Recuerdos desde Fukushima (Doris Dorrie, 2016) 🌟🌟🌟🌟

Soy un ferviente seguidor de Doris Dorrie. Su obra fílmica es para mí de gran enseñanza y sabiduría.
En esta, su última película, va a Japón, más específicamente, a Fukushima, para filmar su historia.
Con algo de homenaje a"Stalker", incursiona en la zona prohibida por la magnitud de las radiaciones.
Su "alter ego" es Marie (Rosalie Thomass), una joven alemana que viaja con sus atuendos de payasa, al Japón. Se encuentra con Moshe (Moshe Cohen) y se decepciona un poco al saber que la troupe sólo serán ellos dos.
En Fukushima los recibe Nami (Nami Kamata) quien está encargada de la organización de los eventos. Marie queda un poco decepcionada tras su primera actuación, porque no recibe aplausos de parte del público, que en su mayor parte son gente de edad.
Esta gente tuvo que abandonar sus casas que quedaban dentro de la zona y ahora habitan en refugios en las afueras de la ciudad.
Otro día, después de la actuación, Satomi (Kaori Momoi), se acerca a Marie y le pide si la puede llevar hasta su casa con una camioneta donde ha cargado varias cosas.
Cuando llegan a la casa, dentro de la zona, Satomi se dispone a descargar y le pide ayuda a Marie. Marie insiste en que vuelvan pronto porque se siente inquieta estando dentro de la zona prohibida.
Pero Satomi ha ido para quedarse.
Esa noche Marie decide volver a Alemania y sale a caminar hasta que se encuentra con Jushoku (Honsho Hasayaka) quien la invita con un trago de sake. Cuando se termina el sake de Jushoku, van hasta la tienda y allí Marie compra una botella.
Al día siguiente parte hacia la estación de trenes, pero cuando el tren parte, Marie ha permanecido en el andén y decide regresar con Satomi.
Esto es el comienzo y presentación, pero aún no se ha dicho nada sobre Marie y mucho menos sobre Satomi.
Durante su convivencia es donde los aspectos mágicos, trágicos y dolorosos aparecen. Pero eso los deberá descubrir cada espectador.
Brillante como de costumbre, brillante y sencilla, Doris Dorrie nos encanta una vez más hasta con el gato de la estación.
Trailer
Qué sucedió en Fukushima?
Nueve puntos sobre diez para esta emotiva y sencilla creación de Doris Dorrie.

Santa y Andrés (Carlos Lechuga, 2016) 🌟🌟🌟

Santa (Lola Amores) es una camarada a la que envían a vigilar a Andrés (Eduardo Martínez) durante los tres días que duren los Foros por la Paz en Santiago de Cuba.
Andrés es un prisionero político condenado por sus escritos contra el gobierno y por su homosexualidad.
Santa es una mujer de pueblo que no posee costumbres refinadas y a quien su jefe (Maikel Alexis Sanchez) tiene engañada para acostarse con ella.
Santa desconfía de Andrés y trata de no darle ocasión de entrar en su intimidad.
Andrés no se fue de Cuba cuando se fueron sus amigos escritores para estar cerca de su madre. Pero finalmente ha terminado prisionero en una cabaña en el monte donde sobrevive gracias a los dulces que prepara para vender en el pueblo. Pero en secreto, encerrado en la letrina de la cabaña, mantiene su último escrito. Sus memorias.
Durante los tres días de vigilancia, Santa aprende a estimar a Andrés y este le brinda sus pocas posesiones.
Esta es una película llena de sentimientos. Dos pobrecitos cuyas emociones los segregan de la gente se encuentran para disfrutar de las pequeñas cosas.
No hay mucho más que decir. El posible espectador tendrá que descubrir por sí mismo la magia de esta historia.
La dirección es excelente y no hay escena desperdiciada. También son para celebrar las actuaciones, ajustadas, sin desbordes, reales.
De la banda de sonido rescato esa hermosa poesía anónima "El colibrí y la flor" que canta Yolanda Milanés.
Trailer
El Colibrí y la Flor
Siete puntos sobre diez es mi calificación para esta excelente película cubana.

Maudie (Aisling Walsh, 2016) 🌟🌟🌟🌟

Sobre la vida de la pintora canadiense Maud Lewis que sufriera de artritis reumática desde su adolescencia, Sherry White escribió un guión poderoso en imágenes y emociones al que la directora irlandesa Aisling Walsh le puso su forma final en una maravillosa película.

Maud Dowley (la increíble Sally Hawkins) vive con su tía Ida en un pueblito de Nueva Escocia. Su hermano Charles la visita para traerle sus pocas posesiones y avisarle que vendió la casa de su madre, esa casa a la que Maud considera su fortaleza.

Escandalizada por la conducta de sus familiares, Maud escucha en el almacén del pueblo a un hombre pidiéndole al almacenero que coloque un aviso pidiendo una sirvienta para su casa. Maud espera que se vaya y saca el aviso directamente.

Al día siguiente se presenta en la casa del pescador Everett Lewis (Ethan Hawks) por el aviso. A Everett, un huérfano que se autoabastece, no le gusta nadie por principio, menos esta mujercita enclenque que apenas si puede mantenerse sobre sus dos pies. Pero al final Maud se sale con la suya y al día siguiente vuelve a prueba.

Pero Maud tiene un amor secreto que es la pintura. Empieza pintando flores y pajaritos sobre las paredes y las ventanas. A Everett no le importa mientras no pinte su pared.

Un día llega a la casa una mujer, Sandra (Kari Matchett). Es una neoyorquina que veranea en Nueva Escocia y que viene a reclamar por dos pescados que Everett le cobró pero nunca le entregó.

Sandra alcanza a ver las pinturas en las paredes y le llama la atención una gallina. Le pregunta a Maud porqué la pintó y le dice que antes de comérsela quería conservar un recuerdo.

Acompañando a Everett a entregar los pescados a Sandra, Maud le deja una postal navideña pintada por ella, que deja a Sandra absolutamente fascinada por el arte de Maud.

Sandra le encarga pinturas a Maud para poder llevárselas a Nueva York.

Everett quiere hacer el amor con Maud, pero Maud le cuenta que tuvo un hijo y que nació deforme y muerto. Esto lo frena a Everett. Más adelante Maud le dirá que ya que viven juntos y duermen juntos, porqué no se casan. Y así termina convenciéndolo.

Las pinturas de Maud empiezan a cobrar fama, hasta que un día llegan a su casa las cámaras de la televisión con un reportero que entrevista a Maud y hasta a Everett cuando asoma la cabeza fuera de la casa.

Everett coloca un aviso sobre el camino, se venden pinturas. Cada cuadro pintado en madera cuesta 5 dólares.

En una charla con Sandra, ella le pide a Maud que le enseñe a pintar. Maud se sonríe y dice que eso no se puede enseñar, es algo que uno trae. Sandra le pregunta, qué es lo que le da motivos para pintar.

"No lo sé." contesta Maud. "Mientras tenga un pincel, nada me importa. Una ventana. Un pájaro que pasa volando. Un abejorro. Siempre es diferente. El total de la vida. El total de la vida ya enmarcado."

Esta película transforma a la vida de Maud en un canto de amor y esperanza hacia toda la vida. Es bueno para todo espectador ver algo así. Nos hace bien.

Trailer subtitulado en castellano

Maud Lewis

Nueve puntos sobre diez para esta hermosa muestra de amor a la vida.

