Bienvenido a mi mundo

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gracias por la imagen a Germán Banchio

jueves, 29 de agosto de 2019

Lazzaro feliz (Alice Rohrwacher, 2018) ⭐⭐⭐⭐

Lazzaro (Adriano Tardiolo) vive con su numerosa familia en una granja en las montañas. Allí cultivan tabaco y crían animales para la propietaria del fundo, la Marquesa de Luna. A Lazzaro lo tienen como el pibe de los mandados. Lazzaro cargá el camión, Lazzaro traé agua del pozo, Lazzaro subí a la abuela a su pieza. Lazzaro accede gentil a todo lo que le solicitan y lo cumple sin una palabra de queja o disgusto. Lazzaro es feliz.
Un día que viene la marquesa a sus tierras, trae con ella a su hijo, el marquesino, Tancredi (Luca Chikovani) que como se aburre mortalmente en la granja con los campesinos, se dedica a recorrer las tierras. Lazzaro se cruza en su camino y lo invita a tomar café, que él mismo prepara en un refugio que se ha hecho en la montaña. A Tancredi le gusta el lugar y decide quedarse allí. Escribe una carta para su madre diciendo que lo secuestraron y que exigen un rescate cuantioso. Lazzaro entrega la carta, pero a la marquesa no se le mueve ni un pelo, ya que su hijo le ha hecho varias malas jugadas en el pasado.
La hija del administrador piensa que habría que llamar a la policía, pero su padre la hace desistir de su idea. Un día, Lazzaro cae enfermo con fiebre. Lo llevan a acostar al lado de la abuela, porque nadie más lo quiere tener cerca. Cuando Lazzaro vuelve en sí, piensa en Tancredi que debe estar desesperado y hambriento. Se levanta como puede e inicia el camino hacia su refugio, pero la fiebre todavía es alta y en una parte del camino de cornisa, trastabillea y cae unos 500 metros.
A todo esto la hija del administrador llama a la policía. Cuando llegan, se escandalizan al ver las condiciones de esclavitud en que vive esa gente y deciden detener a la marquesa y trasladar a los campesinos a la ciudad. Antonia (Alba Rohrwacher) recuerda a Lazzaro, pero nadie quiere quedarse esperándolo.
Un lobo descubre el cuerpo de Lazzaro y decide que es una buena comida, pero cuando lo huele de cerca, descubre que huele a hombre bueno y no lo ataca.
Hasta aquí la reseña de esta extraordinaria película. El guión fue escrito por la misma directora y está lleno de hallazgos combinando el neorrealismo con el realismo mágico.
Debo decir que como espectador disfruté toda la película, aunque la ternura que se desprende de los personajes es tanta, que se me hizo un nudo en el corazón.
Trailer subtitulado en castellano
Los límites de la realidad se quiebran para el espectador en esta película y aparecen los vaivenes del alma. Nueve puntos sobre diez es mi calificación.

martes, 13 de agosto de 2019

Genius: Picasso (Ken Biller, 2018) ⭐⭐⭐

Esto de las mini-series para televisión, se está convirtiendo en una nueva veta para los amantes del cine. Durante mucho tiempo hubo series especialmente concebidas para el cine que se ofrecían en episodios en los cines, para sus seguidores. Ahora la vertiente es hacia la televisión. Hay muy buenos ejemplos, pero en general lo que abunda son los ejemplos de segunda calidad, en cuanto al grado de excelencia cinematográfica.
Ese no es el caso de "Picasso". Presentada por National Geographic como la segunda temporada de su ciclo "Genius",  y realizada por Fox Films, es de un nivel significativo, no solo en cuanto a realización y actuación, sino también en lo impecablemente bien hecho que está el guión. En la obra de Noah Pink. la vida de Pablo Picasso se cuenta a lo largo de 10 capítulos de alrededor de una hora cada uno, con buen ritmo y tensión emotiva, para describir la complicada personalidad del genio español.
Encarnado por Antonio Banderas en la madurez y vejez y por Alex Rich en su juventud, vemos los altibajos de su vida emotiva como tan bien fueran interpretados por Anthony Hopkins en la película "Sobreviviendo a Picasso", basada en la novela autobiográfica de Françoise Gilot.
Interpretada por Clemence Poesy, Françoise fue una de las parejas más estables de Picasso, madre de sus hijos Claude y Paloma.
Pero a lo largo de los 10 capítulos, la historia va a alternar entre la juventud y la madurez del pintor, dejando que desfilen tanto las parejas que signaron su vida y sus retratos, como a sus amigos y compañeros de arte. Entre ellos Max Jacob (T.R. Knight), Dora Maar (Samantha Possey), Fernande Olivier (Aisling Franciosi), Marie-Therese Walter (Poppy Delevigne), Jacqueline Roqué, su última compañera (Valentina Belle) y muchos, muchos más.
La única crítica es al espantoso maquillaje puesto sobre Antonio Banderas. No tiene nombre.
Trailer subtitulado en castellano
Ocho puntos sobre diez, que es mucho decir para una serie de televisión. Espero que muchos espectadores la disfruten tanto como yo.

