos de los autos metidos en el embotellamiento, de Emma Stone y Ryan Gosling.
De ahí en más sus personajes van a copar la película. Tal es así que el espectador no tendrá chance de identificar a otro actor en el film.
Vamos a ver cómo se conocieron, su amor, sus sueños y esperanzas frustradas. De como la gran ciudad de Ángeles devora a sus habitantes que se pierden en el anonimato, aunque tengan la gracia innata de Mia (Emma Stone) y la cara de piedra de Sebastian (Ryan Gosling). Todo esto decorado con buenos números musicales.
Hay una escena homenajeando a "Rebelde sin causa", película que ven en el cine y, como la película se corta, deciden visitar el observatorio del parque Griffith, donde se supone que transcurre la mágica escena del planetario entre James Dea, Natalie Wood y Sal Mineo. 
Vamos a conocer cuando Mia y Sebastian se fueron a vivir juntos y cuando el seguimiento de sus carreras artísticas los hizo separar.
Todo esto en medio de escenarios en technicolor a full, como se supone que debería ser Los Angeles, santuario de Hollywood.
Dije al comienzo que la música es insípida. Recuerdo los impresionantes sonidos y bailes de "West side story" y estos temas son realmente intrascendentes.
Pero es una película amena y fácil de ver, sacando los movimientos epilépticos de cámara.
Con una duración de un poco más de dos horas, si las butacas del cine son cómodas, el espectador va a disfrutar de un lindo espectáculo. Eso y nada más.
Primer número musical con escenas de la película.
"City of stars" una de las bonitas canciones.
Siete puntos sobre diez es mi puntaje y la mayoría de estos puntos son debidos a la magia de Emma Stone.