Hacia la luz (Hikari) (Naomi Kawase, 2017) 🌟🌟🌟🌟🌟

Misako (Ayame Misaki), es una joven que crea descripciones en audio para hacer las películas accesibles a la gente no vidente.
Es a través de la poesía que esta obra maestra del cine nos permite poner más atención, tanto en lo que vemos como en lo que oímos, al mundo alrededor nuestro.
La película incentiva nuevas conversaciones e inspira una ampliación en las mentes para entender mejor a los otros.
"Hikari" explora la responsabilidad, flexibilidad, esperanza y las posibilidades, aún para aquellos en la oscuridad, de ir hacia la luz.
Durante las sesiones en que Misako prueba su texto frente a un grupo de invidentes, uno de los más resistentes a sus palabras y más críticos de sus actitudes es Nakamori (Masatoshi Nagase).
Nakamori ha sido un fotógrafo exitoso con varios de sus libros conteniendo sus fotografías publicados y está perdiendo inexorablemente lo poco de vista que le queda.
Misako dolida por sus críticas, responde con la misma dureza, aunque en seguida se arrepiente.
En una de las sesiones, mientras el grupo devuelve sus opiniones a Misako, una de las asistentes le dice que con su descripción es como si la pantalla se ampliara para tener más sentidos.
Misako es, talvez, la misma directora, cuya sensibilidad hacia el mundo de las imagenes y sonidos, está más allá de lo que habitualmente, nosotros espectadores comunes, tenemos capacidad para aprehender.
Hábil artífice del cine, Naomi Kawase demuestra con cada nueva película, la profunda poesía que alberga la cultura japonesa. No es que el film se especialice en hermosas tomas o fotografías, sino que la hondura de las situaciones ahonda en la profundidad del alma del espectador.
Y si bien hay hechos para los que las palabras no alcanzan, de las descripciones verbales de Misako, se desprende una hermosura cada vez más cercana a la perfección.
"Hikari" es una película que ocupará un lugar entre los recuerdos de cada espectador, invariablemente.
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Diez puntos sobre los diez posibles para esta obra maestra del cine.

Wonderstruck: El Museo de las Maravillas (Todd Haynes, 2017) 🌟🌟🌟🌟

Esta última obra de Todd Haynes, se diferencia de las anteriores en que el argumento no es ni bizarro ni espeluznante, pero su estilo cinematográfico está presente en cada escena filmada desde el principio de la película.
La imagen es más bien oscura, confusa y difuminada, creo que a veces hasta abusa del difuminado, pero consigue su objetivo que es atrapar al espectador que realmente tiene interés en conocer su obra.
La historia está adaptada por Brian Szelnick desde su propia novela y tiene todo lo necesario para convertirse en un laberinto de ideas donde la revelación de último minuto nos ilumina de repente la imagen cinematográfica.
Básicamente la historia sigue las fugas similares de Ben (en 1977) (Oakes Fegley) y de Rose (en 1927) (Milicent Simmons) que culminan en el Museo de Ciencias Naturales de la ciudad de Nueva York.
Ben encuentra un amigo en Jamie (Jaden Michael) que lo introduce en los recovecos del museo que él bien conoce porque es el lugar elegido por su padre para dejarlo cuando tiene trámites que hacer.
Rose por su parte, luego de huir de su madre (Julianne Moore) a quien ha venido a ver porque la extraña, entra en el Museo buscando a su hermano Walter (Cory Michael Smith).
Ben está buscando a su padre, del que su madre (Michelle Williams) nunca encontró tiempo para contarle quién era. Para eso tiene como pistas un señalador de la librería Kincaid y un folleto sobre el Museo de las Maravillas, origen del actual museo de Ciencias Naturales.
La diversión para el espectador va a comenzar cuando las cámaras de Todd Haynes se sumerjan en los dioramas y vitrinas del museo a los que utiliza como escenografías para hacer todo tipo de trucos visuales.
La búsqueda de Ben va a culminar en la librería Kincaid con su encuentro con la maravillosa Julianne Moore, que como es costumbre, nos vuelve a fascinar con su interpretación.
Creo que es muy importante citar a la maravillosa banda de sonido de Carter Burwell que mucho hace para complementar los momentos visuales del director y también al director de cinematografía Edward Lachman, sin cuyas imagenes la película carecería de sentido.
No creo que ningún espectador quede decepcionado con esta nueva obra de arte que nos brinda Todd Haynes con su actriz habitual, Julianne Moore.
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En fin, a mi criterio Wonderstruck es una de las películas más lindas que he visto en mucho tiempo, por eso mi calificación es de nueve (9) puntos sobre diez.