jueves, 1 de agosto de 2019

El Peral Silvestre (Ahlat Agaci) (Nuri Bilge Ceylan, 2018) ⭐⭐⭐⭐⭐

La trayectoria fílmica de este gran director turco es brillante. Si "Sueños de invierno" fue a mi entender, la mejor película que había visto en mucho tiempo, con "El peral silvestre" supera aún más esa connotación.
En una epopeya fílmica y literaria de poco más de tres horas, el director describe perfectamente el devenir del ser humano en estos tiempos de confusión y agonía.
Sinan Karasu (Dogu Demirkol) vuelve a Can, su pueblo natal, luego de haber terminado sus estudios para recibirse de maestro.
Apenas bajado del ómnibus un vecino lo detiene para que vaya a su casa a tomar un té, Sinan le dice que recién llega y tiene todas sus cosas encima, el vecino entonces le dice que le recuerde a su padre que le debe aún dos monedas de oro.
Con este comentario, el personaje del padre de Sinan está presentado. Idris Karasu (Murat Cemcir), es maestro en la escuela del pueblo y un jugador incurable. Pronto nos vamos a enterar que hasta vendió su casa para poder apostar.
La inquietud de Sinan es encontrar un esponsor que lo ayude a publicar su libro, "El peral silvestre", que cuando le preguntan si es turístico, si habla de las ruinas de Troya o del cementerio de Gallipoli, Sinan contesta que no. Que cuenta de los pequeños personajes y la pequeña gente del pueblo.
Esta es una nueva aclaración del director. El libro-guión fue escrito por él, Akin Aksu y su esposa, Ebru Ceylan. La duración original de la película era de 3 horas 20 minutos. Los distribuidores le pidieron abreviarla, pero le costaba mucho reducir algo de las escenas que habían escrito, así que finalmente quedó en 3 horas 10 minutos.
El pueblo de Can está en las montañas del sur de Anatolia, pero la casa de Sinan queda aún más arriba. El padre está desde hace años cavando un pozo en la casa de su padre, el abuelo de Sinan, buscando agua. Todos le han dicho que no va a encontrar agua allí, pero él insiste y trata de arrastrar a Sinan a la empresa.
El padre tiene un perro en la casa de su padre. No lo puede llevar a su casa porque allí no hay jardín ni parque. Entonces el perro vive en el jardín de la casa de su padre.
Un día que Sinan está enojado con su padre por su mal hábito de apostar, va a buscar el auto del padre que ha quedado en el jardín y cuando sale deja la tranquera abierta.
La madre de Sinan, Asuman Karasu (Bennu Yildirimlar), que siempre le habla pestes de su padre, le pide a Sinan que pase por la escuela y le pida el dinero para pagar la luz que les han cortado por falta de pago. Cuando entra al aula, Idris esconde un papel, en lo que Sinan asume que es una boleta de apuestas. El padre le dice que aún no ha recibido la paga.
Sinan vuelve a su casa y le cuenta la escena a su madre. Llama a su padre, el perdedor, el eterno perdedor. Cuando vuelve el padre a la noche, le pregunta a su mujer porqué la heladera está vacía y ella le dice que ha tenido que llevar todo a la casa de un vecino para que no se eche a perder. Que si le hubiera dado el dinero a Sinan en lugar de volver a apostar, ya tendrían luz.
El padre entra al cuarto de Sinan y le pregunta de donde sacó la historia que le contó a su madre, él le cuenta que lo vio esconder un papel. El padre saca un papel y se lo tira echa un bollo. Cuando lo abre, Sinan ve que es un aviso de "perro perdido".
Le comenta a la madre y ella le dice que desde hace unos días lo escucha sollozar a la noche en la cocina. Cuando le preguntó porqué, le dijo que era por el perro, que era el único ser que no le recriminaba nada.
Sinan va a arrastrar la culpa por el perro perdido, junto con tantas otras. Más tarde en la película, cuando vuelva del servicio militar, caminando junto al río va a ver al perro corriendo y cayendo al agua.
Sin embargo la escena más importante de la película es el descenso de la colina caminando junto con dos imanes. Uno, el Imán Veisel (Akin Aksu), aunque tiene la misma edad que Sinan, es tradicional y de respuestas hechas del Corán. El otro, el Imán Nazmi (Oner Erkan), es moderno y retruca las frases de Veisel. Sinan, en medio de los dos, expone la posición de un crítico que no se toma la religión en serio. Los diálogos son impagables, pero medio difíciles de seguir.
Las únicas posibilidades que le quedan a Sinan son o irse al este del país a trabajar de maestro o bien entrar en la policía. Un ex-compañero de estudios entró en la policía anti-disturbios y le comenta que es gracioso perseguir a golpes a sus ex-camaradas de estudios.
Cuando vuelve del servicio militar, pregunta si su libro se ha vendido. El librero le dice que lo tuvo en exhibición un tiempo pero después lo retiró. Cuando le pregunta a su madre y hermana si lo han leído le dicen que lo empezaron, pero no siguieron adelante.
Hablando con su padre, este le comenta sobre una frase suya que es como los comentarios sobre el pasaje del tiempo que hay en su libro. Sinan atónito le pregunta si lo leyó, claro dice Idris, varias veces.
En este universo de personajes, situaciones y vivencias que caben en la película, no hay lugar para las emociones fáciles. El espectador las tendrá que rescatar de dentro suyo cuando finalice la película.
La dirección de fotografía es impecable. En general los escenarios son paisajes exteriores, los interiores son agobiantes como lo es el interior de Sinan.
Trailer subtitulado en castellano
Diez, más diez, más diez, más diez puntos y todavía me quedo corto. Una genial realización donde el espectador se va a encontrar a sí mismo.

martes, 9 de julio de 2019

Potestad (Norman Briski, 2019) ⭐⭐⭐⭐⭐

Este blog está dedicado a llevar un registro de las películas que dejan una sensación en mi ser. En este caso no voy a hablar de una película sino de una obra teatral.
"Potestad" es una obra de teatro antológica escrita por Eduardo "Tato" Pavlovski. Norman Briski la eligió para hacer una puesta en escena que siguiera las reglas del teatro noh japonés. Extraña mezcla de contenidos. Una obra que habla de los desaparecidos y el teatro noh japonés.
Pero no solo eso es lo novedoso en la puesta de Briski. Elige para interpretarla no a un hombre como es el personaje que nos relata su historia, sino a María Onetto.
La extraordinaria actriz de "La mujer sin cabeza" de Lucrecia Martel o de la puesta de "Sonata otoñal" de Bergman con Cristina Banegas.
Una vez más luce su límpida voz y su contradictoria imagen de mujer sensitiva travestida en jefe de familia japonés. En su rostro palpitan, casi sin querer, las emociones del personaje.
La crónica teatral dice:
"Esta versión es un devenir de una de las obras más significativas de la historia del teatro argentino, debido a su relación con el hecho social histórico. Genocidio. La muerte y desaparición de 30.000 personas. Sin dejar de considerar el primer genocidio, la eliminación fundacional de los pueblos originarios.
Estos acontecimientos llegaron a las más íntimas relaciones de los hombres, mujeres y niños de este país. Están tan presentes estos hechos que POTESTAD todavía se debate en su latencia social.
La ocurrencia de usar el teatro noh como una estética dogmática concibe esta tragedia. Creemos que el concurso de una única actriz como María Onetto puede encarnar esa estética en un cuerpo que contiene la disciplina y la diversidad de género...."
Es un espectáculo en el que al finalizar, el espectador no sabe qué actitud tomar. Deja mella en el corazón y en la mente.
Diez puntos sobre diez para esta extraordinaria puesta en escena.