Ilegítimo (Adrian Sitaru, 2016) 🌟🌟🌟🌟

La historia en este film es como navegar en las complejas aguas profundas del alma humana. Pocas veces se ha visto en el cine una demostración tan efectiva de las relaciones humanas.
Una comida en familia, Víctor (Adrian Titieni) es quien tiene la palabra en un discurso filosófico acerca de lo que separa la vida de la muerte es solamente el tiempo. Rodeado por sus hijos, quienes aparentemente lo escuchan con respeto. En un momento, Julie (Milena Dumatrescu), quien aún no lo sabemos pero es una agregada a la familia, comenta que están haciendo una investigación sobre el comunismo y que se han topado con una lista de médicos que denunciaban a las autoridades las mujeres que querían abortar o habían hecho un aborto. Dentro de esa lista está el nombre de Víctor.
Primero con cuidado y tacto, le preguntan si eso es verdad, porque de ser así él habría sido un colaboracionista del gobierno de Ceaucescu. Víctor proclama que lo hizo por sus convicciones. La hija más pequeña, Sasha (Alina Grigore) lo acusa de haber sido verdugo de esas mujeres y su hermano gemelo, Romeo (Robi Urs) va más allá y lo acusa de haberles mentido todo el tiempo. El hijo mayor Cosma (Bogdan Albulescu), sale en defensa de los mellizos y Víctor lo amenaza con golpearlo. Finalmente padre e hijo terminan a los golpes, separados por los otros hijos.
Como sentirá quien esté leyendo esta crónica, de un modo dramático, el cáncer del regimen en Rumania queda en carne viva en las conductas y actitudes de esta familia.
Pero aún no está dicha la última palabra. Sasha está embarazada y el padre es su hermano mellizo Romeo. Sasha en conversaciones indirectas con su madrina Ema (Mihaela Perianu) sin mencionar quien es el padre, la consulta sobre la decisión que debe adoptar. Ema le comenta que ella a su edad hizo un aborto, porque era demasiado joven para tener hijos, ya que desde 1989 el aborto fue legalizado en Rumania.
El lector que esté interesado en el desenlace de "Ilegítimo", deberá ver la película y le aseguro que no será una pérdida de tiempo, sobre todo si el film lo lleva a reflexionar sobre estos problemas humanos.
Excelente film de Adrian Sitaru multipremiado en diversos festivales. Todos los actores del elenco se desenvuelven con total solvencia. Asímismo el equipo técnico, dirección de fotografía, edición y montaje, etc, son de primera calidad.
Trailer subtitulado en italiano
Nueve puntos para esta excelente producción del maduro cine rumano.

Eternidad (Tran Anh.Hung, 2016) 🌟🌟🌟

El director vietnamita Tran Anh-Hung cobró notoriedad en 1993 entre los seguidores del buen cine con "El aroma de la papaya verde". Luego continuó haciendo cine, pero no nos llegó.
En el año 2016 dirigió esta "Eternidad", que a muchos espectadores ansiosos les deberá parecer literalmente una eternidad.
Pero para aquellos que se sumergen en el cine como en una meditación, este tipo de cine es lo más adecuado para salir reconfortado de la experiencia.
En "Eternidad", novela de Alice Ferney adaptada al cine por el mismo Tran Anh-Hung, no se narran hechos rimbombantes como guerras o asesinatos. Tampoco hay una historia de misterio para descubrir al criminal. No es un musical, no es un drama sensiblero, no es una comedia, en fin, es el cine en COLORES, con mayúscula, de las visiones paradisíacas de este director vietnamita. El debe amar la selva y las plantas, porque la imagen se sumerge en bosques y parques, en paseos y en playas siempre soleadas.
Entonces, ¿qué es lo que cuenta "Eternidad"?, nos habla de los grandes sucesos de la vida, siempre enfocándola desde un punto de vista exclusivamente vital y femenino.
Iniciándose presumimos a principios del siglo XX, va a seguir la vida de Valentine (Audrey Tatou) a través de su casamiento arreglado que se cancela y finalmente se lleva a cabo con Jules (Arieh Worthalter), el nacimiento de sus hijos, la vida cariñosa y cálida con Jules tocando la guitarra y, más tarde, la muerte de los mellizos en la guerra y de su marido al poco tiempo.
Pero su hijo Henri (Jeremie Renier), le anuncia que se va a casar con Mathilde (Melanie Laurent) con la que han sido novios desde chicos. Esto se cruza con Valentine con el hecho de que su única hija viva, Margaux, le anuncia que va a profesar de monja.
La historia continúa a través de Mathilde y de su prima Gabrielle (Berenice Bejo), quien está casada, también en un casamiento arreglado, con Charles (Pierre Deladonchamps). Como viven en el mismo edificio se ven casi todos los días para compartir la sobremesa.
El nacimiento de los hijos de Mathilde y de Gabrielle, son casi al mismo tiempo. La desaparición de Charles y la muerte de Mathilde después de dar a luz a su última hija, Marie.
Esto es más o menos todo lo que sucede en la película. Claro que no he contado los detalles que son donde el director expresa toda su efusividad vital y sensorial. Como Mathilde que no deja de acariciar a sus hijos y a su marido. Hay muchos bebés mimados en esta película.
En poco más de 1 hora y 50 minutos, esta galería de imágenes bellas y radiantes nos cuentan sobre la vida y también sobre la muerte. De allí el título del film, "Eternidad".
Todo acompañado por hermosas melodías al piano, en ritmos tranquilos y melódicos tipo Debussy.
Es imposible que un espíritu bello deje pasar de lado esta película y, si lo hace, se perderá el gran postre de la vida.
Trailer sin subtítulos
Algo muy interesante e innovador son los raccontos colocados luego de la muerte o desaparición de un personaje. Es realmente un recurso absolutamente novedoso en la narrativa cinematográfica.
Siete puntos sobre diez es mi calificación para esta interesanete película semi-vietnamita.