120 pulsaciones por minuto (Robin Campillo, 2017) 🌟🌟🌟🌟🌟

Corren los primeros años de la década del 90. El SIDA ya es epidemia en todo el mundo. Sin embargo en Francia, las autoridades y la sociedad en general siguen haciendo oídos sordos a los reclamos de la comunidad de enfermos.
Este film sigue las manifestaciones y los disturbios provocados por una sociedad denominada Act Up que va tras los pasos de esa misma organización de Estados Unidos.
Irrumpen en una presentación del ministro de salud con trompetas, pitos y matracas para llamar la atención de los asistentes. Pero se les va la mano cuando le rompen una bolsa con sangre en el pecho y lo encadenan a los bastidores.
Todo esto motiva una fuerte discusión entre los integrantes del grupo. Thibaut (Antoine Reinartz) que es el director en ejercicio del grupo, condena la acción de los exaltados. Mientras que los exaltados, entre los que se encuentra Sean (Nahuel Pérez Biscayart) defienden su actitud, diciendo que ellos no tienen tiempo para hacer actos de presencia y comportarse como es debido.
Sophie (Adele Haenel) que fue quien dirigió la protesta, reconoce que Sean y los otros exaltados tienen razón, pero que deben cuidar su imagen frente al público en general.
Un recién unido al grupo, Nathan (Arnaud Valois), es atraído por la conducta de Sean y se siente atraído por él. Durante un acto en un colegio donde reparten folletería a los estudiantes, a pesar de la prohibición del director, una chica le dice a Nathan, que ella no lo necesita porque ella no es "bollera" como tú. Sean que la escucha, besa en la boca a Nathan para irritar a la adolescente.
La película tiene un guión que no tiene un segundo de desperdicio. Detrás de las vidas de los activistas, gays, lesbianas, drogadictos y hemofílicos, se esconde el terror a la muerte representada por la enfermedad.
Las críticas a la gestión de Miterrand son feroces y también hacia la actitud de los laboratorios medicinales, los que son identificados tras un Melton Pharm, nombre de fantasía, ya que siguen sin encontrar un medicamento que de resultado y no quieren dar a conocer los resultados del testeo de nuevas drogas. El AZT y el DIC ya han demostrado ser solamente paliativos y que terminan debilitando los organismos.
El film completo es un gran  documento donde se constata la intolerancia y la falta de humanidad de la sociedad en general. No solo es un documento contra el gobierno francés del momento, sino que es válido para todos los gobiernos del mundo, que solo están sentados esperando que los enfermos se mueran, ya que solo son homosexuales, prostitutas y drogadictos.
Excelente la dirección de Robin Campillo que le ganó la gran Palma de Oro del festival de Cannes y también el gran premio de FIPRESCI.
La relación amorosa entre Sean y Nathan y su final es una parte ineludible de la historia, ya que solo poniéndolo ante los ojos de los espectadores, se puede vislumbrar un poco sus sentimientos.
En una reunión donde Thibaut reclama sacar los enfermos de los hospitales en sillas de ruedas para que la gente los vea, Sean estalla diciendo, no es suficiente que me vean a mí.
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Diez puntos sin dudar por la excelente dirección y actuación del elenco en general.