sábado, 29 de junio de 2019

El Dolor (Marguerite Duras, 1944) (Emmanuel Finkiel, 2017) ⭐⭐⭐⭐

"La douleur" está basada en una novela autobiográfica de Marguerite Duras adaptada al cine por el director Emmanuel Finkiel.
En su relato, Marguerite Duras (Melanie Thierry), describe los terribles últimos años de la ocupación alemana de París, después que a su marido Robert lo han detenido los policías de la Gestapo francesa.
Un policía, Pierre Rabier (Benoit Magimel) la contacta declarándose un ferviente admirador de su obra, para ofrecerle ayuda con su marido.
Su amigo Dionys (Benjamin Biolay) le advierte que es una situación muy riesgosa, porque probablemente lo que busque sea sacarle información.
Más allá de las idas y vueltas con el policía, Marguerite oscila entre pensar que a su marido lo han matado ya o cuál será su actitud cuando regrese.
Luego la liberación y la vuelta de los presos en campos de concentración. Caminando descalzos por caminos abandonados. Escuálidos y enfermos. Y todavía, como piensa Marguerite, todavía nadie piensa en los judíos.
De Gaulle y los gaullistas determinan que hay que dejar atrás todo. El sufrimiento, el hambre, el dolor de los seres queridos desaparecidos. Todo hay que dejarlo atrás.
En las memorias de Marguerite, el temible espectro de la guerra se va perfilando cada vez con mayor nitidez, a punto de no saber si está esperando a su marido o si hay otro pavor detrás.
Alemania está en llamas, describe. Como podrá regresar su marido desde un país en llamas.
En un film excelentemente bien realizado, la prosa de Marguerite Duras se hace llagas en la piel de los seres humanos. Como Madame Katz (Shulamit Adar) que espera el regreso de su hija minusválida que se llevaron los alemanes.
Como Francis Morland (alias para Miterrand) (Gregoire LePrince-Ringuet) que sacude a Marguerite con su discurso positivista.
Como su vecina, Mme. Bordes (Anne-Louise Heimburger) que desespera que su marido vuelva y ya no sale de la cama.
Impecablemente delineado, el Dolor del título, estalla en las mentes de los espectadores,
Excepcional el trabajo de Melanie Thierry. Su rostro describe todo el proceso emocional que las frases leídas en off, sacuden sobre Marguerite.
Muy bueno el trabajo de fotografía de Alexis Kavyrchine.
Trailer subtitulado en castellano
Nueve puntos sobre diez para este extraordinario trabajo de recreación de las memorias de Marguerite Duras y por extensión del ser humano.

domingo, 9 de junio de 2019

Dolor y gloria (Pedro Almodóvar, 2019) ⭐⭐⭐⭐⭐

Este es un nuevo impecable film de Almodóvar. Un film adulto donde olvida un poco esos momentos locos de sus otras películas, pero que está lleno de humanidad. Rebalsa humanidad por los cinco costados. Como en "Todo sobre mi madre", donde las mujeres protagonistas del film no importaba si eran madres, lesbianas, travestis o monjas, por sobre todas esas características fáciles, eran seres humanos. Creo que con Almodóvar el feminismo alcanzó su mayoría de edad en el cine.
En "Dolor y gloria" repasa la historia de un director de cine envejecido y encerrado en sus achaques, Salvador Mallo (magistral interpretación de Antonio Banderas que le valiera la gran palma de oro al mejor actor en el festival de Cannes) y con él, en primerísimo primer plano a su madre (interpretada por Penélope Cruz de joven y genialmente por Julieta Serrano en su vejez).
Con la maestría de siempre para la evolución de sus guiones, la historia se va armando entre recuerdos y memorias del director. Entre ellos el reestreno de la versión remasterizada de un viejo film suyo, "Sabor", que hace que se reencuentre con el intérprete de aquel film, Alberto Crespo (Axier Etcheandía) con quien no se hablaban desde la realización del film. Pero Alberto va a significar una erosión en el claustrofóbico mundo del director. El descubrimiento de un escrito suyo, "La adicción", hace que Alberto lo lleve al teatro, aunque él no quiera colocar su nombre como autor, adónde Federico (Leonardo Sbaraglia), un amor de su juventud, lo va a redescubrir en una visita fugaz a España.
Impecable la actuación del pequeño Asier Flores como Salvador niño y de muchos más actores como es el caso de la intervención de Cecilia Roth, o por ejemplo como Nora Navas en Mercedes, asistente técnica y espiritual del director, al punto de acompañarlo al médico, a quien Salvador rehuye.
Durante las dos horas de proyección, el espectador se verá envuelto por la magia de Almodóvar, con escenas que van desde el dolor hasta la gloria.
Inolvidable del descubrimiento de la casa-gruta en Paterna (Valencia). Muchos se sentirán tentados de vivir allí.
La música de Alberto Iglesias, compositor que siempre pinta las películas de Almodóvar con su música intensa pero no fuera de cauces. Los excelentes directores de fotografía, José Luis Alcaine y dirección de arte de María Clara Notari. El departamento de Salvador es un despliegue inolvidable de belleza y arte.
Trailer
Los actores hablan de Almodóvar
Mi calificación es de 10 puntos para una película que se volverá inolvidable como aquella otra  que viera 4 o 5 veces estando lejos de Buenos Aires "Volver".

miércoles, 1 de mayo de 2019

Alma Mater (Insiriados) (Philippe Van Leeuw, 2017) ⭐⭐⭐⭐

El director, Philippe Van Leeuw, escribió el guión de este conmovedor film.
Es asombroso que un europeo pueda llegar a descifrar el lenguaje del fin del mundo que asola a una ciudad en medio de una guerra no buscada ni deseada y caprichosamente impuesta por los dueños de las armas a la población civil.
Encerrados en un departamento en el centro de Damasco, la familia de Oum Yazan (Hiam Abbass) sobrevive en medio del caos de bombardeos, autos bomba y francotiradores que asesinan a mansalva.
Delhani (Juliette Navis) ve por la ventana como Samir (Moustapha Al Kar) cae abatido por un tiro al salir del edificio.
Desde ese momento Delhani no puede consigo misma. Sabe que no tiene que decirle nada a la mujer de Samir, Halima (Diamand Bou Abboud) que tiene un bebé pequeño y se está preparando para irse del país esa noche con su marido.
El suegro de Oum Yazam, Abou Monzer (Mohsen Abbas) deambula por el departamento no sabiendo que hacer con su alma, llena como está de desesperación y abatimiento.
Solo Oum Yazam conserva el orden con rutinas fijas. No disponen de agua suficiente, así que solo se pueden lavar con trapos mojados y usando el baño pequeño del departamento. La puerta de entrada está bloqueada con dos durmientes de madera y debe permanecer cerrada todo el tiempo.
Es por esa razón que Delhani no se atreve a bajar al estacionamiento del edificio para ver si aún Samir está con vida.
En un momento de este terrible día golpean la puerta. Son tres hombres que preguntan si está todo bien. Oum Yazam contesta que sí, que todo está bien, pero observa que uno de ellos en lugar de bajar, sube por las escaleras.
Más tarde escuchan el ruido de vidrios rotos en el balcón y saben que han vuelto. Oum Yazam encierra a toda su familia en la cocina, pero Halima queda fuera por ir a buscar a su bebé. Los dos hombres que han entrado quieren saber dónde tienen el dinero y objetos de valor, pero Halima no contesta, así que la golpean e intentan violarla. En su desesperación Halima escucha que el otro hombre ha agarrado a su bebé.
Terrible pesadilla, más terrible que todas las películas de terror que Hollywood inventa, es esta historia que bien podría ser real en los países asolados por el hambre de dinero de los empresarios de las guerras.
Impecablemente bien filmada, a pesar de moverse todo el tiempo entre las paredes del departamento, no hay posibilidades de que el espectador se escape de esta realidad, como no sea apagando la proyección.
Trailer subtitulado en inglés
Ocho puntos sobre diez para esta conmovedora historia que nos obliga a reflexionar una vez más sobre la maldad del ser humano que lo lleva a su propia destrucción.