Sieranevada: una reunión de familia (Cristi Puiu, 2016) 🌟🌟🌟🌟🌟

La primera pregunta que surge es el porqué del título, "Sieranevada". Busqué y encontré la respuesta en un inteligente reportaje hecho al director, Cristi Puiu.
"Es una reflexión sencilla: ¿Por qué se cambian los títulos de las películas en cada país? Me saca de quicio. Desde un principio pensé: "Escogeré un título que funcione en cualquier idioma". Luego decidí escoger un título que no puede cambiarse. Lo interesante de SIERANEVADA es que, normalmente, son dos palabras, "Sierra Nevada", aunque en rumano es una sola palabra, tal como se pronuncia. Entonces decidí alterarlo quitando una erre para que me dijeran: "Pero no se escribe así". Ya, ¿y cómo se escribe en japonés? ¿En georgiano? Es de tontos, me recuerda la expresión "The devil is a bookkeeper” (el diablo es un contable)."
Definitivamente el cine rumano se ha convertido en este nuevo siglo XXI en uno de los más importantes a nivel mundial. No es sólo por el reconocimiento en festivales, sino por la universal aceptación de una problemática que es ante todo humana. El origen latino de la sociedad rumana la emparenta con la mayoría de las sociedades europeas y por lo tanto con latinoamérica. La sociedad rumana ha vivido las dictaduras férreas de los tiranos comunistas y por lo tanto aprendieron a subsistir robando lo que se puede.
El cine rumano por lo tanto es la antítesis de las películas de galaxias, súperheroes y otras tantas invenciones del cine comercial que se come con pochoclo y se olvida después de visto.
En este film, el director retrata una tradición totalmente rumana. A los cuarenta días del fallecimiento de una persona, se reúnen sus familiares y amigos para compartir una ceremonia religiosa y una comida social. Durante esos cuarenta días el fantasma del difunto ha recorrido el lugar donde vivía y ha visto pasar a sus seres queridos.
Los ojos del difunto en este caso son los de la cámara. Instalada en el hall de un departamento, los personajes se pasean delante de élla, entran y salen de los cuartos, abriendo y cerrando puertas. A veces las puertas quedan abiertas, entonces el espectador-cámara puede oir y ver lo que sucede en la habitación. Otras veces las puertas se cierran y solo queda imaginar lo que sucede detrás de esas puertas.
La familia del muerto es muy numerosa. Básicamente son tres hermanas, sus hijos, parejas y algunos amigos. Los amigos son los más discretos, porque no tienen reproches que hacerse. Lary (Mimi Branescu) es quien abre y cierra la película. Es un médico bonachón, que aún recuerda a su padre como el que se acostaba con cuanta enfermera nueva conocía en el hospital. Esto le cuenta a su mujer, se lo contó a los 18 años su tía que trabajaba con el padre en el hospital. La mujer le pregunta si no se lo dijo a su madre. No, dice Lary, de todos modos élla lo sabía. "Cómo lo sabés", no lo sé pero ella lo sabía. Tal como sé que vos sabés cuando te estoy mintiendo.
Sandra (Judith State) oficia de dueña de casa. Su marido es también médico y tienen una pequeña a la que intentan hacer dormir durante toda la película. Cuando se despierta llorando. Sandra la saca en brazos de su habitación, la pasea un poco y la vuelve a depositar. Sandra es ultra religiosa, por lo tanto discute a muerte con su tía Evelina (Tatiana Iekel) quien defiende la causa del comunismo y ventila todas las cosas buenas que el comunismo trajo a la sociedad.
El primo más chico de Lary, Sebi (Marin Grigore) está empeñado en dilucidar el atentado de las torres gemelas, pero solo tiene como documentos probatorios de la falsedad del atentado, los videos que ve por Internet. La película sucede a los pocos días del asunto de Charlie Hebdo en París y este también es un motivo de conversación. La hermana menor, Cami (Ilona Brezoianu), llega trayendo a una amiga croata que o está borracha o está drogada y, para desesperación de la madre de todos éllos Nusa Mirica (Dana Dogaru), vomita sobre el traje del muerto.
No puedo ni quiero describir las miles de situaciones que acontecen en esta película de tipo coral, donde la vacuidad de los seres humanos está en carne viva.
"Sus personajes, además de hablar, discutir e insultarse, se interesan también mucho por la comida, un elemento importante y sociable de la película.
Sí, y sin embargo nadie consigue comer. Una comida es un rito en cualquier cultura porque está presente en todas partes. Nos reunimos alrededor de la mesa. Lo simplificaré diciendo que la mesa es una tradición que aporta un falso sentimiento de solidaridad. No se trata solo de alimentos, de lo que necesita el cuerpo, y que en la película se hace urgente porque acaban teniendo realmente hambre. Sirve para mostrar que cuando los personajes tienen hambre, se olvidan de la solidaridad y de la amistad."
Entrevista al director Cristi Puiu sobre la película.
Trailer subtitulado en castellano
 Diez puntos sobre diez para esta magnífica realización de Cristi Puiu cuyas imagenes quedarán dando vueltas por la imaginación de los espectadores duarnte largo tiempo.

El faro de las orcas (Gerardo Olivares, 2016) 🌟🌟🌟

Sobre la novela autobiográfica de Roberto Bubas, adaptada al cine entre el director, Lucía Puenzo y Sallua Sehk, Gerardo Olivares construye este bellísimo film, cuya atracción principal son los paisajes deslumbrantes que tiene al haber sido filmado en los escenarios naturales de Península Valdés, en Argentina.
Beto Bubas (Joaquín Furriel) es un guardafaros cuya única satisfacción es comunicarse con las orcas que visitan anualmente las costas de Península Valdés.
Las orcas, mal llamadas ballenas asesinas, se alimentan de los lobos marinos que abundan en las playas de la zona. Toda Península Valdés es un maravilloso santuario para la vida salvaje, ya que debido a la inexistencia de fuentes de agua dulce se hace imposible habitar la zona.
Los faros de Península Valdés, Punta Norte, Punta Bajos y Punta Delgada son la única prueba de la existencia del ser humano en la península. Al ser un área protegida no se permite hacer camping ni mucho menos pescar o cazar dentro del perímetro de la península.
Lola (Maribel Verdú) tiene un hijo con autismo, Tristán (Quinchu Rapalini) quien después de ver un documental de National Geographic sobre la relación de Beto con las ballenas, demostró cierta inquietud emotiva. Buscando despertar a su hijo al mundo de los sentidos, Lola viaja hasta la Patagonia en búsqueda de Beto, de quien espera pueda inducir a su hijo a revivir.
Beto tiene absolutamente prohibido acercarse a las orcas, puesto que tras de la difusión de su imagen tratando con las orcas, ha generado un desmesurado interés turístico por la zona. Pero claro, la península es un área protegida y dentro de esa protección se encuentran las orcas quienes sino serían objeto de safaris turísticos sin ningún tipo de cuidado hacia los animales.
Beto le explica esto de muy malos modos a Lola y ella decide regresar con su hijo a España. Al día siguiente la levanta en la ruta Marcela (Ana Celentano) y la lleva a su casa.
Beto mientras tanto lee en una enciclopedia acerca del autismo y decide ayudar a Tristán, así que va a la casa de Marcela a decirle a Lola que vuelvan.
El resto de la película transcurre entre encuentros con las orcas, compartir el mate y conocerse mutuamente. No hay mucho para reseñar. Hay una fiesta de la esquila, que se celebra obviamente fuera de la península, donde se pueden ver tanto la esquila de las ovejas como algunos bailes tradicionales.
Quiero rescatar una sentencia de Beto, hablando de la prohibición de las autoridades a que se acerque tan siquiera a las oscas: "Hay personas que les molesta aquello que no entienden y otras que no quieren entender aquello que les molesta."
Hay que destacar la magnífica fotografía del mar más azul que se haya visto jamás, por parte de Oscar Durán y la delicada banda de sonido de Pascal Gaigné.
Trailer
Siete puntos sobre diez para un hermoso film hispano-argentino.