El orden divino (Petra Volpe, 2017) 🌟🌟🌟

Corre el año 1971. La sociedad occidental está en plena conmoción. Se discuten los derechos de las mujeres a abortar y a decidir por sí mismas. Menos en... Suiza, donde ni siquiera tienen derecho a votar.
Sí, la pueblerina sociedad suiza es también un patriarcado como no se ha visto ni siquiera en los países árabes.
La mujer prácticamente no tiene derecho a nada, simplemente debe acatar lo que le imponen su padre o su marido y por supuesto, aunque haya estudiado alguna carrera universitaria, debe dejarla de lado para cuidar a su marido y a sus hijos. Y en caso de divorcio es élla la que pierde todo, no hay ninguna clase de separación de bienes. Todo es propiedad del marido.
Petra Volpe escribe y dirige esta comedia, realmente dramática sobre la situación de las mujeres que transcurre en un pueblo del cantón de Berna en el año 1971.
Algunas mujeres, tímidamente han conseguido elevar la moción para que se discuta y vote sobre el derecho al voto de las mujeres. Pero está muy claro que ni siquiera las mujeres de este pueblo quieren conseguirlo. ¿La razón?, porque temen perder su lugar en la rígida sociedad machista.
Nora (Marie Leuenberger) no es para nada la excepción. Vive con su marido, su suegro y sus dos hijos varones y debe atenderlos a todos. Pero Nora quiere hacer algo más con su vida. Siempre ha deseado viajar y recorta de un diario un aviso de la empresa de viajes Kuoni, solicitando una secretaria. Cuando lo comenta con Hans (Maximilian Simonischeck), su marido, este le indica que no está para nada de acuerdo con que abandone sus deberes para con la casa y, cuando élla insiste, él le aclara, de todos modos no te lo voy a autorizar y eso es algo que se requiere, la autorización de tu marido.
Es en ese momento cuando la venda cae de los ojos de Nora y comienza a apreciar las injusticias que se cometen día a día contra las mujeres.
Su hermana Theresa (Rachel Braunschweig) tiene una hija rebelde, Hanna (Ella Rumpf) que aparentemente ha salido con cuanto muchacho hay en el pueblo. Por esa razón su padre Werner (Nicolas Ofczarek)  ha decidido prohibirle que vea a su nuevo novio y la tiene encerrada en su habitación. Hanna convence a Nora para que la acompañe a encontrarse con su novio para despedirse. Cuando se encuentra con su novio, Hanna huye con él en su moto. Nora queda completamente molesta porque la haya usado así, sin embargo cuando llega a la casa de su hermana y ve a su sobrina en un auto de policía y se entera que el padre ha decidido encerrarla en un reformatorio y que su madre no tiene ni voz ni voto, no puede menos que condenarlos a ambos.
Y así es como Nora se convierte en activista por el derecho al voto.
Conoce a Vroni (Sibylle Brunner) quien le enseña el local que fue su pub hasta que las borracheras de su marido hizo que lo perdieran y Vroni, otra vez, no pudo impedir que le quitaran su negocio, ya que ella no poseía ningún derecho.
La película va a seguir la historia de como las mujeres de este pueblo van a hacer la campaña para conseguir el derecho a voto.
En una reunión donde una sueca les presenta a la vagina, hace que las mujeres se la vean con un espejo y muchas de ellas recién se van a conocer íntimamente. Algo importante que dice la presentadora, es que la represión sexual es parte de la represión política en la que el hombre ha encerrado a las mujeres. Nora tiene que reconocer que en su vida ha tenido un orgasmo porque su marido no sabe como satisfacerla.
Es una historia llevada en ritmo de comedia pero con hechos que son vergonzosos para toda la humanidad.
Muy bien filmada y con excelentes actuaciones, vale la pena de ser vista.
Trailer hablado en castellano.
Dos datos a tener en cuenta para evaluar a la sociedad suiza. En 1981, la constitución suiza recién incluyó la igualdad de derechos entre hombres y mujeres. En 1990 fue que el último cantón (Appenzell) aprobó el derecho al voto de las mujeres.
Por la honestidad de esta película y su no disimulada posición frente a los derechos de la mujer, van 8 puntos sobre diez.

La Asesina (Nie Yinniang) (Hou Hsiao-Hsien, 2015) 🌟🌟🌟🌟🌟

En la tradición de las grandes películas históricas del cine chino, este film es tal vez el mejor logrado desde una perspectiva exclusivamente fílmica.
Paisajes increíbles fotografiados con técnicas visualmente artísticas. Interiores que, sin ser suntuosos, brindan a la vista el placer de lo hermoso. Pero, por sobre todas las cosas, la maestría de un director que nos introduce en una hipnótica aventura a otras épocas y, quizás, otras costumbres.
Nie Yinniang (Qui Shu) debido a una tortuosa historia familiar, ha sido confiada desde los diez años a una "monja", tal el término con que los chinos llamaban a estos maestros de las técnicas marciales y de la guerra. La "monja" (Sheu Fang-Shi), la ha convertido en una experta máquina de matar.
Ahora su maestra la envía de regreso a su hogar natal con un encargo especial, debe matar a su primo.
El regreso de Nie a su hogar hace que sentimientos largamente encerrados salgan a la luz y provoquen un estado de confusión en Yinniang.
Si bien el argumentode Zong Acheng, no tiene demasiada consistencia para las mentes de los espectadores occidentales, el director logra, a través de un ritmo bien lento y pesado, inducir al espectador en un mundo onírico donde la imagen se deleita filmando a través de tules o sedas o en medio de bosques donde los personajes de la acción quedan semi-ocultos en la espesura.
Además nos regala con una música esplendorosa, muy lejana de las tradicionales melodías chinas que lindan con la música moderna. Hay una escena de ballet a cargo de la mujer del gobernador, Lady Tian (Zhou Yen) y el gobernador mismo Tian Ji'an (Chang Chen) donde los sentidos del espectador se trastocan completamente.
Deleite para el espíritu y para los espectadores con expectativas de aventuras oníricas sin ser fantasiosas, esta película cumple largamente con los mandatos del buen cine: espectáculo y sentimientos.
Títulos finales
Diez puntos sin dudar para esta excalente realización del cine chino que recibiera la gran Palma del Festival de Cannes al mejor director.