domingo, 28 de abril de 2019

En tiempos de luces menguantes (In zeiten des abnehmenden lichts) (Matti Geschonneck, 2017) 🌟🌟🌟🌟

Esta es una melancólica y meditativa comedia sobre las decadencias de las sociedades humanas.
En base a la novela de Eugen Ruge, Wolfgang Kohlhasse escribió un guión más que interesante sobre los últimos tiempos de una familia alemana comunista.
La mayor parte de la película transcurre en el Berlín comunista en el año 1989 para la celebración de los 90 años del dirigente Wilhelm Powileit (Bruno Ganz).
En la celebración organizada por su mujer Charlotte (Hildegard Schmahl) participan su familia, sus amigos, vecinos y autoridades del estado.
Todos menos su nieto Sascha (Alexander Fehling) quien, pese a la promesa hecha a su padre Kurt (Sylvester Groth) el día anterior de visitar a su abuelo para la celebración, ha preferido huir hacia el occidente.
Entonces, a pesar de los desbordes familiares de la madre rusa de Sascha, Irina (Evgenia Dodina), de las atenciones de las enfermeras que cuidan de Wilhelm, de los miembros del comité que hacen entrega a Wilhelm de la condecoración La Estrella de la Amistad, del regalo que Wilhelm hace a su bisnieto (una iguana disecada) que su madre Melitta (Natalia Belitzki) que ha preferido quedarse en lugar de desertar con Sascha, promete cuidar, la película trata de los tiempos de las luces menguantes, o sea el melancólico fin de una República Democrática Alemana anquilosada y sin posibilidades de evolucionar.
Futuro que también es inminente para la U.R.S.S.
En 1991, la madre de Irina, Nadeshda Ivanovna (Nina Antonova) quiere volver a su pueblo natal en Rusia, Slava, e Irina la acompaña.
Y las reflexiones del relator son "Tuvimos la capacidad de creer, creer que lo que queríamos sería justo como queríamos. Hemos echado todo a perder."
Trailer en castellano
Ocho puntos sobre diez a esta oda a la caída de la República Democrática Alemana, nunca mejor presentada que en nuestros tiempos actuales de luces menguantes.

sábado, 13 de abril de 2019

Tres rostros (Se rekh) (Jafar Panahi, 2018) 🌟🌟🌟🌟🌟

El director iraní Jafar Panahi tiene prohibido desde el año 2010 hacer cine por 20 años como consecuencia del juicio que le iniciara el estado por su actitud opositora.
Como muchos de los grandes directores iraníes emigraron del país en busca de "libertad", también le han prohibido salir del país. Es así que aunque su última película, "Tres rostros" fue seleccionada para participar en el festival de Cannes, el film debió viajar solo, ya que Jafar Panahi no puede salir de Irán y obtuvo la gran Palma de Oro al mejor guión.
Es con gran riesgo personal que esta es su cuarta película en "prohibición". En la anterior "Taxi", filmó todo el tiempo conduciendo un taxi y sin salir del auto, parábola de su encarcelamiento.
En "Tres rostros" Panahi cuenta la historia de una adolescente Marziyeh Rezaei personificada por la misma Marziyeh, que quiere ser actriz.
Aún viviendo en un pueblo de provincias, Marziyeh ha soñado toda su vida con la actuación y consiguió anotarse en un conservatorio de Teherán. Su padre convenció a su madre que no importaba porque no pasaría el concurso, pero no, Marziyeh aprobó la selección y ahora, cuando tiene que viajar a Teherán se encuentra con la oposición de su familia y de la familia de su novio. Desesperada, Marziyeh envía un mensaje a la actriz Behnaz Jafari pero no obtiene respuesta, así que envía un video al director donde se puede ver su ahorcamiento.
Jafar Panahi le muestra el video a Behnaz y esta, desesperada decide viajar con el director al pueblo donde vive Marziyeh.
Este es el planteo inicial de la película., escena del ahorcamiento incluída. Entonces Panahi hace una especie de road movie por el interior de Irán junto a Behnaz Jafari que abandona el programa que está filmando para viajar.
En la película se cuentan varias pequeñas historias que son el condimento esencial del drama, pero en definitiva lo que Panahi hace, como es habitual en su cine, es una denuncia de la sociedad machista violenta que predomina en Irán, exhacerbada por tratarse de un pueblo de provincia. Sobre esta sociedad se impone el caracter femenino que consigue destrabar el rumbo de las vidas cotidianas.
En una escena, donde Marziyeh le pregunta si él no va a participar, le contesta, "no, estas situaciones son manejadas mejor por las mujeres".
El tercer rostro femenino, que aunque no se ve está presente en la mayor parte de la película es el de la actriz Shahrzad, quien hasta antes de la revolución era una actriz importante del cine iraní, pero luego fue prohibida y vive en una miserable casucha del pueblo de Marziyeh, dedicada a pintar y a vivir su vida.
Durante 1 hora cuarenta minutos, los espectadores seguirán las peripecias de los protagonistas, hasta el final con una escena homenaje a "Tiempos modernos" del gran Charles Chaplin.
Esta es una imborrable pequeña gran película, donde, sin hacer ostentación de dramas ni efusividades, Panahi cuenta una hermosa historia sobre los seres humanos y su perdición en un mundo subhumano.
Trailer subtitulado en castellano
Diez puntos para este obstinado cangrejo iraní que persiste en su proyecto de hacer buen cine y diez puntos para esta hermosa película.