Billy Lynn (Ang Lee, 2016) 🌟🌟🌟🌟

El cartel de la película dice "Poderosa, Cautivante, Hipnotizante". Y no es simplemente un anuncio de marketing, es verdad.
El director Ang Lee nos tiene acostumbrados a sorprendernos con sus películas. Desde "El banquete de boda" donde un chino de Taiwan residiendo en Nueva York para poder vivir sin persecuciones su homosexualidad, recibe la visita de sus padres que ignoran sus inclinaciones y debe presentarles a una "novia" armada de urgencia. Pasando por su versión de Jane Austen "Sentimiento y sensibilidad" con las estupendas actuaciones de Emma Thompson y Kate Winslet. La asombrosa "El tigre y el dragón" donde reveló a occidente la estética que el cine de Hong-Kong había desarrollado y llevó a las artes marciales chinas a un nivel de un alto desarrollo artístico. "Secreto en la montaña (Brokeback Mountain)" donde por primera vez desarrolló con humanidad una relación amorosa homosexual. En fin, toda su cinematografía es asombrosa. "Billy Lynn" no es la excepción a esta regla.
Basada en una novela de Ben Fountain y con un increíble guión de Jean-Christophe Castelli, Lee describe una escena y sólo con esta muestra es suficiente para percibir lo que se maneja alrededor de la guerra de Irak y su relación con el pueblo estadounidense.
Billy Lynn (Joe Alwyn) es un cabo de un escuadrón denominado "Bravo" que participó en una escaramuza con iraquíes. Como resultado de que alguien estuviera filmando el arrojo de Billy cuando saltó fuera del lugar donde estaban atrincherados para auxiliar a su sargento Shroom (Vin Diesel) y que el video se difundiera en los Estados Unidos, todo el escuadrón es llevado para hacer presentaciones especiales ante el público estadounidense. Sí, así como lo oyen, así es descripto con la mayor naturalidad en la película y así debe haber sido en la realidad. El sargento Dime (Garrett Hedlund) cree que Billy tiene capacidad para ser militar y lo retiene a toda costa con las amenazas de costumbre dentro de las fuerzas armadas, esas donde la valentía y el arrojo priman sobre cualquier otra aptitud. Pero Billy a sus 18 años, está absolutamente conmocionado por lo que le ha tocado vivir en Irak y, aunque no lo puede discernir, siente que algo no está bien.
Su hermana Kathryn (Kristen Stewart) aún convalesciente por haber sido atropellada por un camión, quiere convencer a Billy que no vuelva al frente, que ya ha hecho bastante y que vale mucho más hacer frente a la lucha cotidiana por sobrevivir en los Estados Unidos, que matar a gente de Irak para beneficio de las petroleras.
Pero el centro de la película está en la participación del escuadrón en un show deportivo-televisivo, donde se mezcla el futbol americano con el show de las porristas, la actuación de Destiny's Child cuando una de sus integrantes era Beyoncé y la participación del escuadrón a quien hacen vestir con ropas de fajina para parecer más reales. El dueño de toda esa superproducción es un magnate financiero interpretado por Steve Martin quien quiere contratar al escuadrón para filmar una película sobre la batalla por la que pretende pagarles una cifra irrisoria.
Como el espectador adivinará, como toda la historia está enhebrada de ironías dolorosas y sarcásticas hacia el público estadounidense, no es de asombrar que la película haya pasado sin pena ni gloria por las pantallas del mundo.
Excelente la música de Jeff y Michael Danna y la versión de "Heroes" por Scala y Kolacny Brothers, como es de destacar el montaje entre las escenas del show y la memoria de Billy de los hechos como realmente sucedieron.
Trailer en inglés
Scala ·Heroes"
Nueve puntos sobre diez por la asombrosa honestidad de Ang Lee al trasladar esta novela al cine con tanta autenticidad.

En la vía láctea (Emir Kusturica, 2016) 🌟🌟🌟🌟🌟

Me saco el sombrero ante esta nueva genialidad de Emir Kusturica.
El director que ha legado a la historia del cine joyas como "Underground" y "Gato negro, gato blanco", vuelve recargado.
Leí en un artículo que la filmación de esta maravilla le llevó cuatro años. Pues no han sido en vano. Las imágenes que en un poco más de dos horas se acumulan en el cerebro del espectador, siempre y cuando este no sea un descerebrado, van a calar hondo en su modo de mirar y apreciar el mundo.
Evidentemente este es el camino que ha seguido Emir Kusturica, convertido ahora en el centro y alma de su película también personifica a su héroe. Es un lechero que lleva leche a los soldados bajo las bombas y balas de esa imposible guerra que significó la atomización de la Yugoslavia (la unión pan-eslava de países europeos). Viaja montado en un burro y protegido por un paraguas, con la compañía de un halcón amigo que adora posarse en su cabeza. Como un renacido Francisco de Asís, habla con los animales y se maravilla de una serpiente que bebe leche. Durante la primera media hora, la pantalla se verá habitada por imágenes delirantes, surrealistas y conmovedoras de personas y animales en medio de la guerra.
Un personaje le dice al otro, "y cómo sabes que es un halcón peregrino y no un águila" y el otro le contesta "por nuestros cuentos populares".
Esa es la inmensa sabiduría que Kusturica tiene para ofrecer al mundo y vaya si lo hace.
La novia de Kosta, el lechero, Milena (Slovoda Micalovic) está también un poco loca y salva a una vieja de las garras de un reloj de péndulo que enloquece y captura a las personas entre sus cuerdas. Según dice Kosta, es un reloj austro-húngaro.
Milena quiere casarse el mismo día que su hermano Zaga (Predrag Manojlovic) y le consigue como novia a una italiana )Monica Bellucci) que se ofrece voluntaria para el casamiento porque, sabremos después, está huyendo de los soldados de los cuerpos de paz.
Es inevitable que Kosta se enamore de la italiana y durante toda la película el espectador va a vivir sobresaltado por esta historia de amor y guerra, amor y belleza, amor y entrega.
Un homenaje a la imaginación de los seres humanos con su locura bélica y otros, que destruye todo a su paso. La muerte del burro es particularmente dolorosa y prefigura las posteriores.
En este canto desgarrador a la vida, Kusturica trata de brindarnos, como dice al principio, tres historias reales y muchas fantásticas.
La música, que es siempre un elemento primordial en sus películas, es esta vez de su hijo, Stribor Kusturica. La dirección de fotografía de Martin Sec y Goran Volarevic y el majestuoso montaje, es muy difícil enhebrar tantas imágenes fantásticas, estuvo a cargo de Svetolik Zajc.
Trailer en castellano
Es imposible ser equitativo cuando de Emir Kusturica se trata, así que no es de extrañar que mi calificación sea de 10 puntos sobre 10. Espero que muchos espectadores la encuentren tan fascinante como yo.

Que tengas dulces sueños (Fai Bei Sogni) (Marco Bellocchio, 2016) 🌟🌟🌟🌟

Marco Bellocchio se ha convertido desde la desaparición de Federico Fellini, Michelangelo Antonioni y Luchino Visconti, en el realizador de cine más importante del cine italiano del siglo XXI.
Se ha especializado en sus filmes en indagar en la psicología familiar. Padres, hermanos e hijos pasan por su lupa y adquieren una nueva dimensión humana sin necesidad de apelar a dramatismos ni a situaciones bizarras.
En este, su último film, su personaje es Massimo (Valerio Mastandrea, Nicoló Cabras (niño) y Dario dal Pero (adolescente). Massimo ama con locura a su madre (Barbara Ronchi) y su madre a su vez juega con él todo el tiempo. Una noche, Massimo se despierta para ver salir a su padre (Guido Caprino) acompañado de otra gente y a sus padrinos (Arianna Scomegna y  Bruno Torrisi) que se hacen cargo de él diciéndole que su madre está en el hospital.
Finalmente al regresar su padre a la casa, lo lleva a hablar con el cura (Roberto de Francesco) quien le cuenta que finalmente Dios ha escuchado las plegarias de su madre y se la ha llevado al cielo.
Massimo reniega del cura y le dice que cómo sabe lo que Dios y su madre hablaban.
A pesar de su rechazo, tiene que despedir al ataúd donde se supone que está su madre, en realidad él no la ha vuelto a ver.
Esta es la tragedia de la infancia de Massimo. Vemos que en la actualidad está levantando el departamento de sus padres y nos enteramos que debe vaciarlo durante el fin de semana. Le llega un envío por correo conteniendo una caja de fósforos que perteneció a su madre. Esto le ocasiona un ataque con palpitaciones, ahogos y sudores que terminan por llevarlo al hospital en el que lo atendió telefónicamente una doctora. Finalmente encuentra a la doctora Elisa (Berenice Bejo), quien con toda calma le dice que lo que sufrió fue un ataque de pánico. Luego se lo cruza por la calle y le dice que si le vuelve a suceder que llame a un amigo o a un familiar al que lo unan lazos de afecto y él le pregunta si puede llamarla a élla.
La historia de Massimo adulto tiene varios flashbacks, de cuando fue corresponsal en Sarajevo y fotografió el cadaver de una mujer muerta mientras en otra pieza su hijo está abstraído con los jueguitos electrónicos. O de cuando presenció el suicidio de un alto industrial (Fabrizio Gifuni) que le estaba pidiendo que escribiera sus memorias.
Toda la historia está hilvanada en función de los recuerdos y emociones de su vida y, como dice en determinado momento, ahora que es más viejo que su madre cuando murió debe verlo todo de otra manera.
El espectador va a seguir los vericuetos de la odisea emotiva de Massimo y se va a involucrar irresistiblemente con el personaje.
Impecable la realización fílmica, así como la dirección de fotografía de Danielle Cipri y la banda de sonido de Carlo Grivelli.
Trailer subtitulado en castellano
Esta hermosa película merece una calificación de 8 puntos sobre 10 y no habrá espectador que quede decepcionado después de verla.

Ma' Rosa (Brillante Mendoza, 2016) 🌟🌟🌟🌟

Esta película encierra todo un documento histórico, político y sociológico sobre los países del tercer mundo. La historia se desarrolla en nuestros días, en Filipinas, pero como se describe para Filipinas, igual podría serlo para cualquier otro país subdesarrollado.
Creo que nunca se había visto semejante despliegue cinematográfico para contar una historia sobre los seres humanos que pasan sus vidas en medio de la pobreza, la miseria y la delincuencia de las clases bajas.
La tristeza que baña al espectador no es producto de ninguna manipulación del director, ya que no ejerce la más mínima presión para conmover a su audiencia. Simplemente describe una historia que podemos considerar como real sobre una familia que vive de un negocito de reventa de caramelos en medio de una villa miseria y que, entre otras cosas, vende también drogas. También las consumen. Están inmersos en esa realidad de las villas miseria latinoamericanas o de las poblaciones negras de los países africanos.
Un muchacho de la vecindad, para rescatar a su hermano al que han llevado detenido, (no preso, porque la policía actúa doblemente, con uniforme para los presos, sin uniforme para los detenidos ilegales a los que trata de saquear todo el dinero o los bienes de que disponen), los denuncia. En el medio de la cena de cumpleaños de Néstor (Julio Díaz) el marido de Ma' Rosa (Jaclyn Jose), irrumpen los policías en su humilde vivienda buscando las evidencias o cualquier otro bien que sea comerciable.
Los llevan detenidos, no a la comisaría, sino a las oficinas paralelas que poco tienen que envidiar a las viviendas de las villas miseria. Hasta tienen un pibe gay que les oficia de sirviente.
Con la amenaza de meterlos presos, consiguen que les den el nombre de su proveedor y también que Ma' Rosa lo cite para poder secuestrarlo.
Cuando detienen al muchacho que les provee las drogas en las oficinas paralelas, le dicen que puede hacer una llamada. Como el muchacho llama a un comisario amigo, le rompen la cabeza con un revólver.
Ya le han conseguido sacar 100.000 a este muchacho y la mujer del muchacho se compromete a entregarles 50.000 más para que lo dejen en libertad. Como quieren 200.000 en total le exijen a Ma' Rosa que junte los 50.000 faltantes.
Las peregrinaciones de los hijos de Ma' Rosa por las calles de Manila en busca de dinero es de antología. Nunca en la historia del cine se ha presentado de manera más desgarradora el desamparo de toda esta gente.
Una mención aparte para Jaclyn José. No es en vano que haya obtenido la gran Palma de Oro del festival de Cannes como mejor actriz en 2016. Su actuación es inigualable. Recomiendo a los posibles espectadores que presten atención a su rostro, manos y lenguaje corporal en las últimas escenas de la película. Es realmente conmovedor.
La dirección de Brillante Mendoza es increíble. Descubre un nuevo lenguaje cinematográfico al utilizar la iluminación eléctrica de los lugares donde filma que son terriblemente miserables, para crear una belleza desconocida en las imágenes. El ritmo de la película es también inusual. Filmada como con cámaras amateurs, persigue a los actores y a los escenarios para dar la sensación de realidad al espectador.
Trailer y clips con subtítulos en inglés
Nueve puntos sobre diez para esta excepcional realización de Brillante Mendoza.

El maestro del dinero (Jodie Foster, 2016) 🌟🌟🌟🌟

Contadas veces el cine estadounidense se ha cruzado en el camino de las empresas financieras para desacreditarlas. Esta es una de las mejores logradas historias sobre una estafa financiera a los inversionistas.
Jodie Foster no es una maravillosa directora ni tampoco aporta demasiadas novedades a la cinematografía, pero sí es de destacar que en los años que lleva trabajando como directora, casi siempre se ha visto envuelta en proyectos donde la hipocresía y las falacias del sistema capitalista quedan expuestas de un modo descarnado.
La historia es simple y sencilla. Lee Gates (George Clooney) conduce un programa por televisión que es una especie de show sobre las finanzas. Allí canta, baila y asesora sobre las acciones que están en alza o las que están en baja. Habla sobre los índices y toda esa parafernalia con que el mundo del dinero engatusa a la gente común.
El show está dirigido, entre bambalinas, por Patty Fenn (la inigualable Julia Roberts) que es quien modera y aconseja a Lee sobre por dónde debe seguir y con quien debe o no meterse.
Pero el día en cuestión, un hombre se filtra en el set llevando dos cajas. Patty lo ve de refilón, pero cuando quiere acordar ya es tarde. Kyle Budwell (Jack O'Connell) ha reducido a Lee con un revolver y lo ha obligado a colocarse un chaleco que tiene una bomba en su interior. Kyle conserva el detonador en su mano izquierda y el revólver en la derecha.
Su petición es para que Lee aclare porqué estafa así a la población. Hace unos meses aconsejó comprar acciones de la empresa Ibis y hoy esa misma empresa deja en bancarrota a sus inversionistas y, todo, por un error del programa informático, según declara la corporación.

"Uno se siente contento cuando un film se atreve a decir verdades que el propio sistema oculta. No sucede muy seguido, pero hay películas hechas con valentía.

Incluso, uno se queda sin entender cómo han logrado camuflarse dentro de las redes del paradigma que las produce.

Lo cierto es que Jodie Foster, como directora de El maestro del dinero , parece hacer suyo aquel texto del gran realizador Andrei Tarkovski: “El realismo es inclinarse hacia la verdad y la verdad siempre es bella”.

Así, Jodie Foster lleva su película hacia la denuncia social como acto de sinceridad y, por eso, el film es poco creativo en términos formales: no hay ningún gesto formal o visual que nos distraiga de lo que está en juego. Aquí se busca preparar la guillotina para ajusticiar actos de corrupción del sistema.

La trama sucede en Estados Unidos, pero es trasladable a otros países. Se trata del capitalismo parasitario propio de una economía neoliberal."

Maravilla la actuación de Julia Roberts. Sin sus gestos y miradas la película no diría las mismas cosas.

George Clooney está medido y coherente con su papel, en tanto que Jack O'Connell desborda sinceridad y ejemplifica lo que un buen actor puede extraer de papeles que le brindan oportunidades.

También hay que destacar la actuación de Caitriona Balfe, como la directora de comunicaciones de la empresa Ibis.

En fin, una película excitante de principio a fin, que no tiene ningún desperdicio y que encima se permite la osadía de hacer una denuncia social del sistema neoliberal que está corrompiendo a nuestra civilización.

Trailer en castellano 

Por la inteligencia y honestidad, 8 puntos para "El maestro del dinero".