lunes, 18 de marzo de 2019

La amiga (Jeanine Meerapfel, 1988) 🌟🌟🌟🌟

La directora alemana Jeanine Meerapfel, se animó a afrontar la historia de la dictadura militar argentina de los años 70. Para ello contó con un prodigioso guión escrito por el prestigioso escritor argentino Osvaldo Bayer, Alcides Chiesa, la directora de cine polaca Agniezka Holland y la misma Jeanine Meerapfel.
La historia cuenta la amistad entre Raquel (Cipe Linkovsky) y María (Liv Ullman), que se inicia en los años de la escuela y cuyo rumbo se ve truncado por el accionar de la sociedad argentina durante la dictadura militar de los años 70.
Raquel, una prestigiosa actriz, poniendo en escena "Antígona" es demasiado para la mentalidad fascista de esos años y después que una bomba destruyera el teatro donde se está presentando, debe emprender el exilio hacia Alemania, ayudada por su manager (Víctor Laplace).
La historia de María es más grave. Pancho (Federico Luppi), su marido, se ha quedado sin trabajo al cerrar la fábrica y se dedica a los trabajos que surgen para subsistir. Una noche, les allanan la casa las "fuerzas de seguridad" que buscan a su hijo Carlos. Ya su vida no será la misma. Cuando van a la villa miseria donde Carlos (Gonzalo Arguimbau) vive y trabaja ayudando a construir casas, encuentran su casa destruída y que a su hijo se lo han llevado, desaparecido es la palabra, porque en esa época no se detenía a la gente, se la desaparecía.
El hijo más chico de María, Pedro (Fernán Mirás, me pregunto cómo se habrá sentido a sus 19 años sosteniendo el mate a Liv Ullman), no tolera más la vida de terror en que su familia vive y decide mudarse con su tía a la provincia.
María, que persiste en buscar a su hijo, se encuentra con otras madres en la misma búsqueda y, aunque son varias veces detenidas y, algunas de ellas también desaparecidas, emprenden las rondas de protesta en la Plaza de Mayo de Buenos Aires. Se identifican por un pañuelo blanco atado en la cabeza.
Es esta una excelente película y un muy buen retrato de la sociedad argentina. No es de extrañar que no se haya vuelto a exhibir. No es bueno para la clase dirigente que los argentinos que aún viven con las mismas pasiones y para los que es más importante un partido de fútbol que la brutalidad de los operativos de las fuerzas de seguridad, tomen conciencia de ciertos hechos.
Muy buenas la cinematografía de Axel Block (a pesar de haberla visto en una copia de video en Youtube) y la música de Jose Luis Castiñeira de Dios.
Trailer, en alemán.
Mi calificación es de 8 puntos sobre 10. Y no puedo cerrar esta crónica sin decir unas palabras sobre la magnífica actuación de Liv Ullman. Aunque en la versión en castellano esté doblada por Bárbara Mugica, sus ojos, su sonrisa y su temperamento iluminan a esta María que se vuelve inmortal como su hijo, que no está muerto, sino que ha renacido en su madre.

lunes, 11 de marzo de 2019

Somos una familia (Manbiki kazoku) (Hirokazu Kore-Eda, 2018) 🌟🌟🌟🌟🌟

Con el correr del tiempo, Hirokazu Kore-Eda ha ido perfeccionando su lenguaje fílmico, hasta llegar a la perfección con esta película. O mejor diríamos hasta ahora, porque probablemente nos vuelva a sorprender con su próxima película.
La historia se va a ir escribiendo junto con el transcurrir de escenas de la película y el espectador deberá estar atento para no perderse las claves del drama que se está desarrollando frente a sus ojos.
En el principio es una familia que vive alrededor de la abuela Hatsue Shibata (Kirin Kiki). Nobuyo (Sakura Ando) que trabaja en un taller de planchado y su hermana Aki (Mayu Matsuoka) que trabaja en un centro de porno en vivo para espectadores que espían detrás de las cortinas.
Junto a ellas está el marido de Nobuyo, Osamu Shibata (Lily Franky) a quien vemos en la secuencia inicial de la película organizando un robo de alimentos en un supermercado con su hijo Shota (Jyo Kairi).
Volviendo a casa, Osamu y Shota descubren a una niñita, Yuri (Miyu Sasaki) aparentemente abandonada en el jardín de una casa. Les da pena y deciden llevarla a la casa para darle de comer.
En la casa, la abuela va a descubrir que Yuri tiene múltiples hematomas y heridas, por lo cual deciden devolverla al jardín donde la encontraron. Osamu con la niña dormida en su espalda y Nobuyo la llevan, pero al llegar a la casa escuchan la discusión entre los que serían sus padres y no les da el coraje para dejarla.
Como muestra del lenguaje indirecto que Koreeda desarrolla a la perfección en esta película, la niña nunca responde cuando le preguntan cómo fue que se lastimó o dice que se cayó por las escaleras, pero mucho más adelante, cuando Nobuyo le ofrezca comprarle un vestido, dirá, ¿pero no me vas a golpear después?. Esto se complementa con una escena casi al final de la película, cuando Yuri le toca la cara a la madre y esta le dice que tiene que pedirle disculpas, como no lo hace, la madre se acerca melosa diciendo, te voy a comprar ropa nueva.
Hay muchísimos detalles de este tipo que develan los misterios de una película cuyas acciones se muestran como quien mira a través de una ventana y no comprende bien a qué se deben las conductas.
Desconozco como será una mala actuación en el cine japonés, porque todas las películas que he visto cuentan con actuaciones prodigiosas. El rostro de la abuela, en una escena muy emotiva, en el que apenas si una arruga aparece en su boca, es sensacional.
Muy bueno el ritmo cinematográfico, parece que la vida misma transcurriera delante de nuestros ojos, a pesar que las escenas no son contiguas. No hace uso de flashbacks ni de raccontos, en todo caso la verdad sobre los personajes va a ser develada con el correr de la película.
Evidentemente no es una película para espectadores pochocleros ni para aquellos que gozan con un buen melodrama. En todo caso, esta película es un drama interior, donde los personajes la mayor parte del tiempo parecen disfrutar de la vida, en un clima emotivo donde la sensibilidad está a flor de piel.
Trailer subtitulado en castellano
Diez puntos sobre diez sin lugar a dudas. Esta película ganó la gran palma del Festival de Cannes 2018.