 

Personal Shopper (Olivier Assayas, 2016) 🌟🌟🌟

Maureen (Kristen Stewart) trabaja como personal shopper de Kyra (Nora Van Waldstatten), una artista famosa que no dispone de tiempo para seleccionar y comprar el variado guardarropa que su profesión le exige.
Atención espectador. lo de "personal shopper" es una maniobra de distracción por parte del director.
Olivier Assayas quien elaboró argucias semejantes en "Las nubes de Sils Maria". Vuelve a hacerlo, pero con mayor intensidad en esta película.
Las primeras escenas nos muestran a Maureen llegando a una casa en la campaña, donde Lara (Sigrid Bouaziz) le entrega las llaves de la casa y le dice que élla no puede permanecer por motivos emotivos.
Maureen pasará toda la noche en vela, esperando... ¿qué?. Con el correr de la película nos enteraremos que lo que Maureen está esperando es una señal del otro mundo por parte de su hermano Lewis, muerto hace poco tiempo. Los hermanos eran gemelos y estaban muy unidos, sobre todo en la percepción que tenían del mundo de los espíritus. Se juraron que el primero en morir le daría una señal al superviviente.
Maureen viaja a Milán para hacer algunas compras y escucha hablar de una pintora sueca de principios del siglo XX que fue pionera en el arte abstracto. Ella consignó en su testamento que su obra permaneciera oculta al público por 30 años y juraba que eran los espíritus quienes pintaban realmente a través de su mano.
De regreso en París conoce a Ingo (Lars Eidingen) un ex-amante de Kyra, quien comenzará a enviarle extraños mensajes.
El súbito asesinato de Kyra es la gota que rebalsa el vaso de Maureen y la lleva a llamar desesperadamente a su novio que está trabajando en Mascate.
El resto de la película deberá conocerlo el espectador que tenga interés en ver esta inquietante historia de misterio, suspenso y hasta horror que Olivier Assayas creó para deleite de los espectadores inteligentes.
Trailer subtitulado en castellano
Ocho puntos sobre diez para esta interesante realización del cine francés.

Tu nombre (Kimi No Na Wa) (Makoto Shinkai, 2016) 🌟🌟🌟🌟🌟

En sus sueños, Mitsuha se encuentra siendo un muchacho que insiste en acariciarle las tetas. Cuando su hermana la despierta, se escandaliza por ver a Mitsuha sobándose los pechos.
Pero la misma confusión tiene Taki, ya no puede distinguir sus sueños de la realidad y esa chica en la que se convierte en el mundo de los sueños, se le aparece cada vez más asiduamente.
Como una solución para poder continuar con sus vidas, Mitsuha y Taki acuerdan distanciarse.
Pero es que en la realidad no saben en dónde viven cada uno. Mitsuha habita un pueblecito rural al borde de las montañas y Taki en pleno Tokio.
La vida de cada uno de éllos está profundamente subvertida por la presencia tan real del otro en el mundo de sus sueños.
Mitsuha va al colegio donde es una buena alumna. También practica las ceremonias shintoístas junto con su abuela, aunque no la entusiasman mucho. Su padre está metido en política y Mitsuha detesta sus actividades.
Taki ya está en el colegio superior y también trabaja en un restaurant italiano, donde todos los muchachos están detrás de Okudera, la supervisora. A élla le gusta la inocencia de Taki y lo perdido que parece estar en la vida.
Cuando Taki le cuenta de la chica de sus sueños, Okudera lo incita a ir en su búsqueda. Todo lo que Taki posee para ubicar el pueblo, es un dibujo del paisaje montañoso que ha hecho recordando sus sueños.
 En la vida de Mitsuha hace su aparición el cometa Tiamat, que se verá sobre Venus en el cielo nocturno. Se está acercando peligrosamente a la tierra.
Durante la noche se ven cientos de estrellas fugaces.
Cuando Taki viaja a la región donde debería estar el pueblo de Mitsuho, le muestra su dibujo a un muchacho en un bar y este le dice que es un muy buen dibujo de Itomori. Taki le pregunta como puede llegar hasta allí y el muchacho le dice que ya no queda nada del pueblo, porque fue destruído unos años atrás por una sección del cometa Tiamat que cayó sobre el pueblo.
Ya he descripto el nudo de la intriga. Y hasta aquí llegaré.
En una hermosa y sugestiva historia escrita por el mismo Makoto Shinkai, el espectador se va a a ver hipnotizado por un animé de una belleza excepcional. La emotividad de la historia surge de la misma historia, no hay sucesos trágicos ni muertes ni nada que suponga tragedia. La caída del cometa es un hecho más de la naturaleza.
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Diez puntos sin dudar es mi evaluación sobre esta mágica historia de seres reales pero que viven fuera de la realidad cotidiana y se deslizan por otra dimensión de la naturaleza. La recomiendo fervientemente.

Yo, Daniel Blake (Ken Loach, 2016) 🌟🌟🌟🌟🌟

Después de sufrir un ataque cardíaco, Daniel Blake (Dave Johns), un carpintero de 59 años, tiene que pelear contra los organismos del estado para conseguir una pensión por invalidez.
Los servicios de atención a los usuarios están tercerizados como está de moda en los gobiernos neo-liberales y es así como Daniel Blake debe contestar un cuestionario ridículo, donde le preguntan si tiene problemas para ponerse un sombrero o para evacuar sus intestinos, pero no por su real problema que es el cardíaco. Como en el cuestionario no llega a sumar los 15 puntos requeridos, la pensión es denegada y debe pasar a un cuarto intermedio hasta tanto lo llamen para poder reclamar el resultado.
En el mismo organismo, Daniel se cruza con Katie (Hayley Squires) una joven mujer con dos hijos a la que no le permiten firmar su requerimiento de asistencia por haber llegado tarde a la cita.
Este es el mapa de situación de esta última película del celebrado director inglés Ken Loach. Como ya es habitual, el guión ha sido escrito por Paul Laverty, con quien también hizo todo el estudio de relevamiento previo a la producción del film.
La película mereció la gran Palma de Oro en el festival de Cannes 2016 y de esta manera, la burguesía se felicita y se queda contenta de su gran amplitud de miras.
Porque "Daniel Blake" es una película donde las aguas se separan claramente mostrando las fisuras que el sistema neo-liberal ha abierto en nuestra sociedad contemporánea.
Como tal es un testimonio patente del estado de indefensión de las clases trabajadoras en un mundo donde los burócratas juegan al tenis.
Como lamentablemente hasta mi país llegó esta ola de "modernización", conozco muy bien todas las trampas y argucias que utilizan las clases dirigentes para privar de soporte a las clases bajas.
Y Ken Loach y Paul Laverty también las conocen muy bien por vivir en un país que fuera destartalado por Margaret Thatcher y los sucesivos gobiernos conservadores.
Para el espectador sensible, "Daniel Blake" es una película que le guste a uno o no, duele en el cuerpo y en el alma. Gente que no tiene siquiera para comer o para alimentar a sus hijos, pero a los que el sistema priva de soporte por haber llegado tarde a una cita.
Extraordinario documento que testifica el abandono del que están siendo objeto millones de personas en las sociedades ampliamente desarrolladas, donde el que quiere puede comprarse un IPhone o una nueva casa en el campo.
Desgarrador trailer
Yo, Daniel Blake, limpieza social
Conferencia de prensa en Cannes 2016
Tengo que dejar de lado mis instintos humanistas para calificar esta película y me resulta muy difícil hacerlo, pero considerando la impecable realización y la notable actuación de los intérpretes, le adjudico diez puntos sobre diez solo por sus valores cinematográficos. Debería agregar unos cien puntos más si tuviera en cuenta sus aspectos humanísticos.