sábado, 9 de marzo de 2019

La vida de David Gale (Alan Parker, 2003) 🌟🌟🌟

Con un libro interesantísimo de Charles Randolph, el cineasta Alan Parker nos brinda una vez más una muestra de como el cine puede llegar a mover las montañas de la rutina en los espectadores.
Un profesor de filosofía, luchador en contra de la pena de muerte, David Gale (otra magistral actuación del gran Kevin Spacey), ha sido condenado en el estado de Texas a ser asesinado por el estado. El crimen del que se lo acusa es la violación y asesinato de su compañera de lucha Constance (Laura Linney). Parece un sin sentido, pero todas las pruebas lo acusan. Se ha detectado muestras de su semen en el cadáver de Constance.
Además la muerte ha sido horrorosa. Con una bolsa de plástico atada a la cabeza que le causa la asfixia y las manos esposadas a su espalda. Como si esto fuera poco, las llaves de las esposas fueron detectadas en el estómago de Constance.
Con estos datos atroces, la periodista Bitsey Bloom (la sensacional Kate Winslet) es elegida por Gale y su abogado para hacerle un reportaje durante 3 días antes de la fecha de la ejecución, donde Gale le contará toda su verdad.
Estos son los datos para que el posible espectador sea tentado a ver esta película. Si lo hace, se encontrará con otro milagro de la acción y el suspenso del gran Alan Parker.
Muy interesante el desarrollo de la historia con flashbacks sobre la vida de Gale que provienen de los hechos que narra a Bitsey.
El desenlace es magistral. Espero que con estos datos todo posible espectador se vea tentado a elegir esta película para disfrutar de 2 horas de buen cine.
Trailer subtitulado en castellano
Con un reparto extraordinario, Alan Parker elabora una gran historia de misterio, crimen y suspenso. Merece 8 puntos de mi parte.

jueves, 28 de febrero de 2019

Hana y Alice (Shunji Iwai, 2004) 🌟🌟🌟🌟

Esta es una extraordinaria comedia poética del director Shunji Iwai. El guión, escrito por él mismo se basa en un corto que había filmado con anterioridad, pero todo brota de su misma imaginación. Cuenta la historia de unos días después de terminadas las clases, en la vida de dos adolescentes quinceañeras, Hana (Anne Suzuki) y Alice (o Arisu en japonés) (Yu Aoi), pero lo que es excepcional del guión y de la película, es que las presenta tal como dos quinceañeras deberían ser. Sus ideas, sus comportamientos, sus gustos. Todo está perfectamente delineado en la película.
Durante las 2 horas y 15 minutos que dura la película, el espectador va a asistir a toda clase de situaciones que se presentan en la vida de dos adolescentes. Por ejemplo, enamorarse del mismo muchacho, Masashi Miyamoto (Tamahiro Kaku) y las mentiras que construyen casi un universo paralelo para convencer al muchacho que está enamorado de éllas.
Sus experiencias en las clases de ballet y en el mundo de la publicidad, al que Alice quiere incorporarse.
Todo esto actuado y dicho con todo desparpajo, como la madre de Alice y su "novio". O como su padre que le regala en una escena hilarante, una lapicera estilográfica, que él sabe que no va a usar, pero que si la guarda adecuadamente, cuando la vea, va a recordar a su padre.
Lo esencial de la historia, para el director, va a ser realmente inexplicable, pero si el espectador realmente capta escena por escena, diálogo por diálogo, la verdad de la vida en toda su poesía va a explotar con alegría en su corazón.
Trailer en japonés.
La audición de Alice (subtitulada en inglés)
Nueve puntos sobre diez para esta deliciosa realización de Shunji Iwai que el espectador va a disfrutar em toda su bella inocencia,

domingo, 24 de febrero de 2019

Place Publique (Llenos de vida) (Agnes Jaoui, 2018) 🌟🌟🌟🌟🌟

Agnes Jaoui es una de mis realizadoras favoritas. El estilo de su cine, como el de Danielle Thompson, responde a los cánones que sentaron Robert Altman y Alain Resnais para los films corales.
Los films corales tienen como norma contar con espléndidos guiones donde el rol principal va saltando de uno a otro de los personajes, con historias diferentes que normalmente se entrecruzan para semejar la vida real donde, como abejas en una colmena, cada individuo va tejiendo su propia red, muchas veces con ayuda o en detrimento de la de su vecino.
En "Place Publique" (he decidido utilizar el título original ya que el español, "Llenos de vida", me parece deprimente), los autores del guión, Jean-Pierre Bacri y Agnes Jaoui, llevan su estilo al paroxismo del delirio, donde los dardos hacia nuestra cultura burguesa, cruzan la pantalla de lado a lado hasta dejarla más agujereada que un queso.
Nathalie (Lea Drucker) acaba de mudarse de Paris a una encantadora villa de la campiña y lo celebra con una gran fiesta donde están todos invitados. Ella es productora de programas para la radio y la televisión y por lo tanto muchos de los invitados son artistas conocidos. También por supuesto, invita al socio de su programa más exitoso, Castro (Jean-Pierre Bacri) quien llega en su auto conducido por su chofer, Manu (Kevin Azais). Castro es simplemente inaguantable. Es por esa razón que su ex-mujer, Helene (Agnes Jaoui), hermana de Nathalie, viene riéndose por el camino de una entrevista radial donde Castro opina sobre el nuevo libro de su hija Nina (Nina Meurisse) y sobre los conflictos con la edad. Helene viaja con su pareja Vincent (Eric Viellard). Vincent se va a pasar toda la película presionando a Helene para que le diga a Castro que ella chocó su auto al estacionar.
La pareja de Castro, Vanessa (Helena Noguerra), es una mujer joven algo cansada de los celos y persecuciones de Castro. A todo esto, Samantha (Sarah Succo), contratada como camarera, se va a pasar toda la noche tomando fotos y grabando videos que luego subirá a Internet.
Impecablemente filmada, con un ritmo delicioso, esta película no cansa ni aburre. Puede ser que haya espectadores para los cuales el fino humor de la pareja Bacri-Jaoui no sea suficiente estímulo para disfrutar de la película. Queda la maravillosa fotografía y una banda de sonido espléndida, donde teniendo como excusa la fiesta, desfila una colección de hermosos temas, además de los interpretados en el film.
Las actuaciones son espléndidas y deduzco que se deben haber divertido mucho, mucho, haciendo esta película.
Trailer (subtítulos en portugués)
Diez puntos sobre diez para una deliciosa película que bien vale la pena disfrutar más de una vez.




jueves, 21 de febrero de 2019

La esposa (Bjorn Runge, 2017) 🌟🌟🌟

Sobre la novela de Meg Wolitzer del mismo título, Jane Anderson escribe un magnífico guión para esta interesante película donde se cuestiona la autenticidad de un escritor.
Pese a ser la historia ya bastante conocida, Joe Castleman (Jonathan Pryce) es premiado por la academia de Ciencias sueca con el premio Nóbel de literatura, pero resulta que la verdadera autora de los escritos es su esposa, Joan Castleman (Glenn Close), al estar la película construída en círculos alrededor de la vida de ambos, el espectador queda subyugado por la trama e intrigado por el posible desenlace de la historia.
Cabe aclarar que el mayor mérito del director sueco Bjorn Runge, es haber contado con esta pareja magnífica de actores. En particular, la performance de Glenn Glose es para celebrar con fuegos artificiales. Jonathan Pryce desempeña su habitual personaje de hombre-artista desmedido, por lo que resulta como ya conocido al espectador.
Un tercer personaje es el de Nataniel Bone (Christian Slater) quien funciona un poco como la bisagra detonadora del conflicto, al sospechar que la verdadera autora de los libros es Joan y no Joe, pero al no tener vida propia dentro del guión, resulta desganado y hasta evidente para los fines del guión.
También el personaje del hijo David (Max Irons) no tiene un mayor objetivo en la historia que la de rellenar la vida familiar de los Castleman.
Dejando estos errores de lado, la película es amena e interesante para disfrutar de buen cine.
Trailer subtitulado en castellano
Ocho puntos sobre diez es mi puntuación para "La esposa" o "La buena esposa" como también la han denominado y un premio especial para Glenn Close por su magnífica actuación.


jueves, 14 de febrero de 2019

La gaviota (Michael Mayer, 2018) 🌟🌟🌟🌟🌟

"La gaviota" es en mi apreciación, una de las obras de teatro más sensitivas y emotivas de Anton Chejov. Escrita a fines del siglo XIX, aún conserva todos los atributos de humanidad que hicieron de este autor teatral el favorito de todos los públicos.
No es tarea fácil encarar la adaptación al plano cinematográfico de una obra de teatro de tal porte.
Una solución sería hacer teatro filmado, o bien una película teatral, sin embargo el director Michael Mayer consigue lo que parecería casi una utopía. Trasladar la obra más conocida de Chejov, sin hacerla perder ni un minuto de contenido, a un desarrollo fílmico, donde no sólo se obtienen los recursos del movimiento de cámaras y diferentes planos, sino que hasta las situaciones adquieren nuevas dimensiones para el espectador. Este es un éxito merecido del autor del guión cinematográfico, Stephen Karam.
Uno de los grandes atributos de esta película reside en el maravilloso casting realizado por Jim Carnahan. Contar con la pareja de "En una playa de Chesil", Saoirse Ronan como Nina y Billy Howle como Konstantin, aporta casi un 40% al suceso de esta película.
Siendo el personaje de Nina el más tierno y melancólico personaje que se haya jamás escrito, corporizarlo en la maravillosa Saoirse Ronan es todo un lujo que no volveremos a ver y lo está diciendo un ferviente enamorado de Vanessa Redgrave quien personificó a Nina en la escelente versión de Sidney Lumet.
Por otra parte no se puede hablar del elenco sin mencionar a la exquisita Annette Bening, quien podría dar lecciones de actuación a las actrices de su generación, como Irina, la egoísta y sensitiva madre de Konstantin.
Pero también inolvidable es la actuación de la genial Elizabeth Moss como Masha. Masha es un personaje turbio, oscuro y hasta casi desagradable. Elizabeth Moss sabe trasladarle todos los claroscuros y matices de un personaje totalmente humano.
Corey Stoll, a quien recordamos de "House of cards" como Boris, el responsable de la tragedia y Brian Dennehy el arquitecto de la inolvidable película de Peter Greenaway como Sorin, el hermano de Irina.
Así que al director no solo se le debe reconocer por haber traído una vez más a Chejov al mundo del cine, sino por hacerlo en compañía de tales exquisitos intérpretes.
Excelente la fotografía de Matthew J. Lloyd en todo momento, tanto en interiores, como en exteriores diurnos y nocturnos.
Una especial mención requiere la puesta en escena de la trágica obra de Konstantin. Es a la vez trágica y mágica. Creo que nunca, en las veces que he contemplado esta obra, me ha llegado con tal intensidad y complejidad un texto que parece escrito para los siglos que todavía han de venir.
Trailer comentado en castellano
Es accesorio decir que mi valuación es de 10 puntos sobre diez. Espero que los espectadores disfruten de esta película tanto como yo lo he hecho.

martes, 29 de enero de 2019

A las cinco de la tarde (Panj e asr) (Samira Makhmalbaf, 2003) 🌟🌟🌟🌟🌟


En un Afghanistán en ruinas, devastado por los bombardeos norteamericanos, Nogreh (Agheleh Rezaie), una joven de 20 años, contrariando la voluntad de su padre (Abdolgani Yousefrazi), un anciano conservador al que le arrancaron su hijo para llevarlo a la guerra y al que solo le quedan su hija y su nuera Leylomah (Marzieh Amiri) con su nietita, asiste a escondidas a la escuela para mujeres, prohibida por los talibanes.
En una de las primeras clases la instructora pide que alcen las manos quienes quieran ser maestras, luego quienes quieran ser ingenieras, quienes quieran ser doctoras en medicina y finalmente cuando pregunta por quienes quieren ser presidentas, Nogreh es una de las que alza la mano.
Durante el debate, una de sus compañeras se burla de las que aspiran a ser presidente. Si en todo el mundo no hay mujeres presidentas. Le retrucan que en India, Indira Ghandi fue un buen tiempo primera ministra del país y que en esos días en Pakistán también hay una mujer presidente.
Nogreh quiere conseguir discursos de la presidenta paquistaní y le pide a un conocido que la sigue a todas partes (Razi Mohebi) que le consiga uno. Cuando pregunta a las mujeres refugiadas paquistaníes, le contestan que no conocen al presidente y que en todo caso, como son analfabetas, no podrían leerlo.
Toda la película es un descenso al infierno en la involución de nuestra sociedad contemporánea, presentandonos el caso de Afghanistán, como ejemplo de destrucción y saqueo.
En su huída al desierto, la familia se cruza con otro anciano cuya mula está agonizando. En la conversación entre el anciano y el padre, el anciano dice:
"Los americanos invadieron Afganistán, Bin Laden y Mola Omar escaparon. Kabul es blasfema. Como si- Dios no lo permita- Dios estuviera muerto. La rabia de Dios ha descendido. Kabul está cerca de ser devorada y todas las personas enterradas a la vez. Todo el pueblo es blasfemo. Como si Dios se hubiese vuelto profano."
Lo que la directora nos muestra, es el requiem por una civilización perdida y lo hace excelentemente.
Trailer con subtítulos en inglés
No hace falta agregar más palabras. Esta película ganó el gran premio del jurado en Cannes, año 2003. Diez puntos sobre los diez posibles de mi calificación para esta obra maestra de la filosofía social.