Paterson (Jim Jarmusch, 2016) 🌟🌟🌟🌟

Jim Jarmusch es uno, por no decir el mayor, de los directores innovadores en Estados Unidos. Lo descubrí hace algunos años cuando ví "Una noche en la tierra", donde los diferentes episodios de la película se desarrollan en diversos sitios culturales. El episodio italiano es para llorar de la risa.
Sus películas pueden ser más o menos inquietantes, pero seguro que son inovadoras.
Y esta última película de Jim Jarmusch no es la excepción. Estamos hablando de Poesía, sí, con letras mayúsculas. Todo en "Paterson" es poesía.
Los personajes principales son Paterson (Adam Driver, qué tipo tan raro), su mujer Laura (Golshifteh Farahani, una dulzura iraní que debutara a los 14 años en el extraordinario film de Dariush Mehrjui, "El peral") y su perro Marvin (Nellie, a quien se recuerda en los títulos finales).
Paterson es un conductor de autobuses en la ciudad de Paterson, en el estado de New Jersey. Que su nombre coincida con el nombre de la ciudad donde nació y vive es otro de los guiños poéticos de Jim Jarmusch. Los tiempos en la película transcurren durante el curso de una semana, comenzando con el despertar de Paterson el día lunes.
Todo se desarrolla pacíficamente en la vida de este matrimonio. Laura tiene sus sueños de vender pasteles y hacerse millonaria con esa actividad, aunque luego también integra ser cantante country.
Y Paterson, escribe poemas. En un cuadernito con páginas sin rayar.
Los imagina mientras está desayunando y los comienza a escribir mientras espera el horario de salida sentado en su autobus y los sigue escribiendo durante el tiempo de su almuerzo.
Laura le pide que se los recite, pero él bastante tímidamente, rehusa hacerlo y en lugar de eso le recita poemas de William Carlos Williams, otro poeta nacido en Paterson, nada más que en este caso Jim Jarmusch se permite otra licencia poética, William Carlos Williams es real.
En las escenas en que conduce el autobus por la ciudad, el espectador ansioso está esperando que suceda algo dramático, que corte la liviandad de los días de Paterson. Pero no, Paterson observa todos los detalles a su alrededor y se divierte escuchando las conversaciones de los pasajeros.
A la noche, cuando regresa a su casa, siempre tiene que enderezar la casita del correo que aparece ladeada. Luego nos vamos a enterar el porqué en una de las escenas más cómicas de la película.
Después de cenar, Laura le pide que saque a pasear a Marvin y el camino que hace es siempre el mismo y termina con Marvin atado afuera de un bar, donde Paterson entra a tomarse una cerveza y se encuentra con una serie de personajes fantásticos.
Otro guiño de Jim Jarmush es hacia Peter Greenaway. Las líneas de los poemas que imagina Paterson aparecen escritas sobre la pantalla.
El espectador sensible que sabe apreciar la poesía de lo cotidiano va a adorar a Jim Jarmusch y esta película en particular.
Trailer
Nueve puntos sobre diez es mi calificación para esta sensible y sencilla reación de Jim Jarmusch.

La correspondencia (Giuseppe Tornatore, 2016) 🌟🌟🌟

En el año 2007, Richard LaGravenese escribió y dirigió una emotiva comedia sobre las vivencias de una mujer después de la muerte de su marido, cuando éste antes de morir ha dejado un montón de huellas para que su mujer lo recuerde. Se llamó "P.S. I love you".
Tomando exactamente el mismo tema, Giuseppe Tornatore escribe y dirige "La correspondencia". Sin tener la identificación estrepitosamente emotiva de los personajes de LaGravenese, pero con mucho más dramatismo y romanticismo que el norteamericano.
La película comienza con una escena de sexo entre dos amantes en un hotel. Son Amy Ryan (una magnífica actuación de Olga Kurylenko) y Ed Phoerum (la habitual solvencia de Jeremy Irons).
Lo que el espectador puede imaginar es que la joven lo está engañando a Ed, se disuelve en pocas escenas cuando se descubre que Ed es un astrónomo importante y que Amy lo conoció por ser estudiante de astrofísica. Hay unas pocas escenas más entre los dos. La más importante un fin de semana en Burgoventoso (Orta San Giulio, lago d'Orta en el Piemonte de Italia), un lugar extraordinariamente hermoso y fuera de lo común en películas de este tipo.
Luego Ed empieza a ser evasivo con Amy. Solo se comunican a través de Skype o de mensajes de texto.
Finalmente, asistiendo a una conferencia que debía dar Ed, Amy se entera de la verdad. Ed ha muerto en Edimburgo a principios de enero. Sin embargo élla ha recibido mensajes de él posteriores a esta fecha. Decide ir a Edimburgo a comprobarlo por sí misma.
Al final se entera en el cementerio, que fue cremado en los primeros días de enero.
De aquí en más la película va a desarrollarse en función de las vivencias ambivalentes de Amy y de los mensajes y regalos que sigue recibiendo de Ed..
Aquí suspendo la narración de la historia porque sino no tendría mucho sentido verla. Demás está decir que el oficio de Tornatore hace mucho por la película. Está excelentemente bien fotografiada y el montaje es realmente exquisito. Hay algunas escenas de película catástrofe, porque Amy también actúa en películas del estilo Hong Kong.
La música, tradicionalmente de Ennio Morricone en las películas de Tornatore, no va a dejar huellas en su historia, pero es muy buena.
Trailer
Una película deliciosa para ver, con una historia semi-repetida y con dos excelentes actores. Siete puntos sobre diez.

Sophie y el sol naciente (Maggie Greenwald, 2016) 🌟🌟🌟

Es conocido que Estados Unidos es un país corroído por los odios raciales. No es necesario politizar demasiado, sino que es cuestión de analizar la historia de sus más de 200 años para encontrar suficientes testimonios.
Por eso es muy interesante cuando el cine se ocupa de retratar la médula de estos problemas con un pequeño ejemplo.
En la película de Maggie Greenwald basada en la novela de Augusta Trobaugh, los hechos se desarrollan en Salty Creek, un pequeño poblado de Carolina del Sur en el año 1941, poco después de haberse desencadenado la guerra mundial en Europa.
A este pueblecito, ya lo dice el refrán, pueblo chico, infierno grande, llega un autobus dejando una carga semiviva sobre un banco en la calle principal.
Las mujeres, siempre las mujeres son las encargadas de meterse en todo lo que sucede, interrogan al muchacho (Takashi Yamaguchi) que está muy malherido y todo lo que le consiguen sonsacar es "Ohta", que pareciera ser su nombre. Lo clasifican como chino y las autoridades piden a Anne Morrison (la gran Margo Martindale), que lo aloje en su casa hasta que se restablezca y pueda continuar su camino a donde quiera que fuese.
Anne se ocupa con gran solicitud de curar las heridas y alimentar al muchacho que parece estar totalmente perdido.
Una vecina de Anne, a la que Anne tiene en gran estima, pasa un día por su casa para interesarse por el estado del chino. Es Sophie Willis (Julianne Nicholson), una mujer que vive sola y que para sobrevivir pesca cangrejos. Obviamente no le teme a la vida y tiene en muy poca estima a los pobladores de Salty Creek.
Se iniciará una relación entre Ohta y Sophie, cuando él vaya a pintar al mismo lugar que elige Sophie para hacer sus cuadros. Es una relación amistosa aunque de desconfianza mutua.
A la casa de Anne se presenta Salomé (Lorraine Toussaint) a pedir empleo como ama de llaves y aunque no tiene referencias, Anne la contrata a prueba.
Este personaje pasará a ser el enlace de las diferentes situaciones que se desarrollen en más en la película.
A medida que Ohta mejora se empieza a ocupar del jardín de Anne y lo convierte en un paraíso.
Pero sucede el bombardeo a Pearl Harbor por parte de los japoneses y la entrada en guerra de los Estados Unidos.
El chino de Anne Morrison es el enemigo para el pueblo y Anne le recomienda que no salga de la casa. Su enemiga número uno es Ruth Jeffers (Diane Ladd) quien cuida a su esposo inválido y en los ratos libres se dedica a meterse en la vida de la gente, especialmente criticando la de Sophie.
La relación entre Ohta y Sophie va convirtiéndose en romance. Hay unos flashbacks que nos muestran como Sophie fue castigada de niña por tener una amiga de color.
Como podemos ver, ya están todos los ingredientes mezclados y el detonador pasa a ser cuando alguien ve a Ohta y Sophie besándose en el lugar donde pintan y Ruth Jeffers se encarga de divulgarlo a todo el pueblo.
Ohta, cuyo nombre es Grover, le confiesa a Sophie que no es chino, sino de familia japonesa, pero nacido en California. Sophie le sugiere que no se lo diga a nadie más.
La película, aunque de tintes muy románticos, no hace demasiado hincapié en la relación amorosa entre Grover y Sophie, sino que pinta con vivos colores el odio racial que llena las vidas de los habitantes de este pequeño pueblo.
Con buenas actuaciones, sobre todo la de Margo Martindale a quien el espectador avezado recordará como la cartera en una de las historias, la más emotiva quizás, de "París, je t'aime", la película se define como un excelente intento de retratar el problema subyacente en gran parte de la población de Estados Unidos. No tiene violencia, aunque hay algunas escenas que son muestras de la violencia cotidiana, por ejemplo la irrupción del comisario del pueblo en la casa de Sophie.
Trailer
Siete puntos sobre diez es mi calificación para este interesante film que fuera seleccionado para el Festival de Cine de Sundance, el más interesante de todos los que se celebran en Estados Unidos.

Toni Erdmann (Maren Ade, 2016) 🌟🌟🌟🌟

Maren Ade, una joven directora alemana, escribió y dirigió esta extraña comedia que por azar de los azares se volvió un éxito total para los cines de culto.
Describe en tiempo casi real, la historia de Ines Conradi (Sandra Hüller), una joven ejecutiva totalmente absorvida por su trabajo, que consiste en asesorar empresas para conseguir la tercerización de los servicios principales. Esto es trasladar a países del este europeo los costos de mano de obra.
Como consultora es quien pone la cara para los trabajadores que resulten despedidos.
Está trabajando en Bucarest, pero hace un viaje relámpago a Alemania donde aprovecha para visitar a su madre y allí se cruza con su padre Winfried (Peter Simonischeck). Este personaje es quien inicia la película, haciéndole una broma al hombre del correo que le lleva una caja para entregar, haciéndose pasar por su hermano Toni del que dice, recién acaba de salir de la cárcel donde estuvo por enviar cartas bomba.
Cuando se cruza con Ines en la casa de su mujer, está pintado de zombi por haber participado en un número musical en un colegio. El argumento no explica las razones.
Para ir tuvo que dejar a su anciano y ciego perro Willi en la casa de su madre, que está tan vieja como el perro. Le dice a Ines que vaya a ver a su abuela, pero élla ya no dispone de tiempo y tiene que tomar el vuelo de regreso a Bucarest.
Un buen día, Winfried se aparece por el departamento de Ines en Bucarest. Le dice que era hora de que se tomara vacaciones. La relación entre padre e hija es más bien tirante. Ella solo encuentra interés en las reuniones y presentaciones que debe llevar a cabo por su trabajo y él insiste en hacerle chistes y bromas que descolocan a ambos. Cada uno continúa haciendo su rutina de vida diaria sin tener en cuenta al otro.
Finalmente Winfried, luego de algunas metidas de pata, anuncia que regresa y efectivamente Ines lo ve subir a un taxi.
Pero al día siguiente reaparece en un cocktail de su trabajo vestido con una peluca y unos dientes postizos y diciendo que es Toni Erdmann, coaching de importantes figuras, entre ellas del dueño de la empresa que su hija está tratando de tercerizar.
De allí en adelante, Toni va a interferir pasivamente en todas las actividades de su hija, buscando el modo de restablecer sus vínculos afectivos.
El espectador va a disfrutar de las desenfadadas actuaciones de Toni Erdmann y las reacciones de su hija Ines, pero la más brillante de todas es cuando aparece vestido con una máscara búlgara en la fiesta nudista de cumpleaños de Ines. Dejo ese traje abierto a la intriga del lector.
Simpática, humana y ferozmente satírica de las relaciones humanas en nuestra vida cotidiana, "Toni Erdmann" es uno de los mejores descubrimientos que el espectador inteligente puede hacer en el mundo del cine.
Muy acertada la elección de los principales intérpretes porque con ellos los personajes cobran vida verdadera.
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Un abrazo en el parque
Mi puntuación, antes que varíe mi opinión, es de nueve puntos sobre diez.

Animales nocturnos (Tom Ford, 2016) 🌟🌟🌟🌟

Este tipo de películas, thriller, tiempos imprecisos, memorias que no son tales, crímenes violentos, consiguen dejarme en trance. Aún tengo la pantalla de mi mente llena de imágenes que van y vienen superponiéndose.
Es la segunda película que dirige Tom Ford cuya profesión es realmente diseñador de modas.
La primera la realizó hace ocho años y se llamó "A single man", (Un hombre soltero), donde Colin Firth interpretaba a un hombre cuya pareja gay había muerto recientemente. También es una maravilla de memorias, recuerdos y que sigue los vericuetos de una mente dolorida que no puede reponerse de una gran conmoción.
En "Animales nocturnos" encontramos a Susan (Amy Adams), una realizadora de arte, cuyo marido la engaña y élla se entera al poco tiempo de comenzar la película. Susan recibe por correo el draft de la novela que ha escrito su ex-marido Edward Sheffield (Jake Gyllenhaal). La novela se titula "Animales nocturnos" y en algún pasaje Susan va a reconocer que Edward decía que élla era un animal nocturno, La novela le está dedicada.
Susan que se ha quedado sola el fin de semana por un presunto viaje de negocios de su marido, en otra secuencia veremos qué tipo de negocios y Susan se enterará también por casualidad de su infidelidad, se dispone a leer la novela.
Inmediatamente la imagen en la película se transforma en la novela, donde el auto de Tony Hastings, al que la mente de Susan imagina como Edward, es embestido por un auto conducido por tres delincuentes. Las escenas se tornan muy violentas, el espectador debe recordar que esa no es la película sino la novela que lee Susan.
Bobby Andes (Michael Shannon) es el inspector de policía que se encargará de llevar adelante la investigación de los sucesos. Es un hombre consumido por el cáncer que sabe que va a morir muy pronto. Otra vez, espectador, recordar que esto sucede en la novela que Susan está leyendo en la película de Tom Ford.
Quien no se haya confundido con este último párrafo está preparado para ver este film y disfrutarlo del principio a fin.
Excelentes actuaciones de Amy Adams, Jake Gyllenhaal y Michael Shannon. En un pequeño papel, el de la madre de Susan, aparece Laura Linney cuya mirada es absolutamente inconfudible.
También es excelente la actuación de Aaron Taylor-Johnson, personificando a Ray Marcus, uno de los delincuentes psicópatas.
La música de Abel Korzeniowski es realmente impactante y muy buena la dirección de fotografía de Seamus McGarvey, sobre todo en las escenas nocturnas y del amanecer en el desierto.
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Nueve puntos sobre diez para un inolvidable film de Tom Ford.