viernes, 18 de enero de 2019

Por tu culpa (Anahí Berneri, 2010) 🌟🌟🌟🌟

Anahí Berneri es responsable junto con Sergio Wolf del guión de esta pequeña pieza de humanidad.
Julieta (la magnífica Erica Rivas) está en su casa tratando de terminar su trabajo mientras sus hijos Valentín (Zenón Galán) de 8 años y Teo (Nicasio Galán) de 2 años, hacen lo imposible por trastocar los límites del hogar. Esa noche el padre, Guillermo (Rubén Viani) no ha cumplido con la responsabilidad de ocuparse de los hijos debido a un retraso en el vuelo que lo trae de regreso a Buenos Aires.
El colmo de la situación para Julieta es cuando ella, que está intentando terminar su trabajo, recibe el llamado de su marido preguntando como es que los chicos aún no están en la cama y que le sugiere que los lleve a la casa de su madre. Mientras los chicos juegan a la lucha libre sobre la cama de Julieta montados en un autito electrónico del que los dos intentan tener el control. Lo inevitable sucede y Teo cae al piso para desesperación de Julieta, quien decide llevarlo a una clínica para que lo controlen. Pero todo se transformará en una pesadilla.
A través de las diferentes situaciones por las que transita Julieta, su marido, los médicos de la clínica y hasta el principal de una comisaría, los guionistas despliegan su objetivo que es la demostración sine qua non, de como la mujer es objeto de la manipulación masculina.
Todo esto sin una sola palabra de acentuación feminista, son los simples hechos los que trasladan al espectador a esta inevitable conclusión. El eterno sometimiento femenino es demostrado paso a paso en cada momento de la película. Contribuye la fabulosa actuación de Erica Rivas quien deja percibir todo el dolor y la frustración de una mujer rodeada por un mundo de hombres.
Extraordinaria la realización de Anahí Berneri. Ninguno de los casi 90 minutos sobra y el espectador va a tener que presenciar esta especie de drama cotidiano con la pequeñez de los detalles que vistos de otra manera cobran una enorme representatividad.
Todo lo que Julieta obtiene es compasión. No hay amor conyugal ni filial, ni sentimientos de comprensión por parte de los otros personajes. Las conclusiones del marido son terminantes para la victimización de Julieta.
Obligatoria para ser vista por todos aquellos que aún pretenden que no existe la diferencia de trato con respecto a las mujeres.
Trailer
Ocho puntos sobre diez para esta excelente producción del cine argentino.

sábado, 5 de enero de 2019

Hannah Gadsby: Nanette (Jon Olb y Madeleine Perry, 2018) 🌟🌟🌟🌟🌟

Una muy buena idea de Netflix. Programar presentaciones en vivo de grandes comediantes. En este caso se trata de Hannah Gadsby, comediante australiana, con mayor precisión, de Tasmania, en su presentación en Melbourne.
Dispuesto a ver los parlamentos del personaje, Nanette, ya que la misma Hannah declara al comienzo que se inspiró en una mujer de la biblioteca. Pero Nanette pronto desaparecerá para dar lugar a la misma Hannah y sus relatos de experiencias vitales de una mujer lesbiana.
Lo que se presenta como una serie de gags, va madurando y tomando forma de la disertación más portentosa que haya visto en mucho tiempo.
Sus experiencias de cuando le contó a su madre que era homosexual y como no se lo pudo contar a su abuela, son para reir con ganas y luego para meditar con produnda humanidad.
Como licenciada en historia del arte, hace muchas referencias al mundo artístico y en especial al mundo de Vincent Van Gogh y al de Pablo Picasso.
No hay escenografía, es solamente ella sobre el escenario desnudo y su monólogo tremendo donde deja muy mal parado al "hombre blanco heterosexual", como denomina de manera despectiva al mal bicho que maneja nuestra sociedad.
Dejo al espectador que lo escuche por sí mismo y que respire esa bocanada de aire fresco que nos ofrece la libertad de Hannah Gadsby.
Trailer en inglés
Reseña en mexicano
Diez puntos sobre diez para este show donde tanto se menciona al "hombre blanco heterosexual" como a Pablo Picasso.

jueves, 3 de enero de 2019

Sueño en otro idioma (Ernesto Contreras, 2017) 🌟🌟🌟🌟

México es el país en donde muchas lenguas precolombinas se han perdido o se están perdiendo. Esa sensación de que la cultura misma se está desvaneciendo junto con la lengua tiene un infinito grado de melancolía y una sensación de pérdida de un modo particular de ver el mundo.
En este caso, la lengua que se está perdiendo es el zikril. Martín (Fernando Alvarez Reveil) es un joven lingüista que llega al pueblo para recolectar cuanto pueda sobre el zikril. Solo quedan tres personas en la zona que lo hablan. Jacinta, Isauro (José Manuel Poncelis) y Evaristo (Eligio Meléndez). El problema es que Isauro y Evaristo no se hablan entre ellos. Su enemistad tiene una larga data, entonces, el proyecto de Martín que es juntar a estas tres personas para que hablen entre sí, queda trunco al morir Jacinta de un ataque al corazón. Por otra parte Isauro solo habla en zikril y no entiende el castellano.
Martín intenta averiguar los motivos por los cuales Isauro y Evaristo no se hablan, relacionándose con Lluvia (Fátima Molina) para que lo convenza a su abuelo Evaristo de acercarse a Isauro.
Lluvia le cuenta que los dos eran inseparables desde niños hasta que la aparición de María (Nicolasa Ortiz Monasterio), la abuela de Lluvia, los separó.
Los raccontos de la película nos van a mostrar a Isauro (Hoze Meléndez) y Evaristo (Juan Pablo de Santiago) jóvenes.
La historia se va a mover con toda comodidad entre la juventud y la vejez de ambos. La relación de Martín con Lluvia quien le aconseja regalarle un televisor a su abuelo para conseguir su buena voluntad es el punto de partida para comenzar el trabajo.
Martín está convencido que al juntarlos van a volver a disfrutar de su mutua compañía.
Pero lo que Martín no conoce son las verdaderas razones de su pelea.
El zikril, la razón de ser de la película, es la lengua que hablan los animales ya que la mujer pájaro, es de quien desciende la raza humana. La selva, filmada en todo su esplendor, es un paraíso donde todavía los animales viven en libertad.
Hay una caverna en medio de la selva, donde los vivos pueden comunicarse con sus muertos, si los llaman correctamente y si los muertos quieren comunicarse.
Si bien la historia tiene aspectos del realismo mágico de la literatura latinoamericana, la historia hace referencia a estas historias con absoluta naturalidad y sin impregnarlas de fantasía.
Tanto la dirección de los actores como la dirección de fotografía, son magníficas y la historia cobra humanidad ante los ojos poco comprometidos del espectador simplemente por el calor con que los conflictos son descriptos.
Trailer
Nueve puntos sobre diez para esta excelente película mexicana que ganó el festival de Sundance 2017 entre otros premios internacionales.